Caetano Veloso – Caetano Veloso (LP Philips – R 765.086L, Agosto de 1969).
Produção e Direção Musical: Rogério Duprat.
Género: Bossa Nova, MPB, Rock Psicadélico.
“Caetano Veloso” (também conhecido como “Álbum Branco”, “Disco da Assinatura” ou “Irene” (em relação à sua faixa de abertura) é o terceiro álbum de estúdio de Caetano Veloso, sendo este o seu segundo lançamento a solo. Foi lançado em Agosto de 1969, pela gravadora Philips. O LP foi gravado num pequeno estúdio de gravação em Salvador, Bahia, em Junho de 1969, período em que Caetano e Gilberto Gil, estavam em prisão domiciliária na capital baiana após terem sido detidos no final de 1968, no Rio de Janeiro, por questões políticas. Caetano Veloso foi produzido por Rogério Duprat. O álbum, assim como o seu antecessor, é bastante eclético (característica do movimento Tropicália), com canções em vários estilos que variam entre bossa nova, rock psicadélico, música carnavalesca, música tradicional baiana, fado, entre outras. A sua capa e o seu título homónimo são uma referência ao famoso álbum autointitulado dos Beatles, lançado um ano antes.
Faixas / Tracklist:
A1 – Irene (Caetano Veloso) 3:50
A2 - The Empty Boat (Caetano Veloso) 4:18
A3 - Marinheiro Só (adapt., arr. Caetano Veloso) 3:30
A4 - Lost In The Paradise (Caetano Veloso) 3:30
A5 - Atrás do Trio Elétrico (Caetano Veloso) 2:48
A6 - Os Argonautas (Caetano Veloso) 2:45
B1 – Carolina (Chico Buarque de Hollanda) 2:38
B2 – Cambalache (Enrique Santos Discépolo) 2:33
B3 - Objeto Não Identificado (Caetano Veloso) 4:05
Cactus é uma banda americana de hard rock. A primeira fase da sua carreira decorreu entre 1969 e 1972. Cactus foi um grupo inicialmente concebido no final de 1969 pelo ex-baixista do Vanilla Fudge, Tim Bogert, e pelo baterista Carmine Appice, depois de ter sido cancelado o plano de os unir ao guitarrista Jeff Beck quando este sofreu um acidente de automóvel e ficou fora da cena musical por mais de um ano. No início de 1970, Bogert e Appice trouxeram para a banda o guitarrista de blues Jim McCarty e o vocalista Rusty Day. Essa formação lançou três álbuns pela Atco Records, Cactus (1970), One Way ... or Another (1971) e Restrictions (1971), antes de começarem os problemas internos na banda.
O quarto e último álbum original do Cactus, 'Ot' n 'Sweaty (1972), trazia a secção rítmica original Bogert e Appice, agora acompanhados por Werner Fritzschings na guitarra, Duane Hitchings nos teclados e Peter French, como vocalista.
A banda Cactus pode nunca ter sido nada mais do que um supergrupo improvisado, mas isso não significa que não tenham dado nas vistas na sua estreia em 1970. O grupo entrosava-se muito bem, com uma excelente secção rítmica (Bogert e Appice) e a fantástica voz de Rusty Day.
Deste álbum destacamos, "You Can't Judge a Book By the Cover," "Let Me Swim" e a versão de "Parchman Farm". “Cactus” é um LP de estúdio considerado um dos melhores álbuns de hard rock do início dos anos 70, tendo atingido a posição nº 54 no Top 200 dos EUA, em 1970.
O grupo dissolveu-se em 1972. No entanto, foi reformulado posteriormente. e actualmente é composto por Jimmy Kunes como vocalista (2006-presente), o guitarrista Jim McCarty (1970-71, 2006-presente), o baterista Carmine Appice, o baixista Pete Bremy e Randy Pratt na harmónica.
