Hoje finalmente temos o concerto completo do Age of Aquarius no Piper Club em Roma, em 1974, com som limpo, livre de ruídos e interferências. Uma exclusividade da Stratosphere. Uma oportunidade maravilhosa de finalmente ouvir a banda ao vivo com boa qualidade de som. Então esqueçam o upload recente e curtam este magnífico concerto. Note que a formação, anunciada apenas com os primeiros nomes no final da faixa 3, é quase certamente a acima, um quarteto composto, além dos habituais Seffer e Giordano, pelo baixista Claudio Rego (parceiro e produtor de longa data de Donatella Rettore, que, após tocar baixo por anos, agora se dedica definitivamente à bateria) e pelo baterista Claudio Agostini. Para a ocasião, já que esta é a "edição definitiva", criei uma nova capa.
Nada mais a acrescentar, exceto agradecer mais uma vez ao nosso benfeitor anônimo e desejar a todos uma ótima audição (desta vez mais do que nunca).
A estreia de Dave Holland como líder, Conference of the Birds, parece não receber o devido reconhecimento fora dos círculos de vanguarda; talvez, ao se discutir os grandes, o nome de Holland simplesmente não venha à mente tão imediatamente. Seja como for, Conference of the Birds é um dos maiores clássicos do jazz de vanguarda de todos os tempos, incorporando um amplo espectro de inovações dos anos 60. Parte do motivo pelo qual funciona tão bem é a parceria única de duas lendas da vanguarda: o ardente e apaixonado Sam Rivers e o cerebral Anthony Braxton; eles se complementam e contrastam de forma energizante do início ao fim. Mas muito crédito deve ser dado a Holland; não se engane, mesmo que ele dê destaque a Rivers e Braxton, este é o seu trabalho. O repertório consiste inteiramente em composições originais de Holland, e seu trabalho aqui o estabeleceu como o baixista/compositor mais avançado desde Charles Mingus. Suas composições demonstram uma gama impressionante: temas sinuosos e imprevisíveis acompanhados por solos arrebatadores (os clássicos "Four Winds" e "Interception"); improvisação livre em forma de diálogo coletivo ("Q&A"); avant-bop que desafia os limites ("See Saw"); e surpreendentemente belos e meditativos solos de flauta (a clássica faixa-título, "Now Here (Nowhere)"). Por mais livres que sejam, as peças de Holland sempre estabelecem estruturas lógicas com um foco preciso, o que facilita a compreensão do virtuosismo do quarteto (que também inclui o baterista Barry Altschul, que tocou no Circle de Chick Corea com Braxton e Holland). A ausência de um piano permite que Rivers e Braxton interajam livremente, mas a tarefa de conduzir o conjunto recai sobre Holland, e suas linhas proeminentes e vigorosas conseguem impulsionar a linha de frente por si só. Este álbum é essencial para qualquer coleção de jazz de vanguarda, sendo também uma das introduções mais variadas e acessíveis ao estilo que se poderia desejar.
