sábado, 4 de abril de 2026

Roberta Flack & Donny Hathaway ‎- 1974 – Roberta Flack & Donny Hathaway

Considerado um dos melhores álbuns de duetos de todos os tempos, Roberta Flack & Donny Hathaway foi gravado a pedido do produtor da Atlantic, Jerry Wexler. Flack e Hathaway eram amigos desde a época da Universidade Howard, e Hathaway havia tocado piano nos primeiros álbuns de Flack.
Foi sugestão de Wexler que a dupla gravasse inicialmente " You've Got a Friend", de Carole King . Eles tiraram a música dos quartos boêmios da classe média e a levaram para o centro da cidade. Lançadas simultaneamente com a versão de James Taylor, as duas versões competiram pelas paradas de sucesso americanas. A interpretação de Flack e Hathaway é tão sincera e emocionante que provavelmente é a melhor versão da original de King.
Faixas
1 “I (Who Have Nothing)” 5:00
A2 “You’ve Got A Friend” 2:34
A3 “Baby, I Love You” 3:24
A4 Be Real Black For Me 3:30
A5 “You’ve Lost That Loving Feeling” 6:36
B1 “For All We Know” 3:38
B2 “Where Is The Love” 2:43
B3 “When Love Has Grown” 3:31
B4 “Come Ye Disconsolate” 4:50
B5 Mood 7:00
A canção que realmente consolidou a popularidade de Roberta Flack e Donny Hathaway foi " Where Is the Love" . Uma canção pop açucarada, foi escrita por Ralph Macdonald e William Salter e originalmente destinada ao grupo vocal The 5th Dimension. Ela soa tão doce, suave e agradável quanto qualquer uma das baladas da melhor fase de Stevie Wonder, e permaneceu nas paradas americanas por quase um ano. Também chegou ao top 30 do Reino Unido em 1972.
Quem comprou o álbum atraído pelo sucesso da música se surpreendeu ao encontrar uma obra de grande profundidade e ternura. Uma versão de " You've Lost That Loving Feeling" suaviza o drama da versão original dos Righteous Brothers, de Phil Spector, transformando-a em um sussurro urbano e angustiado entre amantes. " Be Real Black for Me" foi o hino perfeito para o movimento "black is beautiful", uma celebração da cultura afro-americana.
Conforme avança, o álbum torna-se cada vez mais solene e sombrio – encerra com uma bela interpretação da antiga canção sacra Come Ye Disconsolate , que dá lugar a Mood , um surpreendente e intimista dueto instrumental para piano de sete minutos que demonstra a formação clássica de ambos os músicos.
Foi durante a gravação do álbum que a interpretação de Flack de " The First Time Ever I Saw Your Face" , de seu álbum de estreia solo, se tornou um enorme sucesso, despertando no público um apetite voraz pelo material de Flack e Hathaway. Sua mistura de covers e canções profundas e introspectivas, lindamente tocadas e cantadas, foi única.
Flack e Hathaway gravaram juntos esporadicamente ao longo dos anos 70 até a trágica morte de Hathaway em 1979. Embora Flack tenha cantado com vários outros cantores desde então, nada se compara à magia especial que alcançaram neste disco. Íntimo e discreto, Roberta Flack & Donny Hathaway é um álbum que precisa ser apreciado em sua totalidade mais uma vez.
MUSICA&SOM ☝

Phyllis Hyman – 1979 – You Know How to Love Me

You Know How to Love Me foi o álbum de maior sucesso de Phyllis Hyman e foi cuidadosamente elaborado para se tornar o divisor de águas da artista, com a participação dos prolíficos produtores/compositores James Mtume e Reggie Lucas. O resultado final é uma mistura cuidadosamente construída de canções contemporâneas no estilo disco e baladas, algumas melhores que outras, e as faixas mais convencionais são sempre resgatadas pela voz estelar de Hyman. O álbum nunca atingiu todo o seu potencial, mas inclui a canção que se tornaria uma das marcas registradas de Hyman, " You Know How to Love Me ".
A canção nunca foi um grande sucesso comercial, mas se tornou um clássico, com versões interpretadas por artistas como Lisa Stansfield e Robin S. Outros destaques incluem a excelente e intimista " Some Way ", que permite que a voz rouca de Hyman brilhe; a balada sublime e melancólica ao piano " But I Love You "; e a balada jazzística com saxofone " Complete Me ". You Know How to Love Me é o mais perto que Hyman chegou de se tornar um sucesso comercial e é um capítulo importante e essencial no legado musical dessa estrela.
Faixas
A1 You Know How to Love Me 7:34
A2 Some Way 5:08
A3 Under Your Spell 4:40
A4 This Feeling Must Be Love 3:43
B1 But I Love You 3:05
B2 Heavenly 4:30
B3 Hold On 4:12
B4 Give a Little More 4:04
B5 Complete Me 5:22