Faixas/Tracklist:
A1 Parchman Farm (Mose Allison) 3:05
A2 My Lady From South Of Detroit (C. Appice, T. Bogert, R. Day & J. McCarty) 4:20
A3 Bro. Bill (C. Appice, T. Bogert, R. Day & J. McCarty) 5:10
A4 You Can't Judge A Book By The Cover (Willie Dixon) 6:44
B1 Let Me Swim (C. Appice, T. Bogert, R. Day & J. McCarty) 3:50
B2 No Need To Worry (C. Appice, T. Bogert, R. Day & J. McCarty) 6:00
B3 Oleo (C. Appice, T. Bogert, R. Day & J. McCarty) 4:49
B4 Feel So Good (C. Appice, T. Bogert, R. Day & J. McCarty) 6:00
Nota: Álbum gravado nos Ultra-Sonic Recording Studios, Inc., Hempstead, N.Y.
Os C.T.T. tiveram origem no Conjunto Típico Torreense (de Torres Vedras), um grupo de baile português que interpretava música popular durante as décadas de 60 e 70. A banda, decidiu colocar apenas as suas iniciais para se lançar na nova e rejuvenescida onda do rock português, surgida nos finais dos anos 70 e início dos anos 80. Os CTT, de carreira curta, surgiram em plena renovação do rock em Portugal, tentando aproximar-se do estilo de outros grupos como os UHF ou GNR. Interpretavam covers e alguns originais, tendo uma enorme aceitação na zona Oeste, onde efectuaram cerca de 200 espectáculos por ano.
O grupo era constituído por Luís Plácido (voz), Augusto Alves (teclas), Tozé Monteiro (guitarra), Hernâni (aka Nani) Teixeira (baixo) e Gabriel Matos (bateria).
Os CTT continuariam ainda por mais dois ou três anos como banda de rock, de sonoridade pesada, regressando como grupo de baile, até 1994, quando se separaram.
Da sua discografia constam dois singles, “Destruição” e “Hora de Ponta” e o LP "Oito Encomendas", editados durante os anos de 1981 e 1982. Destes, um destaque especial para o inevitável single “Destruição” (com o qual entraram nos tops nacionais) que aqui apresentamos.
C. Jérôme – 25 Ans De Succès (Pomme Music – 952 042, 1997).
Género: Chanson.
Claude Dhotel (Paris, 21 de dezembro de 1946 - Paris, 14 de março de 2000), mais conhecido pelo seu nome artístico C. Jérôme, foi um cantor e compositor francês.
Aos 16 anos tornou-se famoso com "The Storms", uma banda de rock'n'roll. Mais tarde, tentou a sua sorte em Paris, onde participou no Golf-Drouot, com o intuito de se apresentar a personalidades do mundo da música. Finalmente conheceu Jean Albertini que se tornou o seu produtor.
Jérôme teve uma carreira musical de três décadas e vendeu 26 milhões de discos, tendo sido particularmente popular na década de 70.
Em 1995, C. Jérôme tornou-se locutor de rádio na Rádio Monte Carlo, onde apresentou um programa matinal diário intitulado "Les Années Tubes", com Claire Cardell. Em 1996, Claude mudou-se para a TF1 para apresentar um show diário de “nostalgia”, La Chanson Trésor. Também se juntou a Michel Drucker, em Vivement Dimanche, para apresentar uma programa de músicas antigas.
C. Jérome, compôs sucessos como "Le Petit Chaperon Rouge est Mort" e "Quand la Mer se Retire". Com "Kiss Me", Jérome vendeu mais de 1 milhão de discos.
O cantor faleceu em Paris (14 de março de 2000), devido a um cancro/câncer.
Faixas/Tracklist:
01 Jérôme C'Est Moi 2:52
02 Kiss Me 3:32
03 Et Tu Danses Avec Lui 3:33
04 Manhattan 3:20
05 Baby Boy 2:36
06 Cindy 3:35
07 Himalaya 2:46
08 Dernier Baiser 2:57
09 La Petite Fille 3:15
10 Bay-Bay 26-38 2:58
11 Les Manons De La Nuit 3:35
12 Les Bords De L'Atlantique (Vincent Handrey) 3:56
13 Les Filles Du Sam'Di Soir (Romain Albertini, Vincent Handrey) 3:18
14 Les Larmes Aux Yeux 3:30
15 Comme Si 3:26
16 À Pleins Tubes (Romain Albertini, Vincent Handrey) 3:54
Sou fã dessa banda desde os anos 2000, então é realmente notável admitir que acho que eles podem ter acabado de lançar o melhor trabalho da carreira. O Twilight Sad geralmente existe em uma espécie de dimensão nebulosa e abstrata, onde mesmo quando a música deles soa direta, às vezes você simplesmente não tem certeza sobre o que eles estão cantando. Você não PRECISA saber para sentir uma música, é claro, mas este novo álbum parece que a cortina que antes existia entre a banda e o ouvinte está caindo. As guitarras estão mais altas e as emoções estão mais diretas. As defesas deles caíram.