Estilos: Avant-Garde, Free Jazz, Post Bop
Faixas: 01 - Four Winds (6:32) 02 - Q & A (8:34) 03 - Conference of the Birds (4:34) 04 - Interception (8:20) 05 - Now Here (Nowhere) (4:34) 06 - See-saw (6:40)
Formação: Dave Holland – baixo Sam Rivers – sopros, flauta Anthony Braxton – sopros, flauta Barry Altschul – percussão, marimba
Anthony Braxton deve ser um dos últimos músicos de jazz a alcançar o status de "gigante" antes que a popularidade do gênero declinasse a ponto de isso se tornar impossível. Vale ressaltar que, quando foi o primeiro artista de jazz a assinar com a nova grande gravadora Arista, ele prometeu ser um sucesso de crossover (veja as notas do encarte de The Complete Arista Recordings of Anthony Braxton e um ensaio de novembro de 2008 na revista The Wire sobre o lançamento). Bem, sucesso ele certamente alcançou. Apesar da crença generalizada de que o novo jazz não era mais lucrativo para gravadoras ou músicos a partir de meados da década de 1970, a série de álbuns de Braxton para a Arista vendeu relativamente bem — o suficiente para a gravadora cobrir os custos, mesmo que o próprio Braxton nunca tenha lucrado financeiramente. Em termos de ser um artista de "crossover", isso é um pouco mais difícil de avaliar. Antes de assinar com a Arista, ele gravou obras como For Alto, que exploravam o território da composição moderna (de compositores como John Cage), mas também trabalhou com material de jazz mais tradicional em álbuns como In the Tradition. E esse tem sido seu modo de operação desde então — transitando entre os polos gêmeos do jazz tradicional e da composição de vanguarda. Mas isso constitui um "crossover"? Na maioria das vezes, a resposta parece ser não. No entanto, Five Pieces 1975 e algumas outras gravações da Arista avançam na transição entre o jazz tradicional e a composição moderna, alcançando uma nova síntese de ambos em uma mesma peça. Parece que, por essa razão, o álbum se destaca como um de seus melhores trabalhos. O sucesso de Five Pieces 1975 certamente se deve em grande parte à banda excepcional que acompanha Braxton. Eles estão à altura do desafio de cada peça e cada músico se equipara ao outro. Há um equilíbrio alcançado entre eles que evidencia um domínio completo tanto dos elementos de composição quanto da sensibilidade improvisacional mais livre presente no álbum. Se o álbum pudesse ser aprimorado, seria substituindo "You Stepped Out of a Dream" por algo como "Opus 40P" ou até mesmo "Maple Leaf Rag" do álbum Duets 1976, para adicionar mais variedade. Mas, pensando bem, por que mexer em algo diferente? Músicos rotulados como "prolíficos" geralmente também carregam o rótulo de "inconsistentes", se não por outro motivo, devido à quase inerente falta de decisões editoriais que lhes proporcionem algum tipo de foco. Anthony Braxton carrega esses dois rótulos, além do de que sua música é "difícil". No entanto, ao longo dos anos, ele também conseguiu fazer coisas que o "complexo industrial do jazz" (seu termo, assim como o complexo industrial militar e o complexo industrial prisional) normalmente não permite. Graças, em grande parte, a uma fonte de renda que obteve como professor nos últimos anos, ele conseguiu continuar compondo e gravando obras desafiadoras sem abrir mão de seus impulsos mais suaves, líricos e acessíveis. Ele também conseguiu se tornar um nome tão conhecido quanto qualquer outro músico de jazz moderno desde a era de Coltrane (com exceção de certos membros da família Marsalis e alguns músicos pop que se fazem passar por artistas de jazz). Portanto, além de suas contribuições puramente musicais, que são de fato numerosas, ele apresentou uma imagem do jazz que contrasta com a imagem aceita. Essa talvez seja sua conquista mais duradoura. Significa que ainda haverá mais de um caminho a seguir.
Estilos: Avant-Garde, Free Jazz, Post-Bop
Faixas: 01 - You Stepped Out of a Dream (07:10) 02 - Opus 23 H (04:34) 03 - Opus 23 G (08:07) 04 - Opus 23 E (17:16) 05 - Opus 40 M (03:22)
Formação: Anthony Braxton - Saxofone, Flauta, Clarinete Dave Holland - Baixo Barry Altschul - Bateria Kenny Wheeler - Trompete
O romance é um jogo curioso. Num minuto, você está no fundo do poço da dor de um coração partido, jurando nunca mais se apaixonar. No minuto seguinte, você está perdidamente apaixonado por alguém novo e dá uma guinada de 180 graus, vivendo num filme romântico na sua cabeça. O terceiro álbum de Suki Waterhouse, Loveland , captura alguns dos sentimentos dessa última experiência, explorando seus relacionamentos e paixões passadas e presentes para construir um mundo no qual você vai querer mergulhar, esteja você em um relacionamento, à procura de um novo amor ou convencido de que está destinado à solidão. “Imagine isso, é inocente / Porque eu nem sequer segurei sua mão ainda / Você sabe que você tem aparecido nos meus sonhos?”, ela pergunta sobre as guitarras à la Strokes em “Almost”, mergulhando numa fantasia que se desenrola apenas na sua mente.
