Em 1978, Gary Moore lançou seu segundo álbum de estúdio, Back on the Streets . Para gravar este álbum, Gary foi ao Morgan Studios em Londres e confiou o projeto a um jovem engenheiro de som, Chris Tsangarides , a quem Gary deu uma oportunidade como produtor, tendo trabalhado anteriormente com ele durante sua época no Colosseum II . Gary havia deixado o Colosseum II e se juntado ao Thin Lizzy para substituir o problemático Brian Robertson , que havia quebrado a mão em uma briga de bar. Enquanto gravava com a banda irlandesa, e mantendo um bom relacionamento com ambos os grupos, ele contou com a ajuda de Phil Lynott (baixo e vocais), que, em gratidão pelo apoio de Moore , juntou-se ao projeto , assim como Brian Downey (bateria), ambos do Thin Lizzy , John Mole (baixo) e Don Airey (teclados) do Colosseum II , e o excelente baterista Simon Phillips.
Donna Campbell é creditada em cinco faixas do álbum ao lado de Gary Moore , embora pareçam ter sido escritas exclusivamente por Gary . Donna é considerada uma das principais mulheres do rock londrino durante as décadas de 1970 e 80. Ela conheceu Gary Moore quando tinha cerca de 15 anos, tocando com a banda Skid Row, e pouco depois, aos 16, mudou -se para Londres e começou um relacionamento com ele que durou cerca de cinco anos.
Este álbum inclui "Parisienne Walkways ", uma canção que Gary manteve em seu repertório ao longo de toda a sua carreira. Embora a composição seja creditada a Phil Lynott no álbum, trata-se de uma música que eles compuseram juntos, com Lynott escrevendo a letra . Foi gravada por Gary, Lynott e Downey . Para a melodia, Gary baseou-se na música de jazz (uma de suas paixões) "Blue Bossa", do trompetista Kenny Dorham . Ao ouvirmos a letra, percebemos que se trata da cidade de Paris, mas a canção possui um duplo sentido, demonstrando o domínio de Lynott na composição. A partitura original continha o verso "I remember Paris in the autumn tonight" (Eu me lembro de Paris no outono esta noite), porém, no álbum, ele cantou "I remember Paris in '49 " (Eu me lembro de Paris em '49), pois Lynott nasceu em 1949, filho ilegítimo de um adolescente católico irlandês chamado Cecil Parris . Em meados da década de 70, Phil Lynott teve alguns encontros com seu pai, a quem finalmente conheceu, embora esses encontros tenham acabado sendo uma grande decepção para ele.
"Hurricane" é uma faixa instrumental do guitarrista norte-irlandês Gary Moore , incluída em seu álbum *Back on the Streets * (1978), um trabalho que marcou sua consolidação como artista solo após sua passagem por bandas como Skid Row e Thin Lizzy . Esta composição, lançada como parte do álbum pela MCA Records , contém uma fusão de blues rock, hard rock e jazz rock — todos estilos que definem o estilo eclético de Moore nesta fase de sua carreira. Para a gravação do álbum, Moore contou coma ajuda de Phil Lynott (baixo e vocais), que se juntou ao projeto em gratidão pelo apoio de Moore, e Brian Downey (bateria), ambos do Thin Lizzy, John Mole (baixo) e Don Airey (teclados) do Colosseum II, e o baterista Simon Phillips.
Lançado em setembro de 1978, Back on the Streets foi o primeiro álbum solo de Gary Moore , embora seu primeiro trabalho tenha sido Grinding Stone (1973), creditado à Gary Moore Band. A gravação do álbum ocorreu em um período de transição para Gary , o que se reflete neste disco, onde ele explorou sua identidade como cantor, compositor e artista solo, mantendo laços com o Thin Lizzy . Donna Campbell é creditada ao lado de Gary Moore em cinco faixas, embora pareçam ter sido escritas exclusivamente por ele . Donna é considerada uma das principais mulheres do rock londrino durante as décadas de 1970 e 80. Ela tinha cerca de 15 anos quando conheceu Gary Moore enquanto ele tocava com o Skid Row e , pouco depois, aos 16, mudou- se para Londres e começou um relacionamento com Gary que durou cerca de cinco anos.