Sinta o que quiser sobre este disco, mas não há como negar a dor e a depressão reais de onde ele vem. Às vezes, quando você está passando por um momento turbulento na vida, uma das coisas mais saudáveis que você pode fazer é expor seus sentimentos mais profundos e diretos para poder processá-los e seguir em frente. Este é um álbum bastante universal em seus temas — provavelmente é difícil encontrar algum adulto no mundo que nunca tenha sido devastado pela perda de um ente querido ou de um pai/responsável. No particular reside o universal, ou algo assim, como James Joyce disse quando não estava ocupado sendo um tarado.
Enfim, no final deste disco eu estava soluçando, e basicamente nunca mais tenho esse tipo de reação a nada. Acho que é realmente algo especial.
Assim como muitos outros, descobri o AdP através da apresentação deles na KEXP. E acredito firmemente que essa apresentação provavelmente ficará marcada como uma das mais memoráveis da história da rádio – incrivelmente precisa, envolvente e empolgante.
A música do AdP até agora oferece uma mistura interessante de math rock microtonal, prog rock e energia punk, tão única quanto suas roupas. Acho que, no geral, a melhor experiência com essa banda é ao vivo, já que a imagem deles contribui muito para a qualidade do som.
Considerando apenas seus próprios méritos, este álbum é ótimo – acho que a primeira metade do disco é imbatível em sua perfeição. Fabienk apresenta uma das linhas de baixo mais envolventes a partir do terceiro minuto, e o riff de guitarra pulsante que a precede e depois se encaixa perfeitamente com o baixo resulta em uma composição que, para mim, se destaca como a melhor faixa do álbum. Essa música por si só é uma obra-prima. A bateria incorpora elementos de disco, o que eleva completamente o ritmo da faixa – é extremamente dançante.
Em seguida, Mata Zyklek se desenvolve com uma combinação precisa de bateria e baixo – acho que é uma ótima peça complementar a Fabienk, mas a música é notavelmente mais sombria e pesada – acredito que haja alguma influência do Leste Asiático nas escalas usadas nas partes de guitarra. Isso adiciona uma ótima profundidade e versatilidade, embora a banda também tenha usado isso no volume 1, com faixas como Sherpa. Mata Zyklek também é uma das músicas que incorpora os vocais da dupla com um bom efeito, aprimorando o ritmo caótico e em camadas. Não consigo enfatizar o suficiente o quanto a bateria me impressionou ao longo dessas faixas. Ótima ponte em ambas as faixas. Mas eu faria mosh com tudo ao som dessa.
Sarniezz – meu Deus, essa linha de baixo – esse solo de guitarra – como você consegue analisar e discutir essa música com precisão? Embora eu prefira Fabienk, Sarniezz soa agradável, mas também dissonante. Acredito que seja alguma mágica microtonal que sou muito burro para compreender completamente, mas essa música é suficiente para fazer Robert Fripp chorar de alegria. Esta é inegavelmente a mais complexa e cheia de camadas dessas composições e, imagino, será a faixa favorita de muita gente.
Utzp é bem peculiar – quando a música começou, pensei que talvez eu não fosse francês o suficiente para entendê-la, para ser honesto. A primeira metade da música é provavelmente a parte mais fraca do álbum, na minha opinião, na primeira ouvida – na segunda, estou encontrando mais coisas para apreciar. É interessante ver essa jam quase folk se transformar em uma paisagem sonora progressivamente mais profunda antes de explodir em uma segunda metade matadora e impactante. Solos insanos, baixo pesado, distorção. Mas mantém alguns dos motivos folk do segmento anterior e os transforma naquele caos muito específico do AdP que está se mostrando tão contagiante.
