Carl Philipp Emanuel (C.P.E.) Bach

 

Carl Philipp Emanuel Bach nascido em Weimar no dia 8 de Março de 1714 é o segundo filho de Johann Sebastian Bach e Maria Barbara Bach. Possivelmente o compositor mais importante de sua geração, elo entre o estilo barroco de J.S.Bach, e o estilo clássico de Haydn e Mozart.

Os pais Maria Barbara e Johann Sebastian

Aos dez anos de idade, ingressou na Escola de São Tomás em Leipzig, por vontade do pai, foi estudante de Direito nas Universidades de Leipzig (1731) e Frankfurt (1735), graduando-se em 1738, porém decide abandona a carreira jurídica e dedicar-se exclusivamente à música.

Frederico II

De 1740 a 1768 esteve em Berlim, a serviço da corte de Frederico - o Grande. Sua reputação foi estabelecida devido às suas séries de sonatas, a primeira delas contendo seis peças, as Sonatas Prussianas dedicadas a Frederico II publicadas em 1742. Em seguida, dois anos depois, por outra série de seis sonatas, Sonatas Württemberg; dedicadas ao grão-duque de Württemberg. Neste período escreveu o Magnificat, no qual aparece a influência de seu pai; o que não era comum em sua obra, uma cantata de Páscoa; várias sinfonias; pelo menos três volumes de canções; e algumas cantatas seculares e outras peças ocasionais.

Seu trabalho principal concentrou-se na composição para cravo, para o qual compôs, em toda a sua vida, cerca de duzentas sonatas e outros solos, incluindo o conjunto Mit veränderten Reprisen (1760-1768). Emanuel Bach tinha preferência pelo clavicórdio ao invés do cravo por considerá-lo mais suave e intimista, entretanto em meados do século XVIII este instrumento perde a popularidade na Alemanha sendo gradualmente substituído pelo pianoforte. As últimas cinco séries de sonatas escritas entre 1780 e 1787, foram para este instrumento.

Cravo                              Clavicórdio                            Pianorte

Uma das obras mais importantes de C.P.E. Bach é a Versuch über die wahre Art das Clavier zu spielen (Ensaio sobre a maneira correta de tocar teclado), que versa sobre a boa execução do instrumento. É um guia para a ornamentação, fundamentos estéticos, dedilhado, baixo contínuo e improvisação e que serviu de alicerce aos métodos de Muzio Clementi e Gabriel Cramer.

Em 1768, sucedeu Georg Philipp Telemann, seu padrinho, como Mestre de Capela de Hamburgo e, assim passou a dedicar-se à música sacra. No ano seguinte, produziu seu oratório Die Israeliten in der Wüste (Os Israelitas no Deserto), uma composição memorável não só por sua beleza, mas também pela semelhança com o oratório Elijah de Felix Mendelssohn. Entre 1769 e 1788, foram escritas mais de 20 peças para a Paixão e cerca de 70 cantatas, litanias, motetos e outras obras litúrgicas.

Carl Philipp Emanuel Bach introduziu em suas obras instrumentais seções de diálogo e passagens de recitativo. Seu estilo expressivo e de muitos de seus contemporâneos era marcado principalmente pela surpresa, mudanças bruscas na harmonia, modulações estranhas, pausas tensas e mudanças de textura. Características do chamado Empfindsamer Stil (Estilo Sensível) que teve seu auge nas décadas de 1760 e 1770, estilo também conhecido por Sturm und Drang (Tempestade e Ímpeto) termo utilizado para denominar a literatura alemã do mesmo período, era um estilo sensível e dramático. Com influência das ideias iluministas, a música como veículo do sentimento. Carl Philip Emanuel Bach participou intensamente do movimento musical de seu tempo, e contribuiu para a criação de um estilo musical que foi se afastando cada vez mais do Barroco. Neste estilo é possível encontrar elementos que predizem não só o Classicismo, mas também o Romantismo.

Dentre os seus alunos mais famosos estão Johann Christian Bach, seu irmão, e Frantz Xaver Dussek.

Ele morreu em Hamburgo em 14 de Dezembro de 1788.

Influenciou vários outros compositores, dentre eles:

- Wolfgang Amadeus Mozart disse a seu respeito, "Ele é o pai, nós somos os filhos".

A maior parte da formação de Haydn derivou de um estudo de sua obra. 

Ludwig van Beethoven expressou acerca dele a mais cordial admiração e respeito.