É claro que não consigo dizer quantas vezes ouvi o nome de Phyllis Hyman ser mencionado. E, claro, o quão pouco eu realmente sabia sobre ela. Bem, a culpa é minha. Sem nenhum motivo aparente. Eu tinha a ideia fixa de que ela era principalmente uma cantora de baladas. E parecia haver muitas dessas por aí. Mais ou menos aquela velha ideia de que músicas animadas envelhecem mais rápido e as mais lentas são mais atemporais. De qualquer forma, devo dizer que, depois de ouvir este álbum, Phyllis possui um instrumento vocal definido por grande confiança e vulnerabilidade. Agora, em termos de timbre? Ela é uma cantora soul com influências do blues/gospel. E sua voz tem uma rouquidão agradável que é realmente muito cativante. Produzido por James Mtume e Reggie Lucas, eu recomendo fortemente este álbum como uma possível primeira experiência com Phyllis Hyman. Há razões para isso.
Duas das razões para escolher este álbum são a faixa-título e " You're The One ", ambas com uma pegada gospel intensa e dançante, perfeitas para a pista de dança e que te farão cantarolar com a mesma energia e inteligência da própria Phyllis. Claro que também há duas faixas mais lentas que me impressionam: " Some May " e " Give A Little More ", onde a voz experiente de Hyman se destaca em grooves sofisticados e sincopados. Em " Complete Me ", a música se transforma em uma balada gospel/soul épica, o tipo de som que sempre associei à Phyllis. " But I Love You " tem uma sonoridade disco-dance tensa e com bastante fanfarra, enquanto a única música realmente presa à época talvez seja " Heavenly ". Mas não se preocupem os que não gostam de discoteca, porque mesmo para eles, Phyllis entrega tudo de si, como sempre faz.
No fim das contas, a impressão que tenho de Phyllis Hyman aqui é que ela parece funcionar melhor como artista de álbuns. Seu estilo vocal precisa se expandir por todo o espectro dos subgêneros da música soul. E é um espectro muito mais amplo do que as pessoas imaginam. Mesmo dentro de cada vertente da música. Há músicas aqui que têm o poder de impactar fãs de soul da Filadélfia, de música disco e até mesmo de funk dançante. É verdade que a produção é tão sofisticada e vibrante quanto um bom champanhe. Por outro lado, cada som aqui serve para enfatizar o talento que recebe o maior reconhecimento. A participação da banda Mtume também não fez mal nenhum. Esta foi uma gravação voltada para um grupo de pessoas com talento único e especial. E, neste caso, eles conseguiram extrair algo extremamente especial de Phyllis Hyman. Então, mesmo que ela não esteja mais entre nós, sempre haverá discos como este.
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1993 - Rachmaninov - The Isle of the Dead, Symphony No.1 (Pletnev, RNO)

Mikhail Pletnev conduz a Russian National Orchestra

01 - The Isle of the Dead, Op.29
02 - Symphony No.1 in D minor, Op.13 - 1. Grave - Allegro ma non troppo
03 - Symphony No.1 in D minor, Op.13 - 2. Allegro animato
04 - Symphony No.1 in D minor, Op.13 - 3. Larghetto
05 - Symphony No.1 in D minor, Op.13 - 4. Allegro con fuoco

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2000 - Budapest Saxophone Quartet - Baroque

