Michael Angelo Batio: crítica de Intermezzo (2013)

 

Michael Angelo Batio é daqueles que possuem mais detratores do que admiradores. Tal ódio é justificado por uma sequência de  álbuns ruins que comprovam que, em se tratando de guitarra, velocidade não é tudo. Ser considerado o guitarrista mais rápido do mundo o elevou ao status de divindade do rock — pelo menos na sua cabeça — e a preocupação com o aspecto musical de seus lançamentos foi relegada ao segundo plano. Parecia ser mais legal — e lucrativo — se manter no esquema clínicas/workshops, servindo de garoto-propaganda de modelos de guitarra sem potencial de vendas e, indiretamente, desencorajando jovens guitarristas a abandonarem o instrumento.

Diante desse background mais desfavorável que qualquer outra coisa, é normal que todo material lançado por MAB seja recebido com um misto de desconfiança e quase certeza de lixo sonoro. Mas em Intermezzo, lançado no finalzinho de 2013, Angelo mostra um senso musical que não se ouvia desde No Boundaries (1995), com foco total nas composições e não apenas no exibicionismo que data dos tempos do Nitro — quem não se lembra da guitarra de quatro braços no clipe de "Freight Train"???! Pela primeira vez em muito tempo as instrumentais não soam como composições de Yuzo Koshiro para games de Mega Drive, por mais que em alguns momentos a bateria programada ninguém possa negar.

Para se manter nos eixos, MAB contou com uma extensa lista de convidados — algo que ele já havia feito anteriormente, mas sem resultado positivo — que inclui Michael Romeo, George Lynch, Craig Goldy e até mesmo o cada vez mais ermitão Chris Poland. A principal faixa do CD, "8 Pillars of Steel", inclui solos de seis outros guitarristas além de Michael. Uma levada jazz pra lá de gostosa dá as caras em "5 Four Ever". Já o encerramento com "Overload" é puro speed metal, com direito a um riff de guitarra monstruoso e uma mistura certeira de efeitos e alavancadas. Essa, se fosse mais curta, certamente disputaria como instrumental do ano. Que Batio se mantenha neste caminho — ou o aprimore ainda mais — nos próximos discos!

1. Intermezzo
2. Kaleidoscope Images
3. Oceans of Time
4. I Pray the Lord
5. 8 Pillars of Steel (feat. Elliott Dean Rubinson, Dave Reffett, Jeff Loomis, Rusty Cooley, George Lynch, Andrea Martongelli and Craig Goldy)
6. The Possession – A Tone Poem
7. 5 Four Ever (feat. Alex Stornello and Guthrie Govan)
8. Juggernaut (feat. Chris Poland, Dave Reffett, Annie Grunwald, Guthrie Govan, Mike Lepond and Michael Romeo)
9. Overload Intro (feat. Florent Atem)
10. Overload (feat. Tobias Hurwitz, Ken Burridge, Darren Burridge, Bill Peck, Peter Ema, Joe Rose, Joe Stump, Florent Atem and Maxxxwell Carlisle)

The O’Jays ‎-1975 – Family Reunion

 

Na década de 1970, a Philadelphia International Records parecia não errar em nada quando se tratava dos O'Jays. O trio de Cleveland gravou uma joia atrás da outra sob a direção de Gamble & Huff, e Family Reunion não foi exceção. Nada neste LP tem a agressividade de “Back Stabbers”, “Don't Call Me Brother” ou “Rich Get Richer”, e o clima é animado e otimista em todas as faixas, desde a inspiradora “ Unity ” até a balada “ Stairway to Heaven ” (não a música do Led Zeppelin) e o hino festivo e escapista “ Livin' for the Weekend ”. Com a envolvente “ I Love Music ”, os O'Jays enfatizaram o lado soul da disco music e entregaram um dos maiores sucessos da era disco. Do início ao fim, Family Reunion foi uma adição valiosa a um catálogo que já tinha seus tesouros.

Faixas
A1 Unity 4:57
A2 Family Reunion 6:54
A3 You and Me 6:54
A4 She's Only a Woman 5:44
B1 Livin' for the Weekend 6:29
B2 Stairway to Heaven 6:15
B3 I Love Music 6:51

Para mim, os O'Jays foram um dos melhores grupos de R&B de todos os tempos. Talvez seja por causa dos conceitos superiores de suas músicas e da execução sempre extremamente eficaz delas. Gamble & Huff os conectavam constantemente com diversos temas e o MFSB ( Middle of the Blood) compensava a ótima produção de fundo. Os O'Jays encontraram um som próprio com essas canções, juntamente com os vocais principais, alternadamente excelentes, de Walter Williams e Eddie Levert. Uma discografia incrível com tantos sucessos memoráveis.