Durante o século XIX, ficou esquecido... Robert Schumann dizia que "como um músico criativo ele permaneceu muito longe de seu pai".

Já Johannes Brahms considerava muito a obra de Emanuel Bach e interpretou algumas de suas composições.

Jean Pierre Rampal

Atualmente, recomenda-se aos estudantes de música que conheçam e interpretem as Sonaten für Kenner und Liebhaber (Sonatas para Conhecedores e Amantes), que ouçam seus oratórios Die Israeliten in der Wüste (Os Israelitas no Deserto) e Die Auferstehung und Himmelfahrt Jesu (A Ressureição e Ascensão de Jesus). Enquanto que o seu Concerto para Flauta em Ré Menor tem sido interpretado pelos maiores flautistas do mundo, incluindo Jean-Pierre Rampal.

“Um músico não pode mover os sentimentos a menos que ele também seja movido. Ele deve necessariamente sentir todos os afetos se ele espera despertá-los na sua audiência. O revelar do próprio humor estimulará o humor no ouvinte. Se a música tem passagens tristes, o artista tem que se adoecer e tem que se sentir triste. Da mesma forma, em passagens vivamente joviais o executante têm que se pôr novamente no humor apropriado e, assim, constantemente variando as paixões, ele conseguira despertar os afetos nos outros.”

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Johann Christoph Friedrich (J.C.F.) Bach

Johann Christoph Friedrich Bach nasceu em Leipzig no dia 21 de Junho de 1732, foi o nono filho de Johann Sebastian Bach com Anna Magdalena, sua segunda esposa, e o segundo a atingir a idade adulta. Suas primeiras aulas de música foram com o pai, assim como os outros filhos compositores, posteriormente foi aluno de um primo distante, Johann Elias Bach.

Estudou na Escola St. Thomas, e em 1749, iniciou seus estudos na Universidade de Leipzig, mas teve de abandoná-los no ano seguinte devido à morte de Johann Sebastian. Aos dezoito, aceitou o cargo de músico da corte do conde de Bückeburg, casa que serviria até sua morte. Como o conde era um apreciador da música italiana da época, teve que adaptar-se ao estilo, entretanto guardando o estilo de seu pai e de seu irmão Carl Phillip.

No ano de 1755 casou com a cantora Lucia Isabel Munchhunsen, filha do organista da corte, Ludolf Munchhausen. No ano de 1759, tornou-se Konzertmeister, cargo que agregava as obrigações de compor e reger a orquestra da corte. No ano seguinte tiveram um filho chamado Wilhelm Friedrich Ernest Bach, que fora batizado pelo conde Wilhem, e que no futuro seria diretor música de Frederico Guilherme II da Prússia.

Em 1778, acompanhado do Conde Wilhelm, ausentou-se por um tempo da corte para visitar os irmãos Carl Philipp, em Hamburgo, e Johann Christian, em Londres, levou na viagem também o seu filho, Wilhelm Friedrich Ernst, que necessitava novas influências musicais. Conheceram então a música de Mozart e Gluck, que também influenciaram a obra de Johann Christophe, tornando-se então mais clássico no final da carreira, diferentemente do início de suas obras marcadas pelo estilo do norte da Alemanha, influência paterna, e pelo italiano, dominante na corte onde trabalhava.

Em 26 Janeiro de 1795, Johann Christoph Friedrich faleceu em Buckeburgo. Seu corpo foi enterrado em 31 de Janeiro no cemitério de Jetenburger, onde também jaz sua viúva Lucia Isabel desde 1803.

Foi o último filho de Johann Sebastian a tornar-se compositor. Deixou como legado uma obra que reflete sem nenhum descrédito o nome da família. Ele era um virtuoso marcante do teclado, com amplo repertório, incluindo vinte sinfonias, pouco mais de trinta sonatas para cravo, uma dezena de sonatas para flauta, perto de vinte concertos para piano, algo em torno de vinte obras sacras, e outros tantas formas de composição.

Uma parte significativa de sua obra estava arquivada no Instituto Estadual de Pesquisa Musical (Staatliches Institut für Musikforschung) e se perdeu durante um bombardeio na Segunda Grande Guerra Mundial. Conhecido como o Bach de Bückeburg, não devendo ser confundido com o primo de seu pai Johann Christoph Bach.

