Michel Pagliaro – 21 Disques D'or (LP 1973)

MUSICA&SOM ☝

Michel Pagliaro – 21 Disques d'Or (LP Les Archives du Disque Québécois – AQ-21003, 1973).

Produtor: George Lagios.

Género: Pop/Rock, Compilação.

“21 Disques d'Or” é uma compilação de 1973 do cantor, compositor e guitarrista de Montreal, Quebec/Canadá, Michel Pagliaro (Michel Armand Guy Pagliaro) que reúne sucessos lançados entre 1966 e 1969.

Nascido em 9 de novembro de 1948, o músico de Montreal, Michel Pagliaro, sempre esteve em busca de músicos excepcionais. Ao longo da sua carreira, partilhou aventuras musicais e amizades com muitos artistas, músicos e técnicos e participou em projectos artísticos como músico, compositor, arranjador, produtor, de ambos os lados do Atlântico. Michel entrou num estúdio de gravação em 1965, descobrindo uma paixão pelos registos e produção de som. Desde então, como criador, compôs, escreveu e gravou vários sucessos atemporais que são apreciados por anglófonos e francófonos. Ele recebeu prémios de prestígio por muitas dessas músicas. O seu especial gosto por interpretações ao vivo faz com que se mantenha no palco onde partilha as suas músicas com prazer, acompanhado por excelentes músicos, e entregando-se totalmente ao seu público.

Pagliaro foi indicado ao prémio “Juno Award” de 1975 como vocalista masculino do ano. Apesar de escrever e gravar predominantemente em francês, Michel alcançou sucesso internacional principalmente com material lançado em inglês.

Faixas/Tracklist:

A1 - J'ai Marché Pour Une Nation (M. Pagliaro)

A2 - L'Amour Est Là (J. Lennon, P. McCartney / M. Pagliaro)

A3 - À T'Aimer (F. Mills, M. Pagliaro)

A4 - Pour Toi, Pour Toi (M. Pagliaro)

A5 - Comme d'Habitude (C. François, G. Thibault / C. François, J. Revaux)

A6 - Avec la Tête Avec le Coeur (V. Buggy, Y. Dessca / C. François, J.-P. Bourtayre)

A7 - Ton Nom Imprimé Dans Mon Coeur (L. Reed, B. Mason / M. Pagliaro)

A8 - Na Na Hey Hey Goodbye (G. de Carlo, D. Frashuer, P. Leka / M. Pagliaro)

A9 - Le P'tit Poppy (L. Oldham, D. Penn / M. Pagliaro)

A10 - Les Vacances (B. Thompson, M. Pagliaro)

A11 - Que le Monde Est Beau (G. Weiss, G. Douglas / M. Pagliaro)

B1 - À Paris la Nuit (F. Cavalière, E. Brigati / M. Pagliaro)

B2 - Hey Jude (J. Lennon, P. McCartney / F. Bégin, M. Pagliaro)

B3 – Spooky (M. Sharp)

B4 - C'est l'Été (G. Verdi, B. Kaye, Gin, J. Michel)

B5 - Jojo le Clown (B. Dylan / F. Bégin, M. Pagliaro)

B6 - Oogum Boogum (A. Smith)

B7 – Vous (J. McGuinn, G. Clark)

B8 - Toute la Nuit (Carrisi, Massara)

B9 – Marguerita (M. Pagliaro)

B10 - Wichita Lineman (J. Webb)

Les Megatones – Les Mégatones (1962-1969)

MUSICA&SOM ☝

Les Megatones – Les Mégatones (1962-1969).

Produção: Denis S. Pantis.

Género: Pop/Rock, Instrumental.

“Les Megatones” é uma excelente compilação do grupo canadiano homónimo Les Mégatones, que esteve em actividade de 1962 a 1969 e que reúne temas lançados entre 1962 e 1964, retirados dos seus três primeiros LPs, “Voici Les Mégatones” (1962), “Dansons! (1963) e “Vive Les Copains” (1964).

