Disco Imortal: The Doors – Strange Days (1967)

 

Eletra, 1967

Agosto de 1967 e The Doors começaram a gravar seu segundo álbum de estúdio, que se chamaria Strange Days. Impulsionada pela grande procura e popularidade do álbum auto-intitulado, a gravadora pediu à banda 500.000 cópias antecipadamente. Jim Morrison e sua equipe rapidamente entraram nos estúdios Sunset Sound em Los Angeles e começaram a filmar a "máquina de dinheiro", mas não antes de fazer melhorias em seu contrato com a gravadora. No entanto, melhorar a remuneração não era apenas o que eles pediam, mas também exigiam total controle sobre suas letras e composições, que regularizavam por meio de uma editora que batizaram de Doors Music. “Se estar no submundo significa dar dinheiro e não ganhá-lo, então não estamos no submundo. Nós corremos nossa própria corrida.

Durante a gravação de seu segundo álbum, o baixista do Clear Light, Dough Lubahn, foi incluído e eles começaram a experimentar novos sons ao mesmo tempo que os Beatles faziam com Sgt. Pepper's. “Começamos a experimentar com o estúdio, como se fosse apenas mais um instrumento para tocar”, disse Ray Manzarek, acrescentando que “já estamos gravando em oito faixas e pensamos 'podemos fazer qualquer coisa, podemos dobrar sons e gravá-los mais tarde. e temos oito faixas com as quais podemos tocar. A partir desse momento começamos a tocar como se fôssemos cinco pessoas: teclado, guitarra, bateria, vocalista e estúdio'”.

O primeiro teaser do que viria a ser Strange Days foi "People Are Strange", que alcançou o número 10 nas paradas americanas em 1967. A arte da capa inicial era para ser a banda cercada por treze cachorros e um jogo de 13 palavras. espiritual, onde a locução Deus (Deus) foi incluída. No entanto, a gravadora, para evitar que a capa fosse censurada pelos setores mais conservadores, onde Lyndon B. Johnson era presidente dos Estados Unidos, decidiu não dar origem à arte, argumentando que ela poderia ser acusada de satânica. Jim Morrison odiou a capa do primeiro álbum feito pelo diretor de arte Bill Harvey e imediatamente a descartou e optou pelo fotógrafo Joel Brodsky, que foi o autor do instantâneo definitivo.

Após ser publicado em 25 de setembro de 1967 e chegar às lojas de discos em outubro, em 12 de janeiro de 1968 já havia se tornado um disco de ouro. O evento continuou e eles mostraram que não eram uma simples banda que apareceu por mero oportunismo nos anais do rock. Neste LP, a banda carimbava os nomes de todos os seus integrantes nos créditos e o nome de Robby aparecia na elaboração dos textos, como foi o caso de “Love Me Two Times” e “You're Lost Little Girl”. O ritual xamânico dos nativos de Venice Beach foi ampliado em todo o seu espectro com “When the Music's Over”, considerado o novo épico do grupo no mesmo patamar de “The End” de seu primeiro LP. “Queremos o mundo e queremos agora” (queremos o mundo e queremos agora”),

Com "Horse Latitudes" destacou o poder poético de Morrison e o acompanhamento complexo que deram a uma composição sobre a imolação de cavalos a que foram submetidos no momento em que os navios espanhóis ficavam presos na zona equatorial quando eram transportados para o trabalho no “ Novo Mundo". Essa faixa foi tomada por muitos como um prólogo antes de fechar o lado A do álbum com “Moonlight Drive”, a primeira música que Jim Morrison cantou para Ray Manzarek em Veneza. “Provavelmente a razão pela qual decidimos não incluí-lo no primeiro álbum foi porque, sendo o primeiro, não foi exatamente a melhor gravação que fizemos, então repetimos para o segundo álbum, mas ainda tenho a fita original. e soa ótimo. maravilha", disse Robbie Krieger em 1972.

