O primeiro álbum a entrar nas paradas dos EUA. Force It foi produzido pelo baixista do Ten Years After, Leo Lyons. Outro membro do Ten Years After, Chick Churchill, tocou teclado de piano elétrico Fender Rhodes, o primeiro uso desse instrumento em um disco UFO.
A reedição em CD foi remasterizada na Sound Recording Technology em Cambridge em 1994.
Lista de músicas:
Todas as faixas foram escritas por
Michael Schenker e Phil Mogg.
Lado um:
1. "Let It Roll": 3:57
2. "Shoot Shoot": 3:40
3. "High Flyer": 4:08
4. "Love Lost Love": 3:21
5. "Out in the Street": 5:18
Lado dois:
6. "Mother Mary": 3:49
7. "Too Much of Nothing" : 4:02
8. "Dance Your Life Away": 3:35
9. "This Kid's" (including "Between the Walls", written by Schenker): 6:13.
Faixas bônus da reedição do CD de 2007
10. "A Million Miles"
(previously unreleased) 4:49
11. "Mother Mary" (live at the Paris Theatre, London, England on 11 December 1975 for BBC Radio 1) 4:04
12. "Out in the Street" (live at the Paris Theatre, London, England on 11 December 1975 for BBC Radio 1) 5:12
13. "Shoot Shoot" (live at the Paris Theatre, London, England on 11 December 1975 for BBC Radio 1) 3:48
14. "Let It Roll" (live at The Roundhouse, Chalk Farm, London, England on 25 April 1976) 4:59
15. "This Kid's" (live at The Roundhouse, Chalk Farm, London, England on 25 April 1976) 4:19.
Pessoal UFO:
Phil Mogg – vocais
Andy Parker – bateria
Pete Way – baixo
Michael Schenker – guitarra
Músicos adicionais
Chick Churchill – teclados
James Dewar - vocais de apoio.
Force It é o quarto álbum de estúdio da banda
de rock inglesa UFO. Lançado em julho de 1975.
O primeiro álbum a entrar nas paradas dos EUA. Force It foi produzido pelo baixista do Ten Years After, Leo Lyons. Outro membro do Ten Years After, Chick Churchill, tocou teclado de piano elétrico Fender Rhodes, o primeiro uso desse instrumento em um disco UFO.
A reedição em CD foi remasterizada na Sound Recording Technology em Cambridge em 1994.
Lista de músicas:
Todas as faixas foram escritas por
Michael Schenker e Phil Mogg.
Lado um:
1. "Let It Roll": 3:57
2. "Shoot Shoot": 3:40
3. "High Flyer": 4:08
4. "Love Lost Love": 3:21
5. "Out in the Street": 5:18
Lado dois:
6. "Mother Mary": 3:49
7. "Too Much of Nothing" : 4:02
8. "Dance Your Life Away": 3:35
9. "This Kid's" (including "Between the Walls", written by Schenker): 6:13.
Faixas bônus da reedição do CD de 2007
10. "A Million Miles"
(previously unreleased) 4:49
11. "Mother Mary" (live at the Paris Theatre, London, England on 11 December 1975 for BBC Radio 1) 4:04
12. "Out in the Street" (live at the Paris Theatre, London, England on 11 December 1975 for BBC Radio 1) 5:12
13. "Shoot Shoot" (live at the Paris Theatre, London, England on 11 December 1975 for BBC Radio 1) 3:48
14. "Let It Roll" (live at The Roundhouse, Chalk Farm, London, England on 25 April 1976) 4:59
15. "This Kid's" (live at The Roundhouse, Chalk Farm, London, England on 25 April 1976) 4:19.
Em 27/07/1973: New York Dolls lança o álbum New York Dolls.
New York Dolls é o álbum de estreia da banda de hard rock americana New York Dolls. Lançado em julho de 1973, pela gravadora Mercury Records. Nos anos que antecederam o álbum, os Dolls desenvolveram uma base de fãs local tocando regularmente na parte baixa de Manhattan após a formação em 1971.