"Hurricane" é uma faixa fantástica, uma peça instrumental de jazz fusion creditada a Gary Moore e Donna Campbell. Gary gravou a faixa com John Mole, Don Airey e Simon Phillips. Essa música se tornou uma das Moore, embora não tenha sido lançada como single nem tenha recebido grande promoção; mesmo assim, ele a manteve em seu repertório até os anos 80, quando já estava imerso no hard rock. É uma ótima faixa onde Gary está soberbo na guitarra e é magnificamente acompanhado por Airey, Mole e Phillips.
Lançada em 1978 como parte do álbum Love Bites , "Ever Fallen in Love (With Someone You Shouldn't've)" rapidamente se tornou o hino mais representativo do The Buzzcocks , uma banda punk britânica pioneira que soube combinar a energia bruta do gênero com uma sensibilidade melódica e emocional incomum para a época, demonstrando que nos anos setenta o punk também explorou territórios melódicos sem perder sua mensagem incisiva e urgência.
A canção nasceu de uma inspiração inesperada: Pete Shelley , vocalista da banda, ouviu um verso no musical Guys and Dolls que o levou a refletir sobre o amor não correspondido ou inadequado. Essa faísca se tornou o refrão que deu título a "Ever Fallen in Love", uma canção com a qual qualquer pessoa que já sentiu a dor de se apaixonar por alguém inadequado, mas de quem não consegue ou não quer escapar, pode se identificar. Consciente do mal que a outra pessoa está causando, a intenção do protagonista não é ir embora e recomeçar, mas permanecer preso em um ciclo, muito parecido com aquele em que você cai quando quer ouvir essa ótima canção repetidamente — uma das faixas mais marcantes do punk britânico dos anos setenta.
Embora tenha alcançado um respeitável 12º lugar nas paradas do Reino Unido, seu impacto cresceu muito mais com o tempo. Regravada por artistas como Fine Young Cannibals, Kim Wilde e Paolo Nutini , tornou-se um pilar e uma influência significativa no pop-punk dos anos 90. Além do sucesso comercial, "Ever Fallen in Love" representa uma evolução notável dentro do punk em uma época em que, com exceção dos Ramones e dos Stooges , o gênero ainda estava em seus primórdios. Talvez nenhuma outra música encapsule melhor o futuro do punk do que esta brilhante faixa dos Buzzcocks.
Lançada como parte do álbum Parallel Lines (1978) , "One Way or Another" é uma das canções mais icônicas do Blondie , banda liderada pela carismática Debbie Harry . Embora sua melodia cativante e energia vibrante a tenham transformado em um clássico da new wave, por trás de seu ritmo contagiante reside uma história sombria e pessoal que lhe confere uma profundidade inesperada. Debbie Harry revelou que a canção foi inspirada por um ex-namorado que a assediou após o término do relacionamento.
Em vez de deixar o medo consumi-lo, ele canalizou essa experiência em uma música que mistura sarcasmo, ironia e empoderamento. Versos como “I’m gonna get ya, get ya, get ya, get ya” (“Vou te pegar, te pegar…”) escondem uma realidade perturbadora que a performance de Harry enterra e transforma em uma frase divertida e dançante. Harry explicou que buscou conscientemente dar à música esse tom leve para não ficar remoendo o assunto e poder lidar com ele da melhor maneira possível. E nessa ambiguidade reside a força e o magnetismo de “One Way or Another ” .
Musicalmente, a canção funde o espírito rebelde do punk dos anos 70 com a sofisticação da new wave. A guitarra de Chris Stein e o baixo de Nigel Harrison criam uma seção rítmica pulsante, enquanto os vocais de Harry alternam entre doçura e intensidade rock. O resultado é uma música que soa como uma perseguição intensa, tanto emocional quanto física, que transcendeu seu tempo e permanece instantaneamente reconhecível, dando vontade de se mexer no ritmo.
Specialist in all Styles é um dos melhores álbuns de música afro-cubana do novo século, vencedor do "BBC Radio 3 Awards for World Music" em 2003. Gravado ao vivo em estúdio ao longo de dez dias, Specialist in all Styles foi produzido por Nick Gold com o engenheiro de som da World Circuit, Jerry Boys, e Youssou N'Dour completando a equipe de produção, contando com a participação ativa de músicos cubanos, principalmente a voz do maestro Ibrahim Ferrer em "Hommage à Tonton Ferrer", um bolero aveludado cujo interlúdio bilíngue aponta para os percalços do relacionamento entre dois amantes, um verdadeiro tratado sobre a paixão.