Também neste álbum, apareceu um dos alter egos de Jim Morrison, como o 'Lizard King', que foi usado em suas performances como um interlocutor poético cheio de magia e arte, mas foi um meio pelo qual ele canalizou certas frustrações e desconfianças que carregava desde a infância. Nos shows ao vivo funcionou bem, já que ele se lançou ao público em várias ocasiões e fez um show em que as primeiras filas eram as que tinham que apoiá-lo em seu tipo de transe. No entanto, o conservadorismo na América do Norte não aceitou esses comportamentos. O ponto de ebulição de tudo o que Morrison e sua turma podiam realizar quando se tratava de leis morais veio quando eles subiram ao palco do Ed Sullivan Show com uma audiência média de 30 milhões. O momento tinha que ser marcante e a CBS se recusou a permitir que Jim interpretasse a letra original de "Light My Fire" e a considerou um ataque à sua independência artística e a executou como foi feita, fechando qualquer oportunidade de retornar ao show, o que eles não precisavam no futuro, porque já tinham a atenção do público graças a esse show. “Podemos ter aspectos de mocinhos, mas na verdade somos bandidos. Despertamos em Jim a violência. Muitas vezes ele não se sente agressivo, mas a música o empurra para isso”, disse Ray em entrevista, discutindo o comportamento em um dos programas mais populares dos Estados Unidos. fechando qualquer oportunidade de retorno ao show, o que eles não precisavam no futuro, pois já tinham a atenção do público graças a esse show. “Podemos ter aspectos de mocinhos, mas na verdade somos bandidos. Despertamos em Jim a violência. Muitas vezes ele não se sente agressivo, mas a música o empurra para isso”, disse Ray em entrevista, discutindo o comportamento em um dos programas mais populares dos Estados Unidos. fechando qualquer oportunidade de retorno ao show, o que eles não precisavam no futuro, pois já tinham a atenção do público graças a esse show. “Podemos ter aspectos de mocinhos, mas na verdade somos bandidos. Despertamos em Jim a violência. Muitas vezes ele não se sente agressivo, mas a música o empurra para isso”, disse Ray em entrevista, discutindo o comportamento em um dos programas mais populares dos Estados Unidos.

"Strange Days" se tornou um dos trabalhos mais psicodélicos e surreais da banda californiana. Era mais uma expressão de arte, já que se dedicavam a explorar novas sonoridades que saíam do que era a esfera convencional das expressões musicais daqueles anos. O LP também simbolizava a luta da banda contra toda autoridade com um alter ego muito bem exemplificado por Morrison que se tornava um anjo dionisíaco ou um demônio dependendo da situação de cada show ao vivo. A política significou muito para Jim, que sempre deu sua opinião "politicamente incorreta" à classe dominante dos conturbados anos 60, semeando as sementes de uma banda teatral sombria com uma mensagem direta para as massas envoltas em música e poesia. .

Hi-Fi explicado: Fontes

Anteriormente, analisamos como os amplificadores funcionam e por que eles são a primeira parada em seu sistema de alta fidelidade. Agora vamos dar uma olhada rápida em algumas das fontes mais populares que você pode conectar para colocar sua música em seu amplificador.

Gira-discos

Toca-discos Pro-Ject T1 Phono SB

Desde que a RCA Victor produziu os primeiros discos de vinil comercialmente disponíveis em 1931, toca-discos e vinil são sinônimos de música e som. Não há nada como o som de um disco de vinil quando é tocado de um toca-discos brilhante em um amplificador de grande som! Os toca-discos funcionam transformando vibrações criadas a partir de uma agulha movendo-se nas ranhuras de um disco em um sinal eletrônico.

Como mencionado em nosso guia de amplificador, o sinal de saída de um toca-discos é realmente silencioso e precisa de amplificação adicional antes de poder ser colocado em um amplificador, manipulado pelo que é chamado de estágio phono. Alguns amplificadores terão um estágio phono dedicado embutido, então quando você conecta seu toca-discos na entrada específica, seu sinal é aumentado e pode ser ouvido como suas outras fontes.

Um bom número de toca-discos no mercado tem um estágio phono embutido no próprio toca-discos, o que significa que você pode conectá-los diretamente em qualquer entrada de linha do seu amplificador. Estas são uma ótima escolha se você já possui um amplificador que não possui um estágio phono. Tenha cuidado para não conectar este sinal amplificado em um estágio phono em seu amplificador, pois o sinal será amplificado novamente e causará distorção.