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Johann Christian Bach - J.C. Bach

 

Johann Christian Bach, com um pouco de sua história encerro o ciclo Bach. Nascido em Leipzig no dia 05 de setembro de 1735, o mais novo dentre os filhos de Johann Sebastian com Anna Magdalena Wülken.

Apenas uma pequena parte de sua educação musical foi com o seu pai, acredita que o Livro II de O Cravo Bem Temperado tenha sido escrito e utilizado na sua instrução e também com seu primo Johann Elias. Christian tornou-se copista de seu pai até 1750, ano em que Johann Sebastian Bach faleceu, a partir de então se tornou aluno de seu meio-irmão, Carl Philipp Emanuel Bach, na cidade de Berlim. Apenas em suas primeiras composições existem a influência deste seu irmão, havendo pouquíssima referência de seu pai em toda a sua obra.

Giovanni Battista Martini

Em 1754, foi à Bolonha na Itália, aperfeiçoar-se na arte do contraponto com o padre Giovanni Battista Martini. Posteriormente estudou em Nápoles e Milão. Nesta última cidade, converteu-se ao catolicismo e foi admitido como organista da catedral da cidade, em 1760, atuando no cargo por dois anos. Lá, escreveu duas Missas, um Réquiem, um Te Deum, entre outras obras.

Compôs algumas árias que seriam inseridas em obras de outros autores, prática comum, conhecida com pasticci. Foi o único dos quatro filhos músicos de Johann Sebastian Bach a escrever peças em italiano. 

Interior do Teatro Regio de Turim

O Teatro Regio em Turim ofereceu um contrato para que compusesse uma ópera séria, ARTASERSE, com estreia em 1760. Em virtude do grande sucesso da obra, os teatros de Veneza e de Londres ofertaram contratos para outros trabalhos. Johann preferiu a oferta da casa londrina e rumou para Inglaterra em 1762, fixando-se na capital do reino, o contrato previa a composição de duas óperas para o King’s Theatre of London. 

Catedral de Milão - século XVIII

O cargo de organista foi mantido em aberto pela Catedral de Milão na expectativa de seu retorno, o que nunca ocorreu.

Carl Friedrich Abel

Em Londres, teve início sua carreira de músico de aluguel, sem um empregador definido. Foi um dos primeiros músicos autônomos, ora como prestador de serviços, ora como empresário do entretenimento. Fortalecendo-se nesta posição com o advento dos concertos e apresentações públicas, em 1765, ano em que J.C. conheceu o músico Carl Friedrich Abel, e juntos fundaram uma empresa de concertos públicos, empreitada imitada em muitas outras capitais europeias, surgindo um novo ramo de negócio, que decretaria o fim da música escrita para câmara de príncipes e aristocratas, tirava das mãos dos nobres e dos clérigos o papel de produtores musicais. Alcançou grande reconhecimento artístico e ganhou a alcunha “Bach Inglês”. Com Abel, apresentava o Bach Abel Concerts, entre 1764 e 1779, viajando por toda a Europa.

Sua maneira de compor era altamente melódica e brilhantemente estruturada, o que diferenciava de seu pai e dos irmãos mais velhos. Em suas composições há destaque para a melodia e para o acompanhamento, sem muita ênfase na complexidade contrapontística.

Johann Christian foi designado Mestre de Música da Rainha e seus deveres incluíam ministrar aulas de música a ela e seus filhos e acompanhar o Rei Jorge III ao piano, enquanto o rei tocava flauta.

W.A.Mozart - circa 1765

Foi em Londres, entre 1764 e 1765, J. C. fez amizade com o pré-adolescente Wolfgang Amadeus Mozart, que visitava a cidade dentro do roteiro de apresentações do menino prodígio, organizadas por seu pai, Leopold Mozart. Quando Mozart e J. C. Bach se encontraram pela primeira vez, Leopold relatou que os dois eram inseparáveis. Ambos sentavam-se ao órgão, Mozart no colo de Johann Christian, ambos tocando durante várias horas. J.C. Bach teria sido uma das mais importantes influências de Mozart.

Sua primeira ópera londrina, Orione, foi uma das pioneiras no uso da clarineta. Sua ópera La Clemenza di Scipione escrita em 1778 foi uma das mais populares entre os londrinos por muitos anos e tem paralelos interessantes com a última obra de W.A.Mozart desse gênero: La Clemenza di Tito de 1791.

