Alice Coltrane - Lord of Lords (1972)

Lançado em 1973, Lord of Lords foi o último álbum de Alice Coltrane para a Impulse!. Foi a parte final de uma trilogia que começou com Universal Consciousness e continuou com o expansivo World Galaxy. Assim como seus antecessores imediatos, o álbum apresenta uma orquestra de cordas de 16 músicos, arranjada e conduzida por Coltrane, liderada por um trio no qual ela toca piano, órgão Wurlitzer, harpa e tímpanos, acompanhada pelo baixista Charlie Haden e o baterista Ben Riley. Riley já estava familiarizado com a formação, pois havia participado das gravações de World Galaxy. As duas primeiras faixas, "Andromeda's Suffering" e "Sri Rama Ohnedaruth" (cujo título faz referência ao nome espiritual de seu falecido marido, John Coltrane), são, em essência, obras clássicas. Há pouca improvisação, exceto no piano, sob a base de cordas. Elas são compostas para grandes clusters de tons e efeitos de drone em tonalidade menor, mas também exploram a criação de sobretons tímbricos. São peças belíssimas, mas têm pouca ou nenhuma relação com o jazz, exceto pelas passagens aparentemente livres no final da última faixa, mas mesmo essas soam como orquestradas, devido ao controle da tensão e da dinâmica. "Excerpts from The Firebird", que utiliza o órgão para abrir a peça, apresenta as cordas tocando quase (porque, com Alice Coltrane, ela interpretou à sua maneira) diretamente da partitura de Igor Stravinsky. O som grave do órgão é tão magnífico sob as cordas que chega a ser de tirar o fôlego. Quanto ao motivo de ter escolhido essa peça como o destaque de seu próprio álbum, ela afirmou que Stravinsky lhe apareceu em uma visão e lhe passou algo em um frasco de vidro, um líquido que ela bebeu!
Riley e Haden aparecem com destaque na faixa-título, uma longa peça modal onde drones, ritmos e compassos são registrados pela direção do piano e da harpa de Coltrane, criando uma tensão e dinâmica sublimes. A música explode por volta dos seis minutos, e Coltrane (no órgão), Haden e Riley se envolvem em uma improvisação vibrante, com as cordas oferecendo trinados agudos e suaves ao fundo. O álbum termina com a transformação que Coltrane faz de um hino gospel chamado "Going Home". Sua harpa introduz as escovas de Riley e as cordas, que por sua vez oferecem um acorde fundamental para ela tocar a melodia e improvisar sobre ela no órgão. Aqui, o blues se faz presente. Isso oferece ao ouvinte uma compreensão de que Coltrane, não importa para onde essa direção musical a levasse (mesmo quando se aproximava da Música Cósmica que ela e seu falecido marido idealizaram juntos), continuava a entender perfeitamente onde estava sua raiz musical. A interação entre as três instrumentistas principais é vibrante e envolvente, baseada em acordes de blues contínuos, e seus solos — mesmo em meio a rajadas de notas — retornam à essência, citando diretamente riffs de blues do Delta e outras canções gospel. O baixo de Haden é uma bela âncora (embora mixado um pouco baixo), e as cordas oferecem uma resposta encantadora ao seu órgão e harpa. Os pratos de Riley são fragmentos de luz cintilantes ao longo da música, encerrando "Lord of Lords" em grande estilo. Embora seja verdade que a música posterior de Alice Coltrane pela Impulse! possa não agradar a todos, mesmo àqueles que acompanharam suas gravações anteriores, mais voltadas para o jazz, era óbvio desde o início que ela buscava incorporar o núcleo sonoro da música clássica indiana em seu trabalho, e estava literalmente obcecada pelas possibilidades tímbricas, cromáticas e harmônicas das cordas. Ela consegue isso aqui, encerrando seu período na Impulse! com elegância, graça e alma.