Se tanto o seu amplificador quanto o toca-discos não tiverem estágios phono, não tenha medo! Estágios phono autônomos estão prontamente disponíveis para resolver o problema..

 

Streamers/players de rede

Streamer de rede Cambridge Audio CXN V2

Eles têm alguns nomes intercambiáveis ​​diferentes, mas os streamers de música em rede são realmente a maneira mais fácil de acessar rápida e facilmente uma quantidade impressionante de música.

Essas unidades usam a conexão à Internet em sua casa, o que permite que eles acessem seus serviços de streaming de música de sua escolha, como Spotify e Tidal. Uma vez instalado e funcionando, você pode controlar tudo do seu telefone ou tablet e, em alguns casos, até acessar os serviços diretamente do próprio streamer. Embora a maioria dos serviços de streaming de música ofereça uma versão 'gratuita', geralmente vale a pequena taxa mensal para acessar conteúdo sem anúncios para uma experiência verdadeiramente perfeita.

Muitos streamers também podem sintonizar estações de rádio online, ideais para quem deseja a familiaridade do rádio DAB.

Leitor de CDs Marantz CD6007

tocadores de CD

Leitor de CDs Marantz CD6007

Embora certamente não seja mais o 'novo' garoto do pedaço, a tecnologia CD (Compact Disc) revolucionou completamente a forma como consumimos música e ainda é um formato usado por muitos.

Assim como a agulha de um toca-discos lê as ranhuras de um disco, um CD player usa um laser para traduzir os dados digitais de um CD em um sinal de áudio que então é alimentado no amplificador.

 

Leitores de cassetes

Uma cassete: uma explosão do passado!

Por um tempo, as fitas cassete foram vistas como uma nostalgia divertida de tempos passados, mas ultimamente a humilde fita vem fazendo um verdadeiro retorno, com muitas bandas e artistas de renome abraçando o formato mais uma vez.

Ao usar fita magnética que cria sinal quando tocada em uma 'cabeça' de reprodução magnética, as cassetes são capazes de produzir um som quente e ligeiramente analógico que é mais parecido com o vinil, o que pode oferecer uma boa alternativa à precisão dos formatos digital e de CD.

Confira o CD Player e Cassete Teac AD850 !

 

Receptor Bluetooth/DAC

Cambridge Audio DacMagic 200M USB DAC/amplificador de fone de ouvido

Se você já possui um amplificador mais antigo ou está comprando um novo modelo com um pouco de orçamento, muitas vezes descobrirá que o Bluetooth não é uma opção integrada. No entanto, isso não significa que você não possa obter a conveniência de streaming em seu sistema; você só precisa pegar um receptor Bluetooth.

Essas unidades práticas são capazes de se conectar ao seu telefone ou tablet e enviar o sinal para o seu hi-fi através de qualquer entrada auxiliar, adicionando instantaneamente uma camada extra de utilidade à sua configuração. Ao selecionar um modelo com a adição de um DAC dedicado, você também notará uma grande melhoria no som geral do seu streaming de música.

Eiko Ishibashi – Drive My Car Original Soundtrack

A banda sonora de Drive My Car mostra-nos que alguns filmes se veem com os ouvidos. 

Há filmes que se veem com os ouvidos, de tão boa que é a sua banda sonora. Assim de repente, lembro-me do paradigmático Cinema Paradiso, que, como qualquer pessoa sabe (ou devia saber), beneficiou da mestria do signori Ennio Morricone: se escutar os temas que surgem ao longo das cenas, consigo recriar as cenas principais dessa película. Outros filmes são incríveis, pois dispõem de uma banda sonora que «rouba» canções a uma série de artistas e bandas diferentes – como Marie Antoinette (em que a música escolhida representa exemplarmente os sentimentos dos adolescentes), The Eternal Sunshine Of The Spotless Mind (no qual as composições de Jon Brion e os temas de Electric Light Orchestra e Beck, por exemplo, expressam simultaneamente o excitamento e o desespero do amor) e The Life Aquatic With Steve Zissou (que mostrou às salas de cinema o casamento perfeito entre a doçura de Seu Jorge e a excentricidade de David Bowie). E há filmes, também incríveis, que não dependem de temas pop executados por nomes sonantes – necessitam apenas da criatividade de hábeis compositores como Vangelis (o som é fulcral em Blade Runner), Hans Zimmer (estudou pelos apontamentos de Vangelis…), John Williams (a música que acompanha Catch Me If You Can copia o protagonista, sendo atrevida e cheia de manha) e Joe Hisaishi (cujos filmes transformam as crianças em adultos sábios). 

