Amália Rodrigues , conhecida como "A Rainha do Fado", foi a figura mais representativa e influente na consolidação do fado como música popular em Portugal no século XX. Reconhecida internacionalmente pelas suas inúmeras atuações, incluindo aparições na televisão e no cinema, ao longo da sua carreira (que abrangeu seis décadas), elevou o fado a novos patamares estéticos, formais e conceptuais, interpretando obras de uma vasta gama de poetas populares e clássicos. Estreou em 1939 no Retiro da Severa, uma das mais prestigiadas casas de fado da década de 1930, e em 1940 no Teatro da Revista, de onde recebeu convites para atuar, primeiro em Madrid e depois no Rio de Janeiro. A partir daí, Amália Rodrigues trilhou uma carreira singular no cenário nacional, marcada pela extensão da sua voz, timbre, capacidade interpretativa e pela sua busca incessante por novos sons e atmosferas poéticas no contexto da música portuguesa. Suas primeiras gravações (de um total estimado de cerca de 170) datam de 1945 e foram feitas no Brasil. Este álbum, The Greatest Songs (2009), é uma homenagem à rainha do fado, uma viagem pelos sons de sua melhor música gravada entre 1953 e 1959, uma seleção de 20 de suas maiores canções de todos os tempos: os grandes fados que se tornaram clássicos como "Que Deus me perdoe", os temas tradicionais do fado ("Alamares"), sua incursão na revista e na opereta ("Lisboa não sejas francesa"), as canções que ela internacionalizou e tornou suas, as marchas de sua Lisboa ("Marcha da Mouraria"), a experiência em Coimbra ("Marcha da Mouraria") e sua extraordinária colaboração com David Mourão-Ferreira ("Solidão").
tracklist : 01. Barco negro 02. Solidão 03. A Portuguese House 04. Lisboa não sejas francas 05. Que Deus me perdoe 06. Coimbra 07. Alamares 08. Fado xuxu 09. Cantei o fado 10. Eu disse adeus 11. Toiro! Ei! Toiro! 12. Marcha da Mouraria 13. Faia 14. Três ruas 15. Lar português 16. Campinos do Ribatejo 17. Conta errada 18. Fado Hilário 19. Fado Eugénia da Câmara 20. A chave da minha porta
Os primeiros anos da década de 80 foram uma época de ouro para Christopher Cross. O cantor dominou as rádios com suas baladas doces e envolventes, conquistou as paradas musicais com sucessos como "Sailing" e levou para casa todos os prêmios possíveis por seus arranjos melodiosos e seu soft rock aveludado . Em 1985, seu auge já havia chegado ao fim, mas, embora sua estrela tenha caído quase tão rápido quanto ascendeu, ele continua em turnê e gravando até hoje. Aqui, relembramos seus melhores momentos com nossa seleção das 10 melhores músicas de Christopher Cross de todos os tempos.
10. Charm The Snake
Cross pode ter sido a maior estrela do mundo em 1980, mas em meados da década, a MTV surgiu e Cross estava rapidamente se tornando coisa do passado. A música adulta contemporânea não tinha espaço no canal, e Cross também não. O álbum de 1985, Every Turn of the World, tornou-se seu primeiro álbum a não receber certificação de ouro ou platina. Também não emplacou nenhum hit no Top 40. No entanto, nos presenteou com várias ótimas canções, incluindo a enérgica faixa de abertura Charm The Snake. Pode ser mais pesada e rápida do que a maioria das músicas de Cross, mas nem por isso é pior.
9. I Really Don’t Know Anymore
Descrito pela All Music como “um dos melhores álbuns mainstream de sua época”, o álbum de estreia homônimo de Cross, lançado em 1979, o transformou em uma sensação da noite para o dia, levando-o ao 6º lugar na Billboard 200 dos EUA, superando The Wall, do Pink Floyd, na disputa pelo Grammy de Álbum do Ano e conquistando uma legião de fãs com seu rico melodismo, baladas doces e soft rock sofisticado. Embora os singles de sucesso Sailing e Ride Like the Wind tenham recebido a maior parte da atenção, não há uma única música ruim em todo o álbum, como ilustra a belíssima faixa menos conhecida I Really Don't Know Anymore.