Estilos:
Improvisação Moderna
Composição Estruturada

Faixas:
01 - O Sofrimento de Andrômeda (09:04)
02 - Sri Rama Ohnedaruth (06:11)
03 - Trechos de O Pássaro de Fogo (05:45)
04 - Senhor dos Senhores (11:17)
05 - Voltando para Casa (09:59)

Formação:

Alice Coltrane - Harpa, Piano, Órgão, Tímpanos, Percussão;
Charlie Haden - Baixo;
Ben Riley - Bateria, Percussão;
Anne Goodman, Edgar Lustgarten, Jan Kelly, Jerry Kessler, Jesse Ehrlich, Raphael Kramer, Ray Kelley - Violoncelo;
David Schwartz, Leonard Selic, Marilyn Baker, Myra Kestenbaum, Rollice Dale, Samuel Boghosian - Viola;
Bernard Kundell, Gerald Vinci, Gordon Marron, James Getzoff, Janice Gower, Leonard Malarsky, Lou Klass, Murray Adler, Nathan Kaproff, Ronald Folsom, Sidney Sharp, William Henderson - Violino

Alice Coltrane - Ptah the El Daoud (1970)

Por vezes considerada uma mera coadjuvante em relação ao seu marido mais famoso, a obra de Alice Coltrane do final dos anos 60 e início dos 70 demonstra que ela era uma compositora e intérprete talentosa por direito próprio, com uma capacidade única de impregnar sua música com espiritualidade e delicadeza sem perder sua essência ou profundidade. Ptah the El Daoud é um álbum verdadeiramente grandioso, e os ouvintes que se entregam a ele emergem transformados após seus 46 minutos. Da catarse purificadora dos primeiros momentos da faixa-título aos momentos finais de "Mantra", com sua dança pianística fragmentada e fitas apaixonadas de tenor lançadas ao universo, o álbum ressoa com beleza, clareza e emoção. O solo de piano de Coltrane em "Turiya and Ramakrishna" é um blues exuberante, melancólico e suave, pontuado apenas por sinos suaves e o sussurro terroso da bateria de Ben Riley, e posteriormente substituído por um solo igualmente emotivo do baixista Ron Carter. "Blue Nile" é um caso em que o todo é maior que a soma das partes; os floreios arrebatadores de Coltrane na harpa se encaixam perfeitamente com os solos de flauta de Pharoah Sanders e Joe Henderson, produzindo um casulo sonoro acolhedor, colorido por evocações de água, vegetação e pássaros. Talvez tão fortes quanto a composição, porém, sejam as performances que Coltrane extrai de seus músicos, especialmente os instrumentistas de sopro. Joe Henderson, sempre confiável em sua excelência técnica, oferece uma performance que está simplesmente em um nível completamente diferente de grande parte de seu trabalho anterior — mais livre, mais aberta e mais fluida aqui do que em quase qualquer outro lugar. Pharoah Sanders, que por vezes, ao lado de John Coltrane, parecia uma força magnética de entropia, puxando-o para níveis crescentes de caos, demonstra aqui toda a inovação e energia espiritual pelas quais é conhecido, sem nenhum dos gritos característicos. Subestimado e relegado à obscuridade por anos, este álbum merece ser reconhecido como a joia que é.

Estilos:
Pós-Bop,
Avant-Garde,
Free-Jazz

Faixas:
01 - Ptah, the El Daoud (14:00)
02 - Turiya and Ramakrishna (08:21)
03 - Blue Nile (07:05)
04 - Mantra (16:35)

Formação:
Alice Coltrane — harpa, piano
Joe Henderson — flauta alto, saxofone tenor
Pharoah Sanders — flauta alto, saxofone tenor, sinos
Ron Carter — baixo
Ben Riley — bateria

Conrad Schnitzler – Conal (1981, Reissue 2026)

 

Quando Conal foi lançado em 1981 pela gravadora independente norueguesa Uniton Records, com uma tiragem inicial de 4.000 LPs, Conrad Schnitzler já era conhecido há muito tempo além das fronteiras da República Federal da Alemanha e era agora reconhecido mundialmente como artista multimídia e músico. Além das inúmeras edições em cassete e LP que ele mesmo lançava, gravadoras internacionais passaram a lançar sua música com cada vez mais frequência. No mesmo ano de Conal , por exemplo, o álbum Control foi lançado pela gravadora americana DYS, seguido em 1986 por Concert nos EUA e Consequenz 2 na Espanha. Schnitzler trabalhou incansavelmente e sua obra artística, incluindo sua música, tornou-se cada vez mais multifacetada. Conal é um bom exemplo dessa evolução.

