A saída de Martin Walkyier é o motivo da raiva sobre Mourning Has Broken, nisso enxergamos o termo : meias verdades, pois encontramos outros buracos na estrada.
O vocal está aquém, sim, não nego. As letras mudaram a direção, mais pé no chão e menos paganismo, bom, sem problemas quanto ao último fator, assuntos diversos devem ser postos a mesa.
Tenho uma cópia do vinil, encontrei por um preço justo e corri para casa, ao colocar sobre o toca discos, meu estomago embrulhou. Diabos ! A agulha deve ter imantado blocos de poeira e preciso assoprar ou pegar uma escova macia para resolver.
Não, estava errado, a produção soa tétrica, como a decepção de escutar Witch Hunter do Grave Digger.
Algo errado com a caixa da bateria, mal equalizada. O contrabaixo soterrado tenta respirar, pobre coitado.
Uma pena tantos empecilhos para o nobre instrumental intrincado e levado a cabo para esse. São construções fantásticas perdidas em captação de garagem e um vocalista esforçado, mas ... não convincente.
Os clássicos History of a Time to Come e Dreamweaver estão em seu trono. Pregado pelos críticos, o bobo da corte ficou para Mourning Has Broken.
Não devemos esquecer a gravadora noise e a insatisfação causada, um dos responsáveis pelo prematuro enterro. Houveram problemas financeiros também. O papo de divergências de letras pode ser observado como cortina de fumaça.
Reforço, é um produto de bons temas e arranjos, poderiam contornar a situação e aprender com erros, chamar um produtor.
Não posso dizer mais. Os bastidores e a cruz, pertencem a eles.
Em julho de 1987, Johnny Marr deixou os The Smiths e a banda que, para muitos, havia sido a salvação da música durante uma época muito triste no Reino Unido comandada por uma figura paternalista e conservadora como Margaret Thatcher acabou. . A juventude buscava no som do House e no êxtase alguma fuga do vazio deixado pelo grupo do qual Morrissey fazia parte.
No entanto, uma nova onda estava se formando em Manchester, que transformaria a cena indie iniciada pelos Smiths em um estilo mais psicodélico. Os Stone Roses assumiram a liderança e com seu álbum autointitulado lideraram as bandeiras de uma nova invasão britânica. O LP lançado em abril de 1989 mostrava que o rock também pode ser dançante, e que as inspirações de grupos como Led Zeppelin, The Kinks e Beatles poderiam ser o antídoto para remodelar a Inglaterra.
“Somos apenas um grupo rítmico, simples folk pisoteado” , Ian Brown descreveu – com ar altivo e desafiador – no final dos anos oitenta, o som da sua banda. E como ele estava certo! Bem, os mancunianos provocaram desde o início, já que a capa do álbum - do guitarrista John Squire - foi inspirada no expressionismo abstrato do americano Jackson Pollock e nos acontecimentos ocorridos durante maio e junho de 1968 na França quando os protestos estudantis de jovens esquerdistas que eles colocou o governo do veterano Charles de Gaulle nas cordas.
“Os sinos tocam na manhã de domingo / Hoje ela partiu para roubar o que nunca poderia ter / Uma carreira desse buraco que foi seu lar até agora”, Brown começa a gaguejar com “Waterfall”, uma música co-escrita com Squire. e que ostenta aquele som psicodélico da costa oeste, mas com o ar da presunção de Manchester. Este hino é seguido por sua irmã gêmea “Don't Stop” que tem a mesma sonoridade, mas feita ao contrário e com letra bastante modificada.
“I Wanna Be Adored” é uma música que nos teletransporta para aquela música dos anos sessenta onde nos deixamos levar pela sinestesia (percepção alterada do tempo e sentido de identidade) juntamente com a literatura de Aldous Huxley ou Jack Kerouac. A sementeira de The Birds ou The Beatles concentra-se fortemente nesta peça musical e que possui letras bíblicas dignas de adoração para os ingleses. “ Eu quero ser adorado / Você me adora” (“Eu quero ser adorado / Você me adora”) . Alguma dúvida sobre o que Ian e companhia querem nos expor com essa música? Deixamos ao livre arbítrio do leitor e claro, do ouvinte.
