Crítica: «“Fire Fortellinger” a estreia de Lars Fredrik Frøislie, tecladista do Wobbler que se tornará uma joia progressiva deste 2023

Sempre considerei que quem gosta do gênero progressivo tem uma personalidade muito mais sonhadora e imaginativa do que outros amantes da música que ouvem gêneros diferentes. Sim, soa muito esnobe mas deixa-me dizer-te porque penso assim…

Lembras-te da primeira vez que ouviste um álbum que te interessou desde os primeiros minutos, fechaste os olhos e começaste a sentir   a música, ao ponto de sua imaginação começou a criar uma história já projeta um filme mental? Bem, é uma sensação que eles repetiriam se ouvissem esta obra.

Este álbum vem da distante e fascinante Escandinávia. Noruega, para ser preciso, e é o primeiro álbum de Lars Fredrik Frøislie ., tecladista da banda norueguesa Wobbler, que para quem não os conhece, está no cenário musical há mais de vinte anos e é uma banda progressiva com cinco álbuns em seu currículo. O álbum será lançado mundialmente em 2 de junho.

“Fogo Fortellinger” – por associação, pensaríamos na palavra anglo-saxônica para fogo como 'fogo', no entanto, fogo é a palavra para se referir ao número quatro em norueguês. E é assim que o título traduzido é: “Quatro Histórias”. Muito simples, literal e poderoso.

Desde já vos digo que ter recebido despertou em mim muita curiosidade porque sempre fui fascinado pela cultura escandinava e pelas línguas nórdicas, mas realmente não estava preparado para o que ia ouvir. Dito isso, deixe-me guiá-lo por cada uma das histórias, mas não antes de pedir que você use essa imaginação sonhadora e livre que sei que você tem.

Sem dar muitos detalhes até aqui, vou dizer uma coisa: que estreia solo impressionante este Keyboard Wizard fará este ano com um álbum tremendo.

Tudo começa com a nossa primeira história intitulada "Rytter av Dommedag", cuja tradução para o espanhol seria "O Cavaleiro do Juízo Final" e nos conta a história do Rei Rakne, nos tempos de Ragnarök (a batalha que fará com que o fim do mundo e onde o universo também será destruído). E se falamos de vikings e governantes bárbaros, tudo tem que ser épico, certo? É. E de longe.

O Rakne King está enterrado entre dois cavalos outrora brancos, seu sono mortal interrompido pelos sons de bumbos, mellotrons e sintetizadores incitando-o a emergir do lago onde está seu túmulo. Irritado, ele se levanta e de um momento para o outro um frenético órgão Hammond entra em ação para uma progressão de notas que, juntamente com coros de fundo, exemplificam a vivacidade com que monta seu cavalo para galopar, enquanto invoca os deuses Antigos para que juntos eles causam problemas no mundo dos homens e então se torna uma espécie de cavaleiro do apocalipse. São os teclados analógicos e o mellotron que carregam principalmente o tema musical principal que se repetirá ao longo de toda a peça. De repente uma calma... e é aí que se ouve a voz de Frøislie, bem melodicamente, narra a aventura do Rei espectral. O fato de o idioma ser norueguês não impede o ouvinte de apreciá-lo, pois a essa altura ele já estará hipnotizado com o que ouve e ficará encantado com algumas belas notas vindas do que soa como um piano Rhodes, e depois pelos sintetizadores e o presunto. É logo a seguir que surge o primeiro fraseado de baixo eNikolai Hængsle ( Elefante9, Needlepoint, Bigbang ) acompanhará Frøislie ao longo desta jornada com alguns belos baixos: um Rickenbacker 4003 e um Fender telecaster, Precision e Jazz, todos mais do que à altura e com um belo som de outrora. As mudanças rítmicas tornam-se cascatas de notas vindas do baixo e essas progressões nos teclados. Pouco antes do meio da música há um refúgio de paz com um belo piano e seção de órgão antes de tudo explodir novamente em novas cascatas de notas de todos os instrumentos mencionados e uma pitada de outro instrumento muito elegante do qual falarei mais adiante. .

No final deste primeiro capítulo, os teclados e tambores voltam ao tema principal e novamente acompanhados por aqueles coros hipnotizantes, conduzem-nos novamente num crescendo até ao túmulo de Rakne, que entre um órgão épico e tambores, ouve novamente a voz de Frøislie chamando-o de volta ao túmulo.

