sábado, 7 de fevereiro de 2026

Pete Townshend – Live In Concert 1985 – 2001 (2024)


Algumas semanas atrás, Pete Townshend – guitarrista, vocalista e compositor do The Who – lançou um box com 14 CDs contendo material ao vivo de sua carreira solo ao longo de 16 anos. Sou fã do Pete Townshend desde o ensino fundamental, quando comprei o álbum  Empty Glass  em fita cassete, então quem melhor do que eu, este intrépido blogueiro, para passar as últimas semanas imerso nessa música? Acontece que esses 14 CDs, na verdade, cobrem 7 shows – 2 discos por apresentação – e todos eles foram lançados no início dos anos 2000 no site pessoal do Pete, mas estavam fora de catálogo e indisponíveis. Ele os reuniu em um único box e lançou para satisfazer o desejo daqueles que queriam adquirir todos esses shows ao vivo de uma só vez. Confesso que, quando vi 14 discos de Pete solo, revirei os olhos. Eu esperava não gostar nada disso... e, como sempre, minhas ideias preconcebidas – assim como as de muita gente – estavam erradas.

A abordagem de Pete à sua carreira solo é bem diferente da maioria dos caras que optam por seguir carreira solo. Já falei antes sobre caras de bandas populares que se aventuram em carreira solo. Pete lançou seu primeiro álbum solo, bem discreto, de uma forma bem discreta. "  Who Came First"  foi uma homenagem ao guru de Pete, Meher Baba. Eu adoro a música "Sheraton Gibson", mas quando comecei a comprar discos no final dos anos 70, eu nem sabia que  "Who Came First"  existia. Sua segunda incursão em um projeto solo foi um álbum em parceria com o grande baixista/vocalista do Faces, Ronnie Lane, chamado  "Rough Mix".  É realmente uma joia subestimada, mas, a menos que eu o tivesse visto em uma loja de discos usados, eu também não conhecia esse álbum.

Para mim, o primeiro álbum solo de Townshend foi o já mencionado  Empty Glass.  Eu adorei aquele disco. "Rough Boys", escrita em resposta ao punk rock, tem um riff sensacional. A faixa monstruosa "Gonna Get Ya" era épica. Aquele álbum era tão bom que o então baterista do The Who (ex-membro do Faces), Kenny Jones, acusou Townshend de guardar seu melhor material para álbuns solo. Isso era algo que Kenny já havia acusado Rod Stewart de fazer no Faces, então ele estava familiarizado com a situação. O álbum seguinte foi o prolixo  All The Best Cowboys Have Chinese Eyes  – só a Fiona Apple conseguiria criar um título mais longo – e eu adorei as músicas "Slit Skirts" e "Somebody Saved Me". A letra desta última, "Alguém me salvou de um destino pior que o Paraíso, porque se eu a tivesse por apenas uma hora, eu a teria desejado para sempre...", ainda me toca profundamente.

Para mim, o último álbum solo de verdade, ou pelo menos o último álbum solo do Pete que realmente significou algo, foi  White City.  As músicas "Give Blood" e "Second Hand Love" (que até a Rock Chick adora, e ela não é muito fã do Pete solo nem de blues) continuam tocando bastante aqui no laboratório da B&V. Cheguei a ter, por um breve período,  The Iron Man  , uma ópera rock baseada em um livro infantil, porque ouvi dizer que John Lee Hooker participava. Vendi rapidinho. Nem me dei ao trabalho de investigar  Psychoderelict,  embora me lembre de ter visto uma apresentação na PBS que foi insuportável. É difícil acreditar que Townshend encerrou sua carreira solo, em termos de lançamento de álbuns completos com material inédito, em 1993.

Como eu disse, Pete tinha uma abordagem diferente para sua carreira solo. A maioria dos caras faz um álbum com a banda e depois sai em turnê. Em seguida, voltam para o estúdio, gravam seu álbum solo e, sim, saem em turnê. E assim por diante. Li algo recentemente em que Pete disse sobre sua carreira solo que já tinha um emprego gravando e fazendo turnês com o The Who e não queria uma segunda carreira fazendo a mesma coisa. Ele disse: "Eu tentei isso e não deu certo", com o que eu discordo. Dito isso, Pete nunca fez grandes turnês solo. Ele fazia um show aqui e ali, alguns para caridade, e os gravava. Eventualmente, ele lançou todos em seu site, mas deixou que saíssem de catálogo. Ele era muito tranquilo em relação à sua carreira solo. Claro que ele esteve ocupado ao longo dos anos produzindo performances teatrais de  Tommy  ou compilando  Lifehouse sua ópera rock perdida que se transformou em  Who's Next,  então ele não estava exatamente ocioso.