Les Mégatones foi um grupo canadiano de Rock 'n' Roll, de Québec/Canadá, formado pelos membros originais Ralph Angelilo (bateria, 1962-66), Denis Champoux (vocalista e guitarra solo, 1962-65/1969/1977), Claude Patry (voz e guitarra, 1962-63/1965-68) e Jean Poiré (baixo, 1962-65). Ao longo da sua carreira, o grupo teve ainda outros membros adicionais. Foi considerada uma banda pioneira na cena instrumental canadiana. Na verdade, Denis e os seus companheiros trabalharam muito no seu som, com excelentes amplificadores e a famosa “écholette”, uma câmara de eco que valia uma fortuna na época (400 dólares). Começaram a ficar famosos através de programas da rádio e concertos em clubes nocturnos de Montreal. Acabaram por assinar contrato com a Apex, a maior gravadora de Quebec. Em outubro de 1962 foi lançado o primeiro álbum, “Voici Les Mégatones”, com sucesso imediato. Composições como “Mégatwist”, “Monsieur Solitaire” e “Rideau SVP”, tornaram-se clássicos do instrumental canadiano, usado como indicativo em diversos programas. Depois deste sucesso, o grupo apresentou-se um pouco por todo o país. Em 1963, após um longo verão de turnês, a banda lançou um segundo álbum “Dansons Avec Les Mégatones”, onde apresentaram alguns temas do grupo francês, Les Chats Sauvages. No entanto, este LP já não teve tanto impacto como o primeiro. As suas composições Chalalla e Ski boum são muito boas e os instrumentais são as melhores faixas. Um terceiro guitarrista juntou-se ao conjunto, Michel Roy, amigo de Denis. Efectuaram digressões e visitaram locais de prestígio como o bar de espectáculos Esquire ou a Casa Loma. Entre 1962 e 1969 a banda lançou cinco LPs e em 1969 o grupo desfez-se.

Faixas/Tracklist:

01 - Rideau S.V.P. 1:40

02 - Ebb Tide 2:39

03 - Funiculi-Funicula 2:17

04 – Diane 2:28

05 - Monsieur Solitaire 1:48

06 - Nut Cracker 2:15

07 – Mégatwist 1:59

08 - My Blue Heaven 1:48

09 - Cherry Pink And Apple Blossom White 2:04

10 - Night Train 2:56

11 - Unchained Melody 2:59

12 - Silver City 2:02

13 – Chalala 2:02

14 – Telstar 2:55

15 - Rinky Dink Dink 2:29

16 – Mexico 2:22

17 - Ski Bum 2:32

18 - Altitude 3000 2:12

19 - La Casa Cha-Cha 2:08

20 - Prière D'Amour 2:46

21 - Jeunesse Jump 2:14

22 - L'Aventure 3:06

23 - Twist Des Copains 1:51

24 - Ton Image 2:21

25 - Guitare Limbo 2:19

26 - Thème D'Amour 3:00

27 - Zebra Twist 1:51

28 - Les Amours De Jeunesse 2:39

29 - Vive Les Copains 2:17

Membros/Members (1962-1969):

Denis Champoux - guitarra solo e voz

Ralph Angelillo – bateria e percussão

Claude Patry – guitarra e voz (1962-64)

Jean Poiré – baixo, saxofone (1962-65)

Michel Roy - guitarra, 1963-?)

Michel Verreault - saxofone, voz, 1963-66)

Réjean Careau (bateria, 1964-?)

Guy Martineau (teclados, baixo (1964-66)

Gilles Pouliot – baixo (1966-69)

American Football - American Football [LP4] (2026)

American Football [LP4] (2026)

American Football

Acho que eles podem ter criado o álbum definitivo da carreira deles, e não da maneira como o LP1 é frequentemente considerado.

A bateria é incrivelmente criativa, e as melodias da guitarra se complementam de uma forma que eles nunca exploraram antes, enquanto o baixo serve como uma espécie de mediador que tem muito a dizer por si só ao longo do disco.

Posso afirmar com segurança que este é o álbum mais completo deles, e também o mais triste (?). Talvez seja só eu me identificando muito com as letras e com a atmosfera melancólica da instrumentação, ainda não tenho certeza. Há também um uso bastante extenso de instrumentação não tradicional, e muito disso me lembra o álbum de estreia.

Eu realmente achava que o LP3 seria para sempre o segundo melhor álbum deles, mas não tenho dúvidas de que este o superou.