Não seria justo escolher um instrumento como o que mais brilha, mas o Hammond é a estrela dessa primeira história, seu som é tão clássico no prog dos anos 70 que é impossível não amar se você como esta maravilhosa década do gênero. Há muitas mudanças rítmicas ao longo da música, o que é totalmente esperado, dada a duração da música, que é de quase 17 minutos ( e ainda assim cada uma delas é fantástica ). 

A segunda história é "Et sted under himmelhvelvet" , traduzida como "Em algum lugar sob o firmamento". Essa música foi escolhida como single e dura quase 7 minutos. É tudo uma ode às bandas progressivas italianas, uma homenagem em muitos sentidos. A influência de bandas como Banco del Mutual Soccors o  é perceptível . O próprio Lars comenta sobre essa música: “É possivelmente ambientado em um jardim renascentista perto de Florença ou Arcádia. Mas, em princípio, pode ser em qualquer lugar que seja bom estar. É em parte sobre viajar para um lugar e sentir como se já tivesse estado lá antes, apenas para descobrir que você tinha ancestrais que viveram lá há muito tempo."A esta altura, já estou convencido de que este homem é músico, poeta e contador de histórias, capaz de produzir um estado de devaneio com o que compõe, canta e narra, porque faz tudo ao mesmo tempo.

Sei que você tem ouvido muita música renascentista e medieval e adoraria perguntar a você quais bandas ouvir também. E, se estivéssemos na Idade Média, garanto-vos que este homem seria um bardo. E se voltarmos aos tempos de seus ancestrais vikings, não tenho dúvidas de que comporiam os grandes feitos de heróis que seriam conhecidos por centenas e centenas de anos. É tão mágico o que ele faz com esta segunda história.

“Et sted under himmelhvelvet” abre com aquele instrumento chique que ouvimos em filmes de época e também em algumas bandas Prog da velha escola: um cravo e é acompanhado por um belo mellotron que soa como uma doce flauta. Aqui faço um parêntese para acrescentar que, se não fosse pelo meu conhecimento de sueco, não teria entendido parte da letra, mas para seu deleite trago o que diz o sonhador desta história: "Na sombra eu me deito debaixo da

árvore e eu sonho com tudo e nada

da costa sinto o cheiro da água salgada o sol também esquenta bem aqui embaixo do firmamento”

E depois disso, voltam os teclados analógicos, o órgão, o mellotron e a bateria. O cravo estará presente ao longo da música.

"No jardim eu vagueio entre as plantas e a sebe que cresce até o céu

estátuas antigas da época em que o mundo era exuberante

seu eco ainda faz sentido e chuta forte” Mais uma vez o baixo faz sua aparição novamente com um fraseado cativante e rebelde que me faz bandana. Juntamente com os teclados analógicos eles se tornam uma dupla dinâmica antes que o Hammond e o Mellotron tragam uma calmaria que faz o sonhador sentir que não é a primeira vez que está naquele lugar, onde quer que seja. “Talvez estejamos aqui há muito tempo? tudo parece tão familiar e familiar

nossas raízes são como estradas que levam de volta ao lugar que se sente bem sob o firmamento.” A música vai diminuindo aos poucos e o sonho mágico termina. O ouvinte estará sonhando acordado quando esta bela canção terminar. 

A terceira história “ Jærtegn ” , traduzida como “Milestones” já começa. Um marco é um poste de pedra ou qualquer sinal cravado no solo que marca o limite de um território, e o título imediatamente faz sentido. Abre com órgão, baixo e bateria muito ritmados, tanto que marca perfeitamente o som de uma carruagem sendo conduzida em alta velocidade. Quem está nela está fugindo de um eclipse solar, suas vozes angustiadas indicam que estão com medo... e é nessa fuga que a tragédia ocorre e a carruagem vira em meio a sombrios acordes de Hammond e rufos de bumbo, resultando na morte daqueles a bordo, anunciado por um cravo fúnebre. A voz de Frøislie conta como os mortos se tornam fantasmas condenados a vagar o resto dos dias pelas florestas escuras e desoladas. Sintetizadores soam agudos como lamentos fantasmagóricos,