8. No Time for Talk
O segundo álbum de Cross, Another Page, de 1983, pode ter tido menos sucesso comercial do que sua estreia, mas não foi de forma alguma um fracasso, alcançando o 11º lugar nas paradas pop dos EUA, conquistando o disco de ouro e gerando três singles no Top 40. Um deles foi No Time for Talk, uma balada soft rock suave e emocionante, com arranjos primorosamente elaborados e uma performance genuína de Cross. Lançada como o terceiro single do álbum, a música alcançou o 33º lugar na Billboard Hot 100 e o 10º lugar na parada Adult Contemporary.
7. Swept Away
O terceiro álbum de Cross, Back of My Mind, lançou apenas dois singles, nenhum dos quais causou grande impacto nas paradas. O fracasso comercial do álbum acabou levando a Warner Bros. a rescindir seu contrato, deixando-o sem gravadora por cinco anos. Mas, apesar de ter sido ignorado pelo público e massacrado pela crítica, o álbum tem seus destaques, com a belíssima e melódica Swept Away sendo um deles. Embora não tenha se saído bem nas paradas, a música ganhou novo fôlego ao ser usada em um episódio da série de TV "Growing Pains".
6. Never Be the Same
A passagem de Cross pelo topo pode ter sido curta, mas foi espetacular. Seu álbum de estreia, multiplatinado e vencedor do Grammy, gerou uma série de grandes sucessos, incluindo "Never Be the Same". Uma balada rock de ritmo moderado com uma melodia irresistível e uma performance vocal belíssima e cheia de nuances de Cross, a música se tornou o terceiro single do cantor a entrar na Billboard Hot 100, alcançando o 15º lugar. Teve um desempenho ainda melhor na parada Adult Contemporary, permanecendo duas semanas no topo no final de 1980.
5. All Right
Considerada uma das melhores músicas de Cross de todos os tempos pela Smooth Radio , "All Right" nos presenteia com a dupla alegria de Michael McDonald , dos Doobie Brothers, nos vocais de apoio, e vários membros do Toto, que contribuem com sua expertise musical para os instrumentais. Lançada como o primeiro single do segundo álbum de Cross, "Another Page", a música não alcançou o mesmo sucesso dos singles de seu álbum de estreia, mas ainda assim conseguiu chegar a uma respeitável 12ª posição na Billboard Hot 100.
4. Think of Laura
Inicialmente, Cross não tinha a intenção de lançar "Think of Laura" como single, mas quando a música ganhou popularidade após ser usada na novela da ABC, "General Hospital", ele mudou de ideia. Lançada no final de 1983, tornou-se seu quarto e último single a entrar no Top 10 da Billboard Hot 100, alcançando a 9ª posição. Na parada Adult Contemporary, chegou ao primeiro lugar, mantendo-se no topo por impressionantes quatro semanas. Apesar de ser amplamente associada ao casal icônico de "General Hospital", Luke e Laura, Cross escreveu a canção como uma homenagem a Laura Carter, uma estudante da Universidade Denison que foi morta no fogo cruzado de um tiroteio entre gangues.
3. Arthur’s Theme (Best That You Can Do)
Em 1981, Cross uniu-se ao lendário compositor Burt Bacharach e à frequente parceira de composição de Bacharach, Carole Bayer Sager, para escrever a música tema da comédia "Arthur", de 1981. O filme foi um enorme sucesso, assim como a canção, alcançando o primeiro lugar nas paradas Billboard Hot 100 e Hot Adult Contemporary dos EUA, além de figurar entre as dez mais tocadas em diversos outros países. Durante a temporada de premiações, a música conquistou o Oscar de Melhor Canção Original e o Globo de Ouro de Melhor Canção Original.
2. Ride Like the Wind
"Ride Like the Wind" conta a história de um criminoso condenado em fuga para o México. Em entrevista ao Song Facts sobre sua inspiração para o tema do fora da lei, Cross explicou: "Cresci assistindo a muitos filmes de faroeste, onde sempre havia uma perseguição ao bandido. E eu morava em San Antonio, então sempre havia esse fascínio de conseguir chegar ao México e escapar das autoridades. Então, chegar à fronteira com o México era algo fascinante para mim." Lançada como o segundo single do álbum de estreia homônimo de Cross em fevereiro de 1980, a música permaneceu quatro semanas em segundo lugar na Billboard Hot 100.
1. Sailing
Se alguma música merece grande parte do crédito pelo enorme triunfo do álbum de estreia de Cross, essa música é "Sailing". Inspirada por um antigo amigo de escola de Cross que o levava para velejar quando adolescente, ela foi descrita como uma das maiores canções de yacht rock já escritas. Certamente é uma das mais bem-sucedidas – lançada em junho de 1980 como o segundo single do álbum, alcançou o primeiro lugar na Billboard Hot 100 e ganhou os prêmios Grammy de Gravação do Ano, Canção do Ano e Arranjo do Ano.