01 - A. Vivaldi- Concerto For Two Trumpets In C-Major, RV 537, I. Allegro
02 - A. Vivaldi- Concerto For Two Trumpets In C-Major, RV 537, II. Largo
03 - A. Vivaldi- Concerto For Two Trumpets In C-Major, RV 537, III. Allegro
04 - A. Vivaldi- La Tempesta Di Mare, RV 98, I. Allegro
05 - A. Vivaldi- La Tempesta Di Mare, RV 98, II. Largo
06 - A. Vivaldi- La Tempesta Di Mare, RV 98, III. Presto
07 - A. Vivaldi- Double Concerto For Oboe And Violin, RV 549, I. Allegro
08 - A. Vivaldi- Double Concerto For Oboe And Violin, RV 549, II. Largo
09 - A. Vivaldi- Double Concerto For Oboe And Violin, RV 549, III. Allegro
10 - G. F. Handel- Aria From The Oratorio Samson, Let The Bright Seraphim
11 - J. S. Bach- Brandenburg Concerto No. 3., BWV 1048, I. Allegro
12 - J. S. Bach- Brandenburg Concerto No. 3., BWV 1048, II. Adagio
13 - J. S. Bach- Brandenburg Concerto No. 3., BWV 1048, III. Allegro
14 - J. S. Bach- From Notenbüchlein Für Anna Magdalena, BWV 508, Bis Du Bei Mir
15 - J. S. Bach- Italian Concerto, BWV 971, I. Allegro
16 - J. S. Bach- Italian Concerto, BWV 971, II. Andante
17 - J. S. Bach- Italian Concerto, BWV 971, III. Presto
18 - J. S. Bach- From Suite In B-Minor, BWV 1067, Overture
19 - J. S. Bach- From Suite In B-Minor, BWV 1067, Polonaise
20 - J. S. Bach- From Suite In B-Minor, BWV 1067, Menuet
21 - J. S. Bach- From Suite In B-Minor, BWV 1067, Badinerie

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The Chesterfield Kings - Let's Go Get Stoned – 1994 - US - Garage Rock

Tracklist

A1 - The Chesterfield Kings – Johnny Volume 2:17
Written-By – Andy Babiuk, Greg Prevost
A2 - The Chesterfield Kings – Street Fighting Man 3:26
Written-By – Keith Richards, Mick Jagger
A3 - The Chesterfield Kings – Drunkhouse 2:54
Written-By – Greg Prevost
A4 - The Chesterfield Kings – It's Getting Harder All The Time 3:36
Written-By – Andy Babiuk, Greg Prevost, Kim Simmonds
A5 - The Chesterfield Kings – I'd Rather Be Dead 3:48
Written-By – Greg Prevost, Paul Rocco
A6 - The Chesterfield Kings – Can't Believe It 3:02
Written-By – Keith Richards, Mick Jagger
B1 - The Chesterfield Kings – Rock N' Roll Murder 2:54
Written-By – Andy Babiuk, Greg Prevost, Kim Fowley, Paul Rocco
B2 - The Chesterfield Kings – Sing Me Back Home 3:25
Written-By – Merle Haggard
B3 - The Chesterfield Kings – Long Ago, Far Away 3:52
Written-By – Andy Babiuk, Greg Prevost, Paul Rocco
B4 - The Chesterfield Kings – I'm Not Talking 2:29
Written-By – Mose Allison
B5 - The Chesterfield Kings – One Foot In The Graveyard 3:32
Written-By – Andy Babiuk, Greg Prevost, Paul Rocco
B6 - The Chesterfield Kings – I'm So Confused, Baby 4:33
Written-By – Andy Babiuk, Greg Prevost
B7 - The Chesterfield Kings – Cannonballs For Christmas 1:10
Written-By – Andy Babiuk, Greg Prevost

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Jeffery Liberman - Solitude Within – 1975 - US - Acid Rock, Psychedelic Rock, Blues Rock, Hard Rock, Folk Rock

