Primitive Ring é um power trio de hard rock, forjado na sujeira do rock de motoqueiros, na arrogância do heavy metal, em pitadas de psicodelia e em uma atitude rebelde. Seu álbum de estreia é autointitulado e seu som é igualmente desprovido de firulas e sutilezas. O guitarrista Charles Moothart se consagrou no universo de Ty Segall e muito de seu DNA musical acompanhou a banda, resultando em um álbum que se encaixaria perfeitamente em sua obra. O baixista Bert Hoover e o baterista Jon Modaff também estão familiarizados com a vibe meio Blue Cheer misturada com rock de garagem bigodudo, e o trio se encaixa com uma precisão visceral ao longo de todo o disco. A maioria das faixas tem a mesma graça de uma motocicleta fazendo donuts no gramado em frente a uma escola no primeiro dia de verão. Os riffs marcantes...
…o cérebro do ouvinte é atingido por um martelo de lama, enquanto as garras afiadas da guitarra tentam abri-lo à força, fazendo-o rachar. Tentar resistir ao poder bruto de músicas como “Lies from the Outside” ou “Call Me What You Please” parece fútil, e por que alguém iria querer? Esse tipo de rock and roll pesado é mais divertido do que tomar dois Yahtzes seguidos e serve como uma ótima resposta para qualquer idiota que queira argumentar, de forma tediosa, que o rock and roll está morto. Force-os a ouvir uma música como a estrondosa “Heads Will Roll” ou a fantástica “Golden” e veja o que eles têm a dizer. As poucas faixas que se desviam da fórmula alta e brutal são um ótimo refresco para o paladar; “Paid” diminui o ritmo em favor de uma jam à la Sanatan, completa com piano elétrico e congas; “Grief Song” é um hard rock majestoso e conciso; e “Our Oblivion” mergulha em uma balada emocionante ao estilo dos anos 70, com guitarras acústicas e harmonias suaves. Essas incursões dão dimensão ao disco, mas o que realmente impressiona são as faixas mais roqueiras que explodem nos alto-falantes como motores potentes sem silenciador, assustando as crianças da vizinhança e mantendo os idosos acordados até altas horas da noite. O Primitive Ring pode não estar reinventando a roda, mas está dando um chute violento exatamente onde importa, e às vezes é exatamente disso que precisamos.
Mia Rocha compõe música para si mesma. Lançando canções sob o nome artístico Mia Joy , a artista de Chicago é filha de um poeta e uma musicista e, desde jovem, foi incentivada pelo pai a canalizar seus sentimentos em música como forma de compreendê-los. Seguindo o conselho, ela escreveu seu álbum de estreia, Spirit Tamer, um dream-pop etéreo , ao longo de vários anos emocionalmente turbulentos. O álbum captura a solidão interior de Rocha, promove a cura e cria um espaço seguro onde ela pode lidar com seus momentos mais sombrios. "O início da composição deste álbum foi um período incrivelmente difícil e sombrio, e também um período em que as coisas simplesmente jorravam de mim", disse ela em um episódio recente do podcast de Jessica Risker…
…Série de Musicoterapia no Instagram. Ela estava se recuperando de um término de relacionamento e decidiu transformar Mia Joy em um projeto solo, uma mudança em relação ao seu EP de 2017, Gemini Moon , que ela escreveu em colaboração com sua banda. Olhando para dentro de si, ela descobriu que lidar com essas dores complexas do crescimento fazia a música fluir. "Às vezes, consigo escrever uma música em uma hora, e essa foi a minha experiência com este álbum, porque eu estava sentindo as coisas com muita intensidade", acrescentou. "Foi definitivamente uma forma de lidar com a situação."
Rocha se declara uma pessoa reservada, e o álbum "Spirit Tamer", com sua sonoridade ambiente , é a sua maneira de nos atrair para o seu universo secreto — um universo repleto de humor mordaz, mudanças indesejadas e a tão esperada cura. O álbum abre com a faixa-título totalmente instrumental, na qual os lamentos melódicos de Rocha flutuam sobre acordes reverberantes, oscilando entre sussurros graves e lamentações penetrantes. É como se ela tivesse capturado todas as suas emoções em um frasco lacrado e as libertado de uma só vez, abraçando brevemente o ruído desconcertante antes que ele finalmente se dissipe. A profusão de melodias da paisagem sonora ambiente funciona como um suave refresco para o que está por vir em " Spirit Tamer" . É convidativo e, ao mesmo tempo, assombroso, e anuncia delicadamente a turbulência e a cura que se revelarão ao longo do álbum.