Yor Zarad - Se uma música começa com feedback, provavelmente será ótima - a bateria na abertura é novamente impecável - essa dupla poderia muito bem ser uma única pessoa dividida ao meio. Há uma sinergia real entre as partes de cada faixa entre Khn e Klek, que só pode ser desenvolvida tocando juntos por tanto tempo e, claro, sendo um músico magistral. Devo dizer que, embora esta música ainda seja muito impressionante em termos de complexidade, comecei a perceber um certo padrão. Por volta dos 3 minutos, temos uma pausa com foco no baixo e na bateria, com uma série de riffs de guitarra crescendo lentamente, camada por camada. Para mim, Fabienk e Mata fizeram um trabalho melhor com essa mesma fórmula. Ainda assim, é agradável.
Angor parece uma raiva fervendo lentamente, como se estivesse sempre à beira de explodir, mas nunca chega a sair completamente dos trilhos como Sarniezz. Há um ciclo de pressão e tensão crescentes, com a liberação nunca chegando - quase como se a música divagasse sem uma resolução real. Acho que esse pode ser o ponto da música – ela termina com um feedback pesado, e acho que isso é muito reflexivo para mim quando comparo essa sensação com o nosso clima sociopolítico atual. No trabalho, me disseram que eu precisava ser resiliente – isso me lembra das vezes em que cheguei perto de um colapso, mas respirava fundo e reprimia até que um dia simplesmente não dava mais para aguentar.
No geral, a primeira metade deste álbum é uma obra-prima, não tenho nada de negativo a dizer. Acho que a segunda metade sofre apenas por ser tão incrível quanto a primeira; nenhuma faixa se destaca imediatamente tanto, mas todas continuam apresentando composições interessantes e agradáveis de ouvir. Honestamente, ainda prefiro o volume 1. Se a segunda metade do álbum mantivesse a mesma qualidade da primeira, seria uma história diferente para mim.
Fora isso, tenho algumas ressalvas quanto à produção, que ocasionalmente soa plana na bateria, talvez comprimida demais em alguns momentos. Os pratos não se destacam com muita frequência, o que faz com que a bateria pareça menos importante para o projeto, quando na verdade é uma metade essencial do todo. A caixa também poderia ter mais reverberação. Gostaria que a bateria tivesse mais impacto. O bumbo, no entanto, soa ótimo. A bateria da KEXP era definitivamente melhor.
Acho que, em termos de produção, teria sido ótimo ver usos mais interessantes de panorâmica nos loops. De resto, pouco a acrescentar sobre a gravação e mixagem da guitarra e do baixo.
No futuro, adoraria vê-los incorporar mais vocais, talvez com alguns instrumentos adicionais. Continuo pensando que essa banda precisa de metais, como um saxofone, por exemplo, o que adicionaria uma profundidade incrível aos projetos futuros.
Sou grato por ter um ingresso para vê-los ao vivo este ano. Acho que o AdP é uma banda feita para ser apreciada ao vivo e mal posso esperar para pular, dançar e bater cabeça ao som dos hits que eles nos presentearam. É ótimo ver uma banda nova chegar com tudo, com um som e visual tão únicos – esses caras com certeza vão causar impacto e acho que ambos têm um futuro brilhante na indústria.
4,5/5 – Vol. 1 ainda é o meu preferido, mas caramba, esse aqui é demais!
Finalmente, o novo lançamento de uma das melhores bandas de speed metal retrô da década está disponível! Lembro-me de quando fiquei completamente impressionado com "Across the Styx" quando lançaram o clipe retrô completo; desde então, esperei pelo álbum completo como uma criança. "Dawn of the Axe" confirmou minhas expectativas, sendo um dos melhores álbuns de metal dos anos 80 que não foi lançado na época. Para mim, desde bandas como Bütcher, Hellripper ou Power Trip, Cruel Force é a próxima grande revelação do thrash metal retrô. Essa banda é a versão moderna do Running Wild do início da carreira, com vocais à la Exodus.
Com "Haneda", a banda continua dominando o cenário do metal clássico. Se você amou "Dawn of the Axe" (espero que sim, ou talvez você seja um poser), então você também pode amar este novo álbum, já que a fórmula é exatamente a mesma. Riffs matadores, produção retrô matadora, com um som que não é embolado, mas claro o suficiente para os padrões atuais, e, acima de tudo, um som de rototom matador. Nossa, aquele som de tom é puro orgasmo auditivo, eu simplesmente não me canso dele. Eu quase morreria por ele. Sabe, aquele som contínuo que você ouvia em clássicos como "Pleasure to Kill" ou "Schizophrenia"?