Lista de faixas : 01. Bul Ma Miin 02. Sutukun 03. Dée Moo Wóor 04. Jiin Ma Jiin Ma 05. Ndongoy Daara 06. On Verra Ça 07. Hommage à Tonton Ferrer 08. El Son te llama 09. Gnawoe
A música latina era popular no Senegal desde a década de 1940, quando marinheiros que chegavam ao porto de Dakar traziam discos, principalmente cubanos. No final da década de 1950, o Senegal, juntamente com seus vizinhos Guiné e Mali, buscava a independência do domínio colonial, e seus laços com a Cuba de Castro fomentaram o crescente interesse por sua música. Mas o que distinguia a Orchestra Baobab de outros grupos era o incrível talento com que misturavam ritmos mandinka, diola e wolof com o son afro-cubano, com toques de reggae e uma gama eclética de influências. A Orchestra Baobab surgiu em 1970, quando um grupo de políticos senegaleses decidiu dar um toque de animação às suas noites de jogos de azar e cassino no Baobab Club, em Dakar. E eles alcançaram seu objetivo: reunir uma orquestra altamente inspirada para acabar com o estresse das longas sessões que alimentavam seu ministério africano. Sem dúvida, um dos melhores projetos executados pela indústria política e de entretenimento do Senegal, com alcance global, durante uma década verdadeiramente notável. Desse período, temos a gravação recuperada por Günter Gretz para a World Circuit: Pirates Choice , um CD duplo produzido em 1982 e distribuído em cassete.
Lista de faixas : CD1: 01. utru horas 02. coumba 03. ledi ndieme m'bodj 04. werente serigne 05. ray m'bele 06. soldadi
CD2: 01. ngalam 02. toumaranke 03. foire internationale 04. la rebellion 05. ndiaga niaw 06. balla daffe
O desolado Saara, no norte do Mali, é o lar da tribo nômade Tamasheq, cujos membros são conhecidos internacionalmente como Tuaregues. O grupo Tinariwen , que significa "desertos" ou "espaços vazios" na língua Tamasheq, foi formado em campos de refugiados líbios por Tuaregues que lutavam por mais direitos e reconhecimento por parte do exército maliano. Lá, seus membros ouviam rock e reggae e trocaram seus instrumentos tradicionais por guitarras elétricas para compor canções sobre a revolução e as lutas diárias de seu povo.
Após assinarem um tratado de paz com o governo do Mali em 1996, os membros do Tinariwen depuseram as armas e se tornaram embaixadores musicais da cultura tuaregue, levando sua música comovente e influenciada pelo blues para um público global. O guitarrista britânico Justin Adams conheceu o Tinariwen em um festival de música no leste do Mali. Lá, ele propôs gravar um álbum com eles no estúdio de uma rádio local, a Tidal. As sessões de gravação resultaram em Radio Tisdas (2000), que captura o som itinerante e singular do Tinariwen.
O século XX foi dividido em duas partes. Houve o período anterior a Chuck Berry e tudo o que veio depois. Se ele criou ou não o rock and roll é algo debatido há anos. Independentemente de ter criado ou não, não há dúvida de que ele o aperfeiçoou. Sem ele, o rock sempre teria sido um espetáculo à parte, e não o evento principal. Aqui, prestamos nossa homenagem ao Pai do Rock and Roll com as 10 melhores músicas de Chuck Berry de todos os tempos.
O único problema com "Carol" é que ela nunca recebeu o reconhecimento que merecia. Considerando que foi lançada como lado B de "Johnny B. Goode", isso talvez seja compreensível. Não é, no entanto, desculpável, já que esta é uma música que exige atenção. Os Rolling Stones certamente pensaram assim, embora Berry não tenha ficado muito impressionado com a forma como Keith Richards alterou o final dos riffs na versão cover deles. Considerando o quão perfeita era a original, dá para entender o ponto de vista dele.
9. No Particular Place to Go
A interpretação de Berry em "No Particular Place to Go" é tão excepcional como sempre, mas também é uma canção que demonstra o quão grande contador de histórias ele era. É um pouco picante, um pouco irônica, e tem aquele verso clássico "Dirigindo meu automóvel"... o que poderia ser melhor? Foi um dos últimos grandes sucessos de Berry antes de ele ser relegado ao status de "artista nostálgico" nos anos 70, mas ainda é tão atual e enérgica quanto qualquer uma de suas criações anteriores.