A última e a quarta história poderiam ser menos sombrias. Poderia, mas não é. Este último capítulo é “Naturens Katedral”, traduzida como “The Cathedral of Nature”, que é definitivamente a mais sombria do álbum. Hipnótico e com influências do Black Metal norueguês. Que delícia. Começa dramaticamente com que instrumento existe nas igrejas? Exatamente: o órgão. Um Hammond intenso, alguns segundos de silêncio e algumas notas graves no baixo e a voz de Lars que canta com um peso agonizante. O protagonista está diante de uma catedral na natureza: uma montanha alta e nevada, entorpecida de frio, em uma terra selvagem onde só existe solidão e a vida é tudo menos fácil. Enquanto ele toma coragem para caminhar na montanha ou em seus arredores, todos os instrumentos soam em uma bela melodia e os coros lhe dão coragem para continuar em um ritmo constante, o baixo soa tão ritmado que nos dá uma boa impressão do firmeza de seus passos. . Tudo fica muito calmo por alguns minutos e desconfio que em algum momento a escuridão se fecha sobre nosso solitário protagonista e não demora muito para que, de um momento para o outro, após algumas notas no piano, alguns ecos são ouvidos com as percussões e um belo Tremoloa ou pequena harpa fazem uma progressão junto com o cravo e por alguns segundos soa com influência flamenca. Mas algo aconteceu na montanha e aqueles ecos voltaram de repente, agora mais fortes, algo está vindo e é uma avalanche de notas frenéticas do órgão, bateria, baixo e sintetizadores. Sua voz agora é ouvida apavorada para escapar da neve que vem perseguindo-o e ameaçando sua vida. Tudo soa sombrio, dramático, carregado, pesado e fatal, as notas tão sinistras e a natureza tão cruel que não param e caem com toda a sua força esmagadora.

Estou nos últimos três minutos e meio e não quero que esse recorde acabe. Mas Lars sabe disso com certeza, e nessa parte final ele me dá uma surpresa fabulosa, totalmente inesperada: sons jazzísticos e super progressivos na bateria e no baixo. Pessoalmente, este autor está convencido de que, se Deus existe, ele deve ouvir jazz. E talvez seja esse mesmo deus que ajuda nosso protagonista a fugir de um destino trágico, entre viradas de bateria e frases de baixo enquanto os teclados tocam todos no mesmo ritmo. A Catedral despede-se de nós com as últimas e deliciosas notas robustas do órgão para um final muito discreto e quase abrupto.

Quero enfatizar que a produção é de uma qualidade impressionante. Lars cuidou tanto do aspecto orgânico que evitou ao máximo o uso de autotune e muita tecnologia, então como resultado disso tem cordas quebradas, erros, muito improviso e trechos que foram gravados em um único take . Como você já leu: muitos teclados analógicos, cravo, mellotron, MiniMoog e órgão Hammond. A obra foi pintada à mão pelo próprio Froislie, que já me parece 'um caso de fofura' como diríamos no meu país, ou um 'homem de muitos talentos'.

Mas que álbum complexo e majestoso. Posso garantir que será uma das joias progressivas do ano. Qualquer seguidor desta página que queira ouvir um artista que homenageia o progressivo dos anos 70 com maestria e criatividade tem ouvir este álbum por tudo o que ele representa e isso é algo que já não ouvimos muito: a espontaneidade e a imaginação com que um artista se pode manter criativo para estimular a criatividade dos seus ouvintes e influenciá-los de uma forma natural, sem muitas pretensões técnicas, apenas música bonita e orgânica. Se você quer ouvir algo que vai te fazer redefinir o que você pensa do prog antigo e colocar um sorriso no rosto, “Fire Fortellinger” é perfeito para você que intencionalmente e inadvertidamente sucumbe ao encanto de sua sagacidade e me diga. obrigado.

Para fãs de: Gentle Giant, Tusmørke, Wobbler, Rosenbach Museum, Ayreon, Banco, ELP e Deep Purple.