Por sorte, Pete gravou a maioria dessas apresentações solo. Este box reúne toda a gama de trabalhos solo de Pete. É importante lembrar que Pete sofre de zumbido no ouvido, o que lhe causa fortes dores de cabeça. Acho que, ao longo dos anos, ele aprendeu a lidar com isso, mas acabou tocando violão na maior parte do tempo. Há alguns solos de guitarra elétrica do bom e velho Pete, mas você não vai ouvir aquele tipo de anarquia controlada que se ouve com o The Who. Não há nenhum "  Live At Leeds"  escondido aqui. É uma coletânea variada, mas eu diria que é, em sua maior parte, excelente. Aqui estão nossas impressões, divididas por show:

Discos 1 e 2:  Ao Vivo da Brixton Academy,  Londres, 1985  –  Este é o famoso concerto Deep End. Pete lançou uma versão abreviada deste show como um álbum ao vivo em um único disco, e é um dos meus favoritos, embora por algum motivo não tenha entrado na minha lista de Álbuns Essenciais ao Vivo. David Gilmour, do Pink Floyd, toca guitarra solo. Adoro a versão de “After The Fire”, música que ele deu para Roger Daltrey, que é apresentada aqui. Adoro como Pete explora todos os seus interesses musicais: The Who, carreira solo, blues, jazz… Ele deixa a banda tocar algumas músicas instrumentais de jazz, que são opcionais, e Gilmour apresenta três músicas solo, sendo “Blue Light” a melhor delas. Esta é uma performance absolutamente fantástica e estou feliz por finalmente ouvi-la na íntegra novamente.

Discos 3 e 4:  Ao Vivo da Brooklyn Academy,  Nova York, 1993 – Este show, pelo menos para mim, é o único tropeço real em toda a caixa. O Disco 3 é uma performance completa de  Psychoderelict  , com trechos falados. Eu teria me jogado pela janela durante essa apresentação, mas eu estava no térreo e isso só teria resultado em uma janela quebrada e uma esposa furiosa. Não sei por que alguém voltaria a ouvir este disco. O Disco 4 é melhor, pois é uma ótima coletânea do trabalho de Pete, de “Rough Boys” a “Eminence Front” e “A Little Is Enough”. Adoro ouvir Pete nos vocais principais em “You Better You Bet”, mas sempre adorei essa música. Devo dizer que a voz de Pete está um pouco rouca no Disco 4.

Discos 5 e 6:  Ao Vivo no Fillmore,  São Francisco, 1996 – Fiquei realmente surpreso com este show, no bom sentido. É como uma  apresentação acústica  , só com Pete no violão e Jon Carin no piano/teclados. Fiquei impressionado com o quanto me apaixonei pelos arranjos despojados dessas músicas. Mesmo sem a grandiosidade que os clássicos do The Who costumam ter.

Discos 7 e 8:  Ao Vivo no Shepherd's Bush Empire,  Londres, 1998 – Aqui temos Pete finalmente com uma banda de apoio, ao contrário do show anterior, mais acústico. Adorei que ele tenha aberto o show com a antiga música do Canned Heat, "On The Road Again", que eu tinha esquecido de incluir na minha  playlist:  Músicas Sobre Dirigir/A Estrada. Agora está lá... Há alguns deslizes neste show... ele contrata um rapper, suspiro. Não tenho nada contra rap ou hip hop, mas assim como o Black Keys no último álbum,  Ohio Players,  não combina aqui. Ele também passa o vocal principal para uma cantora, cujo nome me escapa, e isso me deixou indiferente. Apesar disso, há algumas ótimas performances e fico feliz que ele tenha incluído o show.

Discos 9 e 10:  Ao Vivo do Sadler's Wells Theatre,  Londres, 2000: Esta é uma apresentação completa da ópera rock perdida de Pete,  Lifehouse.  Eu tinha visto algumas coisas na imprensa sobre  Lifehouse  , mas nunca tinha me aprofundado muito... Quer dizer,  Who's Next  , que foi extraído dessas sessões, sempre foi suficiente para mim, é um clássico. Pete usa uma banda de apoio e uma orquestra completa. Este é um destaque absoluto desses shows. Eu realmente adorei. Foi a primeira vez que ouvi "Greyhound Girl" e agora é uma das minhas músicas favoritas de Pete Townshend de todos os tempos. É uma balada impressionante. Este pode ser o melhor show de toda a caixa.