Sinceramente, pensar assim me faz sentir que isso banaliza o álbum, já que o LP1 foi feito há tanto tempo e se tornou um pilar no cânone do emo, de uma forma que parece merecer um lugar à parte, separado do que veio depois.

Nesse sentido, eu diria – com certa relutância – que este é o ápice da banda. Para ser transparente, eu não tinha esse disco no meu radar, então o abordei de uma maneira que não era exatamente apática, mas certamente sem grandes expectativas.

Para minha surpresa e deleite, este disco está repleto de composições reflexivas e experimentais, e consegue capturar uma melancolia profunda.

Dito isso, uma espécie de realidade definitiva se instala quando me pego buscando palavras no ar após o término do álbum. Ou seja, sinto-me confiante o suficiente para aplicar essa descrição a toda a obra deles.

Considerando que acompanhei toda a trajetória deles, desde a adolescência despreocupada até a meia-idade, agora em sua quarta ou quinta grande crise existencial, acho que a melhor coisa que posso dizer sobre isso não é exatamente um elogio à qualidade, ao virtuosismo técnico ou à sensibilidade lírica.

Estou muito mais inclinado a agradecer a esse grupo de pessoas, se não apenas pela música, mas pela orientação e conexão que senti ao longo dos anos, já que cada um de seus álbuns esteve presente em algum momento em que eu realmente precisava ouvi-los, e quase sempre sob uma perspectiva diferente, devido à maneira como o tempo parece mudar coisas que permanecem estáticas.

Em contraste gritante, não posso, de boa fé, dizer o mesmo sobre quase ninguém na minha vida, com algumas exceções notáveis.

Devido a essas exceções e à afinidade que sinto por esses álbuns, a melhor coisa que posso dizer sobre eles é, honestamente, reservada ao meu próprio diálogo interno, e talvez um sorriso discreto – aqueles sorrisos que costumávamos dar quando sentíamos o frio na barriga e o coração acelerado.

Kaátaìra - Caminhos de água (2026)

Caminhos de água (2026)

Kaátaìra

Fluvial e ritualístico, este novo opus de Kaatayra é sedutor. Sua introdução, Rio Preto, é muito envolvente, sombria e folclórica. As esperanças e as velas estão altas para navegar pelas muitas águas da selva. Mas, ao final das duas primeiras músicas, a sensação não se mantém. Durante esta primeira metade do álbum, há imenso talento e criatividade, os sons são tão atraentes quanto os dos álbuns anteriores, mas muitas passagens parecem desconectadas do resto, como se estivessem transbordando do rio, especialmente em Águas Passadas.

Após um interlúdio de duas músicas, finalmente tudo se encaixa em Caminhos de Água: a atmosfera é transcendental do começo ao fim, os cantos rituais são magníficos... Este é o Kaatayra que eu amo! Infelizmente, esse entusiasmo é rapidamente dissipado por Remanso de Maria, que me soa como um passo em falso. Como resultado, achei Caminhos de Água um ou dois passos menos atraente do que Inpariquipê ou Toda história pela frente . Há uma falta de coesão neste álbum que o torna, por vezes, mais estranho do que os seus antecessores, embora a música, na sua atmosfera e originalidade, seja tão incrível como sempre.

Blu & Exile - Time Heals Everything (2026)

Time Heals Everything (2026)

Blu & Exile

Blu & Exile são responsáveis ​​por um dos meus álbuns favoritos do século, Below the Heavens . Desde então, praticamente tudo que eles fazem no estilo de Pete Rock & CL Smooth ou Primo & Guru nos dias de hoje merece atenção. Quando o primeiro single do seu mais recente trabalho, Time Heals Everything , foi lançado, eu me preparei para outro Below the Heavens . "Soul Unusual" soa como se tivesse saído diretamente daquele álbum, e provavelmente é a minha música favorita deles desde então. É uma música incrível, que eu realmente espero que seja a minha favorita do ano. Isso me levou a acreditar que Time Heals Everything seria incrível. Bem, não é incrível, mas é muito bom.