Tracklist

A1 - Jeffery Liberman – I Can't Change 3:55
A2 - Jeffery Liberman – Springtime 2:40
A3 - Jeffery Liberman – Rock Or Roll Me 3:46
A4 - Jeffery Liberman – Life Is Just A Show 2:40
A5 - Jeffery Liberman – A Myopic Euphoria 1:46
B1 - Jeffery Liberman – Woman 4:41
B2 - Jeffery Liberman – Solitude Within 2:48
B3 - Jeffery Liberman – Soft And Tasty 2:27
B4 - Jeffery Liberman – The Same Old Blues 3:35
B5 - Jeffery Liberman – Transition 3:31

Bass – Phil Uptemple
Composed By, Arranged By, Producer, Vocals, Acoustic Guitar, Electric Guitar, Synthesizer, Other [Tape Manipulation], Liner Notes – Jeffery Liberman
Drums, Percussion – Tom Radlock
Engineer – Brice Roberson, Dave Antler, Mike Cortser
Keyboards [Moog], Bass, Guitar, French Horn – Dan Lomas (2)

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Messengers Incorporated • Soulful Proclamation 1970

Artista: Messengers Incorporated
País: EUA
Título do álbum: Soulful Proclamation
Ano de lançamento: 1970
Gravadora: Jazzman
Gênero: Soul, Funk, Rhythm'n'Blues
Duração: 00:40:06

Uma reedição digital de um vinil bastante raro – o primeiro e último (e, portanto, único) álbum da banda americana de soul-funk Messengers Incorporated (Messengers, Inc.), originária de Oklahoma. A banda foi formada no final da década de 1960 pelos Burtons, que foram oficialmente registrados no Registro Civil dos EUA como Charles Burton e Barbara Burton. Hoje em dia, o gênero de artistas rejeitados precisa ser verificado. Só por precaução. Para evitar problemas. Caso contrário, você nunca vai limpar seus sapatos. Enfim, voltando ao nosso Ovis aries .

O grupo pode ser considerado um típico conjunto provinciano, tocando música negra com elementos de funk, soul, rhythm and blues, jazz e, emprestado dos roqueiros de pele clara, psicodelia, que os afro-americanos chamavam de P-funk. O P, neste caso, não é 3.1415926535... (e assim por diante), mas uma abreviação de (p)psiquiátrico. Para evitar se entrelaçar mental e criativamente com a compreensão colonial do gênero, os músicos negros executavam a psicodelia negra à sua maneira: principalmente em uma linha rítmica dançante. Aqueles que discordam dessa afirmação podem consultar o trabalho de George Clinton e do grupo "Funkadelic", onde certamente encontrarão ampla evidência para sustentar seus pontos de vista oportunistas.

A cena musical americana no interior do final dos anos 1960 e início dos anos 1970 não oferecia perspectivas promissoras no show business para artistas dessas regiões. Assim como acontece na era atual da federação subártica. Como uma estrela local em seu recanto remoto da taiga, você pode, é claro, se mudar para a cidade de cúpulas douradas ou para a Palmira do Norte para entreter os esnobes esnobes e os burgueses elegantes e gordos de lá, que por algum motivo se autodenominam a nova geração de empresários, mas ainda é melhor buscar a verdadeira criatividade em sua própria região polar. De uma forma ou de outra, a escolha entre servir a Euterpe ou a Mammon é extremamente relevante em qualquer época e em qualquer localização geográfica.

Na década de 1970, nos estados federais da América do Norte, as bandas negras tinham poucas oportunidades de entrar na indústria musical, que era dominada por colonialistas brancos. Sim, em grandes cidades com mais de um milhão de habitantes, você podia se destacar por meio de apresentações em shows, mas em cidades menores com populações menos densas, o potencial para talentos criativos locais não era nem remotamente impressionante.

A única saída para esse impasse era gravar um disco e tentar promovê-lo nas rádios. O acesso a toda a gama de informações musicais naquela época era difícil – revistas de música e LPs eram caros, então nem todos podiam comprá-los. Mas se você tivesse um pequeno rádio transistorizado, a história era completamente diferente. Aí você ficava por dentro de todas as novidades musicais, mesmo morando num trailer velho no meio do mato. Se nos

transportássemos mentalmente (poderíamos usar um portal gratuito de transporte zero para isso) para a ilha imperial do outro lado do Atlântico, no início dos anos 60, descobriríamos, para nossa grande surpresa, que o quarteto brilhante não teria existido se não fosse pelos rádios. E se não fosse pela Rádio Luxemburgo, que transmitia constantemente sucessos estrangeiros para a periferia. Naquela época, o rádio era como a internet hoje. Ou até pior.