Não consegue dançar? Talvez sofra deste problema

Dançar não implica apenas ouvir uma música e mexer o  corpo. Há todo um processo a acontecer no nosso cérebro que determina a nossa capacidade para dançar. Mesmo que algumas pessoas não saibam, a habilidade para dança foi algo que o ser humano desenvolveu ao longo dos séculos. Reconhecemos batidas, ritmos e músicas mas nem sempre foi assim. Somos os únicos mamíferos, e provavelmente a única espécie, capaz de reconhecer música e de interagir com ela.

Está tudo relacionado com sincronização. Quando chegamos a um bar e a uma discoteca, deixamos que o nosso corpo reaja de acordo com a música que está a tocar. De longe a prática coletiva mais sincronizada, a dança exige um tipo de coordenação interpessoal no espaço e tempo quase inexistente em outros contextos sociais.

Embora a dança seja uma forma fundamental de expressão humana, sempre recebeu relativamente pouca atenção por parte dos neurocientistas. Pelo menos até agora. Recentemente, alguns investigadores começaram a estudar o cérebro de dançarinos, tanto profissionais como amadores, e a chegar a algumas conclusões muito interessantes.

Uma dessas investigações, que foi publicada recentemente no Philosophical Transactions: Biological Sciences, esclarece algo muito importante: algumas pessoas não conseguem dançar… porque têm mesmo um problema.

Uma surdez para o ritmo que não o deixa dançar

Se até hoje era o alvo das piadas dos seus amigos sempre que saía à noite, fique agora a saber que se calhar existe mesmo um motivo para que não consiga dançar quando chega a uma discoteca. E não estamos a dizer que a culpa desse problema está na timidez ou falta de destreza.

   

Não, o motivo pode ser outro: beat deafness. Este é o nome atribuído a uma doença descoberta há poucos anos. O termo, traduzido para português, significa algo como “surdez de batidas”.

É quase como o equivalente a um daltonismo ou surdez mas, desta vez, aplicada à dança. O problema neuronal foi descoberto por um grupo de cientistas que realizaram um teste a algumas pessoas com este problema e que tinham, de facto, dificuldade em identificar sons e a acompanhar as batidas. Isso explicava porque dançavam tão mal.

“Notamos que os erros aconteciam porque as frequências naturais não operavam em conjunto com as oscilações pulsantes do organismo”, contou Caroline Palmer, autora do estudo, em declarações à imprensa.

Antes de ir a correr ter com os seus amigos para lhes dizer que já sabe porque razão dança tão mal, Carolina Palmer esclarece que esta é uma doença rara. “Muitas pessoas procuram-nos para saber se sofrem deste problema; a grande maioria dá negativo”, revela.

 

Álbum de estreia eclético de Chicago: With Authority

 

A rápida ascensão de Chicago à popularidade foi alimentada por uma estreia marcante que causou impacto imediato entre críticos e ouvintes, mas foi mais do que um disco de sucesso. Além de definir os fundamentos do som de uma banda por meio século, funcionaria como uma anuidade do rock and roll, cuja sequência de sucesso incluía conquistas que eram, em relação aos padrões previsíveis de comportamento comercial da época, quase impensáveis.

Uma banda cover chamada Big Thing quando se formou em 1967, o grupo se mudou no ano seguinte da cidade ventosa para Los Angeles quando começou a fabricar seus próprios originais, e olhou para sua cidade natal em busca de um novo nome quando um contrato de gravação surgiu. . A formação de sete músicos de Chicago desde a fundação até 1974 provaria ser sua lista mais compacta em mais de 50 anos.

Chicago em 1969

The Chicago Transit Authority (do qual “The” é freqüentemente omitido, mas está bem ali na capa) foi autointitulado quando chegou às lojas em abril de 1969, mas a banda logo encurtou seu nome e apagou retroativamente o epônimo da coleção. Esse truncamento provaria ser atípico de uma banda mais propensa a seguir o caminho mais longo.

O formato do debut contava a história: a gravadora Columbia originalmente assinou por dois lados, mas a banda negociou uma expansão, entregando alguns royalties em troca do direito de lançar um álbum duplo. A expansividade se tornaria um hábito - Chicago não lançaria um único disco até seu quinto álbum. A banda fez uso desse terreno de forma exploratória, construindo diversões interessantes ao lado de seu cartão de visita principal de rock mesclado com doses grossas de sopros. A Autoridade de Trânsito de Chicago foi um modelo para a abordagem.