Rocha compôs cuidadosamente cada música na privacidade confortável do seu quarto. Exemplificando sua composição hiper-pessoal, "Heaven Forbid" é impulsionada por acordes de guitarra urgentes e aquosos, enquanto a própria Rocha permanece estagnada e relutante em aceitar a progressão. "O tempo passa por mim sem o meu consentimento", ela canta suavemente no verso de abertura da faixa, reconhecendo que seu cérebro resiste à mudança em sua vida pessoal. No refrão, ela repete o mantra simples: "Não me deixe esquecer / Deus me livre". A música reconhece que a mudança pode ser assustadora, mas é importante se apegar às lições formativas que vêm com ela.
Enquanto “Heaven Forbid” reconhece a resistência de Rocha à mudança, “HaHa” é uma ode à descoberta da força inerente no humor. A canção é permeada por uma certa leveza, marcada pela suavidade dos instrumentos. Ela canta sobre resistir mais uma vez à mudança antes de perceber que é inútil. Tudo ao seu redor está em constante movimento; até mesmo suas células se renovam enquanto ela dorme. Mas, em vez de ser paralisada por esse fato, Rocha consegue enxergar o humor irônico em sua própria rebeldia. Não mais estagnada, Rocha pode seguir em frente com um sorriso no rosto. “No fim das contas, a piada é comigo”, conclui ela.
Além de exibir seu humor autodepreciativo, grande parte de Spirit Tamer contrasta sintetizadores etéreos com letras solenes. Essa tensão se manifesta em seu single “Freak”, que cita o título da música “Freak On A Leash”, da banda Korn, lançada em 1998. Rocha pode até fazer referência à música crua da banda, mas sua canção em si é tudo menos isso. Diferentemente da música do Korn, “Freak”, de Rocha, é terna e vulnerável, evocando a euforia de se libertar de um relacionamento tóxico e sufocante. “Uma vez livre da coleira, da dor que te prendia, você finalmente pode encontrar seu próprio caminho”, observou ela sobre o significado da música. “Eu queria terminar com uma sensação de recuperar a identidade e a independência, e de se libertar da coleira simbólica.”
Uma melancolia semelhante pode ser ouvida na faixa final do álbum, um cover de "Our Last Night Together", de Arthur Russell. A versão de Rocha suaviza os aspectos mais marcantes da música original de Russell, trocando os acordes inquietantes por teclas de piano reconfortantes. O cover fecha o ciclo de sua jornada com Spirit Tamer , começando com os lamentos catárticos da faixa-título e terminando com uma mensagem mais esperançosa. A canção sugere que Rocha superou os sentimentos negativos que a atormentavam no início do processo de composição. Ela reconhece que a dor da depressão e a turbulência emocional inevitavelmente retornarão, mas agora ela está bem preparada para encarar o futuro com serenidade.
Após três anos compondo, gravando e experimentando como artista solo, Rocha traduziu emoções complexas em 12 faixas oníricas. Spirit Tamer acende uma vela para lamentar o passado, ao mesmo tempo que oferece um roteiro para o futuro. O álbum proporciona uma visão de sua jornada interior e permite que os ouvintes confrontem suas próprias lutas através de letras concisas e produção evocativa. É a lição de Rocha sobre aprender a confiar em si mesma, aceitar mudanças angustiantes e curar-se através do simples ato de deixar ir.