Discos 11 e 12, e Discos 13 e 14:  Ao Vivo no La Jolla Playhouse,  San Diego, 2001 – Os últimos 4 discos da caixa contêm dois shows gravados em noites consecutivas em San Diego, em junho de 2001. Os shows foram beneficentes e lembram um pouco aqueles antigos  programas do VH1 Storytellers . Pete toca violão e piano. Entre as músicas, ele conversa com o público e é incrivelmente cativante. Gostei muito dos dois shows. Ele apresenta mais uma vez minha nova favorita, "Greyhound Girl".

Não conheço muitas pessoas como eu que queiram sentar e ouvir os 14 discos seguidos. Bem, todos menos o disco 3… maldito  Psychoderelict…  mas consigo me imaginar assistindo ao show no The  Deep End  ou à apresentação no The  Lifehouse  enquanto tomo um vinho. Afinal, “The Sea Refuses No River” (O Mar Não Recusa Nenhum Rio). Este álbum é um ótimo complemento aos excelentes primeiros álbuns solo do Pete. Adoro que ele toque músicas tanto do  Who Came First  quanto  do Rough Mix.  Não há nada em sua carreira solo que ele não aborde. Ele toca muitas das ótimas músicas que escreveu para o The Who. Ele tem uma seleção fabulosa de covers e fiquei surpreso com a quantidade de blues que ele tocou. Há certas músicas que ele sempre repete em cada show, e dá para perceber que essas canções significam muito para ele. “I'm One” está presente em quase todos os shows e todos nós saímos ganhando com isso.

Pete talvez não quisesse uma carreira solo tradicional, mas agora, com este material ao vivo complementando seus primeiros LPs, temos uma visão melhor e mais completa dele como artista solo. Este conjunto exige muito trabalho, considerando a enorme quantidade de material, mas todo o esforço vale a pena. Sei que muitos colecionadores de verdade já compraram os discos originais pelo site do Pete, mas para aqueles de nós que não estavam atentos há 20 anos, este é um ótimo lançamento. Parabéns, Pete, e obrigado por este presente.



ROCK ART

 


Massimo Pieretti - The Next Dream (2025)

 

Não vamos voltar à Itália novamente com outro álbum que não soa como rock progressivo italiano, pelo menos não como o conhecemos, embora tenha aquele "sabor" do prog italiano: muita paixão, muita melodia e aquele toque dramático característico do estilo. Massimo Pieretti é um tecladista, professor de piano e compositor romano que, depois de tocar em várias bandas, forjou este álbum acompanhado por uma série de músicos talentosos, incluindo John Hackett, Mattias Olsson (Änglagård, White Willow, Pär Lindh, etc.), Dominic Sanderson (um grande músico que já apresentamos no blog), as vocalistas de metal Germana Noage, Laura Piazzai e Kate Nord, além de vários outros artistas internacionais, e agora é a nossa vez de apresentá-lo aqui no blog. Se você procura um álbum para se desconectar do caos diário e se deixar levar, este é como aquela viagem de trem com paisagens em constante mudança: você nunca fica entediado porque sempre há algo novo para ver (ou ouvir). É uma mistura perfeita de AOR com toques de pop-prog, criando um som cinematográfico que transita de momentos incrivelmente intimistas ao piano a explosões sinfônicas com guitarras de tirar o fôlego.

Artista:  Massimo Pieretti
Álbum:  The Next Dream
Ano:  2025
Gênero:  Crossover Prog / Rock Progressivo Italiano
Duração:  49:12
Referência:  Discogs
Nacionalidade:  Itália


Primeiramente, vamos contextualizar Massimo. Ele é um tecladista e compositor italiano com um talento incrível para criar melodias cativantes. Após seu álbum de estreia, "A New Beginning", este novo trabalho conclui (ou talvez continue) uma história que mescla sonhos, realidade e tudo o que passa pela nossa mente quando fechamos os olhos.

Quanto ao álbum em si, esqueça aqueles discos densos de três horas que deixam sua cabeça explodindo com notas em tons matemáticos. "The Next Dream" é muito mais acessível. Admito que não é bem o meu estilo, mas o que esse artista italiano faz é inegavelmente de alta qualidade, então, já que meu gosto não é um parâmetro — ou pelo menos tento garantir que não seja —, ele está aqui no blog para você decidir por si mesmo.

Um dos aspectos mais marcantes deste álbum é a enorme quantidade de pessoas envolvidas. Massimo é como aquele amigo que dá um churrasco e todos os músicos da vizinhança aparecem... bem, pelo menos era assim antigamente. Com o preço da carne hoje em dia, isso seria um luxo, e você mal convidaria seus familiares mais próximos, mas estou divagando. O álbum conta com mais de 20 músicos convidados, incluindo cantores com vozes incríveis que dão a cada faixa uma personalidade distinta. Há flautas, saxofones e uma seção rítmica fenomenal. O mais incrível é que, apesar do grande número de músicos, o álbum não soa caótico; Massimo consegue dar coesão a tudo, com o teclado atuando como o fio condutor que conecta todas as faixas. Há uma grande variedade, com músicas que soam como baladas românticas e outras que te fazem querer pegar a estrada no melhor estilo "Highway Star". E, ainda assim, é completamente despretensioso; Dá para perceber que o italiano faz a música que ama e não está tentando provar que é o melhor tecladista do mundo (embora toque muito bem). Em vez disso, ele prioriza a música e a emoção.