Terry Kath

O título de seu primeiro corte não poderia ser mais adequado: “Introduction” é semelhante a um sumário, tecendo elementos do blues e sensibilidades de big band no meio do rock. Terry Kath rosna a letra de sua própria composição em alguns lugares, acelera o groove com chiados de guitarra elétrica em outros. É o resto do arranjo que marca o fluxo de início e fim como singular, particularmente quando o trombone de James Pankow e o trompete de Lee Loughnane preenchem interlúdios suaves na estreia de 6 minutos e meio. O método é simples, mas memorável; Kath põe a mesa e as trompas assumem, adicionando forma, definição e pontuação com sua percolação onipresente.

Hoje, The Chicago Transit Authority, produzido por James William Guercio e lançado no final de abril de 1969 pela Columbia Records , é justificadamente lembrado como um álbum de sucesso com uma variedade de canções populares, mas na época de seu lançamento isso estava apenas meio certo. O conjunto inicialmente alcançou a posição # 17 na parada de álbuns da Billboard , mas o fez sem o benefício de nenhum single de sucesso. Foi só mais tarde, depois que as músicas do segundo álbum do grupo (incluindo "Make Me Smile", que se tornou o primeiro Top 10 da banda em 1970) abriram caminho para que as músicas do álbum de estreia começassem a fazer suas marcas nas paradas.

Entre esse grupo está "Does Anybody Really Know What Time it Is?", que alcançou a 7ª posição para se tornar o terceiro hit consecutivo do Top 10 da banda ("25 or 6 to 4", também do álbum seguinte, sendo o segundo) quando foi feito um single em outubro de 1970. Composto e liderado pelo tecladista Robert Lamm, a versão do álbum da música abre com um solo de piano que flutua friamente e aumenta a urgência, então diminui após cerca de 1:15 antes de um floreio de trompas marcar o ponto do single. de entrada. O ritmo vocal constante e oscilante de Lamm dá à música tanto impacto quanto as amostras brilhantes de trompas, enquanto os vocais de resposta no refrão fornecem profundidade. O interlúdio falado de Lamm entrelaçado no verso final é uma confusão desnecessária em um mecanismo envolvente e alegre, mas na maior parte a música - e o modelo geral para a banda - agilmente une suas peças.

Assista Chicago apresentar "Alguém realmente sabe que horas são?" ao vivo

A coleção se estende por seus quatro lados, abrangendo o tipo de alcance encontrado em “Poem 58”. Impulsionado pelas exibições elétricas decorativas de Kath por mais de 8:30, seu exercício instrumental é conduzido pelo chocalho da bateria de Danny Seraphine e recebe uma espinha elástica pela linha de baixo de Peter Cetera. São 5:20 antes do primeiro vocal de Lamm chegar, mas o rock saunter e slink com blues é coeso e bem projetado.

Em outras ocasiões, a celebração do excesso torna-se excessiva. O encerramento do set, “Liberation”, tem 14 minutos e meio ambiciosos com sabor substancial, em grande parte conduzido pela pirotecnia da guitarra de Kath. Algumas delas são vistosas, outras exibem uma sensação incomum, e nenhuma é contida enquanto ele se solta por um período de vários minutos, às vezes trabalhando contra os traços do órgão de Lamm, outras vezes apenas trabalhando enquanto o resto da banda sai do caminho. Por volta das 11h22, a febre cede e Kath relaxa suavemente, tornando-se o único vocalista da música antes da marca de 13 minutos antes de um empurrão frenético da banda completa dar um grande final.

Ouça “Libertação”

Kath também está no centro do artefato mais curioso do álbum, a abertura lateral “Free Form Guitar”. Sua excursão com a Stratocaster é uma busca sônica, uma diversão experimental e nem um pouco autoindulgente. Repleto de feedback e sustentação prolongada, é o pai fundador do noise rock dissonante, saltando sobre a onda punk que ainda não havia chegado com seu amor pela distorção extrema e sonoramente inquieta. Em sua essência, é apenas um cara fazendo sons por quase sete minutos e mostra que Chicago de foco único é a Chicago menos interessante. Como parte da identidade da banda, dificilmente se encaixa, e como parte do que se tornaria um álbum de sucesso, certamente está entre as músicas mais omitidas já criadas.

