The Kinks ''Sleepwalker" o retorno

 

Quando The Kinks lançou Sleepwalker , seu primeiro álbum para o selo Arista, em fevereiro de 1977, eles não incomodaram significativamente as paradas de single ou álbum dos EUA em alguns anos (quando seu single de 1970 “Lola” atingiu o top 10). Muitos os consideraram irremediavelmente antiquados. Seu líder, cantor e compositor principal, Ray Davies, passou a maior parte dos anos 70 em uma série de álbuns conceituais teatrais que nunca pegaram fogo no estúdio ou em apresentações ao vivo, e sua adição de cantores de apoio, seção de metais e figurinos à apresentação dos Kinks não conseguiu entusiasmar. Seus dias de glória pareciam ter acabado - antes que eles conseguissem uma das maiores reviravoltas do rock e lançassem uma fase de sucesso do “rock de arena” que nem eles esperavam.

Ray e Dave Davies em 1977

Como parte da invasão britânica nos anos 60, os Kinks tiveram sua participação no top 20 de singles de sucesso dos EUA, incluindo "You Really Got Me", "All Day and All of the Night", "Tired of Waiting for You" e " A Well Respected Man”, tudo escrito por Ray. Outras gravações fortes lançadas como singles ("Till the End of the Day", "Set Me Free", "Dedicated Follower of Fashion") também foram tocadas nacionalmente. Ray forneceu as letras inteligentes, que frequentemente faziam referência à cultura jovem e às locações da moda em Londres, e seu irmão Dave Davies forneceu as partes de guitarra primitivas, mas altamente eficazes. Com o sólido baixista Pete Quaife e o baterista Mick Avory, eles tinham o pacote completo: melodias cativantes, palavras inteligentes, riffs memoráveis ​​e apelo sexual. (Eles às vezes não se suportavam e brigavam dentro e fora do palco - essa era uma banda conflituosa!)

Ouça a faixa-título de Sleepwalker

Apesar do sucesso com singles durante o auge de 1964-66, seus álbuns nunca venderam muito bem. O excelente estilo music-hall 45 “Sunny Afternoon” de 1966 foi seu último sucesso dos anos 60, mas o excelente álbum em que apareceu, Face to Face , estagnou em 47º lugar na parada de álbuns da Billboard . Não ajudou em nada o fato de uma disputa com a Federação Americana de Músicos impedir os Kinks de tocar nos Estados Unidos nos últimos anos da década, matando ainda mais qualquer momento que eles tivessem. Seus próximos três álbuns agora são considerados clássicos, mas venderam ainda pior: Something Else , The Village Green Preservation Society e Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire). Em casa, os singles de sucesso britânicos nunca pararam, mas não fizeram nada ou nem foram lançados na América: “Waterloo Sunset”, “Days”, “Deadend Street”, “Autumn Almanac”.

Depois que a Columbia Records espremeu seu principal executivo Clive Davis em um escândalo em 1973, ele lançou o selo Arista no ano seguinte, sobrevivendo de pesos leves como Barry Manilow e os Bay City Rollers até começar a contratar artistas importantes: Patti Smith, Lou Reed e , eventualmente The Kinks, que havia sido dispensado pela RCA depois de seis álbuns às vezes interessantes, mas com vendas fracas comercialmente.

Mick Avory em 1977

Em maio de 1976, os irmãos Davies e Avory se juntaram ao tecladista John Gosling e John Dalton no baixo (ele substituiu Quaife em 1969) no recém-construído Konk Studios, de propriedade de Kinks, em Londres. Produzindo a si mesmo e trabalhando com um novo sistema de 24 faixas, Ray tinha mais de duas dúzias de novas canções a considerar. A banda trabalhou nelas pelo resto do ano, rejeitando muitas (algumas, como "Black Messiah" e "Hay Fever", apareceram em álbuns posteriores do Kinks). Claramente, Ray Davies estava determinado a entregar um set de alta qualidade com uma abordagem instrumental direta e enxuta, sabendo que poderia ser sua última chance de restabelecer a banda como uma atração comercial séria.

O Sonâmbulo resultanteálbum era exatamente o que a banda precisava. “Life on the Road” é uma introdução muito forte. Apesar do título, não é uma reclamação de “nossa, fazer turnê é difícil”, mas uma história tocante de um garoto ingênuo de cidade pequena que acha a cidade grande de Londres excitante e assustadora: “Mama sempre me disse que as damas da cidade eram obscenas e ousado/E então eu procurei dia e noite para pegar uma dama beijável/Mas tudo o que eu peguei foi um resfriado.” O narrador, não muito diferente de outros protagonistas de Davies ao longo dos anos, pode ser lido como sexualmente ambíguo: “Eu estava com os punks na Praed Street quando um homem musculoso veio em minha direção / Ele disse 'Ei, você é gay? Você pode sair e brincar?'/E como um tolo, eu fui e disse 'Ok'.” Musicalmente, começa como uma balada com uma melodia linda e melancólica e, em seguida, salta para um rock enérgico inspirado em Chuck Berry, antes de um final enérgico que combina os dois.