 320 ** FLAC

O LP Conal , de Conrad Schnitzler, lançado em 1981, consiste em duas faixas longas, cada uma ocupando um lado inteiro do disco, repletas de zumbidos e sons eletrônicos com eco, que surgem e desaparecem gradualmente. É um dos discos mais espaciais do catálogo de Schnitzler e um dos mais assustadores, estendendo tons eletrônicos primitivos até soarem como música para uma casa assombrada de espelhos. Poderia facilmente ser a trilha sonora de um filme de terror ou ficção científica de baixo orçamento, ou poderia ser a música que você coloca tarde da noite quando está sozinho e precisa levar sua mente para um lugar distante. De qualquer forma, é um disco notável e hipnotizante. O segundo lado parece um pouco mais estruturado que o primeiro, chegando perto de uma batida em determinado momento, mas tudo flui e progride à sua própria maneira.

Evan Parker & John Zorn – Those Landings (2026)

 

Amigos e colegas desde o final dos anos 70, Evan Parker e John Zorn são dois dos mais inovadores e intransigentes saxofonistas da música contemporânea, e aqui colaboram em um projeto de estúdio surpreendente e há muito aguardado.
Gravado em Nova York e na Grã-Bretanha entre 2025 e 2026, Those Landings é uma exploração de beleza pungente da música moderna para instrumentos de sopro com um toque ambiente, criada por dois filósofos musicais radicais que utilizam o saxofone como fonte sonora.
Em vez de se concentrarem em formas tradicionais de jazz, Parker e Zorn tratam o saxofone como uma fonte de textura, atmosfera e som em si, criando uma música que soa exploratória, íntima e inesperadamente bela. Uma colaboração há muito esperada entre dois dos músicos contemporâneos mais inovadores da música contemporânea.

  320 ** FLAC

…as figuras mais aventureiras da música.

1. All Kinds of Things I 8:03
2. Whispering 8:50
3. Sighing 6:47
4. Hissing 8:53
5. Suggestions of Danger and Violence 9:17

Wild Up – Julius Eastman Vol. 5: Gay Guerrilla (2026)

 

A mais recente entrada na série completa de obras de Julius Eastman da Wild Up concentra-se exclusivamente em uma de suas maiores obras, Gay Guerillia , de 1979. Embora a partitura seja aberta a qualquer grupo de instrumentos de timbre semelhante, o diretor da Wild Up, Christopher Rountree, expandiu um pouco essas definições para criar uma versão orquestral com quatro categorias instrumentais flexíveis.
Como explicou Rountree: “Nossa ideia para a interpretação é buscar a convergência tímbrica dos instrumentos, de modo que eles comecem a se misturar e transcender seus sons característicos”. O arranjo resultante reformula a música com vozes mais plenas e maior riqueza, sem perder a essência de sua força e dinamismo. Estruturada como uma fantasia coral baseada em…

  320 ** FLAC

…um hino luterano, quatro linhas diferentes se envolvem em uma emocionante dança de vai e vem, acumulando-se e recuando, aproximando-se das melodias lateralmente e avançando como uma locomotiva antiga, com as várias linhas repetidas recombinando-se em maquinações estimulantes e aditivas. Frases melódicas emergem ao longo de oito movimentos internos, oscilando entre uma propulsão austera e um brilho sinfônico que mantém o ouvinte perpetuamente em suspense. Embora todos esses elementos estejam presentes nas versões para piano que ouvi, é fascinante ouvir a obra transcrita para uma instrumentação bem diferente, reforçando a elasticidade de sua visão. Por mais exuberante que a música se torne, o espírito que a define é a rebeldia, uma qualidade que marcou a maior parte do trabalho de Eastman como um homem negro gay em um ambiente predominantemente branco e conservador. 