Ouça (se tiver coragem) “Free Form Guitar”

Mais focado é o nítido “Listen”, uma batida de blues rock salpicada de latão. Em um álbum de músicas que vagam por várias ideias, em um conciso 3:22 é o contêiner mais direto do grupo. Igualmente direto é o socialmente consciente “Someday (29 de agosto de 1968)”, que segue um prólogo de cânticos de manifestantes anti-Guerra do Vietnã na Convenção Nacional Democrata de 1968 (em Chicago, para uma conexão interessante) com um apelo à mudança expresso por Lamm e Cetera em meio a uma insistente rajada de trombetas.

“South California Purples” é um blues-rock corajoso com Lamm no comando. Resistente e robusto, o número se tornaria um padrão de banda em ambientes ao vivo, suportando treinos longos. Isso leva ao lado três mais próximo de “I'm a Man”, um cover alegre do Spencer Davis Group com alguns ajustes líricos ao longo do caminho. "I'm a Man" mais tarde seria instalado como lado B em 1971 e alcançaria a posição 49 na parada de singles da Billboard .

A música que acompanhava era uma reedição de "Questions 67 & 68", que recompensaria a fé da banda nela depois de alcançar o número 71 quando se tornou o primeiro single do grupo em julho de 1969. Compartilhando os vocais principais com Lamm, Cetera inflama sua parte nas letras, seu tom agudo um ótimo veículo para dar ênfase. Constante e pulsante com floreios percolados de trombone multipista, trompete e saxofone tenor de Walt Parazaider, a música é um triunfo de cadência e apelos sonoros brilhantes. Mais tarde, Cetera e Lamm gravariam seus vocais em japonês para o lançamento de um single lá e a apresentariam ao vivo com essas letras em uma turnê japonesa de 1972. Cortada para sua reedição doméstica em setembro de 1971, a versão original em inglês alcançou a posição # 24 e permanece como um dos clássicos duradouros da banda.

“Beginnings” compartilhou um arco de sucesso semelhante. O segundo single da coleção, falhou nas paradas em uma versão de pouco menos de três minutos, apenas para alcançar a 7ª posição quando relançado dois anos depois. Um arranjo ondulante coroado pela presença vocal legal de Lamm e o rico violão de 12 cordas de Kath, a música aumenta gradualmente em densidade e poder. Ele se estende por oito minutos exploratórios (com um playout que é indiscutivelmente longo demais pela metade) no topo da percussão flutuante de Seraphine, com trompete e trombone acendendo suas últimas partes. Como um todo, é uma homenagem às sinergias que a banda desfrutou em seus momentos mais colaborativos, forjando uma rica tapeçaria sonora que resistiu ao teste do tempo.

Depois de um sucesso inicial decente, a verdadeira corrida da Autoridade de Trânsito de Chicago começou quando a continuação de Chicago (também conhecida como Chicago II ) começou a entregar singles de sucesso. Além de seu eventual sucesso gerando sucessos, a estreia tornou-se um vendedor perene, começando em 1971 em uma corrida nas paradas que duraria um recorde de 171 semanas, quebrando o antigo recorde por quase quatro meses. Também consolidou a identidade do grupo com os ouvintes, criando um cartão de visita atraente que continua a servir meio século depois.

Assista Chicago tocar "I'm a Man" ao vivo

'Royal Scam' de Steely Dan: rock em grande escala

A capital cultural pop de Steely Dan se apreciou consideravelmente ao longo de meio século, desde que Walter Becker e Donald Fagen se uniram como forasteiros do Bard College, passando a escrever canções extraídas de obsessões compartilhadas que Fagen mais tarde citou como “jazz (dos anos 20 até meados de ' 60), WC Fields, os irmãos Marx, filmes de ficção científica, Nabokov, Kurt Vonnegut, Thomas Berger e Robert Altman”, bem como “soul music e Chicago blues”. Esse inventário foi feito em seus comentários sobre o falecimento de seu parceiro de rima, ritmo e acordes “mu maior”, em setembro de 2017.