A escolha de alguns dos meus filmes preferidos depende, sem surpresa para o leitor, das suas bandas sonoras, e a lista das películas que preenchem o meu top está em constante crescimento. Um dos últimos filmes que entrou nessa tabela é Drive My Car, o filme dirigido por Ryûsuke Hamaguchi e baseado no conto com o mesmo título do eterno amante de música, Haruki Murakami, que venceu o Oscar de Melhor Filme Internacional, na cerimónia que acabou por ficar conhecida pela malograda estalada que Will Smith ofereceu a Chris Rock – enfim. 

A soundtrack de Drive My Car foi lançada muito antes do filme estrear nas salas de cinema portuguesas. Inicialmente, escutei os 10 temas que compõem a banda sonora sem conhecer a trama da película, e criei a minha própria história, dentro da minha cabeça (apenas li «Homens Sem Mulheres», o livro no qual o conto «Drive My Car» se insere, umas semanas depois). Durante uma dúzia de dias, ouvi sem parar as músicas do filme, e dei por mim a pensar há filmes que se veem com os ouvidos. Mais tarde, já depois de ter visto a longa-metragem, concluí que Drive My Car entra na exclusiva categoria reservada aos grandes trabalhos cinematográficos, porque, para além de revelar uma história dura e cruel sobre traição, luto e ética de trabalho (que, só por si, faz por merecer o prémio que arrecadou), faz-se acompanhar por apontamentos musicais magníficos, que são capazes de reforçar a ligação das pessoas sentadas na sala de cinema com o enredo, pois obrigam-nas a refletir sobre as suas próprias existências, que estão no exterior da sala escura, cujo chão está preenchido por restos de pipocas doces ou salgadas.

O filme revela uma história dura e cruel sobre traição, luto e ética de trabalho.

As composições, trabalhadas pela mestre Eiko Ishibashi, diferem muito pouco, quer em termos de título, quer em termos sonoros: todas são extremamente contemplativas, porque assentam num jazz líquido e solto que, não raramente, parece aproximar-se do universo ambient. Ainda que sejam, então, semelhantes, as faixas adaptam-se a momentos específicos do filme, e respeitam os estados de espírito que comandam Drive My Car – a dor e a melancolia, mas também a coragem de que as pessoas necessitam para se libertar das duras memórias do passado. 

A música tem um papel muito importante na obra de Murakami. Por alguma razão, em todos os livros que publica, o autor japonês realiza incontáveis referências a grandes figuras da música que se espalham pelos diversos géneros musicais. Murakami, como qualquer outro japonês que viveu os anos 60, empanca nos The Beatles (daí o nome do filme e do conto e de outras histórias, como «Yesterday»), e é viciado tanto em jazz, como em música clássica. Por isso, Drive My Car é, sem surpresa, um filme que estabelece uma ligação muito profunda com o fenómeno musical, pois beneficia de uma banda sonora verdadeira e transparente que, de certo modo, indicia a trama e o desfecho do filme. 

A história mostra-nos a vida de um ator de teatro desgostoso que, assim que chega a Hiroshima para trabalhar numa peça de Tchékhov («Tio Vanya»), sabe que terá uma motorista que o irá conduzir durante o período de ensaios até à estreia do espetáculo. O carro (por sinal, lindo) é um SAAB 900 Turbo (encarnado no filme e amarelo no livro) que serve como um elo de ligação entre Kafuku, o artista, e Misaki, a condutora, que conversam durante longas viagens de carro entre o teatro, localizado no centro da cidade, e o espaço onde Kafuku reside temporariamente, fora da zona urbana.