A produção não está exatamente no nível que eu espero de Exile , mas isso porque tenho grandes expectativas de um dos melhores produtores da Costa Oeste dos últimos 25 anos. Músicas como "In My Window", a faixa-título e o single mencionado anteriormente, são tudo o que eu espero de Exile . Mesmo assim, falta algo. Emoção? Inspiração? Conexão? Não sei exatamente o que é "isso", mas sinto que parte da produção não é o que eu esperava de Blu & Exile . Mas, pensando bem, será que eu esperava um Below the Heavens Pt. 2?

E liricamente, Blu manda bem em algumas músicas, mas em outras, parece que ele está fazendo sem vontade. Ele não soa nem "parece" conectado com o que está dizendo. Novamente, isso é a percepção do ouvinte, e será que dá para "sentir" música (eu acho que dá)? Mas há alguns destaques incríveis aqui, que é o que todos esperamos de Blu . "In My Window" é um exemplo perfeito de por que Blu poderia ser o melhor compositor do hip hop, quando ele quer. Mas aí "I Don't Rhyme" (uma música que eu gosto apesar das suas falhas) parece uma música descartável. Blu sempre pecou pela falta de consistência na carreira e isso fica evidente em Time Heals Everything .

Blu & Exile elevaram o nível a um patamar tão alto com sua estreia que acho injusto compará-los à versão de si mesmos de quase 20 anos atrás, e isso se manteve ao longo de toda a carreira. Se Below the Heavens nunca tivesse existido, será que olharíamos para Time Heals Everything com menos críticas? Bem possível. Inicialmente, eu achava que não gostava tanto deste álbum quanto de Love (the) Ominous World , outro álbum que considerei inconsistente. Mas, analisando as faixas,Eu gosto de praticamente tudo em Time Heals Everything.Nem tudo entrou na minha playlist mensal/anual, mas não tem nada que eu não goste. "Surpreendentemente bom" descreve bem Time Heals Everything ? Sim, provavelmente. Eu gosto de todas as músicas, mas ainda assim termino o álbum pensando que Blu & Exile poderiam ter lançado algo melhor. O nível inicial é alto, mas o potencial é ainda maior.

Faixas favoritas:
Soul Unusual,
Crumbs
In My Window,
Time Heals Everything,
Hard Times,
The Bag,
I Don't Rhyme.

Lip Critic - Theft World (2026)

Theft World (2026)

Lip Critic

O Lip Critic demonstrou um domínio excepcional na mistura de diferentes influências da música energética em diversos gêneros. Seu último álbum comprovou a fórmula vencedora: graves profundos e impactantes, combinados com uma mistura rotativa de baterias eletrônicas e acústicas, além de uma sonoridade experimental. Para manter essa fórmula sempre atualizada, eles estão explorando e reinventando-a, criando uma ilusão de ótica. Dependendo do ponto de vista, o Lip Critic pode parecer um DJ tocando um set de hardcore ou um grupo de hardcore tocando covers do Skrillex.

Em Theft World, o Lip Critic leva todas essas características ao extremo. Como sucessor de Hex Dealer, a abordagem é semelhante à de um videogame para uma sequência: tudo é maior e mais intenso. O caos é mais denso e frenético. As partes pesadas são ainda mais pesadas e hardcore, com Talon sendo praticamente "e se a quebra em câmera lenta fosse a música inteira?". E,

entre esses momentos, as partes mais calmas também são mais tranquilas. Dentro das próprias músicas, a dinâmica se transforma cada vez mais, e na metade do álbum as coisas relaxam visivelmente. Aprecio o espaço dado para a experimentação do Lip Critics respirar e a variedade de sons da percussão. Principalmente porque esses momentos preparam muito bem o terreno para quando eles voltam a perder a cabeça novamente.