Se você gosta de bandas como Alan Parsons Project , Genesis da sua fase mais melódica, ou até mesmo o rock mais suave dos anos 70 e 80, você vai adorar este álbum. É um trabalho feito com amor, soa impecável e te convida a fazer exatamente isso: sonhar acordado por um tempo.

E se você quiser começar a ouvir agora, aqui está um pequeno vídeo para te dar um gostinho.



Este é o álbum perfeito para colocar os fones de ouvido, se aconchegar no sofá e deixar a música contar uma história sem que você precise fazer muito esforço. Quero enfatizar novamente que não é o meu estilo; é muito suave para os meus ouvidos sensíveis, e é por isso que sempre deixo a escolha a critério do seu gosto musical. Para opiniões pré-fabricadas, você já tem os noticiários que regurgitam informações prontas como se fossem hambúrgueres do McDonald's.

Você pode ouvi-lo no Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/564GxpygvWr4y0ISUSR1XW

Ou no Bandcamp:
https://melodicrevolutiondistro.bandcamp.com/album/the-next-dream


Lista de faixas:
1. Come Heavy Sleep (com John Hackett) (1:56)
2. Creatures of the Night - Part 1 (com Germana Noage, Simone Cozzetto e Mattias Olsson) (4:35)
3. Get in Line (incluindo Interlude Reprise) (com Germana Noage e Marco Ragni) (5:00)
4. The Chinese Witch (incluindo Mo Li Hua) (com Kate Nord) (7:10)
5. I Dreamed of Flying (com Michael Trew, Amy Breathe e Mattias Olsson) (3:49)
6. Creatures of the Night - Part 2 (com Laura Piazzai, Nick Fletcher e Mattias Olsson) (4:56)
7. Alone (com Lorenzo Cortoni) (5:00)
8. The First Time We Met (part. Michael Trew) (5:16)
9. The Next Dream (part. Dominic Sanderson) (7:45)
a) Into the Dream
b) With You
c) Surrender
d) Presto
e) The Old Long Story
f) Hurry Up
g) The Return of the Chinese Witch
10. I Dreamed of Flying (Versão Acústica) (part. Germana Noage) (3:46 - Faixa Bônus)

Formação:
- Massimo Pieretti / teclados, vocais de apoio, pedais de baixo, samples
Com:
- Maria Chiara Rocchegiani / vocais (1, 4)
- Mattias Olsson / bateria e percussão (1, 2, 5, 6, 9)
- Roberto Ballerini / piano de cauda (1)
- Marco Lo Muscio / órgão de igreja (1)
- Mirko Rovina / percussão (1, 2)
- Lisa Green / violino (1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 10)
- Gianni Pieri / violoncelo (1, 2, 5, 6)
- Claudio Milano / voz (1, 2, 9)
- John Hackett / flautas (1, 3)
- Rob Townsend / saxofone (1)
- Roberto Falcinelli / guitarra (1, 4, 5); saxofone (2)
- Jean Luc Payssan / guitarra (1)
- Germana Noage / voz (2, 3, 10)
- Simone Cozzetto / guitarra (2, 9)
- Gabriele Pala / ChapmanStick (2, 9)
- Marco Ragni / voz (3)
- Fabio Lanciotti / guitarra (3)
- Mark Cook / guitarras Warr (3, 4, 7, 9)
- Mauro Cipriani / violoncelo (3, 4, 7, 8, 10)
- Michele Raspanti / baixo (3, 8)
- Fabio Moresco / bateria (3, 4, 7, 8)
- Kate Nord / voz (4, 9)
- Billy Allen / baixo (4, 6)
- Amy Breathe / voz (5)
- Michael Trew / voz (5, 8)
- Luigi Pistillo / guitarra (5)
- Fabrizio Russo / baixo fretless (5)
- Laura Piazzai / vocal (6)
- Nick Fletcher / guitarra (6)
- Attilio Virgilio / 12 cordas e E-bow (6)
- Lorenzo Cortoni / voz (7)
- Peter Matuchniak / guitarra (7)
- Gianluca Del Torto / baixo (7)
- Francesco Mattei / guitarra (8)
- Vincenzo Zappatore / guitarras elétricas de 6 e 12 cordas (8)
- Dominic Sanderson / vocais (9)
- Lauren Trew / clarinete, clarinete baixo (9)
- Tom Hyatt / baixo (9)
- Andrea Amici / Mellotron e sintetizadores (10)