mclusky – My Pain and Sadness Is More Sad and Painful Than Yours (2026 Remaster)

 

…Vinte e seis anos após seu lançamento original em 2000 pela gravadora Fuzzbox, e depois de uma reedição em 2003 pelo selo Beggars, considerada excessivamente pura, o álbum foi remasterizado por Sean Magee nos estúdios Abbey Road.
Claro, o título é irônico. Mas a intenção é boa. 'My Pain And Sadness…' usa a ironia como uma arma implacável, e não como uma piada presunçosa e egocêntrica; este é o som do tribunal de fachada de McLusky em ação – uma força de expurgo autoproclamada, determinada a eliminar os cínicos farsantes do punk de três acordes, soando muito como o Sonic Youth regravando 'Daydream Nation' em velocidade dupla. Num matadouro.
Sangue, vísceras, fúria justa – tudo isso é o que os americanos estão produzindo em larga escala atualmente, e a princípio, parece…

 320 ** FLAC

…este trio de noise rock de Cardiff pode ter dificuldades em acompanhar o ritmo. Ocasionalmente, a gravação amadora – que vê o berro de dois minutos de 'Rice Is Nice' banhado em distorção – deixa McLusky com uma sonoridade atipicamente fraca. Ainda assim, são apenas pequenos deslizes; em outros momentos, talhadas no tecido industrial e esfarrapado do Big Black, surgem odes abissais à derrubada de ídolos ('whiteliberalonwhite liberalaction'), paredes de ruído estrondosas que soam como um Pixies gigantesco tocando do outro lado do horizonte ('Medium Is The Message'), e um mergulho final no grito apocalíptico de 'World Cup Drumming'.

Este é, portanto, o 'Bleach' de McLusky: sujo, caótico, um tanto fragmentado, mas ainda assim generosamente salpicado de momentos de genialidade selvagem e raivosa. Alguém coloque esses caras em um estúdio com Ross Robinson, e teremos algo magnífico em mãos. 

Lenny Kaye – Goin’ Local (2026)

 

Aos 79 anos, Lenny Kaye não é o artista mais velho a lançar um álbum de estreia (essa honra pertence a Marshall Allen, da Sun Ra Arkestra, com seus vigorosos 100 anos), mas Kaye talvez seja o indivíduo com o alcance musical mais variado a levar o seu tempo para produzir um álbum solo.
Quando assumiu o papel pelo qual é mais conhecido, como o guitarrista parceiro de Patti Smith, ele já havia se aventurado no circuito de shows universitários (onde fez seu primeiro cover de “Gloria”), lançado a canção de protesto “Crazy Like a Fox” (usando o pseudônimo Link Cromwell), construído uma carreira como crítico musical para publicações renomadas como Rolling Stone, Jazz & Pop, Crawdaddy e Melody Maker, e estava presente quando Dave Marsh, editor da revista Creem, cunhou o termo “punk rock”.

  320 ** FLAC

Foi enquanto administrava a coleção de vinis da Village Oldies, um ponto de encontro essencial para os apreciadores de música pop de Nova York, que ele conheceu Smith e consolidou seu lugar na história do rock and roll. Como fã e artista, esse polímata cultural produziu álbuns de Suzanne Vega, James e Kristin Hersh, coescreveu a autobiografia de Waylon Jennings, apresentou gerações sucessivas às maravilhas do rock psicodélico dos anos 60 por meio de sua curadoria da antologia Nuggets e, em meados dos anos 90, juntou-se ao revitalizado Patti Smith Group. Não é de se admirar que ele não tenha tido tempo para se concentrar em sua própria música.

Durante o período em que esteve com Smith, Kaye liderou sua própria banda, a Lenny Kaye Connection. Seu único álbum, I've Got a Right , de 1984 , soa exatamente como se poderia imaginar um disco solo de Kaye: rock'n'roll cheio de atitude e new wave com raízes no folk, perfeito para tocar em alto volume. Quarenta e tantos anos depois, Goin' Local , seu primeiro álbum solo propriamente dito, conta com a participação de seus companheiros de Smith, Tony Shanahan (que coproduziu o disco) e Jay Dee Daugherty. O primeiro está pronto para arrasar na faixa-título de abertura, que celebra aquelas noites nova-iorquinas incipientes ("goin' local at the wateringhole") de conexões espontâneas e esporádicas, e talvez uma mais duradoura: "Estou procurando uma garota com violão".