ROCK ART

 

BIOGRAFIA DOS Century

 

Century 

Century é uma banda de rock francesa formada em 1985 em Marselha.^[1] É mais conhecida pelo single "Lover Why", que permaneceu por sete semanas em primeiro lugar na França.^[2] A banda chegou a vender mais de dez milhões de cópias em todo o mundo.^[3]

No Brasil, a canção "Lover Why" foi utilizada na trilha sonora da novela Ti Ti Ti da Rede Globo.^[4] "Gone with the Winner" entrou na trilha sonora da novela Hipertensão.^[5]

História

Criado em 1985 por Jean-Louis Rodriguez (sob o nome de Jean-Louis Milford), tecladista-cantor de pop e rock em muitas orquestras de baile na região de Marselha, e Jean Duperron (sob o nome de John Wesley), também tecladista, Century é originalmente composta, além de seus dois fundadores, por Pierre Gauthé na guitarra, Jean-Yves Brard, no baixo e Christian Portes na bateria. Esta banda gravou seus dois primeiros single, Lover Why e Jane, o primeiro dos quais seria seu maior sucesso no outono de 1985 (7 semanas em primeiro lugar no Top 50). Ainda está presente em muitas compilações da década de 1980. Quando John Wesley deixou o Century na primavera de 1986, Jean-Do Sallaberry juntou-se à banda como guitarrista. Eric Traissard e Laurent Cokelaere substituíram Pierre Gauthé e Jean-Yves Brard, respectivamente, pouco antes da gravação do seu primeiro álbum intitulado ...And Soul It Goes entre maio e junho de 1986. O álbum, inteiramente escrito por Jean-Louis Milford (música) e Paul Ives (letra), foi gravado na cidade de Bruxelas e mixado em Paris antes de ser lançado no Outono de 1986. Três canções deste álbum, Lover Why, Jane e Gone with the Winner, foram grandes sucessos em todo o mundo e tornaram-se grandes êxitos na América Central e do Sul, especialmente no Brasil. Em 1987, a Century começou a escrever e gravar o seu segundo álbum Is It Red? Na primavera, o grupo inicia uma turnê europeia, começando em Portugal, onde o grupo é o número 1 das paradas. Infelizmente vítima de fraude e incompatibilidade profissional com o seu empresário, o grupo teve que interromper a sua turnê por causa das finanças de Jean-Louis Milford, único produtor do grupo. Este último não declara falência e liquida todas as dívidas profissionais em nome próprio, privando-se assim de todo o oxigênio necessário para sobrevivência do grupo. Os Estados Unidos estão interessados em assinar o grupo, mas a impossibilidade de registar mais três títulos para obter uma assinatura definitiva torna-se real e cruel. Seria preciso esperar mais um ano para terminar o disco, que se torna disco de ouro em Portugal, é editado na América do Sul, mas não sai na França por razão de política comercial. Em 1988, Laurent Cokelaere partiu para outros horizontes profissionais e foi substituído por Fred Payonne. Christian Portes também deixou a banda e foi substituído por Jean-Jacques Grall. Em 1989, aumentada por Frédéric Thibaut nos teclados, a banda retomou os ensaios e gravou modelos de algumas músicas novas, antes de finalmente se separar no final do verão. Na década de 1990, Jean-Louis Milford, apoiado por Eric Traissard na guitarra, e cercado por Paul Ives e Francis Nugent Dixon nas letras, gravou dois álbuns produzidos por John Wesley em seu próprio estúdio. O primeiro, Rumors of Yesterday, foi lançado em 1992, do qual foi lançado o single So Long. Em 1996 o segundo álbum intitulado CENTURY IV foi lançado. Nos anos 2000, Jean-Louis Milford mudou a fórmula de Century, com um amigo guitarrista de longa data, possuindo seu próprio estúdio de gravação, Thomas Richard. Cercados por um baterista e baixista adicional (conhecido na Provença por ter acompanhado vários artistas e tocado em muitas orquestras de rock ou variedades), eles criaram o álbum duplo Timeless, ainda sem lançamento comercial na França. Vítima de um problema de saúde, Jean-Louis Milford encerra a carreira do grupo

Membros

1985

(período Lover Why e Jane)

• Jean-Louis Milford: vocais, teclados
• John Wesley: teclados
• Pierre Gauthé: guitarra
• Jean-Yves Brad: baixo
• Christian Portes: bateria

1986-1987

(período ...And Soul It Goes, turnê 87, e início de Is It Red?)