'Jukebox', uma das músicas mais divertidas e cheias de estilo do álbum, fala sobre uma noite de festa, enquanto a mais lenta e suave 'Notting Hill' não se concentra em um pretendente, mas sim no antigo apartamento de Waterhouse na área homônima de Londres e em suas experiências formativas que giravam em torno dele.
Apaixonar-se muitas vezes vem acompanhado da sensação de abrir mão do controle, mas Waterhouse mantém seu poder ao longo de 'Loveland'. Em 'Any Man', ela se mostra extremamente confiante, vangloriando-se da influência que exerce sobre o sexo oposto. "Acho que devo admitir que estarei no auge até morrer", ela sussurra antes de sua afirmação impactante: "Posso ter qualquer homem / Tenho um toque especial, não preciso fazer muito / É como uma segunda natureza, querido". Assim que essa faixa termina, ela muda de rumo, com 'Happy With It' mostrando-se insatisfeita com um parceiro, mas recusando-se a permanecer em algo que não lhe faz bem. "É isso que é felicidade? / Se for isso, então eu desisto", ela dá de ombros, com tristeza.
Há uma divisão natural entre as músicas do disco – aquelas que se encaixam naquela sensação cinematográfica e vertiginosa de se apaixonar, e outras que homenageiam coisas muito mais mundanas. "Weirdo" captura a dor de estar longe do parceiro, ansiando pelas coisas banais do dia a dia que normalmente se dá por garantidas ("Vou lavar suas camisas e passá-las / Vou servir sua bebida favorita"). É uma composição belíssima que ajuda Waterhouse a capturar outro lado de sua própria história de amor.
Desde o lançamento de seu álbum de estreia, 'I Can't Let Go', em 2022, Waterhouse se tornou discretamente uma das artistas mais consistentes e brilhantes do alt-pop moderno, capaz de destilar sentimentos intensos em canções que emocionam e dão vontade de dançar. Isso provavelmente contribuiu para que ela conseguisse uma participação de Mick Fleetwood na faixa country 'Morals', e 'Loveland' como um todo mantém essa sensação de uma artista que ainda está crescendo, mas que o faz de uma maneira tão cativante e segura de si. Não importa em que fase da sua vida amorosa você esteja agora, Waterhouse está nos dando muitos motivos para nos apaixonarmos perdidamente.
1. Back in Love (03:14) 2. Any Man (02:46) 3. Happy with It (03:17) 4. Notting Hill (03:10) 5. Teardrops (03:44) 6. When I Get Drunk (I Want You Boy) (03:25) 7. Jukebox (03:11) 8. Seasons (03:00) 9. Tiny Raisin (02:58) 10. Almost (03:05) 11. Puppy Dog Eyes (02:28) 12. Morals (02:20) 13. Loveland (02:58) 14. Weirdo (03:31)
Shadows abre com “The Lone West”, uma faixa instrumental curta e desolada, com um refrão simples de teclado com um timbre que lembra flauta e o que pode ser uma bateria eletrônica do início dos anos 70. Há um pouco de Young Marble Giants ali. E também de Brian Eno, do Another Green World . A nebulosidade característica da gravadora Ghost Box também é evidente. A faixa seguinte apresenta um vocal. Navegando sobre uma base musical semelhante, a voz de Cate Kennan em “Shadows” é distante, estridente, desprovida de cor. Uma guitarra com som característico toca notas isoladas. Há um pouco de lap steel à la Santo e Johnny e castanholas usadas com parcimônia. Os sintetizadores empregados soam como se fossem modelos analógicos antigos. A mulher no radiador em Eraserhead , de David Lynch , reconheceria um espírito musical afim.