Assim como em "Dawn of the Axe", a banda está tematicamente ligada à evocação de antigos reinos do Oriente Médio, como o antigo Egito ou a Mesopotâmia, algo que o Iron Maiden explorou no clássico álbum "Powerslave", por exemplo. Sendo assim, o grande guitarrista Slaughter usa frases frígias MUITO (se não exclusivamente), algo que me fascina completamente. Só pela introdução épica "The Cross", você já sabe que o álbum é matador. Eu o amei desde a primeira ouvida, e ele continua me conquistando.
Não há nenhum momento fraco. Dos ritmos pulsantes do single principal "Whips-A-Swinging" à grandeza heroica da faixa-título, passando pelo maravilhoso solo de "Sword of Iron", a instrumental técnica "Crystal Skull" (que começa exatamente como "Wherever I May Roam", de você sabe quem), os riffs esmagadores de "Warlords" ou a excelente quebra de "Titan's Awakening", este disco é um verdadeiro navio de guerra, ilustrando os conflitos e a mística das terras desérticas. É difícil escolher uma música favorita, mas talvez seja "Warlords", "Titan's Awakening" ou "Sword of Iron". Ok, não é uma música só.
A capa com estilo retrô é totalmente assumida e se encaixa perfeitamente no espírito old school. Então, se você curte Agent Steel, Running Wild do início da carreira, Whiplash, Slayer do início da carreira, Kreator do início da carreira, Bulldozer ou Bathory do início da carreira, este provavelmente será o seu novo álbum favorito. E também menciono fortes influências de Dio ou Scorpions em um contexto de speed/thrash, algumas das bandas favoritas do Slaughter.
Desde o retorno da banda em 2022, podemos dizer que "Haneda" não é o quarto álbum, mas sim o segundo. Eu também adoro os dois primeiros discos, mas eles lembram mais o início do Bathory, Sodom e Bulldozer. Mencionei o Hellripper, que lançou seu quarto álbum no mesmo dia que Cruel Force. Eu diria que "Haneda" tem um som retrô mais puro do que o Hellripper, que tem um som mais moderno como Midnight, do qual eu gosto menos. Então, você já sabe onde encontrar se curte bandas modernas com uma pegada de heavy/speed/thrash clássico dos anos 80, como Power Trip e Speedwolf.
O clássico “Moving Pictures” do Rush é mais conhecido no Brasil pela faixa “Tom Sawyer” que fazia parte da abertura de MacGyver: Profissão Perigo, seriadinho para divertir a família que passava aos domingos pela manhã na Rede Globo.
Mas “Moving Pictures” vai muito além! Aqui estão faixas tão complexas como “YYZ”, a longínqua “The Camera Eyes”, as contínuas inserções da banda no reggae feito por brancos do The Police em “Vital Signs”.
Nessa época, o plano da banda era lançar um disco ao vivo, afinal Permanent Waves foi um sucesso! A prova disso era que a turnê deste álbum foi a primeira a gerar lucro real para o Rush.
Mas quis o destino que tudo mudasse de figura quando Cliff Burnstein, responsável por levar o Rush para a Mercury Record, plantou a semente em Neil Peart que a banda passava por um momento de criatividade único e parar eles para fazer um álbum ao vivo seria um desperdício. Não foi difícil para que Alex Lifeson e Geddy Lee comprassem também a ideia.
Desafio aceito, a banda se tranca em Stony Lake em Ontario para estruturar as ideias já desenvolvidas durante as passagens de som na turnê anterior e logo em seguida seguiram para o Le Studio em Quebec, conhecido por ser o Abbey Road do Rush.
A aposta não poderia ter dado mais frutos. “Moving Pictures” é o álbum mais bem sucedido da banda com vendas superiores a 5,7 milhões de cópias entre EUA, Canadá e Reino Unido. Foi 5x certificado de Platina pela RIAA (EUA), 4x Platina no Canadá e certificado de ouro no Reino Unido.
Além disso, atingiu o 3° lugar na Billboard 200 dos EUA, ocupa a 3° posição de melhor álbum de prog e 379° posição de melhor álbum de todos os tempos pela Rolling Stone.