"Me rasgue e ferva meus ossos / Não descansarei até que ela perca seu trono / Meu objetivo é verdadeiro, minha mensagem é clara / São cortinas para você, elizabeth, minha querida" perdeu seu trono / Meu objetivo é certo, minha mensagem é claro / É o fim para ti, minha querida Elizabeth») , é o que diz na íntegra a peça acústica de “Elizabeth My Dear”, que expõe fielmente o espírito antimonárquico dos músicos.
Porém, há outra peça que também exibe essas raízes contra o que está estabelecido e que foi expresso na capa, já que sua antecessora “Bye Bye Badman” faz um pedido de desculpas pelos acontecimentos de Paris em 1968 e ataca diretamente de Gaulle. . Para muitos especialistas, essas ideologias expressas pelos manchesterianos eram apenas populismo pela arrogância que demonstravam em suas apresentações e pela ostentação que faziam de suas roupas e cortes de cabelo, mas para os torcedores era uma declaração de princípios dos artistas.
Passando a fazer shows em pequenos bares, os Stones Roses apostaram quando as canções de mesmo nome começaram a se popularizar e no mesmo ano em que o álbum foi lançado, eles deram um recital na cidade de Blackpool, que poderia muito bem tê-los enterrado. .como banda, pois em Manchester era difícil para eles lotarem as locações para suas apresentações, mas a recepção ao quarteto foi prodigiosa.
“Para nós, fazer shows era como andar na corda bamba. Você pode cair a qualquer momento, mas gosta do perigo. Queríamos melhorar a nós mesmos, para ver até onde poderíamos ir. Alugamos lugares que sabíamos que não conseguiríamos lotar só para ver se conseguiríamos”, disse em entrevista o baixista 'Mani', mais conhecido como Gary Mounfield e que atualmente participa do Primal Scream. E cara, eles conseguiram, porque havia mais de três mil pessoas naquele show.
“Não desperdice suas palavras. Eu não preciso de nada de você” , diz uma das estrofes da música que fecha este álbum e que também foi o ponto alto de suas apresentações ao vivo: “I Am the Resurrection”. Uma música que foi tomada como um hino por seus fãs e na qual o próprio Ian declarou sua divindade aos seus seguidores por meio de uma rave (termo cunhado para festas caseiras dos anos 80), mas com toques celestiais. “Eu sou a ressurreição e eu sou a luz. Nunca consegui odiar tanto quanto queria” , recitou Brown antes de dar lugar a uma das marcas registradas da banda, o rock dançante, que continha um solo de guitarra que crescia ao máximo que depois caía mas subia, novamente, de forma constante.
As pessoas entenderam perfeitamente a mensagem dos nativos de Manchester e desse novo movimento que mais tarde seria conhecido como Britpop. A semente do que hoje conhecemos como Indie tem muito neste trabalho de 1989. O homônimo do Stone Roses junto com Happy Mondays Pills 'N' Thrills e Belyaches , fez uma geração dançar novamente e deu a eles um estilo único que dura até um tempo em que o fugaz e transitório é algo mais usual. Sem mais o que escrever, mas citando 'Mani', este disco foi ao som dos “brancos mais negros do planeta” .
O que poderia acontecer entre a união do guitarrista dos Yardbirds, do baterista do Cream, do vocalista e tecladista do The Spencer Davis Group e do baixista do Traffic ? A resposta pode soar familiar para você, você pode até imaginar, mas se deixarmos que nossas suspeitas e nosso coração nos digam, podemos facilmente concluir que se trata de um supergrupo.
Eric Clapton (vocal e guitarra), Ginger Baker (bateria), Steve Winwood (vocal, órgãos e guitarra) juntamente com Rick Grech (baixo e vocal) deram vida a este grupo que lançou apenas um álbum, mas surgiu com um trabalho que permaneceu nos anais do rock psicodélico e, acima de tudo, da música. Mas nem tudo era música nesse quarteto, já que a capa do disco homônimo que ali veio à tona em agosto de 1969, foi cercada de polêmica, já que a capa original foi promovida com uma foto bastante marcante.