Foi através de Christian que surgiram algumas importantes inovações tais como a distinção entre a sinfonia e a abertura de ópera que durante o barroco eram a mesma coisa, bem como o formato sonata, base da revolução feita pelo classicismo. A forma sonata aparece em algumas de suas sinfonias no primeiro movimento.

Faleceu pobre, no dia 01 de Janeiro de 1782, foi sepultado numa vala comum para indigentes, na igreja de St. Pancras Old, no registro de seu enterro seu sobrenome estava grafado com Back.

St. Pancras Old Church

Mozart, numa carta a seu pai, disse que "foi uma perda para o mundo da música". Na ocasião em que Johann Christian faleceu, Mozart estava compondo seu "Concerto para Piano nº 12, em Lá maior, K 414, o Andante do segundo movimento tem um tema semelhante ao encontrado na abertura da ópera La calamità del cuore de J. C. Bach.

Somente no século XX foi que o mundo musical começou a entender que os filhos de Johann Sebastian Bach tinham o direito de compor num estilo diferente do de seu pai sem que, com isso, seus idiomas musicais fossem inferiores ou sem qualidade, e que compositores como Johann Christian passaram a ser vistos com um interesse renovado. Ele foi um dos primeiros compositores a dar preferência ao recém desenvolvido pianoforte em detrimento dos antigos instrumentos de teclas, como o cravo.

Embora a fama de J. C. Bach tivesse declinado nas décadas após sua morte, sua música ainda era apresentada nos concertos de Londres com alguma regularidade, frequentemente junto com as obras de Haydn.

Um relato completo da carreira de J. C. Bach é fornecido no quarto volume de History of Music de Charles Burney.

Na árvore da família Bach existem mais dois Johann Christian Bach, mas nenhum deles foi compositor.
Foi o único da família a realmente ter feito parte da Sublime Instituição

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As 10 melhores músicas de Bryan Adams de todos os tempos

 

Bryan Adams pode se descrever como um "artista de rua completo e absoluto", mas poucos artistas de rua venderam mais de 100 milhões de discos. Poucos acumularam 25 singles no Top 15 do Canadá, quatro números 1 nos EUA, inúmeros outros sucessos internacionais, 15 indicações ao Grammy (e uma vitória), 20 prêmios Juno, três Oscars ou uma estrela na Calçada da Fama de Hollywood. Como um dos artistas canadenses de maior sucesso de todos os tempos, Adams é uma máquina de hits ambulante, com uma influência que transcende gêneros, países e gerações. Em homenagem ao filho predileto do Canadá, aqui estão as 10 melhores músicas de Bryan Adams de todos os tempos.

10. Cloud Number Nine

"Cloud Number Nine" foi lançada inicialmente no álbum "On a Day Like Today". Era boa, mas não ótima. E então surgiu o remix "Chicane", com inspiração na música eletrônica. Com seus sintetizadores e batida eletrônica, é a faixa pop mais ensolarada do repertório de Adams.

9. When You’re Gone

Quem resiste a um pouco de Girl Power dos anos 90? Certamente não Adams. A parceria com Melanie Chisholm (a Sporty Spice das Spice Girls) pode ter parecido uma decisão estranha no papel, mas valeu a pena. O sotaque carregado do norte da Inglaterra de Chisholm combina perfeitamente com o tenor rouco de Adams. Combinado com os riffs de guitarra vibrantes e os teclados alegres, o efeito geral é contagiante – se você não estiver cantando junto no final, é porque não prestou atenção o suficiente. Só não ouça, de jeito nenhum, o relançamento de 2005 com Adams e Pamela Anderson. Há o ruim, e depois há isso.

8. Have You Ever Really Loved a Woman?

 

Bryan Adams é um homem que sabe como compor trilhas sonoras para filmes. Falaremos em breve sobre sua canção mais popular e famosa para cinema (sem prêmios para quem adivinhar o nome), mas, enquanto isso, temos esta deliciosa balada de "Don Juan DeMarco", de 1995, para começar. Considerada uma das melhores canções de Bryan Adams de todos os tempos pelo Return to Rock , ela pode ser mais piegas que uma ratoeira, mas ninguém faz pieguice tão bem quanto Adams, como ele demonstra com maestria na exuberante e romântica "Have You Ever Really Loved a Woman?".