8. Sweet Little Sixteen
Como diz o stereogum.com , é difícil citar muitos artistas do início do rock que não tenham se inspirado em Berry. Os Beach Boys, em particular, sempre "pegavam emprestado" material de seu catálogo. Na maioria das vezes, eles se safavam, mas em Surfing USA, chegaram perto demais de Sweet Little Sixteen, de Berry, para o seu próprio bem. Para evitar uma batalha judicial, o pai e empresário de Brian Wilson, Murry Wilson, concordou em ceder os direitos autorais à editora de Berry, a Arc Music. Eles também acabaram dando a Berry os créditos de composição. Foi uma atitude ousada, mas uma prova da abrangência de sua influência.
7. You Can’t Catch Me
Berry não tinha a ficha criminal mais limpa, mas, como diz o pastemagazine.com , "You Can't Catch Me" provavelmente reflete mais seu desejo de continuar aproveitando a vida de solteiro do que de fugir da prisão. Musicalmente, é uma delícia, com a guitarra vibrante de Berry se entrelaçando lindamente com a percussão elaborada e o piano cristalino. Mas é o talento de Berry para melodias que realmente faz a música brilhar. Suas referências inteligentes a sucessos anteriores, como "Maybellene", também não passam despercebidas.
6. Back In The U.S.A.
"Back In The USA" é uma aula magistral de simplicidade. A injustiça racial ainda podia ser generalizada, mas Berry claramente se sentia feliz por viver nos EUA. Não há nada de complicado em sua nostalgia, nada de político em seu patriotismo – é apenas uma música animada, absurdamente cativante e repleta de boas vibrações. Os Beatles mais tarde a parodiariam em "Back in the USSR" e Linda Ronstadt emplacaria um sucesso no Top 20 com sua versão. Nenhuma delas, porém, superou a original.
5. Memphis, Tennessee
Berry adorava uma reviravolta. Memphis, Tennessee começa com Berry implorando à telefonista para que lhe dê o número de uma garota chamada Marie. Ele sente muita falta dela, mas a mãe dela os mantém separados. E assim continua, um conto clássico de amor juvenil, até chegarmos ao verso final e descobrirmos que Marie é, na verdade, a filha de 6 anos do narrador, e sua mãe é sua ex-esposa que “destruiu nosso lar feliz” porque “não concordava” com o casamento deles, e não com o relacionamento dele com Marie.
4. Brown Eyed Handsome Man
Chuck Berry não pregava sermões, mas, ao analisar algumas de suas canções, percebe-se que elas carregam intenções políticas profundas. À primeira vista, "Brown Eyed Handsome Man" parece uma canção inofensiva e alegre sobre garotas e beisebol. Mas há um subtexto na letra, um subtexto que, em 1956, tornava a audição bastante impactante. Berry escreveu a música após presenciar a prisão de um homem hispânico – basta cavar um pouco além das melodias vibrantes e dos riffs de guitarra animados para encontrar uma canção que retrata de forma concisa as tensões raciais que assolavam os Estados Unidos.
3. Roll Over Beethoven
Como esreve o ultimateclassicrock.com , "Roll Over Beethoven" não é apenas uma canção, é uma declaração da música como uma força cultural que exige ser levada a sério. Se alguma coisa fosse capaz de transformar a música de mero entretenimento em algo realmente impactante, seria isso. O rock and roll estava prestes a revolucionar a sociedade. Levaria mais alguns anos para que todos os outros percebessem, mas Berry já previa o apocalipse iminente em 1956, e o rock era como nada jamais havia sido feito antes.
2. Maybellene
Durante quase 70 anos, as pessoas debateram se Chuck Berry criou o rock and roll. Ninguém ainda chegou a uma resposta definitiva, mas se ele o criou, então "Maybellene", seu primeiro single, foi o ponto de partida. Não que a música seja isenta de influências: a guitarra é puro blues e a letra tem raízes no R&B. Mas o ritmo é puro rock and roll. Se o R&B vinha se aproximando do rock and roll nos anos que antecederam "Maybellene", este foi o disco que o impulsionou de cabeça para o gênero. Foi revolucionário.
1. Johnny B. Goode
Como diz o ultimateclassicrock.com , "Johnny B. Goode" não era autobiográfica, mas poderia muito bem ser. "Ele tocava guitarra como quem toca um sino", grita Berry sobre um dos riffs de guitarra mais incendiários de todos os tempos. A música que define Berry tem tudo. Tem a energia contagiante, os riffs alucinantes, os solos épicos... tudo isso Berry consegue entregar com maestria em menos de três minutos. Mesmo que ele não tenha criado o rock and roll, aqui, ele o aperfeiçoa.
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