O carro (por sinal, lindo) é um SAAB 900 (encarnado no filme e amarelo no livro) que serve como um elo de ligação entre Kafuku, o artista, e Misaki, a condutora,

Acredito que a banda sonora que Eiko Ishibashi realizou  (em conjunto com o produtor Jim O’Rourke) vai além do filme, isto é – a qualidade musical é tanta que extravasa os limites da história da película, podendo ser escutada pelo ouvinte durante o dia-a-dia, entre tarefas rotineiras (nomeadamente a conduzir). De certa forma, a música de Drive My Car faz lembrar a banda sonora de um outro grande filme, com o qual partilha algumas semelhanças na hora de retratar a falta de amor e a solidão: Her, de Spike Jonze, cuja banda sonora é da autoria dos Arcade Fire e do compositor Owen Pallett. 

Drive My Car já está na história do cinema por ter ganho o Oscar de Melhor Filme Internacional de 2021, no entanto, é provável que, ao longo dos próximos anos e décadas, a película continue a ganhar relevância, porque, não só forma uma homenagem estrondosa à obra de um dos grandes nomes da literatura contemporânea, como apresenta uma banda sonora imaculada, com bom gosto e viciante.

Sun Ra – Lanquidity (1978)

Um disco de Sun Ra é sempre um acontecimento, e com as recentes edições de Lanquidity, volta a acontecer magia!

É difícil escrever sobre lendas do tamanho de Sun Ra, sobretudo por sabermos que dizer algo que ainda não tenha sido dito sobre o que representa na história da música, é quase impossível. Por outro lado, também é fácil escrever sobre Sun Ra, uma vez que na sua grandeza há sempre espaço para acrescentar algo mais, mesmo que apenas reforçando certas ideias já batidas através de um qualquer ângulo diferente. Podemos sempre escolher um dos seus imensos álbuns, e só aí há um filão (quase) inesgotável. Foi o que resolvemos fazer. A escolha recaiu sobre Lanquidity, disco de 1978, mas que foi agora sujeito a uma nova e múltipla edição. Há para todos os gostos, desde boxes de vinil com quatro LPs até à mais simples edição dupla em CD. No fundo, o que importa é ouvir esse disco que parecia estar esquecido no tempo, mas que se revela surpreendentemente atual e moderno, talvez pelo facto de Herman Pool Blount não ser deste mundo (nunca foi, até porque veio de Saturno, como bem sabemos) e, por isso, tudo o que fez tem a marca mística da intemporalidade. Mas, mesmo assim, essa medida humana para designar a eternidade fica-lhe aquém, não lhe serve por completo, é manifestamente parca. Por isso, andamos às voltas e voltamos ao princípio: é difícil escrever sobre lendas do tamanho de Sun Ra.

Lanquidity é um disco pouco comum se tivermos em conta a obra do mestre Ra. Foi editado pela Philly Jazz, uma editora quase inexistente, e trouxe algumas surpresas, desde logo pela unidade existente entre as suas cinco faixas. É um disco que nos hipnotiza e que, em vários momentos, pode fazer-nos ter vontade de dançar. Sim, dançar! O seu sentido rítmico é intenso, mas nunca transbordante, nunca se atrevendo a pedir bola de espelhos ou fumo na pista, como é óbvio. Trata-se de um disco de Sun Ra, pelo que os excessos serão sempre permitidos, mas curiosamente não é esse o caso. Em certa medida, é um álbum comedido, bem comportado, a meio caminho entre delicadeza e a vontade (nunca consumada) de mandar essa amável cortesia às favas. Por vezes, enquanto o ouvimos, era o que desejaríamos que acontecesse, mas acabamos satisfeitos por isso não se concretizar. Na ameaça, como se sabe, pode estar o ganho.