O álbum Daimon, da compositora e pianista italiana Olivia Belli , é composto por três novas obras e tem uma duração de pouco menos de uma hora. Com a violoncelista Raphaela Gromes, a violinista Eldbjørg Hemsing e o saxofonista Jess Gillam, além da Orquestra de Câmara Alemã de Berlim (Deutsches Kammerorchester Berlin) no concerto, estas composições exploram um território neoclássico que sugere uma vasta gama de inspirações, incluindo a Odisseia de Homero , J.S. Bach e Philip Glass. A música soa mais como uma trilha sonora de filme do que qualquer outra coisa. Combinaria perfeitamente com um filme de Jane Austen ou um drama de época. Belli é uma compositora delicada que se encaixa bem no cenário da música moderna, mantendo, ao mesmo tempo, sua voz única. O lançamento começa com a peça que dá título ao álbum, um concerto para piano e orquestra de cordas. Composto por…
…dividida em três partes, é uma obra atmosférica, repleta de nuances e sombras que se estendem e se contorcem. Belli evoca as emoções necessárias sem exagerar no melodrama. Como Glass ou Arvo Pärt, ela possui uma elegância etérea, fruto da contenção. O terceiro movimento, “O Retorno”, é particularmente encantador. O som se move e dança. Assim como na trilha sonora de Orgulho e Preconceito de Dario Marianelli, de 2005 , uma narrativa se desenrola no âmago da música. Belli é uma contadora de histórias. Nem toda música clássica se concentra em um arco narrativo. Ela pode ser emotiva, mas não retrata uma história específica ou um elenco de personagens. Daimon acompanha a jornada do herói errante e marcado pela guerra de Homero, Odisseu. Mesmo assim, resiste ao escrutínio daqueles que talvez desconheçam a inspiração subjacente.
A “Suíte Ítaca” dá continuidade à aventura. Traços de Vivaldi, assim como estilos contemporâneos, surgem e desaparecem. A mistura é magistral. Belli evoca características barrocas mais ornamentais, mantendo, ao mesmo tempo, uma sensibilidade moderna. A terceira parte da suíte, “Eumeu”, apresenta o saxofone — embora, por vezes, soe como um oboé. É uma interpretação rica e uma escolha inteligente, pois adiciona textura e cor à composição de sete movimentos. A quarta parte, “Penélope”, apresenta um som new age. Algo como Enya, algo como não. A reverberação envolve a obra com um calor suave e envolvente. E, novamente, há um forte senso de caráter ou personalidade que confere à peça um brilho memorável. Como esta elaborada suíte é composta por mais vozes e mais seções, seu som não é tão coeso e compacto quanto o do concerto que dá título à obra. As faixas ainda fluem com uma graça natural, mas o arco musical parece mais longo, mais intrincado e complexo.
A música de câmara neoclássica por vezes dialoga com outros gêneros, como o jazz. Belli não se aventura muito por esse terreno, mas o saxofone e a reverberação ajudam a ampliar o alcance de seu som. “Sonatina para Nausicaa” é a última obra do álbum, também composta por três seções. Curtas e doces, as faixas têm uma atmosfera leve. Uma sensação de encantamento e descoberta as envolve, comunicada através do dedilhado suave do piano. Belli possui um toque sensível. Ao longo do álbum, nada realmente clama por atenção. Isso, claro, não significa que as canções não prendam a atenção; significa, sim, que não estamos ouvindo melodias bombásticas. As peças geralmente mudam de humor de forma sutil. Elas transitam do misterioso ao encantador, do assombrado ao apaixonado ou nostálgico. Essas emoções são mais suaves em decibéis, mas soam bastante claras aos ouvidos.
Belli examina com maestria a Odisseia e as diversas paisagens que circundam essa famosa história. Embora "Daimon" seja talvez o destaque do álbum, há muito o que apreciar em toda a obra. Belli traz um estilo contemporâneo que mescla o barroco e o moderno. A qualidade de trilha sonora cinematográfica da música ajuda a dar forma e contorno à sua narrativa musical. Rapidamente se compreendem os humores de suas peças, bem como os personagens e experiências que retratam. A pianista demonstra segurança tanto na execução quanto na habilidade de compor melodias que conduzem o ouvinte por uma jornada constante, porém intensa. Embora o reverb seja frequentemente usado em excesso hoje em dia, o cuidado e a atenção de Belli em sua aplicação permitem que uma maior profundidade seja alcançada nas peças. Essas três composições brilham e cintilam com inteligência, além de uma vasta dose de intimidade e calor. Seria difícil encontrar um músico semelhante trabalhando com tanta diligência para produzir material que canta e compartilha uma história tão conhecida de uma maneira nova e fascinante.