7. Can’t Stop This Thing We Started

Se você não é fã de soft rock dos anos 90, "Can't Stop This Thing We Started" não vai te conquistar. Mas se você é apaixonado por esse estilo, vai adorar essa música pop-rock irresistivelmente cativante. Ela teve o azar de ser lançada logo depois de "(Everything I Do) I Do It for You" – obviamente, nunca conseguiria replicar o mesmo sucesso (o que conseguiria?), mas ainda assim se saiu bem, chegando ao segundo lugar na Billboard Hot 100 dos EUA, liderando a parada canadense RPM Top Singles por três semanas e recebendo duas indicações ao Grammy de 1992 nas categorias de Melhor Canção de Rock e Melhor Performance de Rock Solo. Não ganhou nenhuma das duas, mas mesmo assim, continua sendo uma música de rock energética e muito divertida, com Adams entregando alguns dos vocais mais potentes e performances mais exuberantes de sua carreira. Da próxima vez que você der uma festa, toque bem alto – não vai te fazer parecer descolado, mas vai colocar todo mundo para dançar.

6. Heaven

 

Se você estiver com vontade de uma balada poderosa (ou talvez só de um karaokêzinho de madrugada), "Heaven" é uma escolha certeira. Gravada para acompanhar o lançamento do filme "Uma Noite no Paraíso" de 1983, ela é brega ao extremo – mas nem por isso menos agradável. Pode ser uma de suas músicas mais conhecidas, mas não perdeu nada do seu apelo universal.

5. I Thought I’d Seen Everything

Se você precisava de provas de que Adams não perdeu nada do seu charme com a idade, ouça a sublime "I Thought I'd Seen Everything". Lançada em 2008, a música é um sucesso, inspirada no pop e rock dos anos 80 para entregar uma faixa extremamente agradável de ouvir, com vocais estelares de Adams.

4. The Only Thing That Looks Good On Me Is You

Adams se empolga um pouco na sensual "The Only Thing That Looks Good On Me Is You", e nós também. Graças a um refrão memorável, letras espirituosas e um videoclipe bem provocante, a música chegou ao top 10 no Reino Unido e até ganhou um Grammy no ano seguinte.

3. Run to You

Escolhida pelo innfinity.in como uma das melhores músicas de Adams de todos os tempos, "Run To You" revela um lado mais sombrio do maestro canadense. Embora Adams seja mais conhecido por suas canções de amor sinceras e diretas, "Run to You" aborda a infidelidade. O tema ousado é acompanhado por uma bateria ameaçadora e riffs de guitarra francamente sinistros, levando Adams para longe de seu território familiar de uma forma que está longe de ser desagradável. "Reckless", o álbum que acompanha a faixa, é amplamente considerado um dos melhores trabalhos de Adams – considerando a qualidade desta obra-prima melancólica, não é difícil entender o porquê.

2. (Everything I Do) I Do It For You

A escolha óbvia para a melhor música de Bryan Adams de todos os tempos? "(Everything I Do) I Do It For You". Gravada para "Robin Hood: Príncipe dos Ladrões" (um filme terrível com algumas músicas ótimas), ela conseguiu se manter no recorde do Reino Unido de maior número de semanas consecutivas em primeiro lugar nos últimos trinta anos. Foi eleita uma das músicas mais românticas de todos os tempos pelo The Herald , juntamente com cerca de 101 outras publicações. Vendeu quinze milhões de cópias físicas em todo o mundo e incontáveis ​​cópias digitais. Foi tocada em quase todos os casamentos, bailes de formatura e noivados por três décadas. Em resumo, é um fenômeno e, sem dúvida, uma das músicas mais populares e mais vendidas de todos os tempos. Então, por que não ficou em primeiro lugar na nossa lista? Por causa desta próxima música.

1. Summer Of ‘69

 

Aparentemente, Ryan Adams ficou tão cansado das provocações de Bryan Adams no início de sua carreira que expulsou um fã de um show por pedir "Summer of '69". Mas, embora Ryan talvez não apreciasse Bryan, nós sempre apreciamos, especialmente quando ele está em uma forma tão excepcional quanto nesta pequena joia nostálgica. Mesmo que você seja um filho do século XXI, há algo evocativo na música. Com sua melodia vibrante e riffs de guitarra envolventes, ela nos lembra de tempos mais simples... mesmo que esses tempos nunca tenham realmente existido. Em sua essência, há um calor e uma nostalgia que a tornam uma audição essencial para o verão.