No entanto, a maioria dos produtores musicais e gravadoras relutou em trabalhar com eles por causa de sua vulgaridade e moda no palco também como homofobia em Nova York; a banda mais tarde apareceu em um arrasto exagerado na capa do álbum por um valor de choque. Depois de assinar um contrato com a Mercury Records, os New York Dolls gravaram o primeiro álbum no The Record Plant em Nova York com o produtor Todd Rundgren, que era conhecido por seus gostos pop sofisticados e tinha uma opinião morna da banda. Apesar das histórias de conflitos durante as sessões de gravação, David Johansen e Sylvain Sylvain disseram mais tarde que Toddy Rundgren capturou com sucesso como a banda soava ao vivo. O álbum apresenta uma mistura rock and roll despreocupado, com influências pop Brill Building e as sensibilidades e temas de juventude urbana, alienação adolescente, romance adolescente
e autenticidade, conforme apresentado nas letras coloquiais e ambíguas de David Johansen.
Álbum recebeu aclamação da crítica generalizada. A banda se mostrou difícil de comercializar fora Nova York, desenvolveu a reputação de excessos de estrelas do rock enquanto excursionava pelos Estados Unidos em apoio ao álbum.
Apesar do fracasso comercial, o New York Dolls foi um influente precursor do movimento punk rock dos anos 1970, a musicalidade bruta do grupo a atitude jovem no álbum desafiaram a tendência predominante de sofisticação musical na música popular, particularmente no rock progressivo. Entre os álbuns mais aclamados da história, desde então foi nomeado em várias publicações como um dos melhores discos de estreia do rock e um dos maiores álbuns de todos os tempos. A Rolling Stone colocou o álbum na posição 213 na lista dos 500 maiores álbuns em 2003 e "Personality Crisis" na posição 271 na lista das 500 maiores canções no ano seguinte. Em 2007, Mojo entrevistou compositores e artistas proeminentes para a publicação "100 discos que mudaram o mundo" da revista, na qual o New York Dolls foi eleito o 39º álbum influente e inspirador de todos os tempos. Em 2013, ficou na posição 355 na lista da NME dos 500 maiores álbuns de todos os tempos.
Ao ouvir os primeiros minutos de “Ela Sabe”, faixa que “abre” o disco Psicossomático – Ou Do Que As Aves São Capazes da banda de Niterói O Divã Intergaláctico, fica difícil não se lembrar d’Os Mutantes. O riff básico de rock n roll, os vocais masculinos e femininos alternados, as melodias divertidas, efeitos sonoros e intervenções de guitarra lisérgica mostram que esses caras (e garota), bebem fortemente na fonte da banda paulista. Na sequência temos a bonita “A Freira e A Planta”, que traz influências de acid folk. A próxima faixa, “Cat & The Hatter” tem fortes ecos do rock britânico sessentista e remete bastante a bandas como The Kinks e a fase mais psicodélica dos Beatles, com presença de metais.
A faixa 5, “You’ve Got Some Explaining To Do”, é o grande destaque do disco, que traz uma introdução com pedal wah-wah e órgão, versos acústicos e refrão grudento. Uma canção que resume tudo que foi feito de bom no rock dos anos 60. O álbum é bastante variado e mescla baladas, rocks mais agitados, temas instrumentais e até bossa nova (“Untitled 7″). As próprias faixas tem mudanças de andamento, e interlúdios que em um primeiro momento parecem uma composição diferente.
Psicossomático … é uma grata surpresa e um disco bastante agradável de se ouvir. Muito bem tocado, cheio de belos arranjos, boas composições e uma produção impecável, que evidencia a grande variedade de instrumentos usados na gravação. Apesar da influência forte de Mutantes (ainda mais evidente em “Essência das Coisas”), o álbum traz inúmeros elementos de rock psicodélico, folk, progressivo e MPB, principalmente das décadas de 60 e 70. Fãs de bandas como Jethro Tull, The Kinks, Santana, Spirit, Donovan, Fairport Convention e a boa fase da música brasileira, vão gostar bastante do trabalho d’O Divã Intergaláctico.