Bob Seidmann, que era muito próximo de 'Slowhand' e já tinha vários trabalhos com bandas e solistas desde os anos 60, foi o criador do instantâneo que iria para o álbum. Uma garota seminua, que tem nas mãos -aparentemente- uma nave espacial ou também a decoração de um Chevrolet dos anos cinqüenta.
A imagem causou alvoroço, pois era marcadamente sexual e com a qual foram feitas várias conjecturas sobre o objeto e, claro, sobre a garota em questão. Para muitos, a peça do carro significava um símbolo fálico e a menina criava infinitas questões, a começar por ser uma espécie de escrava sexual ou por ser filha de algum integrante do grupo. A refutação de todas estas incógnitas foi respondida pelo próprio autor da obra, que referiu que «a imagem simboliza a realização da criatividade humana e a sua expressão através da tecnologia de uma nave espacial. A inocência seria a portadora de ideais através de uma moça. Uma garota tão jovem quanto a Julieta de Shakespeare. A nave seria o fruto da árvore do conhecimento e a menina, o fruto da árvore da vida». A jovem que apareceu na capa é Mariora Goschen, que tinha 11 anos quando a fotografia foi tirada, anteriormente em conversa com os pais. Diz-se mesmo que pediu um animal como preço, mas recebeu 40 libras de compensação. Depois de tanta polêmica sobre a imagem frontal, a gravadora optou por substituí-la por uma da banda. Porém, hoje é possível encontrar a versão original em lojas de discos do mundo todo.
Deixando de lado a capa, a música que abre as fogueiras desse álbum que foi produzido por Jimmy Miller, é a ótima "Had to Cry Today" que foi composta por Steve Winwood e que mostra toda a psicodelia característica do final dos anos sessenta. "Já tá escrito que hoje vai ser pra lembrar/ A sensação é a mesma de estar fora da lei/ Tive que chorar hoje"/ Tive que chorar hoje"), a letra fala de um redemoinho de sentimentos e sinestesias junto com uma melodia que não deixa de nos levar a um voo imaginário e que -de resto- é bem acompanhado por uma guitarra mais que virtuosa de Clapton durante quase nove minutos.
“Estou aproveitando para ver o vento em seus olhos enquanto ouço”
"Can't Find My Way Home" é aquela balada acústica para raciocinar, questionar e chegar às respostas do que a vida e o universo nos preparam. A canção de Winwood detalha os seguintes versos para nós: "Desça do seu trono e deixe seu corpo em paz / Alguém deve mudar / Você é a razão de eu ter esperado tanto tempo / Alguém tem a chave" ("Venha, desça do seu trono e deixar seu corpo / alguém deve mudar / você é a razão de eu ter esperado tanto tempo / alguém tem as chaves na mão"). A afirmação é sublime, mas também deixa uma mensagem nas entrelinhas aberta e deixada para o ouvinte interpretar:"Mas estou perto do fim e simplesmente não tenho tempo / E estou perdido e não consigo encontrar meu caminho para casa" encontre meu caminho para casa.
Erick 'Slowhand' Clapton escreveu “Presence of the Lord” e é aquela peça celestial em que os ritmos são muito cuidadosos, mas sempre com a psicodelia pertinente que este supergrupo nos oferece. Cada um dos membros aumenta em sua proporção. Porém, o teclado de Winwood é o que leva este trabalho um pouco mais longe, sim, sem descurar a guitarra de Clapton e as letras, pois é neste último ponto que se mostram as realidades que estes génios viveram naqueles anos. Nos parágrafos são dadas as máximas divinas e sagradas que muito bem adornam a composição do violonista para questões religiosas.«Finalmente encontrei um lugar para morar como nunca pude antes / E sei que não tenho muito para dar, mas logo abro qualquer porta / Todo mundo sabe o segredo, todo mundo sabe o placar / Finalmente encontrei encontrei um lugar para morar na presença do senhor / Na presença do senhor" / Todo mundo sabe o segredo, todo mundo sabe o placar / Finalmente encontrei um lugar para morar na presença do Senhor / Na presença do Lord") , lê-se parte da letra composta pelo britânico de 71 anos.