Life During Wartime - Talking Heads

 

A canção "Life During Wartime", dos Talking Heads, captura a essência caótica de viver em tempos de crise. Lançada em 1979 como parte do terceiro álbum de estúdio da banda, "Fear of Music", é uma faixa energética que cria uma sensação subjacente de pavor e inquietação que permeia tanto o som quanto a mensagem. É uma música que continua a ressoar ao longo dos anos, não apenas por sua relevância em tempos de conflito, mas também por suas performances ao vivo inesquecíveis, particularmente a versão icônica apresentada no filme-concerto de 1984, "Stop Making Sense". "Life During Wartime" começa com um ritmo quase hipnótico antes da voz inconfundível de David Byrne explodir com a agora famosa frase: "This ain't no party, this ain't no disco". Essa frase inicial define imediatamente o tom de uma canção nada convencional. Com sua linha de baixo vibrante e sincopada e sintetizadores inquietantes, a música transporta instantaneamente o ouvinte para um mundo que é ao mesmo tempo estimulante e perturbador. A letra da música tece um retrato surreal da vida sob a constante ameaça da guerra. Os versos fragmentados de Byrne pintam um mundo perturbado pela violência, pelo medo e pela paranoia. Versos como "Preciso chegar à fábrica / Preciso sair daqui" sugerem uma sensação avassaladora de deslocamento. A maneira como Byrne interpreta esses versos é crucial para a força da canção. Sua voz transita da de um observador distante para a de um indivíduo que luta urgentemente com o peso existencial da sobrevivência. O mundo está claramente se desfazendo, mas não é apenas o cenário político que está em caos; a esfera pessoal também está. O refrão recorrente da música, "Isso não é festa, isso não é balada, isso não é jogo", encapsula a tensão entre o desejo de manter a normalidade diante da devastação e a dura realidade de que tais tentativas são fúteis.

Embora "Life During Wartime" fosse uma faixa poderosa em "Fear of Music", suas performances ao vivo — particularmente a versão capturada no filme-concerto de 1984 "Stop Making Sense" — levaram a música a um novo patamar de intensidade e conexão. Dirigido por Jonathan Demme, "Stop Making Sense" é amplamente considerado um dos maiores filmes-concerto já feitos, mostrando as performances inovadoras e a visão artística da banda. Graças à direção meticulosa de Demme e à energia bruta da banda, o filme se torna mais do que apenas uma gravação ao vivo; é uma experiência imersiva que captura o poder bruto da música.

Since You Been Gone - Rainbow

 

Desde que você se foi, Arco-íris

     Em 1979, o Rainbow lançou seu quarto álbum de estúdio, Down to Earth , uma obra que evidenciou uma mudança na visão artística de seu líder, Ritchie Blackmore . Após a saída do carismático Ronnie James Dio , Blackmore buscou uma fórmula que lhe permitisse ampliar o público do Rainbow , especialmente nos Estados Unidos, onde o sucesso comercial ainda não havia sido alcançado. Para isso, recrutou o vocalista Graham Bonnet , cuja voz poderosa e versátil trouxe um toque mais melódico e acessível, e o baixista e produtor Roger Glover (quem diria, depois de seus altos e baixos?), ex-companheiro de banda de Blackmore no Deep Purple , que assumiu um papel fundamental na composição e produção do álbum.

Down to Earth foi gravado entre março e julho de 1979 no Château Pelly em Cornfeld , França, e no Kingdom Sound Studios em Long Island, onde os vocais foram gravados. O álbum foi produzido pelo próprio Glover e lançado pela  Polydor Records em 3 de agosto daquele ano. A formação que o gravou incluía Blackmore na guitarra, Bonnet nos vocais, Glover no baixo, Don Airey nos teclados e Cozy Powell na bateria. Este seria o último álbum do Rainbow com Powell e o único com Bonnet , uma formação totalmente britânica. O álbum marcou uma clara mudança estilística: do hard rock épico e sombrio de seus primeiros anos para um som mais direto, melódico e voltado para o mercado. Essa mudança materializou-se decisivamente no single " Since You Been Gone" , lançado em 31 de agosto de 1979. Originalmente composta por Russ Ballard , ex-membro da banda britânica de hard rock e rock progressivo  Argent , a canção já havia sido gravada por ele em 1976, mas foi a versão do Rainbow que alcançou enorme sucesso, tornando-se seu primeiro grande hit internacional.