Uma pena que a banda encerrou as atividades em 2018, e somente com este álbum, mas ao mesmo tempo, é um belo disco para saber que no Brasil temos grupos que saem da mesmice do Rock mainstream manjado e da bicho-grilice pseudo intelectual de Los Hermanos e afins, e conseguem criar um trabalho ao mesmo tempo cheio de boas referências, mas com uma identidade própria e muita qualidade na execução.
Faixas:
1. Psicossomático 2. Ela Sabe 3. A Freira e a Planta 4. Cat & The Hatter 5. You’ve Got Some Explaining To Do 6. Essência das Coisas 7. Untitled 7 8. Hey Spaceboy 9. Neat Bug (An Ode To A Grasshopper) 10. Do que As Aves São Capazes 11. Psicodrama 12. Little Miss June C. 13. A Última Embarcação
Em qualquer definição para o estilo black metal os termos relacionados ao satanismo e sentimento anticristão são bastante presentes. A definição do estilo surgiu com o álbum de mesmo nome do Venom em 1982 e desde então se tornou um importante subgênero dentro do metal. Portanto é estranho quando relacionamos o termo black metal à uma banda que tem como temática algo muito mais mundano, terreno, de certa forma um diferente tipo de inferno: os horrores de uma guerra. E no caso do 1914, a Primeira Guerra Mundial, a Grande Guerra ou mesmo a ‘Guerra para acabar com todas as guerras’.
Assim como o Ex Deo que tem temática única, no caso o Império Romano, o 1914 tem seus três discos dedicados apenas à primeira guerra. E é incrível como tudo o que eles incorporam a sua música cabe perfeitamente com essa temática. Como falei o estilo musical principal do 1914 é mesmo o Black Metal, com seus riffs alternados, velocidade, vocal agressivo e todos os outras características do gênero, mas é simplista dizer que apenas black metal está presente em suas músicas, Death, Thrash, Doom e até música tradicional, não-metal, aparece eventualmente.
Where Fear And Weapons Meet é o terceiro álbum dos ucranianos, recém-lançado no Brasil, que dá sequência ao ótimo The Blind Leading the Blind (2018), altamente recomendável também. Somente seu disco de estreia Eschatology of War de 2015 é um pouco abaixo da qualidade dos dois álbuns seguintes.
O trabalho gráfico já nos coloca no clima de tudo com a foto dos integrantes na melhor maneira daquelas fichas cadastrais de soldados. Os nomes dos integrantes, ucranianos, quase impronunciáveis, traz patente militar, número do pelotão e até a função que cada um teria dentro da hipotética “tropa”. Mas quando o disco começa que temos a real dimensão de tudo isso. A faixa inicial, “War In”, traz uma música de época, como certamente tocava nos rádios dos quartéis ou nas próprias trincheiras. Se você estiver ouvindo com atenção e com o encarte nas mãos você vai ser imediatamente transportado para aquele evento histórico.
A primeira faixa de fato trata dos assassinatos de Franz Ferdinand, arquiduque da Áustria, e sua esposa que foi o estopim para o início dessa guerra, realizado em Sarajevo, capital da província austro-húngara da Bósnia e Herzegovina. O nome da faixa, “FN .380 ACP#19074” remete ao tipo de arma utilizado no assassinato do arquiduque, uma pistola belga FN Model 1910, calibre .380. A letra é do ponto de vista do assassino. As orquestrações dão grandiosidade para a faixa que é tudo aquilo que o black metal se propõe em sua melhor forma. A segunda faixa é também bastante especial. “Vimy Ridge (In Memory of Filip Konowal)” é uma carta ou relatório feito por um soldado canadense que conta os acontecimentos durante uma missão de conquista de uma localidade (Vimy Ridge). O objetivo era controlar o armamento do local, porém, como se deve imaginar, a base de muitas perdas.
As faixas seguintes também seguem a mesma maneira das anteriores sendo relatos pessoais de indivíduos sobre eventos singulares dentro da guerra toda. “Pillars of Fire (The Battle of Messines)” desenvolve a narrativa de uma batalha específica onde dez mil pessoas morreram, enquanto “Don’t Tread On Me (Harlem Hellfighters)” traz a história de soldados que saíram de guetos do Harlem e foram enviados para a França. A trecho ‘do Harlem para a França, do gueto para as trincheiras, e honestamente, aqui é não muito diferente’ é bastante significativo.