David Davies em 1977

Lançada como single (chegando ao 48º lugar), a faixa-título ajudou o álbum a chegar à 21ª posição na parada de álbuns da Billboard . Aqui as letras não são nada de especial; é um rocker mid-tempo básico de carne e batatas com um excelente trabalho de guitarra em várias faixas de Dave. "Sleepwalker" também contém várias mudanças características de ritmo e dinâmica escritas por Ray, e apresenta outro vocal versátil de Ray. Ele pode ter dificuldades com o tom de vez em quando, mas você sempre sente que ele está cantando diretamente para você .

Veja os Kinks apresentarem “Life on the Road” no The Old Grey Whistle Test em 1977

Clive Davis supostamente queria que "Brother" fosse lançado como single (ele comparou a "Bridge Over Troubled Water", mas em alguns lugares soa mais como os Beach Boys tocando "Waterloo Sunset"). É um corte impressionante, com cordas finamente arranjadas, harmonias vocais e licks de guitarra cortantes do confiável Dave. Você pensaria que uma música com esse título poderia abordar o relacionamento de amor e ódio de Ray com seu irmão, e talvez o faça de forma disfarçada: “O mundo está ficando louco e ninguém mais se importa/E eles estão terminando relacionamentos e/Deixando em navios à vela para praias distantes/Para eles está tudo acabado, mas eu vou ficar... Porque eu sou seu irmão, embora eu nem saiba seu nome/Eu descobri que lá no fundo você sente o mesmo."

The Kinks no The Old Grey Whistle Test em 1977 (da esquerda para a direita): Ray Davies, Dave Davies, Mick Avory

Mick Avory inicia “Jukebox Music”, acompanhado por Dave estabelecendo o ritmo acelerado. A produção instrumental talvez deva um pouco a Bad Company, Bachman-Turner Overdrive e outras bandas de rock populares da época. Ray sabiamente dá muito espaço para o trabalho de guitarra de seu irmão, tanto no acústico quanto no elétrico. As letras são empolgantes, mas insignificantes em comparação com o poder da banda. Feito sob medida para apresentações ao vivo, é um exemplo de como Ray reconheceu que uma certa simplicidade ajudaria o retorno do grupo à relevância. Você quase pode ouvi-lo pensando: “Claro, sou um compositor genial, mas este vai colocar comida na mesa”.

Veja os Kinks tocarem “Jukebox Music” no The Old Grey Whistle Test

O álbum termina com “Life Goes On”, expressando um sentimento comum de Davies, de que a existência normal requer tolerância, equanimidade e apreciação de coisas simples, mas também pode parecer fútil: “A vida vai bater em você quando você menos esperar / E um dia, quando você se foi/Você sabe que a vida ainda vai continuar/Mas ninguém vai se importar se você foi bom, mau, certo ou errado/A vida ainda vai continuar.”

Os programadores da estação de rádio FM gostaram da nova direção da banda e mais uma vez os abraçaram com Sleepwalker. Os Kinks puderam fazer uma turnê pela América em 1977 em locais maiores e melhores, reconquistando grandes mercados como Chicago, Atlanta, Los Angeles e Miami e cidades recém-convertidas de “Kinks Krazy” como Indianápolis, Pawtucket e Rochester. Andy Pyle substituiu Dalton no baixo, e os irmãos ainda brigavam e reclamavam, mas de alguma forma tudo se manteve. Ray, sempre um excelente vocalista, usava ternos e chapéus engraçados e criou uma atmosfera lúdica na qual o público canta junto como “Lola”, “Alcohol” e “Sunny Afternoon” mesclado com seu novo material. Ele manteve “Waterloo Sunset” e “Celluloid Heroes” (uma das poucas grandes canções da época da RCA) no set. Dave se deleitava com as impressionantes poses de deus do rock e aumentando o volume.

The Kinks apareceu no Midnight Special da televisão , The Mike Douglas Show e outros programas, e espalhou-se a notícia de que essa banda era muito divertida de se ver ao vivo. O Sleepwalker continuou vendendo para adolescentes que mal se lembravam dos Kinks da década anterior ou pensavam que eram uma banda nova.