Semente - Ao Vivo (2001)

 

Uma ótima gravação do show que comemorou os 500 anos do Brasil, realizado no Museu Nacional de Belas Artes em 22 de abril de 2001, no Rio de Janeiro. Alguém queria um bom rock progressivo brasileiro? Porque continuamos com esse tema, agora com esta oferta única que mistura space rock, psicodelia e rock sinfônico em igual medida. Uma banda muito boa em um álbum muito interessante. Entre outras coisas, podemos mencionar os vocais femininos, as excelentes partes instrumentais, as músicas com letras em português e o fato de o grande músico Sérgio Benchimol estar tocando em sua cidade natal — um artista que mais tarde seguiria carreira solo com outros trabalhos muito bons.

Artista: Semente
Álbum: Ao Vivo
Ano: 2001
Gênero: Space rock / psicodélico / sinfônico
Duração: 53:34
Nacionalidade: Brasil




Vamos ver se eles praticam um pouco de português...

Cada música conta uma história. Às vezes entendemos seu significado, outras vezes não. O poder de influenciar nosso humor é frequentemente narrado pelos profetas, quando usam a música para restaurar sua capacidade de profetizar. Nós, simples mortais, apreciamos a música como um alívio para nossos corações, mentes e corações. Não tanto aqueles que tocam para expressar seu mundo interior, quando encontram um ouvido atento, experimentam a sensação de que um ciclo se completa. "A música não é mais espiritual do que o mundo material", disse Maimônides. Espero que apreciem estas obras, pois sua concretização não seria possível sem as bênçãos de Deus e sem a grande ajuda dos meus amigos. Shalom, Shalom, Shalom.
Sergio Benchimol:


Naquela ocasião, o único álbum da banda foi executado na íntegra neste show. O desenvolvimento das partes de saxofone e flauta deu um caráter especial a essa apresentação, que foi gravada no mesmo ano em que o álbum de estreia do Semente foi lançado .



Após a gravação deste álbum, a banda se separou e os músicos seguiram para outros grupos ou carreiras solo, como foi o caso do Sr. Benchimol .

Quanto ao estilo do álbum, a música pode ser descrita como rock sinfônico com alguns elementos de space rock, blues e um toque muito sutil de música tradicional brasileira. A obra bebe de diversas influências, que vão de Jethro Tull a Pink Floyd e Hawkwind .
Trata-se de um trabalho independente, produzido pela própria banda, mas a qualidade do som é boa e o talento dos músicos é excelente. Vale muito a pena descobrir este álbum, já que a banda é praticamente desconhecida — uma verdadeira pena.
 

 


Acredito que o aspecto mais notável desta banda é a capacidade de demonstrar sua originalidade também ao vivo, pois é um grupo difícil de comparar com qualquer outro que eu já tenha ouvido. Embora utilizem bastante flauta e saxofone (executados pelo já mencionado Sergio Benchimol), o som da guitarra geralmente é o principal responsável pela ocasional sensação espacial, e, somado a algumas influências étnicas e àquela voz feminina rouca, tudo isso junto cria uma combinação muito especial e singular.

Excelente e original banda brasileira de rock progressivo. Vale ressaltar que este é um álbum de produção independente, mas isso não diminui em nada sua qualidade.


 

Novamente, não consegui encontrar onde você pode ouvir, mas em compensação, existem vários vídeos...



Track List:
1, Intro
2, Semente
3, Insanidade
4, Ninfa azul
5, Novas forças
6, Mundo Guerreiro
7, Bis Semente

Formação:
- Sergio Benchimol / solo de guitarra
- Alex Kosinski / solo de guitarra
- Pedro Kosinski / baixo, teclados
- Mario Juvenal / bateria
- Marcia Kosinski / vocais
Músicos convidados:
- André Luz / baixo
- Boni / piano, teclados
- David Gang / saxofone, flauta




VAN DER GRAAF GENERATOR ● Godbluff ● 1975

 Artista: VAN DER GRAAF GENERATOR

País: Reino Unido
Gênero: Eclectic Prog
Álbum: Gofbluff
Ano: 1975
Duração: 35:51

Músicos:
● Peter Hammill: Vocais, guitarras, piano e Hohner clavinet D6
● Hugh Banton: Órgão e baixo
● David Jackson: Saxofones e flauta
● Guy Evans: Bateria e percussão