• Jean-Louis Milford: vocais, teclados
• Jean-Do Sallaberry: guitarra
• Eric Traissard: guitarra
• Laurent Cokelaere: baixo
• Christian Portes: bateria
• Arnaud Dunoyer de Segonzac: teclados adicionais

1988-1989

(Is It Red ? período)

• Jean-Louis Milford: vocais, teclados
• Jean-Do Sallaberry: guitarra
• Eric Traissard: guitarra
• Fred Payonne: baixo
• Christian Portes: bateria
• Arnaud Dunoyer de Segonzac: teclados adicionais
• Jean-Jacques Grall: bateria (1989)
• Frédéric Thibaut: teclados adicionais (1989)

2006

• Jean-Louis Milford (Jean Louis Rodriguez): vocais, teclados
• Thomas Richard (Richard Father): guitarras
• Philipp Sanders (Philippe Pisani): Bateria
• Stephen Pisani (Stéphane Pisani): Baixo

Discografia

Álbuns

• 1986 - And Soul It Goes
• 1988 - Is It Red ?
• 1992 - Rumours of Yesterday
• 1996 - CENTURY IV
• 2006 - Timeless (Double LP)

Singles

• 1985 - Lover Why / Rainin' In The Park
• 1986 - Jane / Help Me Help
• 1986 - Gone With The Winner / The Day The Water Dried
• 1986 - Self Destruction / Fly Me To The Ground
• 1988 - This Way to Heaven
• 1992 - So Long

MUSICA&SO☝

Matthew E. White – Fresh Blood (2015)

Fresh Blood, o segundo disco de Matthew E. White, é uma das maravilhas que este ano já trouxe. Façamos uma breve apresentação do sr. White: 32 anos, nascido em Richmond, Virginia, amante do jazz, da soul, do gospel e do r&b, não-crente mas simpatizante do Cristianismo e das crenças religiosas em geral (que não deverá afinal ser tão diferente assim do que por cá apelidamos burguesmente de “cristão não-praticante”) e fundador da Spacebomb (uma editora que traz de volta a ideia da “banda residente”, qual ambiciosa sucessora da Motown neste século).

Fresh Blood, conceptualmente, é um disco esparso: vai da fé ao cinema, da morte à vida, do amor à luta, de abusos sexuais ao suicídio. Composto de dez canções – e Matthew E. White é o primeiro a convidar, em entrevistas recentes, a que se pense no disco como um conjunto de canções, idealmente boas -, a grande novidade é esta: um disco melhor que a sua estreia em 2012 com Big Inner, como era aliás o próprio objectivo de White. Um disco movido na mesma direcção, imbuído do mesmo espírito, mas com melhores canções. A qualidade da banda residente da Spacebomb é fabulosa, mas não só da execução das ideias de Matthew E. White vive a sua força: a sua concepção torna-o (ainda) melhor que, por exemplo, a estreia discográfica de Natalie Prass, ou que o seu já referido antecessor (ambos, diga-se, bastantes bons). O próprio Matthew E. White parece ter procurado salientar isso quando lançou uma versão dupla do disco, onde se pode ouvir as canções sem as cordas, os sopros e os coros da versão original – mostrando-se sem medo, portanto, de retirar os enfeites do disco: para mostrar que, mais do que esconder canções pouco memoráveis, estes servem apenas para as tornar mais grandiosas. É, afinal, um disco expansivo e subtil, a que a boa arte de escrever versos e conceber melodias não foge.

Ao ouvir Fresh Blood, não consigo deixar de imaginar uma espécie de anti-profeta, que no meio da confusão dos tempos modernos nos quer contar como foi o Passado. Liderar no caos e fazer do constante ruído do Mundo contemporâneo uma confusão bela, onde há também espaço para os sussurros, para a serenidade, para o silêncio e para a construção de um forte pessoal (ou não houvesse em “Circle ‘Round The Sun” o elucidativo verso “Seeking Shelter from the Storm”, reminescente da irónica canção de Bob Dylan). Como? Através do amor, esse pacificador de tudo o resto, diriam os hippies nos 60’s; essa coisa difícil de explicar e de manter mas que lhe vai garantindo os melhores momentos da sua vida, diria – acreditamos – Matthew E. White. Fresh Blood é, então, um encontro entre uma súmula da vida – vista das experiências do autor – e a afirmação de raízes musicais num terreno demarcado mas suficientemente abrangente para se tornar interessante.