Em “Coward” a primeira participação especial do álbum. E que participação! O músico ucraniano Sasha Boole, parceiro de Adam Darski, mais famoso sob o nome de Nergal, no Me and That Man. Nessa faixa Boole toma conta sozinho apresentando com voz e banjo uma canção no estilo da música tradicional trazida por imigrantes do norte da Inglaterra para os EUA que se estabeleceram na região dos Apalaches. Essa quebra completa de estilos musicais no meio do álbum pode parecer apenas uma excentricidade, mas faz o ouvinte entrar ainda mais no clima que os músicos querem apresentar.
Na questão lírica a música “…And A Cross Now Marks His Place” é a que mais chama atenção, já que é uma daquelas cartas que o governo enviava para os pais informando da morte do filho. Apesar de tentar ser condescendente ela mais justifica a operação, querendo mostrar o quanto aquela missão era importante do que lamentar a morte da pessoa. A carta também é real, como todas as que foram usadas no disco, e tem nome e todas as informações do soldado. Nessa faixa mais uma participação especial, dessa vez de Nick Holmes do Paradise Lost.
Em “Corps D’Autos-Canons-Mitrailleuses (A.C.M.)” um grupo de soldados belgas que foram “doados” pelo Rei Albert da Inglaterra para o czar Nicolau. Eles combatem ao lado dos russos por dois anos até a revolução bolchevique em que eles são abandonados pelos até então companheiros. Conseguem chegar aos Estados Unidos onde são tratados como heróis até conseguiram volta para a casa. Indo para o outro lado da guerra “Mit Gott Für König Und Vaterland” (ou Com Deus como Rei e Pátria) descreve a tomada do forte Douaumont por um destacamento de explosivos alemão.
Na longa faixa final “The Green Fields of France” um soldado sentado ao lado de uma lápide conversa com o “morador” do local sobre a morte e as circunstâncias em que ela veio. Comenta sobre o andamento e a finalidade da guerra, praticamente um resumo de tudo o que foi narrado ao longo do álbum todo. Para finalizar “War Out” traz um trecho do poema cantado “The Last Long Mile” de Charles Hart, num estilo musical britânico do começo do século 20. Tanto “War In” quanto “War Out” fazem abertura e fechamento dos outros discos do 1914.
Esse foi o último disco lançado pelos ucranianos. Não dá para saber se essa longa ausência tem a ver também com a guerra, dessa vez contra seu próprio país, invadido pela Rússia do autocrata Vladimir Putin em 2022. É esperar que o álbum anterior também seja lançado aqui no Brasil, quem sabe até o primeiro. Na busca por informações da banda apareceram para mim outros dois grupos que praticam o mesmo tipo de som com o mesmo tipo de enfoque. São eles o Minenwerfer (ouça Nihilistischen de 2012) e o Kanonenfieber (Die Urkatastrophe é o álbum lançado ano passado).
No início da década de 1980, a paisagem musical britânica encontrava-se em ebulição. A ressaca do punk, a sofisticação do art-rock e os primeiros lampejos da revolução eletrônica geraram um caldeirão de possibilidades estéticas. Foi nesse ambiente que cinco jovens de Birmingham – Nick Rhodes, John Taylor, Roger Taylor, Andy Taylor e Simon Le Bon – lançaram, em 15 de junho de 1981, seu álbum de estreia. Intitulado simplesmente Duran Duran, o disco não apenas revelou uma nova banda, mas marcou o surgimento de uma linguagem visual e sonora que viria a definir uma geração.
A história do Duran Duran começa em Birmingham, Inglaterra, em 1978, quando os amigos de infância John Taylor e Nick Rhodes, juntamente com Stephen Duffy, formaram a banda inspirados por artistas como David Bowie, Roxy Music, Chic e Kraftwerk. Rhodes assumiu o sintetizador, Duffy o baixo e John Taylor assumia a guitarra. Pouco depois, entrou Simon Colley revezando no baixo e clarinete.