Depois de uma pausa de três anos e meio em projetos diferentes, todas as quatro estradas continuaram se cruzando, e o quarteto do gerador Van der Graaf veio a se reunir novamente, gravando um lote de canções que produziram não apenas "Godbluff", mas também uma boa parte do seguinte "Still Life". As "músicas" do lote eram na verdade mais curtas, tão intrincadas, mas certamente mais agressivas (exceto a abertura deste álbum), mas isso também foi totalmente planejado, pois eles tiveram o cuidado de não fazer um "filho de" "Pawn Hearts", por mais questionável que essa escolha possa ter sido. Uma das características dessa era do VDGG é que Hammill vai gradativamente pegando mais e mais a guitarra elétrica como mostra a foto da contracapa.

O disco abre com a deslumbrante "The Undercover Man", onde um crescendo lento começa com uma bateria e a flauta de Jackson muito rara, a progressão é surpreendente enquanto a voz de Hammill e os órgãos de Banton preenchem lentamente a paisagem sonora, até que na metade da faixa atinge o sax de Jackson. "Scorched Earth" é outra faixa realmente arrasadora, também cheia de constantes mudanças de andamento e os órgãos de Banton puxando seu peso. Na verdade, Hugh Banton (pois outros projetos ainda estavam pendentes) não participou tanto desse álbum e dá para sentir isso. Ele também toca baixo em uma faixa. "Arrow" é mais básica e começa com um pouco de psych jam antes de evoluir para um dos trechos de música VDGG mais bonitos, esparsos e assustadores já gravados. Na maior parte desta adorável canção, os vocais viciosos de Hammill estão em desacordo com o toque pastoral de seus colegas. Quando a banda finalmente quebra sua contenção por volta da marca das 5:30, os grandes riffs flutuando ao redor da música convalescem em um todo envolvente. Finalmente, a faixa final "The Sleepwalkers" exibe um ar de alegria irônica sustentada por um padrão de ritmo marcial, também incluindo alguns toques apropriados de Jazz latino, bem como um interlúdio instrumental orientado para o R'n'B: Evans tocando nesta peça é particularmente incrível, mas, novamente, esta é uma banda incrível ... certo? Este é um álbum realmente impressionante pois "The Sleepwalkers" inclui até mesmo um Cha-Cha-Cha.

Exceto pela arte muito sóbria/sem graça (bem como um design de capa única) e sua curta duração (as únicas duas falhas), "Godbluff" viu o retorno de VAN DER GRAAF em grande forma, e sua versão remasterizada é obrigatória, pois tem algumas faixas bônus ao vivo dos álbuns solo de Hammill (mas tocadas com a formação completa do VDGG), que na verdade foram tocadas nos sets do grupo.

Faixas:
01. The Undercover Man (7:00)
02. Scorched Earth (10:10)
03. Arrow (8:15)
04. The Sleepwalkers (10:26)

Vangelis ● Heaven and Hell ● 1975

 Artista: Vangelis

País: Grécia
Gênero: Eclectronic Prog
Ano: 1975
Duração: 43:14

Músicos:
● Evangelos Papathanassiou: Piano de cauda Bösendorfer, teclados (Moog, Fender Rhodes, sintetizadores, ...), percussão e bateria
● Jon Anderson: Vocal principal (2)
● Vana Veroutis: Vocal principal (3-c)
● Guy Protheroe: Regente do coro

Este é um dos álbuns mais Progressivos do famoso multitecladista grego Vangelis: contém toneladas de backing vocals do estilo coral + ópera e alguns teclados fornecem emulação de baixo. São incontáveis os momentos flutuantes intensos, repletos de coros sustentados. Há também muitas partes cativantes de piano e percussão. A primeira faixa épica costuma ser muito sinfônica e hino. 

O álbum começa com a primeira parte de "Heaven and Hell", cuja seção de abertura é chamada de "Bacchanale", e vem com um sintetizador de som estranho que logo é acompanhado pelo coro. Este tema progride para uma abertura matadora. Em seguida vem "Symphony to the Powers B", que por si só progride muitas vezes, mas é mais uma seção realista em termos de instrumentação do que "Bacchanale". "Movement 3" é bastante suave e atmosférica e funciona bem para definir o cenário para a próxima seção "So long Ago, So Clear", que para o deleite do ouvinte, traz Jon Anderson nos vocais principais: um toque intenso e flutuante por excelência é alcançado quando ele para de cantar: impressionante!!! Incrível!!!