A primeira coisa que se ouve, apropriadamente, é um riff empolgante e vibrante, e é fácil se deixar levar pelo ritmo implacável e envolvente. Kaye sobrepõe seu rosnado ameaçador com uma harmonia pop mais aguda antes de chegar ao refrão – e aos pedais – com maior urgência. Daugherty participa em “Solstice”, uma composição em parceria com a própria Smith. Seu pop-rock comercial é permeado por uma doce fragilidade, sinais celestiais e uma aceitação de que tudo passa, antes de terminar em uma dança ao luar. Este é um vislumbre do Kaye que escreveu You Call It Madness: The Sensuous Song of The Croon, um estudo de 2004 sobre os pioneiros da balada romântica popular.

Dizer que Goin' Local é sensual seria um exagero, mas, no geral, ele se revela uma obra surpreendentemente suave, influenciada pela narrativa reflexiva de Vega e Townes Van Zandt mais do que por qualquer roqueiro novato. Diversas odes de amor diretas são interpretadas com um canto melancólico. Kaye dá cor a "This Love" da maneira mais eloquente que conhece, com um solo plangente e melódico, enquanto seu sotaque suave atenua qualquer sentimentalismo exagerado. A canção country rock "If I Were You", conduzida pelo bandolim, pondera sobre a química contrastante em qualquer parceria, com Kaye claramente ambivalente em relação a trocar de lugar, enquanto "Let's Make A Memory" é um retrato autobiográfico da encruzilhada que levou Kaye de Nova York à Pensilvânia: "Não sei se conseguiria viver nesta parte do país, mas você me faz querer tentar".

“Pennsylvania Girls”, outro hino nostálgico, não tem exatamente o mesmo impacto que “California Girls”, mas os ouvintes certamente aprenderão algumas das características mais peculiares da população: “As garotas da Pensilvânia sabem usar uma parafusadeira”. A vida doméstica surge repetidamente com sua satisfação. “World Book Night” imagina uma noite de histórias ao redor da fogueira (rock'n'roll!), enquanto “The Things You Leave Behind”, um elogio entusiasmado à organização e ao desapego, pelo menos eleva o nível em sua reflexão sobre o acúmulo, mesmo que o verso “Eu gosto de vasculhar o depósito de alguém” seja, sem dúvida, informação supérflua.

“A Friend Like You”, a tradução de Kaye da canção de Stefan Eicher “Pas D'Ami (Comme Toi)”, celebra um poderoso amor platônico na mais pura tradição do rock de raízes de Patti e Petty. Ele encerra o álbum com outra expressão de solidariedade. A valsa acústica de dois minutos “Yes I Will” utiliza letras de seu tio Larry Kusik, que escreveu os temas de amor de O Poderoso Chefão e Romeu e Julieta de Zeffirelli, bem como a já mencionada “Crazy Like a Fox”. Ao relembrar seu single de estreia, Kaye afirma: “Ele me deu uma afirmação de mim mesmo como músico”. Sessenta anos depois, seu álbum de estreia presta uma comovente homenagem a uma tradição familiar de trovadore

Nei Lisboa - A Vida Inteira

 

Músico: Nei Lisboa

Disco: A Vida Inteira

Ano: 2013

Gênero: MPG, Rock Gaúcho, Rock Brasileiro

Faixas:

1. No boleto ou no cartão (4:05)

2. Depois do fim (3:28)

3. A vida inteira (4:31)

4. Mãos demais (3:58)

5. Bora de Borá (4:57)

6. Por um dia (3:21)

7. Dona do seu nariz (3:11)

8. Publique-se a versão (3:15)

9. Jogo de trapaças (3:11)

10. Bife (2:56)

11. Correntinha (4:24)

Músicas de autoria de Nei Lisboa.