O saxofonista alto e flautista Alan Braufman surgiu como uma voz singular na cena loft jazz de Nova York dos anos 1970 com seu álbum de estreia de 1975, Valley of Search, um disco que mais tarde seria reconhecido como um marco do jazz espiritual e do free jazz. Após décadas fora dos holofotes, Braufman retornou com uma nova onda de aclamação, lançando dois álbuns muito elogiados em 2020 e 2024 que o restabeleceram como um veterano essencial e uma presença contemporânea vital – há muito descrito como “uma lenda da música livre” (Gilles Peterson / BBC). Gravado em um único dia no outono de 2025, Anthem for Peace é um álbum de estúdio totalmente novo que captura Braufman no presente. Liderando um quarteto com a vibrafonista Patricia Brennan, o baixista Luke Stewart e o baterista Chad Taylor…
…ele apresenta composições concisas e cativantes que transitam fluidamente entre hinos espirituais, um pós-bop vibrante e temas hipnóticos com influência oriental. O vibrafone de Brennan — com seu timbre acústico cintilante e, ocasionalmente, com efeitos eletrônicos — adiciona profundidade e cor, enquanto Stewart e Taylor formam uma seção rítmica coesa e responsiva. O resultado é uma música “brincalhona e leve, porém densa em texturas” (NPR): otimista, focada e impulsionada por um claro senso de movimento para frente.
Os Apples são impressionantemente internacionais, com membros da banda oriundos de Tel Aviv, Nova Iorque, Jerusalém e Haifa. A banda de nove integrantes toca funk, jazz e groove, e inclui um baterista, um baixista, quatro músicos de sopro, dois DJs e um operador de mesa de som.
"Cada membro da banda tem uma formação musical diferente, então The Apples é uma ótima oportunidade para juntar tudo isso", diz o DJ Erez Todres.
O conjunto de toca-discos, metais, baixo, bateria e efeitos foi formado em 2002. Estudantes da Academia de Música Rubin de Jerusalém se uniram à crescente cena underground do sul de Tel Aviv e à mentalidade criativa de jazz/etno de Haifa e juntos começaram a explorar música improvisada, espontânea, dançante e baseada no groove, com influências de jazz.
O mestre dos toca-discos, Ofer Tal, diz: “O funk é a base do que fazemos como banda, mas tentamos incorporar outras influências, e o humor também é muito importante para nós. As pessoas sempre vêm falar conosco depois dos shows e dizem que percebem, pela nossa performance, que realmente nos divertimos no palco.”
À medida que o interesse pela banda crescia, as jams se transformaram em festas, que se transformaram em eventos e, por fim, em turnês internacionais. O LP e o single Attention! (2006) levaram a banda a assinar com a gravadora londrina Freestyle Records, pela qual, em 2007, lançaram sua notória versão de Killing in the Name Of, do Rage Against the Machine, seguida pelo LP Buzzin' About (2008) e pelo EP The Power (2009).
Nicholas "Nik" Turner (nascido em 26 de agosto de 1940, Oxford, Oxfordshire, Inglaterra) é um músico inglês, mais conhecido como ex-membro da banda pioneira do space rock Hawkwind. Turner toca saxofone, flauta, canta e é compositor. Durante sua passagem pelo Hawkwind, Turner ficou conhecido por suas estilizações experimentais de free jazz e por sua presença de palco extravagante, frequentemente usando maquiagem completa e figurinos inspirados no Antigo Egito.
(*) Gravado ao vivo nos meses de setembro e outubro de 1988, no Teatro Villa-Lobos, no Rio de Janeiro, RJ, exceto "Speak Low", gravada ao vivo em estúdio, no dia 24 de outubro de 1988.
Primitive Ring é um power trio de hard rock, forjado na sujeira do rock de motoqueiros, na arrogância do heavy metal, em pitadas de psicodelia e em uma atitude rebelde. Seu álbum de estreia é autointitulado e seu som é igualmente desprovido de firulas e sutilezas. O guitarrista Charles Moothart se consagrou no universo de Ty Segall e muito de seu DNA musical acompanhou a banda, resultando em um álbum que se encaixaria perfeitamente em sua obra. O baixista Bert Hoover e o baterista Jon Modaff também estão familiarizados com a vibe meio Blue Cheer misturada com rock de garagem bigodudo, e o trio se encaixa com uma precisão visceral ao longo de todo o disco. A maioria das faixas tem a mesma graça de uma motocicleta fazendo donuts no gramado em frente a uma escola no primeiro dia de verão. Os riffs marcantes...