Em 1979, Duffy e Colley deixaram a banda. Com a chegada do guitarrista Andy Taylor em 1980, John Taylor passa a ser baixista. A partir daquele ano o grupo decide ter um baterista com a contratação de Roger Taylor (sem parentesco com os demais membros) para o posto. Finalmente, a formação do Duran Duran se consolida com o vocalista Simon Le Bon, ainda em 1980. Le Bon trouxe consigo um caderno de poesias, que se tornaria fonte de inspiração para várias letras, incluindo "Sound of Thunder", composta durante sua audição.
O Rum Runner, um clube noturno em Birmingham, serviu como quartel-general da banda. Lá, eles não apenas ensaiavam, mas também trabalhavam em diversas funções, como DJ (Rhodes) e segurança (John Taylor), enquanto desenvolviam seu som e estilo visual. A influência de estilos como o glam rock, o punk e a música eletrônica moldou a identidade sonora do grupo.
Em 1980, o Duran Duran começou a ganhar notoriedade ao abrir shows para artistas como Hazel O'Connor. Sua presença de palco e estética visual chamaram a atenção da imprensa musical, especialmente da jornalista Betty Page, que os associou ao movimento New Romantic. Essa exposição resultou em uma disputa entre gravadoras, culminando na assinatura de um contrato com a EMI em dezembro daquele ano.
A escolha da EMI não foi apenas estratégica, mas também simbólica, considerando que a gravadora era a casa dos Beatles. Com o apoio da EMI, a banda iniciou as gravações de seu álbum de estreia, sob a produção de Colin Thurston, conhecido por seu trabalho com David Bowie e Iggy Pop.
Duran Duran na sua estreia para o público na casa noturna Rum Runner, em Birmingham, Inglaterra, em julho de 1980.
As sessões de gravação ocorreram entre dezembro de 1980 e janeiro de 1981, nos estúdios Red Bus e Utopia, em Londres, e no Chipping Norton, em Oxfordshire. Thurston desempenhou um papel crucial ao canalizar as influências diversas da banda em uma sonoridade coesa e moderna. As bases instrumentais foram registradas rapidamente, mas Simon Le Bon enfrentou desafios para adaptar sua voz ao ambiente de estúdio, o que gerou preocupações sobre sua permanência na banda. No entanto, com o apoio do executivo da EMI, Dave Ambrose, Le Bon superou as dificuldades, consolidando-se como o frontman do grupo.
A produção do álbum incorporou elementos inovadores, como o uso de sons ambientes e experimentações sonoras. Por exemplo, "Girls on Film" inicia com o som de uma câmera Nikon, enquanto "Night Boat" apresenta efeitos que evocam uma atmosfera marítima. Além disso, a faixa instrumental "Tel Aviv" contou com arranjos de cordas conduzidos por Richard Myhill, adicionando uma dimensão orquestral ao trabalho.
O álbum começa com “Girls On Film”, um pop irresistível cuja leveza rítmica contrasta com a acidez do conteúdo. A introdução com o som de uma câmera fotográfica não é mero adereço, mas chave simbólica para a ironia que perpassa a faixa. John Taylor, no baixo, dita o compasso de uma crítica à objetificação feminina na indústria da moda, enquanto os sintetizadores de Nick Rhodes revestem o discurso de um brilho deliberadamente ambíguo. O videoclipe, alvo de censura, não apenas amplificou o alcance da crítica, como catapultou a imagem provocadora da banda.
Na sequência, “Planet Earth” surge como autoafirmação. Primeiro single da carreira, a canção inscreve o Duran Duran no movimento New Romantic, sem disfarces. Há uma celebração da estética futurista, mas também uma construção identitária que revela consciência histórica: o grupo sabe onde pisa. O diálogo entre atmosferas etéreas e batidas dançantes projeta uma sensibilidade sonora que ecoaria ao longo da década.
“Anyone Out There”, embora menos imediata, introduz uma ambivalência temática que enriquecerá o disco. À superfície, um relato de solidão e busca por conexão. Mas nos detalhes — especialmente no desenho rítmico de Roger Taylor e na pulsação melódica que remete ao Chic e ao Roxy Music — se esconde uma sofisticação que desafia a lógica radiofônica.