Shadows é o segundo álbum de Kennan, artista radicada em Los Angeles, cujos pais têm raízes na música bluegrass e folk. Ela estudou violino. Chegar a este ponto levou algum tempo. No final de 2017 (quando estreou em estúdio no álbum Subtle Vertigo, de Scott Gilmore ) e início de 2018, ela se apresentou regularmente na Bélgica, Alemanha e Holanda. Depois disso, até 2022, suas apresentações públicas se restringiram a Los Angeles. Shows mais abrangentes pelos Estados Unidos começaram com o lançamento de seu álbum de estreia, The Arbitrary Dimension of Dreams , em outubro de 2022. Shadows tem uma sonoridade um pouco mais encorpada que seu antecessor, mas as preocupações temáticas foram mantidas.
Liricamente, em Shadows , frases como “as sombras estão se movendo”, “parada à beira do tempo”, “o vazio”, “você desaparecerá na minha memória” e “avenida que se desvanece da nossa memória” – os dois últimos em duas músicas diferentes – expressam claramente as preocupações de Kennan com o insubstancial; aquilo que é difícil de compreender ou que se desvanece da lembrança e da visão. No mundo criado por este álbum de título revelador, parece que quase nada é corpóreo, fixo. De fato, em “Reverie”, ela declara: “Esperarei pelo que nunca encontrarei”.
A tentativa de transmitir essa dissociação através das dez faixas do álbum corre o risco de levar os ouvintes a seus próprios devaneios, perdendo o foco no que está sendo ouvido. Mesmo assim, o crepuscular, vaporoso e fantasmagórico Shadows se sustenta. Será intrigante ver como isso funcionará ao vivo em um ambiente adequado
Havia uma certa energia jovial que contribuiu para a estreia em 2022 da dupla de jazz contemporâneo DOMi & JD BECK. Começando com o apoio de grandes nomes como Herbie Hancock, Kurt Rosenwinkel e Anderson .Paak, que ajudou a lançar o excelente álbum de estreia pelo seu selo APESHIT, juntamente com a ilustre Blue Note Records, parecia que a dupla promissora estava destinada ao estrelato no jazz em uma era em que o gênero raramente recebe a atenção que merece. Mas, por um motivo ou outro, o álbum de estreia, intitulado NOT TiGHT , não teve o impacto esperado. Claro, a indicação ao Grammy foi ótima, e as participações especiais de artistas renomados foram adoráveis e adicionaram um toque único ao som ágil e divertido da dupla. Ainda assim, talvez tenha sido por outros motivos…
…as mesmas características que ofuscaram as nuances da individualidade de DOMi & JD BECK e custaram ao LP seu impacto a longo prazo.
Manter um senso de identidade sempre diferenciou os gigantes do jazz de seus pares, e finalmente chegou a hora de essa dupla corresponder às expectativas. WHO ASKED?, o tão aguardado segundo álbum de DOMi & JD BECK, chega com uma maturidade impressionante, com suas 15 faixas, carregando o peso da pressão que essa dupla suporta. Além do estresse típico que uma banda jovem enfrenta ao lançar seu segundo álbum, DOMi & JD BECK estão em uma posição rara para artistas modernos: após uma estreia explosiva com grandes nomes, os dois jovens músicos estão em busca de singularidade e acertaram em cheio. WHO ASKED? não tem participações especiais e nenhum single, além de uma versão ao vivo de “PUZZLE PiECES”; o ouvinte entra no LP com poucas informações sobre o projeto, e devemos usar isso como uma oportunidade para apreciá-lo com a mente aberta.