A música que fecha o álbum é "Do What You Like" de autoria de Ginger Baker e segue a mesma linha temática e editorial do que foi este álbum, já que por muitas passagens ele trabalha pela unidade, por fazer as coisas bem feitas e sempre usando a consciência através do mensagem de uma voz sagrada mas com um percurso sonoro de mais de 15 minutos, deixando claro o quão ambiciosos foram com este trabalho. Tudo o que foi escrito anteriormente fica evidente em "Faça certo, use a cabeça, todos devem se alimentar / Juntem-se, partam o pão, sim juntos, é o que eu disse / Façam o que quiserem" ("Façam as coisas bem, usem a cabeça, todos deve ser alimentado / Reúna-se, parta o pão, sim juntos, foi o que ele disse / Faça o que quiser») .
A obra composta por esses quatro virtuoses da música é um álbum que reúne o melhor de suas habilidades, pensamentos e crenças. O simples fato de ter lançado um único álbum e de ter causado tanto impacto tanto pelo som quanto pela polêmica capa, é um incentivo para se exibir entre as cópias discográficas. Ainda, esta placa reúne vários estilos ao nível da black music, destacando-se o jazz e o blues. A edição de luxo deste LP traz, além das seis canções originais, nove faixas adicionais divididas em dois discos. Em suma, um disco atormentado pela psicodelia que chegou ao topo das paradas e onde a Blind Faith se destacou em primeiro lugar na parada da Billboard nos Estados Unidos.
Em 2020, durante os dias solitários, intermináveis e incertos da pandemia, fiz algo que deveria ter feito há tempos: cadastrei todos a minha coleção no Discogs. E, ainda que o trabalho seja longo e cansativo para quem, como eu, possui um razoável número de itens, a recompensa é grande. São muitas funcionalidades na palma da mão, e, no meu caso específico, uma ajuda imensa na hora de lembrar se tenho ou não tal título na estante.
Uma dessas funcionalidades é entender quantos itens entraram na coleção durante o ano. E foram muitos. Em 2021, mais de 450 novos CDs entraram no meu acervo, incluindo duas grandes doações que recebi. Já em 2022, o número foi maior e confesso que um pouco assustador: ao todo, 564 novos títulos entraram na minha coleção, entre CDs e DVDs, durante o ano.
Foram ao todo 252 CDs usados comprados , e tenho encontrado muita coisa boa . Os itens dos sebos geralmente são títulos fora da catálogo, muitos deles difíceis ou raros de serem encontrados atualmente, e que preenchem lacunas da minha coleção. Além disso, vai aí uma história: comecei a colecionar LPs em 1985 e mantive a coleção até o início dos anos 2000. Aos poucos fui trocando os discos de vinil pelos CDs, meu formato preferido de mídia física. E essas visitas aos sebos têm proporcionado com que eu encontre alguns álbuns do meu antigo acervo de LPs no formato que mais gosto – que são os CDs -, e sempre que isso acontece o prazer é enorme. Nessa categoria de itens usados, muitas vezes acabo pegando bastante CDs em um sebo, e o valor cai ainda mais na hora de fechar a compra.
E aconteceu um fato marcante que foi a chegada em uma loja específica aqui da Florianópolis de uma grande quantidade de itens de um colecionador que faleceu, muitos deles lacrados, a maior fora da catálogo e todos em excelente estado, foi responsável por um belo upgrade no acervo. Entre os itens usados, destaque para o retorno de títulos que faziam parte da minha antiga coleção de LPs e agora voltaram em CD, como o excelente Fisherman’s Blues do The Waterboys, raridades como a estreia da Crazy Horse (uma das bandas que acompanha Neil Young), vários álbuns solo de Stevie Nicks, diversos discos do Bon Jovi e do Red Hot Chili Peppers, a quase totalidade dos álbuns de Jack Johnson e do Dire Straits, e muito mais.