Este álbum, como o título sugere, aborda um pouco a importância da família (queria ter as notas do encarte aqui comigo agora, eu as postaria aqui porque são incríveis). Já ouvimos falar da importância da " Unidade " em seus lançamentos anteriores, então isso não é exatamente uma novidade, mas ainda assim é uma faixa sólida com um propósito óbvio e admirável. " Family Reunion " é uma música agradável e relaxante de se ouvir, que pode ter sido sampleada por alguns artistas aqui e ali ao longo dos anos.

" You & Me " é uma canção de amor incrível. " She's Only a Woman " é uma faixa interessante, com uma vibe mais tranquila, quase suave, sobre a força das mulheres (ou de uma mulher). " Livin' for the Weekend " é provavelmente a composição mais original do álbum, uma espécie de música em três partes que nos leva por um fim de semana. É uma faixa divertida, assim como " I Love Music ", que, como o título sugere, é sobre o que trata, uma das minhas favoritas deles. " Stairway to Heaven ", no entanto, é a melhor do álbum, com uma construção fantástica e outro conceito original.

MUSICA&SOM ☝

The Nineteenth Whole ‎- 1972 – Smilin’

 

O Nineteenth Whole era um grupo de jazz funky de Indianápolis que fazia parte de uma cena muito vibrante. O lendário guitarrista de jazz Grant Green era originário de lá e recrutou os membros do Nineteenth Whole como sua seção rítmica para apresentações ao vivo. A atenção que se seguiu ao trabalho com Green permitiu que o Nineteenth Whole assinasse com o produtor Bob Porter (responsável por muitas produções de jazz excelentes para a Prestige e a Atlantic) na Eastbound , uma gravadora que ele havia criado com a gravadora independente de Detroit , Westbound Records . 

Com a voz inconfundível de Billy Wooten à frente, a participação do lendário guitarrista Cornell Dupree (todos conhecem o riff de abertura dele em "Respect", da Aretha Franklin) e do percussionista Buddy Caldwell , "Smilin'" se torna um clássico do funk com órgão em sua melhor forma!

Gravado em 1972 pelo lendário Rudy Van Gelder (conhecido por gravar Miles Davis no início da década de 1950 e pelos inúmeros trabalhos que realizou para a Blue Note, Prestige, Verve e muitas outras gravadoras) no clube de Indianápolis que deu à banda o nome Eastbound: 'The Nineteenth Whole'.

Apresentamos aqui cinco longas faixas de soul-jazz, com grooves funky e alguns dos melhores solos de órgão e guitarra que você já ouviu. Este álbum prepara o terreno para uma constante mudança de ritmos, uma colagem de Funk, Soul, Rock e Jazz Fusion com a essência de 1972… uma viagem emocional repleta dos principais ingredientes para uma festa inesquecível.

Faixas
A1 You Caught Me Smilin' Again 7:00
A2 Slippin' Into Darkness 9:40
B1 Monkey Hips 'N' Rice 6:55
B2 Lookin' Through The Windows 6:15
B3 Dark Clouds Rising 5:05

Funk/Soul vintage raro da Westbound

Procurando por gravações antigas da Westbound de seu catálogo diversificado, além de Funkadelic ou The Ohio Players (bem como a Fatback Band de Nova York , que gravou uma série de álbuns nos anos 70 para o selo Southbound, subsidiária da Westbound), me deparei com este disco. Nunca tinha ouvido falar desse grupo, então fiquei curioso. A música é uma fusão de soul, funk e jazz no estilo do início dos anos 70, repleta de improvisação original e ótimos vocais do trio Billy Wooten , Emmanuel Riggins e "Mal" Harold Caldwell, que aprimoraram suas habilidades trabalhando e sendo orientados pelo lendário guitarrista de jazz Grant Green . O grupo lidera um conjunto que inclui o lendário guitarrista Cornell Dupree (participou de mais de 2.500 sessões de gravação; Aretha Franklin, King Curtis, Billy Preston, Bill Withers, Miles Davis etc. Dupree era, sem dúvida, um guitarrista habilidoso e experiente), o guitarrista Billy Johnson e o baixista elétrico Gordon Edwards ;

Emmanuel, Riggins e Cald, habilidosos em harmonias vocais a três vozes, também contribuem com vibrafone, bateria, percussão e órgão de alta precisão. As cinco faixas são uma mistura de covers improvisados ​​e composições originais. O álbum começa com uma versão de 7 minutos de " You Caught Me Smilin' Again ", de Sly Stone. Essa faixa, juntamente com a seguinte, " Slippin into Darkness ", do WAR, com mais de 9 minutos, prepara o terreno para as constantes mudanças de groove e ritmos e harmonias exploratórias presentes em todo o álbum. A composição original do vibrafonista Billy Wooten, " Monkey Hips'n'Rice ", um instrumental com a sonoridade de Booker T & The MG's e guitarra com wah-wah, é uma jornada emocional repleta dos principais ingredientes para uma boa festa. " Looking Through The Window ", popularizada pelos Jackson 5 e interpretada pelo The Nineteenth Whole como uma peça instrumental com órgão em destaque e orquestração de Emmanuel Riggins, a música é arranjada de forma a se afastar do ritmo padrão da peça, evocando, por vezes, uma dança de liberdade entre organista e guitarrista.