Não que seja preciso muito esforço para entender por que WHO ASKED? soa como um triunfo para DOMi & JD BECK. A dupla utiliza seus próprios vocais ao longo de toda a lista de faixas, permitindo que as harmonias caprichosas que eles insinuaram em NOT TiGHT floresçam em baladas delicadas que dançam com o etéreo sem perder de vista a realidade. Há uma sensação palpável de crescimento artístico nessas performances. Há mais experimentação, grooves mais precisos e composições vibrantes e poéticas que não estavam presentes na inocente estreia. DOMi & JD BECK encontraram seu próprio mundo para construir abertamente, e a arquitetura é elaborada e grandiosa.
As montanhas escarpadas são evocadas em canções como a envolvente “PUZZLE PiECES” e a pulsante “SMALL EYES”, criando um cenário pitoresco para a dupla exibir suas harmonias. As árvores brotam de faixas instigantes e autoconscientes como a comovente “PHANTOM THREAD” e a impressionante “SOME THiNGS NEVER CHANGE”, dois destaques que começam a delinear o quanto eles amadureceram nos quatro anos entre os lançamentos.
Embora as harmonias arrebatadoras e a composição primorosa roubem a cena em WHO ASKED?, DOMi & JD BECK estão criando alguns de seus arranjos mais impressionantes e inovadores até o momento. A natureza frenética de “OUT OF SYNC” traz uma percussão em cascata e teclados hipnóticos para um momento de autoanálise. Em contraste, a percussão eletrônica hipnótica e pulsante de “RAiN” revela um lado mais audacioso da dupla. A nova paisagem sonora que estão criando se une às letras contemplativas em músicas como “GROWiNG OLDER” e “CliMBiNG HiGH”, criando uma cacofonia de nuances que retratam vividamente o estado de espírito da dupla.
DOMi & JD BECK surfam na onda da indicação ao Grammy e da assinatura com a Blue Note, mergulhando de cabeça na originalidade em seu segundo álbum, meticulosamente construído, minimalista e ousado. Ao explorarem as nuances de sua sonoridade, a jovem dupla emerge da avalanche de elogios com mais introspecção e confiança. WHO ASKED? é um momento decisivo para DOMi & JD BECK, que promete manter sua força através de uma criatividade incansável
O termo tropicanibalismo circula nas cenas de música experimental da Colômbia desde pelo menos o início dos anos 2000, abrangendo amplamente abordagens novas e inovadoras às formas de música popular e folclórica do litoral. Cumbión Planetario é a mais recente contribuição da dupla Rizomagic , de Bogotá, para esse cenário do tropicanibalismo. Enraizada na cumbia (com uma referência particular à lânguida cumbia rebajada, originária de Monterrey), talvez o gênero musical e de dança colombiano mais emblemático, a música em câmera lenta do Cumbión Planetario é distintamente contemporânea. Toques de dub, uma afinidade mais profunda com a música que poderia ser chamada de IDM e investimentos particulares na ideia de sintonia cósmica servem como contornos importantes. Os membros do grupo…
…Diego Manrique e Edgar Marún têm seu próprio termo para isso: futurismo psicotropicolombiano. Em termos de gêneros musicais, é um termo extenso. Ainda assim, também descreve com precisão os elementos de psicodelia, tropicanibalismo, folclore colombiano e música eletrônica atmosférica que se misturam nos sons de gravidade zero de Cumbión Planetario .
É um trabalho magnífico. Linhas de baixo robustas e batidas eletrônicas ressoam em meio a sintetizadores espaciais e ambiências inspiradas na natureza. Amostras de paisagens sonoras de La Becque, a residência suíça onde o Rizomagic gravou o álbum, estão presentes por toda parte. Esses elementos se entrelaçam entre si e com os inconfundíveis ritmos da cumbia, culminando em uma dança cósmica após a outra. Esta é música grandiosa. O Rizomagic está sintonizado com um futuro que decorre das forças específicas que moldaram sua música através do tempo e do espaço, desde o surgimento da cumbia até seus futuros potencialmente infinitos.