O disco começa com “Take Care My Baby”, repleta de groove, onde a voz de Matthew E. White (MEW) lidera uma canção ora efusiva ora delicada; ouve-se “Rock & Roll Is Cold” – absolutamente honesta na provocação do seu título -, passa-se por “Fruit Trees” e “Holy Moly” – a tal sobre abusos sexuais, onde ainda assim, ou por isso mesmo, MEW repete constantemente o que uma leitura apressada tomaria como um paradoxo: “Fuck’em all / Love is all” -, chegando-se à belíssima “Circle ‘Round The Sun”, canção sobre a morte e a possibilidade da vida eterna. A segunda metade segue pelo mesmo caminho, com títulos como “Love Is Deep” – onde Matthew nos diz que “Love is deep shit” -, e “Vision” – onde nos canta que “Love is a decision”, mas também “Golden Robes” e as em certa medida cinematográficas “Feeling Good Is Good Enough” e “Tranquility” – a primeira é citação da afirmação de Willem Dafoe em Platoon (1986), e a segunda é uma canção de homenagem a Philipp Seymour Hoffman: pouco facilitista e superficial, num limbo entre a serenidade e a distorção e numa oscilação entre a quietude e um ambiente pesado, onde Matthew E. White acaba a cantar quase interminavelmente os versos “I rid my heart of all that resists tranquility”.

Fresh Blood é assim meio caminho entre a soul e o gospel, a vida e a morte, o amor e o ruído. E é uma voz firme, bem colocada, segura da experiência ganha nos últimos dois anos, não só a comandar um grupo de talentosos músicos como a dialogar com eles: e isso, evidentemente, faz toda a diferença.

Homeshake – In The Shower (2014)

 

Montreal: cidade canadiana situada na província de Quebeque. É a maior cidade da província, a segunda maior do país e a nona maior de toda a América do Norte. Foi aqui que Peter Sagar, em tempos braço direito de uma das maiores revelações da cena alternativa dos últimos anos, o espampanante Mac DeMarco, cresceu. Em Montreal faz frio; neste momento, conta com uns aterradores quatro graus centígrados, e pouco varia ao longo do ano. E pensar que foi este país gélido que viu crescer Sagar, que nos presenteou nos finais do ano passado com In The Shower, sob o pseudónimo de Homeshake, um disco que sabe, cheira e soa a verão.

Existe sensualidade no mistério de Sagar. A comparação com o gigante DeMarco acaba por ser inevitável, tanto devido ao facto de serem ambos canadianos que já se cruzaram musicalmente no passado, como às pequenas semelhanças na sonoridade de um e outro. No entanto, Sagar não tem dificuldades em ultrapassar a distinção do seu famoso colega. Armado de um anonimato intrigante, não se deixa confundir com um DeMarco sorridente, familiar e monstruosamente reconhecível. Sagar é discreto, misterioso e, por consequência, infinitamente apelativo.

Com In The Shower, Sagar faz chover com delicadeza sobre as nossas cabeças um punhado de melodias doces e saborosas, que sabem ao primeiro mergulho no mar ainda antes de Junho, porque não dá para esperar mais. Cada música toma na seguinte numa ordem harmoniosa, sendo muitas vezes untadas entre si com samples bizarros de vozes de desenhos animados raptados da nossa nostalgia de infância coletiva, ou com a própria voz de Sagar capturada entre gravações, revelando a natureza caseira do projeto.

A loiça não se parte, os moches ficam escondidos, o rock nunca chega a aparecer. É a hora do lo-fi, temperado com algumas piscadelas ao jazz, com o qual o artista já brincou no passado. Cada uma das onze faixas se desprende de Sagar como um encolher de ombros e um sorriso despreocupado, desde a calorosa “Chowder” ao sereno single “Cash Is Money”. A guitarra ronrona brandamente ao sabor das melodias suaves que se espreguiçam com tranquilidade, nunca transparecendo uma emoção mais forte do que a doçura da melancolia de uma tarde de Agosto.

Com o verão aí à porta, não há nada mais a fazer senão mergulhar num disco que nos faz sentir saudades de um calor que ainda nem sequer chegou. Para ouvir e ouvir mais num verão que nunca nos parece chegar.