O outro lado do disco tem algumas partes sombrias e experimentais, parecendo a trilha sonora de um filme de terror. É a segunda parte que começa com "Intestinal Bat" que começa com um estrondo e o som de morcegos emulado por percussivos e sintetizadores começa a soar. A próxima seção intitulada "Needles and Bones" apresenta uma melodia muito forte e quase exagerada que se repete muitas vezes. É acentuado por cordas e percussão que acrescentam variedade à passagem. A seguir vem "12 horas", que começa com um silêncio após a seção anterior. Em seguida, abrange os sons de percussão e vários sintetizadores até atingir o pico e diminuir o ritmo. Ele repete esse processo novamente em menor escala. Depois de mais alguns rabiscos, o coro e Vana Veroutis entram cantando uma melodia semelhante a um canto gregoriano no início. Vana Veroutis então faz um longo solo vocal apoiado pelo coro. Nect up é "Areis", que é uma passagem instrumental bastante intensa com algumas melodias fortes de sintetizador e percussão. Por último vem "A Way" que encerra o álbum de uma forma muito bonita e espacial, ótimo final.

A música que Vangelis criou nesta época revolucionou gradativamente o caráter musical ao mesmo tempo em que se tornou uma arte e sempre anunciou um trabalho de alta qualidade. Vangelis neste momento pode ter atingido o seu clímax, e criou uma obra MAGNÍFICA sempre popular entre os ouvintes.

Faixas:
01. Heaven and Hell, Part One (17:00) :
      - a) Bacchanale - 4:40
      - b) Symphony to the Powers B (Movements 1 and 2) - 8:18
      - c) Movement 3 - 4:03
02. So Long Ago, So Clear (4:58)
03. Heaven and Hell, Part Two (21:16)
      - a) Intestinal Bat - 3:18
      - b) Needles and Bones - 3:22
      - c) 12 O'Clock - 8:48
      - d) Aries - 2:05
      - e) A Way - 3:45




VORTEX ● Vortex ● 1975

 Artista: VORTEX

País: França
Gêneros: RIO, Avant-Prog, Zeuhl
Álbum: Vortex
Ano: 1975
Duração: 33:17

Músicos:
● Jean-Pierre Vivante: Fender Rhodes piano
● Gérard Jolivet: Saxofone
● Jeff Trouillet: Flauta e percussão
● Jacques Vivante: Baixo
● François Gerald: Bateria

A banda VORTEX foi fundada em Lyon, França em 1975 (anteriormente desde 1973 já existia como URANTIA), e que teria seu merecido sucesso em um mundo justo. A banda surgiu oficialmente em abril de 1975, mas suas raízes estavam nas bandas anteriores em que os membros tocavam. Uma dessas bandas se chamava TESTU BAND, que era principalmente uma banda cover da SOFT MACHINE.

Esta banda teve a maior parte da primeira formação do Vortex nela. Jean-Pierre Vivante (na época com 16 anos), que originalmente tocava violão, depois mudou para o baixo e, eventualmente, após um evento místico, voltou ao piano, instrumento que aprendera a tocar quando menino. Os outros membros eram o baterista François Gerald e o flautista Jean-Francois Trouillet. Quando Jacques Vivante, irmão de Jean-Pierre, voltou de seus estudos de engenharia em Paris, ele se juntou à banda de seu irmão como baixista. Jacques começou como guitarrista e mudou para baixo. Enquanto em Paris, Jacques descobriu vários novos grupos, como GONG e SOFT MACHINE, cujo som influenciaria o primeiro álbum do VORTEX

É essa aliança entre os irmãos que determinaria os vários caminhos que o VORTEX seguiria e o estilo de composição que eles adotariam. Eles falam de uma relação composicional complementar entre eles.
Seguindo um fascínio que os dois irmãos tiveram com o livro "Livre D'Urantia" eles mudaram seu nome para URANTIA. A formação cresceu com a chegada do saxofonista Gerard Jolivet no final de 1974. Foi então que a banda passou a compor e tocar suas músicas. Foi criado por ambos os irmãos e foi feito em colaboração com Jean-Pierre criando as estruturas básicas e Jacques lidando com as melodias e o geral da composição. Eles mantiveram o nome URANTIA por vários meses e até deram um show em uma escola onde Jacques trabalhava, sob esse nome. Mas depois de assistir a um show do MAGMA e perceber que Christian Vander do MAGMA também usava aquele livro como inspiração e fonte para sua música, eles decidiram mudar de nome, a fim de evitar qualquer alegação de plágio. O nome VORTEX  representa sua abordagem à música - criando uma espiral de ideias musicais que envolvem um componente estável e calmo, que é o olho do vórtice.