Por mais fora do tempo que essas influências possam ter parecido no início dos anos 70, a liga sônica de Steely Dan gerou sua própria federação de admiradores do século 21. Os hipsters da geração do milênio, de outra forma desdenhosos da geração de Becker e Fagen, os poupam das piadas do “OK boomer” para celebrá-los nas mídias sociais. Artistas tão diversos quanto David Crosby e Kanye West imitaram ou experimentaram a banda. Álbuns posteriores do Steely Dan submetidos a críticas nada lisonjeiras quatro décadas atrás agora são reavaliados com pontuações altas, onde o último álbum da década inicial de álbuns de estúdio perfeccionistas da banda, Gaucho , foi santificado como um auge, uma redenção crítica impressionante, dada a frieza com que foi lançado. foi inicialmente recebido por especialistas da época

Decodificando Dan antes e agora deve lembrar aos fãs e inimigos como o domínio do rock sobre a música popular surgiu ao longo da década que produziu o ciclo original e definitivo da banda de sete álbuns de estúdio, cada um mais cuidadosamente polido do que seu antecessor. Chegando em 1972, Steely Dan havia contrabandeado sua visão de mundo sombria e cínica para o mainstream do rock sob um manto contagiante de canções elegantes cravadas com ganchos instrumentais matadores e harmonias inventivas. Três álbuns cunharam certificações de vendas de ouro e garantiram a reprodução nas rádios FM, mesmo quando a própria banda permaneceu sem rosto por design.

Em 1975, Becker e Fagen abandonaram as turnês e reduziram o tamanho para um modelo de laboratório de estúdio auxiliado e incentivado pelo produtor Gary Katz, o engenheiro Roger Nichols e o segundo guitarrista Denny Dias. Em um momento em que o prog rock bombástico, o disco bounce e o punk thrash se chocavam, o quarto álbum do Dan, Katy Lied , encontrou uma vez críticos entusiasmados refletindo sobre suas dúvidas: Robert Christgau, por exemplo, temia que a saída do guitarrista Jeff “Skunk” Baxter estivesse pressionando eles para influências de jazz "legais, cerebrais e unidimensionais".

Nesse clima, o seguinte, The Royal Scam , lançado no início de maio de 1976, provou ser ainda mais divisivo, aumentando o núcleo de conjunto mais enxuto dos álbuns anteriores com arranjos de conjunto mais agressivos, vários inclinando-se para a escala orquestral. Com cinco guitarristas, seis trompetistas, cinco backing vocals e uma âncora formidável no baixista Chuck Rainey e no baterista Bernard “Pretty” Purdie (com Rick Marotta sentado em duas faixas), a força combinada de duas dúzias de músicos carregava credenciais que seriam analisadas no novo milênio como o próprio DNA da sofisticação “yacht rock”.

O conjunto começa com um ponto alto em “Kid Charlemagne”, uma perseguição engraçada e acelerada que mostra a afeição da dupla por narrativas em segunda pessoa que evocam os habitantes coloridos e imperfeitos de seu universo. O personagem-título é um traficante de drogas fugitivo inspirado em Owsley “Bear” Stanley, um ícone da contracultura com identidades gêmeas como o engenheiro de som do Grateful Dead e o químico artesanal mais celebrado da Bay Area, conhecido pelas anfetaminas e psicodélicos que o tornaram querido pela cidade. contracultura dos anos 60. “Enquanto a música tocava, você trabalhava à luz de velas”, canta Fagen, “naquelas noites de San Francisco, você era o melhor da cidade”, confiável para produtos “limpos na cozinha”, depois relata a queda uma vez “todos aqueles malucos diurnos que costumavam pintar o rosto, se juntaram à raça humana.

Enquanto o álbum se baseia em um banco rotativo de guitarristas, incluindo Denny Dias, Elliott Randall, Dean Park e o próprio Becker, Carlton domina como solista em pelo menos quatro de suas nove faixas, com uma quinta suposta para “Sign In, Stranger,” um desvio de ficção científica deliciosamente desprezível para o planeta sem lei de Mizar 5.