Em relação aos itens novos, adquiri um total de 89 CDs durante o ano. A grande maioria foi comprada na Amazon, mas vieram também itens das lojas oficiais da Universal, Warner e outras online, e também da Roots Records, única que vende itens novos na capital catarinense. Esses títulos foram, em grande parte, lançamentos e novidades, além de alguns CDs de catálogo. Aqui, o grande destaque foi encontrar a discografia quase completa do Pearl Jam totalmente lacrada, além da chegada de discos que marcaram o ano como os novos do Ghost e do Machine Head, as edições especiais do Kiss, o maravilhoso novo álbum do Tears For Fears, um box dos Eagles, a edição tripa do Black Album do Metallica, a único álbum de estúdio do Mad Season, o incrível Live do Fleetwood Mac e a edição tripla importada de Goin’ 50, do ZZ Top, que a Amazon anunciou por pouco mais de R$ 30 em certo momento.
Vamos agora para os itens enviados por gravadoras e parceiros, que respondeu por um total de 66 títulos. E, em uma categoria que é uma espécie de irmã dos “recebidos”, fui presenteado com 64 itens – incluindo CDs e DVDs – que foram enviados por pessoas que admiram o meu trabalho e decidiram retribuir enviando presentes sensacionais. Aqui, destaque para a dupla de novos álbuns do Red Hot Chili Peppers, para discos raros do Scorpions e do Kiss, os novos álbuns do Behemoth e Arch Enemy, o novo do Wizards, raridades do Tokyo Blade e do Picture e do Urchin, o retorno do Caravellus, álbuns clássicos e boxes do The Who, CDs incríveis de Sammy Hagar e os novos do Jethro Tull e de Tony Martin.
Chegando agora aos filmes, decidi retomar a coleção de DVDs e blu-rays cinematográficos e de shows, e isso resultou na entrada de 40 novos títulos no acervo, todos usados e todos comprados em sebos. Destaque para itens como os dois volumes da Use Your Illusion World Tour do Guns N’ Roses, No Quarter de Page & Plant, o acústico do Nirvana, Live at Budokan do Dream Theater, edições especiais do U2, entre outros.
E fechando, adquiri em sebos duas grandes coleções de música erudita. A primeira foi a Coleção Folha de Música Clássica com a Royal Philharmonic Orchestra interpretando as obras de grandes nomes da música, e que conta com um total de 36 títulos. Consegui quase completa, com exceção do CD número 34, dedicado a Frédéric Chopin. A segunda atende pelo título de Coleção Folha Mestres da Música Clássica, e também está quase completa, com 18 dos 22 números. Faltam apenas as edições 5 (novamente sobre Chopin), 15 (Haydn), 16 (Bernstein) e 17 (Bach). O legal dessas duas coleções é que ambas trazem os CDs em formato digibook, com encartes longos que funcionam como fascículos que contam a história dos músicos. Isso ajuda bastante alguém como eu, que está entrando em um novo universo musical e quer saber mais sobre ele.
Foi um ótimo ano, com grandes discos entrando no acervo e tornando a minha coleção ainda mais completa e abrangente, objetivo que sempre permeou minha busca por aquisições desde que comecei a adquirir CDs. Que os próximos anos sejam como 2022 foi: repleto de boa música e muita mídia física.
Como qualquer outro disco da banda, se trata de um trabalho direcionado para dois tipos de pessoas, aquelas que gostam de ouvir um space rock psicodélico cheio de charme, improvisações, mutabilidade e muitas variações, e aquelas que estejam interessadas em se familiarizar com a escola da música espacial e psicodélica contemporânea, caso contrário, se o ouvinte não estiver aberto a esse tipo de som, isso aqui pode simplesmente soar como músicas que não vem de nenhum lugar e vão para lugar nenhum, portanto, nem precisa começar a ouvir.