Mas o que impressiona mais é que mesmo sendo um álbum intrincado com progressões sonoras complexas, ele é capaz de conquistar um público que está acostumado com a simplicidade das melodias pop. Geddy Lee faz duas mudanças profundas nesse álbum que o tornam ainda mais palatável (para os moldes Rushianos). O primeiro, o mais nítido, é que ele diminui o agudo nas canções. E o segundo, que você percebe buscando informações sobre o disco, é a troca do clássico baixo Rickenbacker por um Fender Precision. Essa troca de instrumento diminui o ataque dos agudos e acentua o lado grave do som.
Análise das faixas
“Tom Sawyer”
O disco abre com “Tom Sawyer” com seus teclados futuristas, letras baseadas no romance de Mark Twain de mesmo nome, com uma entrada marcante, uma levada meio-tempo e arranjos maravilhosos de teclado, baixo, guitarra e bateria. Ela é a música do álbum capaz de capturar a atenção do ouvinte do início ao fim.
“Red Barchetta”
Precedida de “Red Barchetta”, uma ode ao carro da Ferrari que foi fabricada no final dos anos 40 início do 50. Outra baseada em literatura, nesse caso em um conto de ficção científica “A Nice Morning Drive” de Richard S. Foster. Musicalmente, um início envolvente com a guitarra lenta dando o andamento inicial. Novamente a banda acerta nas melodias, Lee canta num tom não tão alto, a progressão de acordes é bem típica do Rush, mas sem deixá-la complexa para ouvintes normais.
Até aqui, fica claro a paixão de Neil Peart pelo universo das letras. Não é à toa que tomou para si essa missão, a de ser o principal letrista da banda.
“YYZ”
Chega a hora da instrumental “YYZ”, essa sim, mais intrincada e para ouvidos menos treinados talvez possa ser um desafio, mas é incrível a percepção da banda para o mundo a sua volta, como qualquer situação pode inspirá-los. No caso dessa música, “YYZ” é o código internacional de identificação do Aeroporto Pearson de Toronto, e Neil Peart teria ouvido em um voo pilotado por Alex Lifeson.
Antigamente, quando não havia instrumentalização por GPS, os pilotos se guiavam por ondas de rádio. Quando próximos a algum aeroporto, o mesmo tocava em código morse a sua identificação. E entre as viagens conduzidas por Lifeson surgiu a ideia, visto que a banda sabia que estava chegando em casa.
“Limelight”
Na sequência vem a linda “Limelight”, uma trilha sonora deliciosa e esperançosa. Liricamente é uma música muito pessoal de Peart que aqui desbrava a ideia da ilusão sobre viver a fama, viver nos palcos e como lidar com isso sem perder a cabeça. Nessa faixa, o guitarrista Alex Lifeson brilha. Muitos consideram o solo mais bonito da carreira dele comparando a David Gilmour. A comparação é justa pela visão poética, solo profundo, daqueles que com poucas notas se resolvem.
“The Camera Eyes”
Se falamos a pouco sobre a música mais curta do álbum, a contraposição agora nos recebe em “The Camera Eyes”. Outra que tem um clima futurista inicial, mas que desenrola em uma progressão maravilhosa de Lifeson e companhia. Como tantas músicas do Rush é difícil e complexa descrevê-la, mas os arranjos da cama de teclado deixam ainda mais deliciosa as transições de suas partes. Liricamente, mais uma vez Peart mostra que é um ávido leitor. Aqui ele é inspirado pela técnica de escrita de John Dos Passos e sua famosa Trilogia U.S.A., composta pelos livros The 42nd Parallel, 1919 e The Big Money.
Explico: John Dos Passos deixa a narrativa convencional por alguns minutos e aprofunda o olhar observador a sua volta, sobre a cena que acontece e é exatamente essa técnica que Neil Peart toma para si, relatando os movimentos das cidades de Manhattan e Londres.
“Witch Hunt”
“Witch Hunt” é a prova cabal da capacidade genial de Peart sobre a arte de escrever letras. Ela é a terceira parte da trilogia “Fear” criada por ele. Não bastava a trilogia ter sido entregue ao público de trás pra frente, aparecer em outros discos, ou seja, ser amarrada durante discos consecutivos, ela ganhou ainda uma quarta parte anos depois.