O baterista Roger Taylor na cena do videoclipe de "Planet Earth".
Essa dimensão contemplativa se acentua em “To the Shore”, faixa que abdica da estrutura pop tradicional em favor de um exercício atmosférico. Aqui, os sintetizadores constroem paisagens sonoras mais próximas do Ultravox ou do Japan, revelando o interesse do grupo por caminhos menos previsíveis. Há uma pausa reflexiva, quase como um interlúdio, que marca o centro do disco.
Na volta à eletricidade emocional, “Careless Memories” canaliza frustração amorosa em riffs incisivos e vocais cortantes. A canção pode não ter conquistado as paradas, mas consolida a capacidade da banda de trafegar entre a introspecção e a fúria juvenil sem perder coerência estilística.
“Night Boat” introduz outra inflexão: uma atmosfera densa e noturna, próxima ao darkwave, em que a voz de Le Bon assume tons melancólicos. O clima cinematográfico sugere um uso da música como paisagem emocional — uma antecipação de recursos que o grupo aprofundaria em discos posteriores.
Em “Sound Of Thunder”, baseada em um poema de Le Bon, o Duran Duran investe na justaposição de caos e lirismo. É uma síntese bem acabada da sensação de desorientação que marcou o início dos anos 1980, diante de um mundo em transição.
Mais explícita em seu teor político, “Friends Of Mine” invoca o caso George Davis para discutir manipulações judiciais e midiáticas. Guitarras agressivas e ritmo frenético traduzem um momento de fúria lúcida, onde o pop se permite ser veículo de crítica social.
Por fim, “Tel Aviv’ encerra o álbum com uma surpresa: uma faixa inteiramente instrumental que combina cordas e sintetizadores em um exercício de evocação geográfica e ficcional. Ao abdicar da palavra, a banda afirma que sua ambição estética vai além da canção pop — é um projeto artístico.
Duran Duran em 1981. Ao fundo: Nick Rhodes, John Taylor e Roger Taylor. À frente: Andy Raylor e Simon Le Bon.
Na época de seu lançamento, o álbum Duran Duran recebeu críticas mistas. Alguns críticos consideraram a banda como mais uma entre os grupos do movimento New Romantic, enquanto outros reconheceram seu potencial inovador. Com o tempo, no entanto, o álbum foi reavaliado positivamente, sendo reconhecido como um marco na evolução do pop moderno.
Combinando música cativante, estética visual arrojada e videoclipes impactantes, o Duran Duran estabeleceu um novo padrão para bandas pop. Seu álbum de estreia não apenas lançou sua carreira internacional, mas também influenciou gerações subsequentes de artistas e moldou a cultura pop dos anos 1980.
O primeiro e autointitulado álbum do Duran Duran teve um ótimo desempenho comercial. Com mais de 1,5 milhão de cópias vendidas ao redor do mundo, Duran Duran, o álbum, foi certificado com platina nos Estados Unidos (1 milhão de cópias), platina dupla no Canadá (200 mil cópias), platina no Reino Unido (300 mil cópias), platina na Austrália (50 mil cópias) e platina na Nova Zelândia (15 mil cópias). Além disso, permaneceu por 118 semanas nas paradas britânicas, algo raro para um álbum de estreia em sua época.
Se em 1981 o grupo ainda era acusado de ser apenas mais uma face bonita da cena New Romantic, o tempo tratou de provar que havia substância por trás do estilo. O primeiro álbum do Duran Duran não foi apenas o ponto de partida de uma das bandas mais icônicas dos anos 1980 — foi também uma declaração artística ambiciosa, que capturou como poucas o espírito de um tempo em que o som, a imagem e a atitude estavam prestes a ser redefinidos por uma nova geração pop.
Faixas
Todas as faixas foram escritas por Simon Le Bon , Andy Taylor , John Taylor , Roger Taylor e Nick Rhodes.