Créditos:

Nei Lisboa: Voz, Violão, Programação

Rodrigo Fischmann: Bateria, Vocal, Violão, Percussão Corporal, Programação

Luciano Albo: Baixo, Vocal, Percussão, Violão, Guitarra, Programação, Violão de 12 Cordas

Luiz Mauro Filho: Piano Elétrico Wurlitzer, Vocal, Órgão Hammond, Piano Acústico

Paulo Supekovia: Guitarra

Leo Henkin: Guitarra, Violão, Bandolim, Programação

Kiko Ferraz: Vocal (faixa 5)

Luciano Leães: Órgão Hammond (faixa 8)

PASS

melofilia ou discofilos

MUSICA&SOM ☝

Cálix - Canções de Beurin

 

Banda: Cálix

Disco: Canções De Beurin

Ano: 2000

Gênero: Rock Alternativo, Rock Progressivo, Rock Brasileiro

Faixas:

1. Dança Com Devas (Sânzio Brandão) 6:25

2. Além Do Vento (Renato Savassi, André Godoy, Guga Schultze) 3:47

3. No More Whispers (Sânzio Brandão, Gustavo Temponi, Alexandre Savassi) 3:34

4. Kian (Marcus Viana) 4:29

5. Canções De Beurin (Sânzio Brandão, Guga Schultze) 6:12

6. O Sonho (Renato Savassi, Sânzio Brandão, Marcelo Cioglia) 4:07

7. Novidades (Renato Savassi) 4:54

8. Pra Hoje Um Sol (Renato Savassi, André Godoy) 3:09

9. Águas (Marcelo Cioglia, Sânzio Brandão, Renato Savassi, Ronaldo Simões Coelho) 5:11

10. Não Se Lembram Do Que São (Renato Savassi, Sânzio Brandão, André Godoy, Marcelo Cioglia) 3:29

11. Lanças (Renato Savassi, Gustavo Temponi) 2:34

12. O Fortuna (Carmina Burana) (Parte I) (Carl Orff) 3:39

13. O Fortuna (Carmina Burana) (Parte II) (Carl Orff) 0:31

Créditos:

André Godoy: Bateria, Percussão, Vocal

Marcelo Cioglia: Baixo, Vocal

Rufino Silvério: Piano, Órgão, Vocal

Sânzio Brandão: Guitarra, Violão de 12 Cordas, Vocal

Renato Savassi: Flauta, Bandolim, Vocal, Violão, Minivibrafone

Participações especiais:

Marcos Gauguin: Tampura (faixas 1, 11)

Fabinho Godoy: Violão (faixa 6)

Gnu, Lenhador, Moisés: Palmas (faixa 7)

PASS

melofilia ou discofilos

MUSICA&SOM ☝

Cidadão Quem - 7

 

Banda: Cidadão Quem

Disco: 7

Ano: 2007

Gênero: Rock Alternativo, Rock Indie, Pop Rock, Rock Gaúcho, Rock Brasileiro

Faixas:

1. Rito (1:19)

2. Do outro lado da rua (3:34)

3. Do nosso tempo (3:23)

4. Boa noite Cinderela (3:33)

5. A força do silêncio (4:07)

6. Instantâneo (3:34)

7. Noites de outros dias (2:15)

8. O amanhã colorido (3:20)

9. Filmes que não vi (3:53)

10. Perto demais (4:02)

11. Onde eu cresci (4:03)

12. Eu e você (4:20)

13. Boa noite... (3:41)

Músicas de autoria de Duca Leindecker, menos "A força do silêncio", composta por Humberto Gessinger e Duca Leindecker, e "Perto demais", composta por Fernando Peters e Duca Leindecker.

Créditos:

Duca Leindecker: Guitarra, Voz

Luciano Leindecker: Baixo, Vocal

Claudio Mattos: Bateria

Edu Bisogno: Teclado, Vocal

Fernando Peters: Guitarra

PASS

melofilia ou discofilos

MUSICA&SOM ☝