King Gizzard & the Lizard Wizard é o nome de uma banda australiana de rock psicodélico que lançou seu vigésimo primeiro álbum de estúdio, Ice, Death, Planets, Lungs, Mushrooms and Lava , em 7 de outubro de 2022. Este álbum marcou o início de uma ambiciosa trilogia de lançamentos naquele mês, demonstrando a versatilidade, a criatividade e o espírito experimental que definem a banda desde sua formação. Com uma discografia que abrange gêneros tão diversos quanto garage rock, jazz, funk, heavy metal e synth-pop, este grupo australiano demonstrou mais uma vez sua capacidade de reinvenção constante com este álbum, desta vez através de uma exploração profundamente colaborativa baseada em sessões de improvisação.
Ice, Death, Planets, Lungs, Mushrooms and Lava surgiu como uma continuação da experiência coletiva que o King Gizzard & the Lizard Wizard teve ao gravar a faixa de 18 minutos "The Dripping Tap" para seu álbum anterior , Omnium Gatherum (2022). Esse processo inspirou a banda a explorar ainda mais a improvisação. De acordo com o vocalista e multi-instrumentista Stu Mackenzie , o grupo entrou no estúdio com pouco mais do que um andamento, uma tonalidade e um título para cada música — sem riffs ou melodias predefinidos. Durante uma semana, os seis integrantes da banda ( Mackenzie, Ambrose Kenny-Smith, Joey Walker, Cook Craig, Lucas Harwood e Michael Cavanagh ) mergulharam em sessões de improvisação, cada uma estruturada em torno de uma das sete escalas gregas ( jônica, dórica, frígia, lídia, mixolídia, eólia e lócria ).Essa abordagem espontânea, descrita por Mackenzie como "simplesmente entrar, pegar nossos instrumentos e dizer 'vamos lá'", permitiu que a banda explorasse novas texturas sonoras e dinâmicas de grupo. Cada membro adotou um "totem", relacionando-o aos elementos do título do álbum ( gelo, morte, planetas, pulmões, fungos e lava ). Isso se reflete tanto na arte da capa, criada por Jason Galea , onde os rostos dos músicos estão ocultos dentro das palavras do título, quanto na narrativa lírica que aborda a relação entre a humanidade e a natureza. O resultado é um álbum que mescla elementos de jazz-rock, psicodelia e funk, com a energia de uma jam session que captura a essência da colaboração em tempo real.
O álbum é composto por sete faixas, todas extensas, com duração entre 6 e 13 minutos, permitindo à banda desenvolver ideias musicais complexas. Cada música é construída em torno de uma das sete escalas gregas, conferindo-lhe uma coerência estrutural única, embora o álbum não seja necessariamente percebido como um álbum conceitual propriamente dito. As letras exploram uma narrativa sombria sobre a natureza retomando seu domínio e o inevitável colapso térmico do planeta. Esse tema apocalíptico, combinado com um tom instrumental frequentemente otimista, cria um contraste fascinante que define a essência do álbum. O título do álbum não apenas reflete os temas líricos, mas também serve como um lembrete das escalas musicais utilizadas. Por exemplo, "Mycelium" está no modo Jônico , "Ice V" no Dórico , "Magma" no Frígio , e assim por diante, com a banda transformando com sucesso essa antiga teoria musical grega em canções acessíveis e dinâmicas.
O álbum abre com "Mycelium ", uma faixa enganosamente descontraída com sua vibe praiana e ritmos reggae. A canção explora o mundo subterrâneo dos fungos, com letras que evocam imagens de morte e decomposição. Apesar do charme inicial, com linhas de guitarra aquáticas e ventos lustrosos, a música pode soar mais como uma introdução do que como uma declaração poderosa. " Ice V ", a segunda faixa, mergulha mais fundo no modo dórico e aborda a quinta era glacial, com uma progressão linear que inclui solos de sintetizador, flauta e guitarra. Embora a música seja envolvente, ela não atinge a intensidade que caracteriza o resto do álbum, que pode inicialmente parecer um pouco sem graça. É com a terceira faixa, "Magma ", que o álbum realmente decola, liberando uma energia e coesão que o elevam a outro patamar. Esta terceira música, construída no modo frígio , marca uma mudança crucial no tom e na intensidade do álbum. Com seu tom sinistro e uma interação vocal-guitarra que cresce em intensidade, essa faixa foi apropriadamente descrita por um crítico como um dos destaques do álbum e, potencialmente, uma das melhores músicas da discografia da banda. A combinação de um riff de guitarra cada vez mais tenso e um clímax onde vocais e instrumentos convergem cria um momento visceral que captura a essência da abordagem improvisacional da banda. Experimentação e espontaneidade se fundem com uma precisão surpreendente.