A faixa mais explicitamente ligada à cumbia tradicional é a de abertura, “Plutarco”, que conta com a participação do acordeonista experimental bogotano Iván Medellin, do Conjunto Media Luna. O ritmo vibrante do seu instrumento ancora a faixa na história da cumbia, mas mantém-se solto, fluindo pelo espaço que Manrique e Marún criam nota por nota. Com uma pegada mais eletrônica, “Las Esferas” começa lenta e suave, tornando os ocasionais sons de canto de pássaros ou os lampejos de sintetizador agudo ainda mais empolgantes. A percussão vintage e os sons de teclado de “Pajarocaña” hipnotizam, e as pulsações ameaçadoras de “Kir” arrepiam. Os ruídos que percorrem “Colisionadub” sugerem transmissões via satélite, que a dupla justapõe a melodias relaxantes e praianas.
A segunda metade do álbum é ainda mais extraordinária. Abre com “Bubun”, uma faixa minimalista e sedutora onde o som de uma coruja marca o ritmo. Em seguida, “Cumbia de la entropía” é, como o título promete, uma peça que se torna cada vez mais caótica através de batidas que confundem as fronteiras entre o industrial e o orgânico, soando por vezes tanto como uma batida cardíaca amplificada mecanicamente quanto como uma peça de maquinário pesado de fábrica. As longas faixas “El Sombras” e “Cumbia Mineral” exploram a cumbia em detalhes fractais, aproximando-se cada vez mais para dar a cada peça uma atenção dedicada. A faixa final, “Rayo”, gera uma atração particularmente irresistível com a ajuda de graves poderosos.
Com Cumbión Planetario , o Rizomagic abre novos horizontes intergalácticos para a cumbia contemporânea. O mundo aqui é aberto e selvagem, psicodélico em sua abrangência e tropical em seu espírito. Ouvir é ser enfeitiçado e transportado, arrebatado por um prisma de cumbia que parece infinito. Este é, sem dúvida, um dos trabalhos mais inspirados a emergir do movimento tropicanibalismo nos últimos anos.
…'12 Golden Country Greats', que inclui clássicos do Ween como “Piss Up a Rope”, “I'm Holding You” e “Pretty Girl”, foi remasterizado a partir das fitas originais e vem com mais de 20 demos e gravações inéditas das sessões de Nashville. Entre elas, estão duas músicas cortadas do álbum original, “I've Got No Darkside” e a homenagem a Jerry Garcia, “So Long, Jerry”. O principal problema de 12 Golden Country Greats é que este é o primeiro álbum do Ween a se concentrar em um único gênero musical, e essa concentração dá a impressão de que eles se consideram acima do gênero. Mas esse não é totalmente o caso. O Ween gravou 12 Golden Country Greats em Nashville com diversos músicos lendários, incluindo os Jordanaires, Buddy Spicher…
…Charlie McCoy, Hargus “Pig” Robbins e Russ Hicks. A presença desses músicos confere à música um toque de autenticidade, mesmo que as canções sigam tendências dos anos 60, como country-pop, country-folk e honky-tonk refinado.
Algumas das músicas do Ween se encaixam perfeitamente nesse estilo, como as envolventes “You Were the Fool”, “I'm Holding You”, “Japanese Cowboy”, “Fluffy”, “Help Me Scrape the Mucus off My Brain” e “Pretty Girl”. Até mesmo o honky tonk vulgar de “Piss up a Rope” funciona, transformando-se em uma verdadeira joia. A dupla enfrenta problemas na homofóbica “Mister Richard Smoker”, assim como com algumas das visões vagamente elitistas que permeiam as canções, como em “I Don't Wanna Leave You on the Farm”. Ainda assim, o talento do Ween para compor e a habilidade dos músicos de Nashville impedem que o álbum seja apenas uma piada. Na verdade, é tão satisfatório quanto qualquer um de seus discos, e mais ousado também. Afinal, nenhum fã de música country vai querer ouvir este disco e a maioria dos fãs deles tem medo de música country, e isso é uma atitude admirável.