Entre eles está "Don't Take Me Alive", um testemunho angustiante de um homem à beira da violência. Se, de outra forma, The Royal Scam se destaca como um dos álbuns mais engraçados de Steely Dan, o narrador obsessivo dessa música é letalmente sério, bloqueado e pronto para o abate. “Agentes da lei, pedestre sem sorte, sei que vocês estão por aí com raiva nos olhos e nos megafones”, ameaça Fagen no papel de um “filho de contador” que “atravessou meu velho no Oregon”. Com uma caixa de dinamite, uma arma e presságios de uma ruptura psíquica, a ameaça de um louco encurralado é sinalizada por uma figura angular de guitarra de tonalidade menor com a qual Carlton abre a faixa antes de se lançar nos solos rosnados e preenchimentos que se seguem.

Um toque mais leve e humor inexpressivo prevalecem em “Haitian Divorce”, balançando em uma pulsação de reggae lite enquanto relembra a situação de Babs e Clean Willie, um casal cuja luxúria de curta duração se traduz em separação, flerte, gravidez indesejada e “reencontro choroso em the USA” Tocada como farsa, a música oferece uma aula de economia narrativa enquanto Babs celebra sua dissolução rápida com uma noitada, um encontro amoroso com “o Charlie com a loção e o cabelo crespo” e uma edição discreta (“Now we dolly back, now we fade to black…”) antes de uma reconciliação penitente como sua piada, com solos maliciosos de Dean Parks, com ajustes de talk box cortesia de Becker, injetando comentários lascivos ao longo do caminho.

Entre a pirotecnia da guitarra e o humor astuto, Becker e Fagen fazem uma pausa para refletir sobre a tensão entre arte e celebridade em uma faixa inicial inspirada na arte paleolítica descoberta no norte da Espanha em 1868. “The Caves of Altamira” oferece uma meditação sobre o próprio propósito da arte em si para dois forasteiros da Costa Leste trabalhando duro em um complexo industrial de celebridades em Los Angeles, eles olharam com nojo, imaginando “antes da queda, quando escreveram na parede, quando nem havia Hollywood”.

Esse vislumbre da auto-expressão elementar é definido como o arranjo mais expansivo do álbum, seus metais em cascata e refrões de palheta e o saxofone solo apressado de John Klemmer esculpido a partir de harmonias e contrapontos de jazz. O “swing-pop” de um homem é a sensibilidade letrada e influenciada pelo jazz de outro, focal para Steely Dan, seja parcialmente submerso em progressões harmônicas ou explícito como era nas alusões de Pretzel Logic a Horace Silver, Duke Ellington e Charlie Parker e Phil Woods ' sublime solo de saxofone em "Doctor Wu" de Katy Lied , e emergiria ainda mais vividamente em sua obra-prima subsequente, Aja.

Em outra parte de The Royal Scam , Becker e Fagen novamente saúdam o jazz orquestral enquanto também piscam alegremente (e até com certa admiração) na discoteca com “The Fez”, co-escrita com o tecladista e veterano do jazz Paul Griffin, um vampiro flutuante contra um quatro- ritmo no chão com um solo ágil de Becker e letras que podem ser decodificadas como uma advertência oblíqua para usar preservativos disfarçados de slogan espiritual.

O humor que paira ali e em outras faixas fermenta um conjunto que conclui com a visão sombria da música-título sobre a classe e as armadilhas étnicas que desmentem o sonho americano em um cenário cinematográfico. Pianos elétricos e acústicos, órgão e frases sussurrantes de guitarra sustentam a tensão por toda parte, periodicamente esfaqueadas com solos de trompete em uma paisagem sonora que antecipa os conjuntos expandidos que Becker e Fagen reuniriam para seu retorno à ativa em 1993, relançando Steely Dan como uma unidade de turnê de primeira. o oposto de seu estúdio hermético “laboratório” de 1974 até o fechamento inicial em 1981.

A aceitação do jazz por Steely Dan deveria ter despertado desdém quase cinco décadas atrás, diz mais sobre a ortodoxia da intelectualidade do rock da época do que a agenda musical de Walter Becker e Donald Fagen. O fato de seu ofício ter lhes rendido o título de comodoro por “yacht rock” é irônico para qualquer ouvinte cuidadoso, para quem o pioneiro do cyberpunk William Gibson identifica a desconexão em comentários feitos ao historiador do rock Barney Hoskyns: “Muitas pessoas pensam em Steely Dan como o epítome das coisas chatas dos anos 70, sem nunca perceber que este é provavelmente o material pop mais subversivo já lançado.