“Flight Of The Annunaki”, textura musicais oníricas em atom alucinante vão surgindo, tudo muito atmosférico e que vai crescendo gradativamente, incluindo até mesmo algumas vocalizações, enfim, a peça vai se configurando como um space rock clássico. Bons fones de ouvidos são essenciais para garantir o melhor proveito dessa experiência - não só dessa, mais em todas as faixas do álbum. Por volta dos quatro minutos e meio o clima começa a ficar um pouco jazzístico - sem perder a atmosfera do space rock. Somente perto dos 7 minutos que a peça enfim explode uma sonoridade mais pesada e que vai permanecer na música até o final.
“Old Woman's Dance”, tem um começo que faz com que o ouvinte imagine o início de carreira do Pink Floyd misturada com a introdução de “No Quarter” do Led Zeppelin, aumentando a sua intensidade conforme vai se desenvolvendo, porém, retornando para uma sonoridade mais serena, criando um ótimo contraste. Essa música pode ser definida como uma espécie de rock psicodélico muito bem estruturado em cima de uma música espacial e progressiva. O trabalho de órgão – e teclas como um todo - é maravilhoso. “Return Of The Peacock”, é uma música mais amena do que as duas anteriores. Se desenvolve dentro de um campo mais suave e harmonioso, se trata de uma jam aberta e em evolução constante, com isso, tem algumas passagens um pouco mais agudas em seus momentos de pico. Tudo é tocado com grande sensibilidade e elegância. Se você - assim como eu - é uma pessoa que tem o hábito de meditar, essa é uma ótima trilha sonora para isso – nunca vi a banda confirmar em algum lugar, mas creio que seja a continuação de, “Peacock Black”, que é uma música e nome do primeiro disco do grupo.
“Chungo” começa muito estranha por meio de algumas vozes, mas que logo dão lugar para uma batida bastante rock and roll. As teclas novamente são excelentes, enquanto as guitarras lisérgicas ajudam a manter o clima psicodélico. Por volta dos três minutos a peça cai para uma sonoridade mais atmosférica, porém, mais a frente regressa para uma linha forte e intensa, dessa vez com alguns acenos ao King Crimson em sua fase mais moderna e depois para o tema inicial e pesado. “The Balladeer's Tale”, uma sonoridade atmosférica surge de forma tímida antes da banda entrar por completo entregando quase um heavy metal, dando uma sensação até mesmo de Black Sabbath. Então que ela suaviza antes dos primeiros vocais – que soam em um estilo balada -, mas não demora para ficar pesada novamente. Quando a música silencia pela segunda vez, permanece assim por um bom tempo, porém, vai crescendo aos poucos, com a sua instrumentação ficando cada vez mais ácida, e só depois dos 10 minutos, a banda regressa por completo, com destaque para o solo de guitarra que é visceral. Então que, de novo amena, a música entrega mais alguns vocais antes de se intensificar novamente dentro do tema heavy central da peça.
Quando falamos de uma banda como a 3rd Ear Experience, não estamos falando de uma banda que está necessariamente entregando algo que podemos considerar uma renovação, ou que estejam caminhando por novos caminhos dentro das possibilidades do space rock psicodélico, mas existe algo que é inegável, a forma espontânea de suas improvisações, tudo é realmente cativante. Por último, vale mencionar que o disco resenhado aqui foi a sua versão simples, o formato em LP de, Stones of a Feather, contém ainda uma versão ao vivo de, “Spece Tripping” e uma música extra, “Everlasting Sea”.
Depois do sucesso que foi o seu álbum de estreia "Fresh Cream" (1966), Cream queria continuar a ganhar mais publico e talvez, parar com as jams em seus shows por causa de que eles tinham poucas musicas para se apresentar. Obviamente, eles não parram com jams, só reduziram o tempo delas. Mas começaria as brigas internas do primeiro power trio ida história da musica moderna, isso ocorreria principalmente com Ginger Baker (baterista) e Jack Bruce (baixista). (Sim, eu acho que o Cream é o primeiro power trio da história. Isso é uma outra história. Podem me julgar). Será que "Disraeli Gears foi um passo maior que a perna? Eles acertaram a mão? Comercial? Nada comercial? Fracasso retumbante que resultaria no fim do power trio britânico? Sucesso e nome marcado na história? Ou mediano? Venha ler e descobrir nessa minha perspectiva.