E a banda não para por aí. Se você perceber, a Parte I termina com um fade out, a Parte II começa e termina com fade, a Parte III termina abruptamente e a Parte IV completa o ciclo.
Para você não ficar perdido sobre a série “Fear”: a parte um é a “The Enemy Within” do álbum “Grace Under Pressure” (1984). A parte dois, “The Weapon” do álbum “Signals” (1982). Parte três, “Witch Hunt” do “Moving Pictures” (1981) e anos depois a parte quatro, “Freeze” em “Vapor Trails”.
Liricamente, “Witch Hunt” nunca esteve tão atual como agora em épocas de xenofobia e guerras.
Uma curiosidade é que ela foi gravada no dia do assassinato de John Lennon. O clima estava estranho no mundo, será que isso ajudou a deixar ela com esse ar obscuro?
“Vital Signs”
Pra fechar o álbum e mostrando toda sua versatilidade, a banda mergulha na vibe positiva do reggae. Quem será que andou ouvindo muito The Police por lá? Ok, não é a primeira vez que eles molham os pés nesse lago, a investida já tinha acontecido no álbum anterior. Mas é legal ver como eles possuem repertório amplo sem soar um pastiche.
“Vital Signs” é gostosa de ouvir, uma música pulsante que ainda tem elementos de sequenciadores dando a ela um ar futurista, um retrato dos anos 80 e a influência new wave. Liricamente, Neil Peart mostra sua preocupação com fugir à norma e ao padrão. O refrão deixa bem claro, “Everybody got to deviate from the norm” (Todo mundo tem que se desviar da norma), um chamado a não conformidade social.
“Journey to the Centre of the Eye”, álbum de estreia lançado em 1971 pela banda inglesa de rock progressivoNektar, ganha agora um relançamento em vinil pela Melômano Discos. A edição chega ao público nas versões splatter e vinil preto, ambas em capa dupla, acompanhadas de encarte em português com texto assinado por Bruno Ascari. Concebido como uma ópera espacial de 42 minutos, o álbum se apresenta como uma peça musical única e contínua. Trata-se de um trabalho conceitual em que todas as faixas se interligam para narrar a jornada cósmica de um astronauta rumo a Saturno, tendo como pano de fundo a iminência de uma guerra nuclear na Terra. O disco foi amplamente testado ao vivo antes da gravação e registrado praticamente de forma direta no Dierks Studios, preservando a fluidez e a intensidade da execução integral.
A narrativa acompanha o astronauta interceptado por alienígenas, que o convidam a viver em outra galáxia. Ao aceitar, ele passa por uma profunda expansão de consciência, abandona a visão física e entra em contato com o “Olho Que Tudo Vê”, tornando-se parte dele. Essa jornada espiritual e psicológica culmina em um retorno solitário ao espaço, onde ele observa a Terra se autodestruindo, reforçando o caráter filosófico e existencial da obra.
Musicalmente, o álbum transita com elegância entre atmosferas cósmicas, tensas, melancólicas e grandiosas, explorando sutis variações de clima, colagens sonoras e passagens instrumentais de forte impacto. Destacam-se os teclados, o órgão e o Mellotron, em diálogo expressivo com a guitarra e os efeitos vocais, recursos que ajudam a dar forma às personagens e às sensações que permeiam a narrativa.
Curiosamente, embora britânica, a banda Nektar foi formada em Hamburgo (ALE) em 1969, o mesmo ano em que o homem chegou à Lua. Assim, inserido em um contexto histórico em que o fascínio pelo espaço alcançava seu auge, impulsionado pelo sucesso da missão Apollo 11, o álbum absorve e traduz esse espírito de exploração e deslumbramento cósmico. Como foi pensado para ser ouvido do início ao fim, “Journey to the Centre of the Eye” entrega uma experiência imersiva, unindo rock progressivo, psicodelia e narrativa sci-fi. Trata-se de uma única viagem sonora criada por Roye Albrighton (guitarra e vocal principal), Derek “Mo” Moore (baixo, Mellotron e vocal), Ron Howden (bateria e percussão) e Allan “Taff” Freeman (teclados e vocal), além de Mich Brockett, responsável pela iluminação e peça fundamental na construção do impacto visual.