Em seguida, Lava mantém o ritmo com uma introdução psicodélica que evoca uma explosão da natureza, seguida por um cântico que reflete sobre o ciclo da vida e da morte. Embora alguns críticos tenham considerado a letra um tanto sem brilho, a energia instrumental e o fluxo livre e espontâneo da faixa a tornam um destaque, especialmente em uma festa. Hell's Itch é a faixa mais longa do álbum, com 13 minutos. Ela explora o modo Mixolídio e leva a experimentação ao extremo com seções que alternam entre grooves funky e passagens mais abstratas. Apesar de sua duração, a música demonstra a capacidade da banda de sustentar uma narrativa musical por meio de mudanças dinâmicas e solos extensos. Iron Lung , em modo Eólio , é outra joia do álbum. A música desenvolve um groove irresistível, combinando um ritmo funky com letras que exploram temas como doença e luta. O álbum se encerra com Gliese 710 , em modo Lócrio . Esta música tem uma intensidade frenética e é inspirada por uma estrela da constelação de Serpens Cauda. Essa faixa é um verdadeiro manifesto apocalíptico, envolto em um turbilhão de guitarras distorcidas e um tom jazzístico que evoca uma batalha final contra as forças da natureza.
O álbum "Ice, Death, Planets, Lungs, Mushrooms and Lava" recebeu críticas positivas da crítica especializada por sua criatividade e execução, com muitos críticos observando que não havia um único momento tedioso ou repetitivo no disco.No entanto, nem todas as críticas foram totalmente positivas. Alguns críticos consideraram as letras um tanto descuidadas em alguns momentos, embora reconhecessem que os arranjos instrumentais compensavam essas fraquezas. Outros expressaram cansaço com o ritmo implacável de lançamentos da banda, questionando se a quantidade estaria ofuscando a qualidade. Apesar dessas críticas, o álbum foi indicado e venceu o prêmio de Melhor Álbum de Rock no ARIA Music Awards de 2023, consolidando o status da banda na cena musical australiana.
Em todo caso, Ice, Death, Planets, Lungs, Mushrooms and Lava é um testemunho do espírito inquieto e experimental do King Gizzard & the Lizard Wizard . Através de sua abordagem baseada na improvisação e em escalas gregas, a banda cria um álbum que equilibra a espontaneidade com uma narrativa coerente sobre a natureza e o destino da humanidade. E embora as duas primeiras faixas definam o tom, é a partir de "Magma" que o álbum realmente encontra seu ritmo e decola, liberando uma criatividade ilimitada que o torna um dos pontos altos de sua discografia. Com sua mistura de jazz-rock, psicodelia e funk, este álbum reafirmou a versatilidade do King Gizzard .
Lançada em 1978 como parte do álbum de mesmo nome, " Back on the Streets" marcou a estreia solo oficial de Gary Moore após anos de colaboração com bandas como Thin Lizzy e Colosseum II . A faixa não só representa um ponto de virada em sua carreira, como também encapsula a essência de seu estilo: uma mistura explosiva de hard rock, blues e uma técnica de guitarra impressionante.
A canção narra a história de alguém que foi traído ou rejeitado, mas o protagonista não desiste e está preparado para arrombar a porta se não lhe permitirem voltar. Embora a letra seja bastante simples, a intensidade da interpretação vocal de Gary Moore — uma explosão emocional genuína que combina vulnerabilidade e fúria — e as guitarras vibrantes fazem de " Back on the Streets " uma joia brilhante. A bateria de Simon Phillips e os teclados de Don Airey fornecem uma base sólida que permite a Moore brilhar nos solos impressionantes.
O álbum Back on the Streets também inclui colaborações com Phil Lynott , o que inevitavelmente o conecta ao reverenciado Thin Lizzy e à sua obra-prima, "Parisienne Walkways", mas a faixa-título merece seu lugar entre as grandes canções da discografia do guitarrista irlandês. Embora não tenha alcançado o topo das paradas, "Back on the Streets" tornou-se uma peça fundamental para a compreensão da constante evolução musical de Gary Moore , pois contém as raízes de tudo o que ele faria posteriormente, do metal ao blues rock.