O disco abre com "Strange Brew". Posso dizer que essa é uma musica curta, tendo menos que três minutos. Começa com um grande riff de guitarra feito pelo mestre da guitarra Eric Clapton, o guitarrista. A musica conta também conta com uma guitarra base provavelmente feita pelo próprio Clapton. O baixo também é bem destacado, dando aquele charme que o Cream fez em suas musicas. Bateria um pouco mais contida, mas que se ousa em viradas simples e charmosa. Uma faixa excelente.
Temos em seguida a maior musica em termos comerciais do Cream e um dos maiores clássicos do rock n' roll. Estou falando de "Sunshine Of Your Love". A titulo de curiosidade, o riff clássico e f*da dessa faixa não foi criado pelo Clapton, mas sim pelo Jack Bruce em seu baixo em uma das jams de ensaio realizadas pelo trio antes de entrar no estúdio para gravar esse mesmo álbum. Diz Bruce que ele fez na improvisação e Clapton pediu a ele que tocasse novamente para colocar nessa faixa. Clapton confirmou o que Bruce disse. Mas voltando a faixa, o baixo acompanha a guitarra bem rasgada (assim como o solo), tendo também o seu destaque, dando o grave a que a musica necessita. A bateria vai na base na improvisação com doses cavalares de um jazz mais agressivo, que combina bastante a essa faixa. Outra curiosidade, essa faixa é a mais longa do disco, contendo um pouco mais de quatro minutos. Isso mostra que seria um disco mais acessível e comercial, assim como todos da banda. Um hino do rock, simplesmente.
"World Of Pain" é uma faixa que começa de uma maneira mais leve, tendo até um teclado. Parecendo uma excelente mistura de soul, blues e rock. Baixo mais contido. Uma guitarra mais distorcida, outrossim o seu solo. Bateria é o verdadeiro destaque da faixa. Precisa, técnica e com viradas simples mas que é tão satisfatórias. "Dance The Night Away" começa com uma bela sincronia entre os instrumentos. O baixo é o destaque dessa faixa com a bela linha instrumental, mas os outros instrumentos não ficaram parados não. Guitarra excelente com uma ótima presença com a distorção. Bateria mais puxada para o que seria o hard rock.
"Blue Condition" é cantado por Ginger Baker e que surpreendentemente (por minha parte) a sua bateria seria o destaque, sendo puxada para o blues, abusando e muito dos pratos. Baixo mais contido, mas com mais destaque que a guitarra. Uma faixa maneirinha. "Tales Of Brave Ulysses" tem uma introdução bem no estilo do progressivo. Bateria mais solta e precisa. Guitarra bem rasgada e distorcida. Faixa surpreendente. "SWLABR" é uma faixa elétrica. Bateria mais pulsante. Baixo e guitarra bem eletrizantes, principalmente a guitarra.
"We're Going Wrong" é uma faixa bem mais calma. Bateria quase nem aparece, guitarra substituída por um baita violão. Sem o que dizer dessa faixa. É um bom arroz com feijão. "Outside Woman Blues" tem uma guitarra mais solta e eletrizante, equivalente a seu solo. Baixo mais destacado. Bateria novamente pulsante. "Take It Back" não é mesma feita do Pink Floyd. Pelo contrário, é bem diferente. Começa com um grande riff de guitarra do mestre Eric Clapton. Bateria bem charmosa. Baixo bem groovado. Tem até gaita nessa faixa, deixando o clima de folk/country na faixa. Por fim temos "Mother's Lament". A faixa é onde os membros do trio cantam com um belo piano. Bem divertidinha.
"Disraeli Gears" é bem comercial que incrivelmente que seja um dos maiores álbuns de todos os tempos. A forma de como ele foi feito, mesmo com brigas e indiretas dos membros, eles conseguiram fazer um trabalho sólido e coeso. Um grande trabalho.
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