O título da última faixa – “There Are Other Worlds (They Have Not Told You Of)” – talvez nos ajude a explicar todas as diferenças entre este disco e tantos outros do próprio Sun Ra. O que nele se ouve é pouco frequente, incomum, daí o título do quinto tema poder ser, ao mesmo tempo, um aviso e a declaração de uma evidência. A fusão entre free jazz, funk e r&b nota-se de forma considerável em quase todos os momentos de Lanquidity. “Where Pathways Meet”, “That’s How I Feel” e “Twin Stars of Thence” são exemplos perfeitos daquilo que afirmamos. Muito se deve às teclas tocadas pelo próprio Sun Ra (órgão, sintetizador, piano, mini moog, fender rhodes), mas também ao poderoso baixo de Richard Williams e às guitarras (e há dois guitarristas presentes no álbum, coisa bastante invulgar na Arkestra de Sun Ra) de Disco Kid e Dale Williams. Todos enormes, tremendos,  ao longo dos quarenta e três minutos e trinta e três segundos da edição original. Outro aspeto interessante é a produção bastante cuidada de Lanquidity, algo que nem sempre ocupava o centro das atenções e das exigências de Ra, esse “deus egípcio do sol” tornado poeta, filósofo, músico e tudo o que mais se possa pensar e imaginar, incluindo ser pioneiro do afrofuturismo, por exemplo.

Lanquidity é um prato cheio, uma maravilha que convém saber aproveitar no inesgotável cardápio de Sun Ra. Agora que as noites começam a ficar estreladas, ouça-o tentando encontrar nelas uma que brilhe intensamente e que seja, quiçá?, a regente de toda essa linguagem cósmica que nos distancia e separa de nós mesmos quando ouvimos música. Talvez nessa estranha cosmometria humana e musical esteja o segredo de tudo o que foi, é e será Sun Ra. Mas não é fácil escrever sobre Sun Ra, embora também não seja difícil fazê-lo.

Universo do Vinil

 

A trilha sonora e a indústria fonográfica

Vamos aproveitar que hoje é dia de Oscar e falar um pouco sobre as trilhas sonoras.

Não! Não vamos apontar e listar quais são as melhores ou piores, mas sim o que isso representou para a indústria do vinil e suas vendas.

Cinema e música, na maioria das vezes é algo indissociável!

A música dá vida às cenas e as pessoas querem ouvir em suas casas as melodias de seus personagens e/ou das partes dos filmes que mais gostaram. A indústria fonográfica compreendeu isso e tratou de colocar nos discos!

Em particular no Brasil as telenovelas e suas músicas foram muito importantes e renderam bastante para gravadoras como a Som Livre (que nasceu basicamente para lançar as trilhas das novelas da Globo) e Polydor. Ao vermos os números de vendas de trilhas de filmes dos anos 70, 80 e 90 (abaixo) vemos que este estilo musical rendeu cifras e mais cifras para as gravadoras e pela lista podemos considerar que teve seu auge na “Era de Ouro do Vinil”.

Veja na Wikipédia a lista das categorias de trilhas sonoras e alguns ganhadores de prêmios importantes como Oscar, Grammy e etc.

Eis a listas das trilhas sonoras mais vendidos de todos os tempos (em números de álbuns vendidos):

1 – Whitney Houston – O Guarda-Costas – 45 milhões (1992)

2 – Andrew Lloyd Webber – O Fantasma da Ópera (trilha de teatro) – 40 milhões (1986)

3 – Bee Gees – Os Embalos de Sábado à Noite – 40 milhões (1977)

4 – Vários – Ritmo Quente – 40 milhões (1987)

5 – James Horner – Titanic – 30 milhões (1997) *

6 – Vários – Grease: nos tempos da brilhantina – 28 milhões (1978)

7 – Prince – Purple Rain – 20 milhões (1984)

8 – Vários – Top Gun : Ases Indomáveis – 20 milhões (1986)

9 – Vários – Forrest Gump – 19 milhões (1994)**

10 – Elton John – O Rei Leão – 15 milhões (1994)

Com essa lista já temos uma ideia do quanto as trilhas de cinema, teatro e telenovelas foram rentáveis. Podemos afirmar que continuam gerando lucros, porém muito provavelmente, a partir do streaming e a venda (download) de MP3.

Agora, nos resta saber quem ganhará hoje o Oscar de melhor trilha! Fiquemos atentos!

* único da lista que não foi lançado em vinil apenas em CD e K7

** Lançado originalmente em CD e K7, porém, com relançamento em vinil em 2014 pela SRC Vinyl – Epic