Lançado em 1982 pela RCA Camden, Os Grandes Sucessos é uma coletânea que reúne algumas das gravações mais importantes de João Bosco durante a década de 1970 e o início dos anos 1980. O álbum foi lançado em um momento em que o cantor e compositor já era reconhecido como um dos grandes nomes da MPB, graças à combinação de harmonias sofisticadas, violão singular e à histórica parceria com o letrista Aldir Blanc.
O repertório destaca canções que se tornaram verdadeiros clássicos da música brasileira. Entre elas está "O Bêbado e a Equilibrista", imortalizada na voz de Elis Regina e considerada um dos símbolos da luta pela redemocratização do Brasil. Também aparecem "O Mestre-Sala dos Mares", inspirada na história de João Cândido, "Dois Pra Lá, Dois Pra Cá", marcada pelo clima de gafieira, e "Linha de Passe", um retrato musical da paixão nacional pelo futebol. Essas obras demonstram a riqueza melódica de João Bosco e a força poética das letras de Aldir Blanc.
A coletânea evidencia a versatilidade do artista, que transita com naturalidade entre samba, jazz, choro, bossa nova e ritmos afro-brasileiros. O violão sofisticado, aliado a uma interpretação intensa e original, faz de cada faixa uma amostra do estilo único que influenciou gerações de músicos da MPB.
Curiosidade: esta coletânea fez parte de uma série da RCA Camden dedicada a reunir os principais sucessos de artistas brasileiros. No caso de João Bosco, o disco tornou-se uma das compilações mais procuradas por colecionadores, por condensar em um único LP algumas das composições mais emblemáticas da parceria entre João Bosco e Aldir Blanc, considerada uma das mais brilhantes da história da MPB.
Lançado em 7 de novembro de 1983, Undercover é o décimo sétimo álbum de estúdio britânico dos The Rolling Stones (e o décimo nono nos Estados Unidos). Produzido pela própria banda em parceria com Chris Kimsey, o disco marcou o retorno dos Stones com material inédito após três anos, sucedendo Tattoo You (1981). Em uma época dominada pela new wave, pelo pós-punk e pela música eletrônica, o grupo decidiu experimentar novos sons sem abandonar suas raízes no rock e no blues.
O álbum apresenta uma sonoridade mais moderna e ousada do que seus antecessores, incorporando sintetizadores, guitarras com efeitos, ritmos dançantes e influências do reggae e da música eletrônica. Embora a essência da banda permaneça intacta, Undercover revela um esforço em dialogar com as tendências musicais dos anos 1980, resultando em um dos trabalhos mais experimentais da carreira dos Stones.
A faixa de abertura, "Undercover of the Night", tornou-se o principal sucesso do álbum. Com uma batida intensa e uma letra inspirada na violência política e nos regimes autoritários da América Latina, a música ganhou um videoclipe polêmico dirigido por Julien Temple, repleto de cenas de repressão e conflitos, o que ajudou a ampliar sua repercussão na MTV.
Outros destaques incluem "She Was Hot", um rock direto e enérgico que remete ao estilo clássico da banda; "Too Much Blood", construída sobre uma base funk e influenciada pelo rap, com uma letra que satiriza a violência exagerada nos filmes da época; "Wanna Hold You", cantada por Keith Richards; e "Feel On Baby", que explora elementos de reggae e dub.
Apesar de alcançar boas posições nas paradas internacionais, Undercover nasceu em um período de crescente tensão entre Mick Jagger e Keith Richards. As divergências sobre os rumos musicais da banda ficaram evidentes durante as gravações e se intensificariam nos anos seguintes, influenciando os trabalhos posteriores. Ainda assim, o álbum é visto como um registro da disposição dos Rolling Stones em se reinventar sem perder sua identidade.
Lançado em 25 de outubro de 1969, Ummagumma é um dos álbuns mais experimentais do Pink Floyd e um dos registros mais peculiares do rock progressivo. Trata-se de um LP duplo dividido em duas partes bem distintas: um disco ao vivo e outro de estúdio com composições individuais de cada integrante. Publicado pela Harvest Records, o álbum surge num momento em que a banda ainda estava em transição após a saída de Syd Barrett, explorando novas formas de composição e performance.