As composições para o que se tornou seu primeiro álbum foram feitas enquanto trabalhavam em uma peça teatral de vanguarda chamada M'dame S91. A banda foi convidada a fornecer a música para esta peça e, em vez disso, a peça foi feita de acordo com a música. Esta peça seria apresentada no festival de Avignon, organizado por estudantes. Este festival realizado de 17/07 a 08/11/1975 reuniu o VORTEX com outras duas bandas. MASAL ASTARTE. Esses encontros foram importantes por sua influência e para eventos posteriores na duração da banda. Esta peça musical que o VORTEX fez para o festival foi gravada e a masterização da gravação de baixa qualidade foi feita pelo estúdio JBP em Lyon e este primeiro álbum vendeu várias centenas de cópias e se tornou um item de colecionador muito procurado.

Gravado no verão de 75, o autointitulado "Vortex" é um dos mais talentosos álbums de Rock Progressivo com inflexão Jazz-Rock daquela época e veio da segunda maior cidade da França. Este álbum de estreia deve ser visto hoje como uma peça absolutamente essencial do RIO, claramente precedendo ART ZOYD e UNIVERS ZERO por uns bons 18 meses de avanço. De fato, o grupo dos irmãos Vivante sempre teve medo de ser comparado ao espectro de MAGMA.

Começando pelo bastante surpreendente (comparado com o resto do material mais sombrio do álbum) "Haroun'thasckouackabre" o Jazz-Rock psicodélico que parecia cobiçar a banda alemã OUT OF FOCUS, com seu sax e flauta sobre a Fender Rhodes e ritmos que evoluem lentamente. "Ahsquoumboum" é bem diferente, pegando emprestado um ritmo kobaiano, mas mantendo o sax fora de foco, mas não desafinado.

A faixa de 14 minutos "Délicieuse Créature" começa novamente um pouco no modo OOF, mas logo muda para um rock de câmara, mas em uma sólida veia Jazz-Rock com o grande Fender Rhodes de Vivante (sublinhando toda a marcha, algures entre MAGMA e ART ZOYD, mas mantendo um excelente duo de flauta e sax empolgado. Como uma reflexão tardia, o fechamento, mas muito curto, "Abominable Creature" é um bom final, terminando em um Free-Jazz quase caótico.

Um álbum incrível que pode ser comparado a OUT OF FOCUS, mas indo em uma direção mais Zeuhl do que a direção do grupo alemão. Definitivamente um dos álbuns mais impressionantes da França nos anos 70.

Faixas:
01. Haroun'thasckouack (10:40)
02. Ahsquoumboum (6:55)
03. Delicieuse Creature (14:32)
04. Abominable Creature (1:10)





Fetisch Park - Alluvial (1997)

 

Abstrações eletrônicas pulsantes, com influências techno e industrial, parcialmente construídas em torno do canto de prostitutas tailandesas, gravadas pela banda durante uma estadia em um hotel em Bangkok. Nas mãos de um artista menos talentoso, isso poderia ter sido um desastroso exercício de exotização à la Enigma, mas o Fetisch Park infunde essas gravações com um poder genuíno, até mesmo assustador, criando uma obra de arte absolutamente fascinante — tanto conceitualmente quanto sonoramente.

Track listing:
2. Blow
4. Reiz
6. Pongh
7. Ball-Room
8. Cargo
9. Kadse




Pieter Nooten & Michael Brook - Sleeps with the Fishes (1987)

 


Excelente colaboração única entre Pieter Nooten (do Clan of Xymox) e o compositor/guitarrista de ambient Michael Brook. Sintetizadores etéreos, cordas melancólicas, canto sussurrado, canções comoventes. Muito ao estilo da 4AD.

Track listing:
1. Several Times I
2. Searching
3. The Choice
4. After the Call
5. Finally II
6. Instrumental
7. Suddenly II
8. Suddenly I
10. Finally I
11. Several Times II
12. Equal Ways
13. These Waves
14. Time
15. Several Times III




Richard Barbieri / Tim Bowness - Flame (1994)

 


Melancolia artística e noturna com a voz de Tim Bowness, que, pelo que sei, não deixou de ser triste desde pelo menos o início dos anos 90. Se você tivesse dito ao meu eu de 16 anos que eu acabaria gostando do mesmo tipo de música melancólica e polidamente produzida que meu pai me obrigava a ouvir no carro a caminho da escola, eu provavelmente teria citado "Life Sentence"  para você e me esgueirado para fumar cigarros com minha namorada pseudo-hippie, me convencendo de que eu nunca, jamais seria como meu pai — que, no fim das contas, estava certo o tempo todo.

Track listing:
8. Feel




Destaque

Wings - Back To The Egg (1979)

  01. Reception 02. Getting Closer 03. We’re Opening Up 04. Spin It On 05. Again and Again and Again 06. Old Siam, Sir 07. Arrow Through Me ...