Billy Joel , com seu estilo característico, direto e melódico, entrega em "My Life" uma canção refinada sobre independência pessoal e a busca pela liberdade, que foram os fundamentos e o espírito da década de 1970, em um tom otimista e animado, marcado por uma melodia cativante e o ritmo de seu inconfundível piano elétrico. O sucesso comercial da música foi notável, alcançando o terceiro lugar na parada Billboard Hot 100 dos EUA .
"My Life" apresenta arranjos de sintetizador proeminentes, guitarras acústicas e elétricas e uma poderosa seção rítmica, tudo envolto na sofisticada produção de Phil Ramone . Para os vocais de apoio, Billy Joel contou com a ajuda de Peter Cetera e Donnie Dacus , do Chicago , vozes essenciais na intensidade e harmonia do mantra repetido da música: "Keep it to yourself, it's my life . "
O protagonista de “Minha Vida” é um personagem que decide se reinventar e mudar radicalmente de vida, resistindo firmemente àqueles que criticam ou menosprezam sua decisão: “Não me importo mais com o que vocês dizem, esta é a minha vida, sigam com a vida de vocês, me deixem em paz”. Numa época marcada por grandes transformações culturais, Joel se posiciona claramente como uma voz firme sobre o assunto, e embora o filme tenha se tornado um clássico, sua mensagem não perdeu nada de sua relevância.
O Dire Straits foi formado em 1977 pelos irmãos Mark (guitarra e vocal) e David Knopfler (guitarra e backing vocals), de Newcastle, no nordeste da Inglaterra, e seus amigos John Illsley (baixo e backing vocals) e Pick Withers (bateria), de Leicester, na região de East Midlands. Dos quatro músicos, Withers tinha vasta experiência no ramo musical, tendo trabalhado por 10 anos como baterista de estúdio e sido membro da banda Spring , com a qual gravou um álbum em 1971. Naquela época, Mark trabalhava como professor de inglês, Illsley era estudante e David era assistente social. Mark e Withers se conheceram alguns anos antes, em 1973, tocando em uma banda de rock de pub chamada Brewers Drop.
Em 27 de julho de 1977, após arrecadar aproximadamente 120 libras esterlinas, o grupo conseguiu financiar a gravação de uma demo. As músicas gravadas nessa demo foram "Wild West End", "Down to the Waterline", "Water of Love", "Sacred Loving" e a lendária " Sultans of Swing ". A demo acabou nas mãos do renomado crítico musical Charlie Gillett , um conhecido de John Illsley , que decidiu transmiti-la em 31 de julho de 1977 no programa "Honky Tonk ", que ele apresentava na época na BBC Radio London . Essa transmissão não passou despercebida e, em 9 de dezembro de 1977, eles assinaram um contrato exclusivo com a gravadora Vertigo Records , uma subsidiária da Phonogram Records .
Entre 13 de fevereiro e 5 de março de 1978, a banda gravou o material para seu álbum de estreia homônimo, Dire Straits , no Basing Street Studios, em Londres . O álbum foi escrito e arranjado inteiramente por Mark Knopfler . Foi lançado internacionalmente em 7 de outubro de 1978 pela Vertigo Records , nos Estados Unidos pela Warner Bros. Records e no Canadá pela Mercury Records . A banda não poderia ter tido uma estreia melhor, alcançando o primeiro lugar na Alemanha, Austrália e França, o segundo lugar nos Estados Unidos e o quinto lugar no Reino Unido. Tanto nos Estados Unidos quanto no Reino Unido, o álbum recebeu certificação de platina dupla.
Este álbum inclui "Down to the Waterline ", uma das faixas da fita demo, onde Mark nos conta sobre um breve encontro. Para compor a música, Mark se inspirou em um curto romance que viveu na juventude. Ele nos transporta de volta à sua juventude em Newcastle, aos antigos cais que margeiam o Rio Tyne. É nesse cenário industrial incomum que ele consegue criar uma atmosfera melancólica e narrar esse encontro romântico, quase sussurrado, em meio às sombras dos guindastes e da carga nos cais. Ele entrelaça com maestria a delicadeza da letra romântica com a essência crua da Newcastle industrial, fundindo versos de amor com a realidade palpável da Newcastle operária e suas fábricas.
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