Musicalmente, "Since You Been Gone" é uma aula magistral de hard rock melódico com uma estrutura clássica de verso e refrão, construída sobre um riff de guitarra cativante. A produção de Glover foi fundamental, pois ele conseguiu dar aos instrumentos o espaço e a clareza necessários, ao mesmo tempo que destacava a voz poderosa e melódica de Bonnet. Liricamente, a canção  aborda a dor e a confusão após um término de relacionamento, com o protagonista lidando com a solidão, a saudade e a sensação de ser assombrado por um relacionamento que não existe mais.  Em entrevistas posteriores, Ritchie Blackmore reconheceu, em uma entrevista de 1996 para a Guitar World , que sua intenção com "Down to Earth" era clara: "Eu queria fazer algo mais comercial, mais direto. Estávamos perdendo a oportunidade de fazer sucesso nos Estados Unidos e precisávamos de uma música que tocasse nas rádios ." Essa estratégia funcionou, já que a canção alcançou o 6º lugar nas paradas britânicas e se tornou um clássico do rock do final dos anos 70, abrindo as portas do mercado americano para a banda.

Muitos fãs da fase mais pesada e progressiva da banda viram essa mudança como uma traição às suas raízes, mas é inegável que a aposta de Blackmore em um som mais comercial foi eficaz, já que ele alcançou seu objetivo: estabelecer o Rainbow como uma banda de sucesso internacional. Com essa música e com esse álbum,  Ritchie Blackmore  deixou bem claro seu objetivo: ele queria criar um som mais acessível e comercial, tendo o mercado americano como seu principal alvo.

All Night Long - Rainbow

 

     Em 1979, o Rainbow lançou Down to Earth , seu quarto álbum de estúdio, marcando uma virada na trajetória da banda liderada por Ritchie Blackmore . Após a saída de Ronnie James Dio, cuja abordagem lírica e vocal havia definido os primeiros álbuns do grupo, Blackmore decidiu mudar para um som mais acessível e comercial, com o objetivo claro de conquistar o mercado americano. Para isso, ele trouxe o vocalista Graham Bonnet , cuja voz poderosa e versátil contribuiu com um caráter mais melódico e direto, e o baixista Roger Glover , ex-companheiro de banda de Blackmore no Deep Purple , que assumiu um papel crucial como produtor e compositor.  A gravação de Down to Earth ocorreu entre março e julho de 1979 no Château Pelly em Cornfeld , França, e no Kingdom Sound Studios em Long Island, onde os vocais foram gravados. A formação que deu vida ao álbum incluía Blackmore na guitarra, Bonnet nos vocais, Glover no baixo e produção, Don Airey nos teclados e Cozy Powell na bateria. Essa formação totalmente britânica teria vida curta: Down to Earth foi o único álbum com Bonnet e o último com Powell . O álbum representou uma clara mudança estilística, afastando-se do maravilhoso, épico e sombrio hard rock de seus primeiros anos para abraçar um som mais direto, melódico e voltado para o mercado.

O segundo single do álbum, "All Night Long ", rapidamente se tornou outro sucesso para a banda, alcançando o 5º lugar nas paradas do Reino Unido. Composta por Blackmore e Glover , a música solidificou a nova abordagem do Rainbow : riffs cativantes, letras provocativas e produção refinada, visando repercutir nas rádios e em grandes casas de shows.  Musicalmente, a canção é uma faixa de hard rock melódico com influências glam, construída sobre um riff poderoso, com uma base sólida fornecida pela bateria de Powell e o baixo de Glover , e arranjos precisos de teclado  por Don Airey . A estrutura da música é o clássico "verso-refrão-verso ", com uma ponte instrumental que permite a Blackmore apresentar um solo de guitarra breve, porém eficaz. A produção de Glover  foi crucial, pois ele deu a cada instrumento o devido destaque, ao mesmo tempo em que permitiu que os vocais de Bonnet  brilhassem.  Liricamente, "All Night Long" é uma ode ao desejo e à atração física, narrada da perspectiva de alguém instantaneamente cativado por uma mulher que vê em um show. As letras foram consideradas superficiais por alguns críticos, mas se encaixavam perfeitamente no objetivo de Blackmore : criar canções que fossem eficazes ao vivo e que ressoassem com um público mais amplo.

Em uma entrevista de 1996 para a Guitar World , Blackmore reconheceu que sua intenção com Down to Earth era clara: ele queria tocar nas rádios e precisava de músicas cativantes e fáceis de cantar. All Night Long atendia a todos esses requisitos, e seu sucesso nas paradas britânicas confirmou isso.