O primeiro disco apresenta gravações ao vivo feitas em 1969, capturando versões expandidas e intensas de faixas como "Astronomy Domine", "Careful with That Axe, Eugene", "Set the Controls for the Heart of the Sun" e "A Saucerful of Secrets". Essas performances mostram o Pink Floyd em seu modo mais psicodélico e improvisacional, com longas passagens instrumentais e forte ênfase em atmosfera e textura sonora.
O segundo disco, gravado em estúdio, é ainda mais ousado: cada membro da banda — Roger Waters, David Gilmour, Richard Wright e Nick Mason — contribui com composições solo, criando pequenas “ilhas musicais” dentro do álbum. O resultado é extremamente variado, indo de experimentos de tape loops e sons concretos até peças acústicas e mini-suítes orquestradas.
Apesar de sua importância histórica, Ummagumma sempre dividiu opiniões. Para alguns, é uma obra-prima de experimentação e liberdade criativa; para outros, um álbum excessivamente fragmentado e difícil de ouvir. Ainda assim, ele documenta um momento crucial em que o Pink Floyd estava abandonando a psicodelia caótica dos anos 60 e abrindo caminho para obras mais estruturadas e conceituais como The Dark Side of the Moon.
"Hallelujah I Love Her So" é uma música de rhythm and blues composta e lançada por Ray Charles em 1956 pelo selo Atlantic, e em 1957 foi incluída em seu LP de estreia autointitulado, também lançado pela Atlantic. The Beatles (primeiro como Quarrymen) cantavam regularmente a música, de pelo menos 1960 a 1962 com Paul McCartney no vocal principal. Um ensaio de gravação caseira muito antigo (datado provisoriamente de maio de 1960) foi incluído no Anthology 1, bem como em lançamentos anteriores não autorizados. Eles continuaram tocando "Hallelujah I Love Her So" regularmente, inclusive no Star-Club em Hamburgo até o final de 1962, onde uma gravação ao vivo foi feita lá, incluída no álbum The Beatles Live! at the Star-Club in Hamburg, Germany; 1962.
"I Got a Woman"(originalmente intitulada"I've Got a Woman")é uma música co-escrita e gravada porRay Charles,lançada pela Atlantic Records comosingleem dezembro de 1954, com"Come Back Baby" do lado B. Ambas as músicas apareceram mais tarde no álbum de 1957,Ray Charles(posteriormente relançado comoHallelujah I Love Her So). "I Got a Woman" se baseia em"It Must Be Jesus", deSouthern Tones,queRay Charlesouvia na estrada com sua banda no verão de 1954. Ele e o trompetistaRenald Richard, escreveram a música construída em um ritmo frenético do evangelho, com letras seculares e um fundo derhythm and bluesinspirado nojazz."I Got a Woman"seria um dos protótipos do que mais tarde foi denominado"soul music"depois queCharleslançou"What'd I Say"quase cinco anos depois.
Em 1956, "I Got a Woman" foi gravada porElvis Presleypara seu primeiro álbum“Elvis Presley”,lançado noReino UnidocomoElvis Presley Rock n 'Roll. Esse discãozaço foi lançado pelaRCA Victorem março de 1956. E foi com uma cópia do disco deElvis, que o jovemJohn Lennonaprendeu a música.
Os Beatlesgravaram duas versões de"I Got a Woman"para as sessões de rádio daBBC. A primeira versão foi gravada em 16 de julho de 1963 noBBC Paris TheatreemLondrespara o programa de rádioPop Go The Beatles. Esta versão foi lançada em 1994 no álbumLive at the BBC. A segunda versão foi gravada em 31 de março de 1964 noPlayhouse Theatre em Londrespara o programa de rádio doSaturday Club. Esta versão foi lançada em 2013 para o álbumOn Air - Live na BBC Volume 2e é mais curta que a versão do outro álbum.
![O Divã Intergaláctico – Psicossomático Ou Do Que As Aves São Capazes [2014]](https://d2q9lgeqx691v0.cloudfront.net/content/2015/09/118752321_1GG.jpg)
![1914 – Where Fear And Weapons Meet [2021]](https://d2q9lgeqx691v0.cloudfront.net/content/2025/03/1914-e1741062663968.jpg)
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