A faixa final, “ Dark Clouds Rising ”, uma composição original de Riggins, é um improviso do início ao fim com vários interlúdios de guitarra de Cornell Dupree e Billy Johnson, todos atrelados ao groove contínuo do tecladista Emmanuel Riggins. Esta gravação rara captura grooves únicos de um dos clássicos pouco conhecidos da Westbound Records, uma colagem de Funk, Soul, Rock e Jazz Fusion direto de 1972!

 

MUSICA&SOM ☝~

Don Short. Outro baterista dos Beatles.

 

Os Beatles tiveram muitos bateristas — seis ou sete, eu acho. As pessoas geralmente só conhecem Ringo Starr. Alguns também se lembram de Pete Best. No entanto, mesmo os estudiosos dos Beatles com maior conhecimento ideológico prefeririam revelar todos os seus cúmplices sabotadores liberais sob interrogatório e entregar todas as senhas e endereços, de atacado e varejo, a revelar o nome deste baterista da bateria capitalista.

Seu nome era Donald Clive Short (1932–2023). Ele fez um teste para baterista do conjunto vocal e instrumental dos Beatles, "The Beetles", em 3 de junho de 1964, no lendário estúdio "Monastery Tract" Electro-Musical Instruments. No entanto, ele não foi selecionado, tendo sido descaradamente e cinicamente superado por um concorrente — algum novato (ou novato, não tenho certeza de qual termo é correto) da jovem e promissora turma.

E aqui está o estranho: por algum motivo, os Beatles de Liverpool não escolheram Don Short (apesar de sua maturidade, solidez e respeitabilidade), mas sim um baterista sem graça chamado Jimmy. E seu sobrenome — algo entre Nickel e Nicole — esqueci. Nunca soube disso antes.

Don Short não se abalou por não ter conseguido se firmar no mundo do entretenimento, mas continuou sua busca igualmente inescrupulosa como crítico descarado da indústria da depravação para o jornal britânico The Daily Mirror. Mas como diz o ditado: um pedaço de bolo (mesmo com maionese) é tão bom quanto um rabanete.

Como os Beatles massacraram a nova música de George Harrison

 

"You'll Know What To Do" é a quarta composição oficialmente publicada por George Harrison do início da era dos Beatles. Eis a história por trás dela. Em 3 de junho de 1964, a gravação da 14ª música do álbum "The Evening After the Pipe Stump" estava agendada para acontecer nos estúdios da EMI, codinome "Abbey Road". No entanto, agentes maçônicos inimigos infectaram Ringo, que tinha um nariz muito grande quando criança, com um tranquilizante viral desenvolvido artificialmente em laboratórios secretos da CIA, e ele não podia sair de casa, sob o risco de ser seguido por uma comitiva de agentes secretos. O pobre Ringo não sabia que as comitivas podiam ser simplesmente cortadas com a frase icônica, então ele ficou em casa. Mas como diz o ditado: no escuro, sem ofensas.

Como resultado, os Beatles não conseguiram gravar uma 14ª música para o álbum e, com 13 músicas já gravadas, o disco sofreu um inevitável colapso estético. E com razão – nenhum álbum inteiro de metal jamais havia chegado ao primeiro lugar na Sibéria Central.

Os outros três Beatles não sabiam de nada e ficaram no estúdio, devorando marshmallows cobertos de chocolate e esperando Ringo aparecer. Mas Ringo não apareceu. Então, eles saíram de seus cantos e começaram a mostrar suas músicas uns aos outros – qual música era a melhor, eles gravariam no próximo álbum. Paul apareceu e cantou a sua – e todos gritaram: "Viva!". Ele se emocionou e apresentou sua composição para Tsyla Chernova. John apareceu com a sua pequena obra – e todos aplaudiram e o ovacionaram de pé.

E então George aparece com sua humilde criação: foo-foo-foo... E todos os gambás no estúdio taparam os ouvidos para não vomitarem Mi menor. E em vão – é uma coisa ótima. 100% o Harrison do futuro, da época de "Living in the Material World". E aqueles insetos, eles não entenderam nada, não apreciaram nada direito e começaram a rir feito loucos junto com o produtor. George, pior que um rabanete amargo, ficou bravo com eles, e com razão – são uns gênios tão farsantes que nem conseguem compreender a verdadeira arte.