É claro que os Beatles poderiam ter corrigido seu desequilíbrio de informações comprando discos de vinil de sete polegadas na loja da Epic, ou ouvindo os sucessos de vendas importados, os quatro espremidos em uma cabine de audição apertada. No entanto, temo que a humanidade, já confusa, teria permanecido sem seu familiar "ópio sonoro", executado pelo fenomenal quarteto de músicos "de seis pernas". Afinal, um gênio sem um rádio de transistores naquela época só poderia compor "As Quatro Estações", "Os Concertos de Brandemburgo" ou, na pior das hipóteses, "A Sonata ao Luar". E nada mais.

Então, quando você for tomado por um desejo insuportável de erguer um monumento aos Quatro de Liverpool ou, contra todas as expectativas, ao Lennon Beetle, em algum lugar em Tambov ou Vologda, em vez de uma "escultura de jardim" de ferro fundido com um nariz polido, sentada tristemente em um banco sujo, considere erguer um rádio valvulado Rigonda da era soviética ou um rádio transistorizado VEF-201 em um pedestal de concreto sólido, os mesmos que você usava para ouvir os Beatles no rádio estrangeiro à noite, que não têm absolutamente nada a ver com a sua região.

No entanto, voltemos agora aos Estados Unidos. Muitos artistas negros, assim como seus colegas brancos na música contemporânea, sofrendo sob a opressão do show business capitalista, fizeram o seguinte: depois de juntar algum dinheiro, gravavam algumas músicas e, com uma tiragem mínima de um single, tentavam entrar nas rádios regionais. Contudo, o grupo "Messengers Incorporated", liderado pelo casal Burton, foi ainda mais longe – eles se concentraram em lançar um álbum completo.

O LP "Soulful Proclamation" foi gravado no estúdio Benson Sound do produtor Larry Benson, em Oklahoma City, e lançado em 1970 pelo próprio selo dos músicos, "SMI Records". O álbum apresenta uma variação da famosa canção "He Ain't Heavy, He's My Brother", do grupo britânico The Hollies (3º lugar no Reino Unido; 7º nos EUA), e a conhecida composição de Lennon e McCartney, "Eleanor Rigby" (11º lugar nos EUA).

O grupo não conseguiu alcançar o sucesso comercial com a ajuda deste álbum independente de baixa tiragem, e a formação de soul-funk, nessa encarnação, se desfez. No entanto, pouco tempo depois, o grupo ressurgiu como "Burton, Inc." e, em 1976, lançou outro álbum completo. Este obteve o mesmo sucesso comercial. Desenterrada das profundezas dos arquivos sonoros, esta coleção musical foi relançada no século XXI em formato digital e em vinil, destruindo assim seu principal atrativo: sua extrema raridade pré-histórica. Contudo, a obra em si é suficientemente interessante para ser preservada por razões estéticas até que a questão do vinil seja finalmente resolvida.

Faixas:
• 01. Soulful Proclamation
(Maurice Love)
• 02. Frequency Response
(James Young)
• 03. Ain't No Mountain (High Enough)
(N. Ashford - V. Simpson)
• 04. He Ain't Heavy (He's My Brother)
(B. Scott - B. Russell)
• 05. Twenty-Four Hours A Day
(M. Love - H. Bennett)
• 06. If I'da Club
(Charles Burton)
• 07. Eleanor Rigsby
(P. McCartney - J. Lennon)
• 08. Rebecca
• 09. Just Can't Run Away
• 10. Rejoice
(Maurice Love)

Produzido pela Messengers Incorporated

Messengers Incorporated:
• Barbara Burton - vocais
• Sonny Morrison - saxofone alto, saxofone tenor, vocais
• Morris McCraven - saxofone alto, saxofone tenor
• Charles Burton - guitarra, vocais
• Maurice Love - órgão, vocais
• James "Bucky" Young - baixo
• Maurice Howard - bateria
• Charles Atkinson - congas
• Jim Ford - efeitos sonoros