Assistir The Kinks no The Mike Douglas Show

Os álbuns seguintes da Arista, Misfits , Low Budget , Give the People What They Want e State of Confusion viram os Kinks retornarem ao grande sucesso nas paradas e discos de ouro. Sua atitude agradavelmente desleixada deu a eles credibilidade nas ruas com bandas punk emergentes como Jam e The Clash, e eles nunca sofreram com a reação da nova onda contra nomes como “dinossauros” Pink Floyd ou Genesis. Quando seu adorável single “Come Dancing” alcançou o top 10 em 1983, os Kinks foram mais uma vez considerados uma atração imperdível no palco, e Ray foi elogiado como um compositor que se comparava a Lennon-McCartney, Townshend, Goffin-King e Jagger. -Richards.

Em 1990, The Kinks foi introduzido no Hall da Fama do Rock and Roll, mas os anos 90 os encontraram pulando de gravadora em gravadora e diminuindo nas vendas mais uma vez, e eles se separaram em 1996. Ray e Dave mantiveram carreiras solo, escreveu Ray vários livros incomuns e um “musical jukebox” de canções de Kinks chamado Sunny Afternoon tocou no West End de Londres e ainda está em turnê na Grã-Bretanha. Por 20 anos, Ray e Dave sugeriram uma reunião do Kinks com tanta frequência que se tornou uma piada frustrante para os fãs. No momento em que escrevo, eles supostamente estão trabalhando em um novo material; Ray disse à Rolling Stonerecentemente, “Temos que fazer o álbum primeiro. Mas se jogarmos de novo, iremos para a América.” Ele se recusou a dizer que a banda estava de volta. “A palavra 'juntos' é enganosa. Nunca estivemos juntos. Mas estamos de volta à nossa disfunção novamente.”

Vídeo bônus: assista os Kinks tocarem "You Really Got Me" e "All Day and All of the Night" em 1977

Elvis Costello & The Attractions 'Get Happy!!': pilha de faixas

 

Quarto álbum de Elvis Costello (e terceiro com as atrações de apoio), Get Happy!! , ganha seus pontos de exclamação duplos começando com o design da capa, que se aproxima da aparência de um LP de vinil bem usado produzido com um orçamento de arte apertado. O designer Barney Bubbles (nascido Colin Fulcher), percebendo que o álbum projetado conteria 20 faixas incríveis, sem dúvida estava pensando em compilações K-Tel e Pickwick de baixo custo, que ofereciam música aos consumidores em massa, promovidas com TV insistente e impressos anúncios e capas berrantes.

Esses álbuns baratos nem sempre continham “os sucessos originais dos artistas originais”; Costello & Co. devem ter rido mais de uma vez enquanto usavam uma série de disfarces musicais enquanto gravavam as canções originais de Get Happy!! , esforçando-se para se aproximar do som de seus discos de soul favoritos da Motown, Stax e Atlantic. “King Horse” pega a guitarra de “Reach Out I'll Be There” dos Four Tops, “Love For Tender” emprega o ritmo de “You Can't Rush Love” dos Supremes, e “Temptation” rouba por atacado de “Time is Tight” de Booker T. e The MG's.

Todas as pretensões são abandonadas para uma versão de “I Can't Stand Up For Falling Down” de Sam e Dave, mas as atrações alteram radicalmente o ritmo. A cena R&B do Reino Unido é representada por uma versão de Tony Colton e do single de 1965 da Big Boss Band, “I Stand Accused”, que Costello na verdade tira da versão mais popular do mesmo ano dos Merseybeats.

Ficar feliz!! é uma homenagem especializada ao som do R&B dos anos 60 e uma coleção de algumas das canções mais intensas, angustiantes, inteligentes e alegremente tristes que Costello já escreveu. Como é típico dele, as letras são continuamente surpreendentes, cheias de trocadilhos e inversões de ponto de vista: “alta fidelidade” pode se referir à clareza do som e à fidelidade sexual simultaneamente. Até mesmo o título do álbum é estranhamente ambíguo, com a pontuação excessivamente enfática cheirando a desespero.

Ficar feliz!! foi gravado principalmente em outubro de 1979 no Wisseloord Studios em Hilversum, Holanda, onde o grupo, o engenheiro Roger Bechirian e o produtor Nick Lowe pensaram que haveria menos distrações para músicos conhecidos por festas. Ainda assim, Costello diz que “uma bandeja de Heineken gelada, vodca e suco de laranja era entregue na sala de controle todas as tardes”. O álcool foi um problema para Costello no início do ano durante a bem-sucedida “Armed Funk Tour”: em abril, durante uma parada em Columbus, Ohio, ele teria feito um discurso racista e bêbado em um bar que ganhou as manchetes nacionais. Mais tarde, ele escreveu isso por um tempo: “Eu odiava quase tudo no meu mundo, reservando o maior desdém para mim mesmo”. Ao rolar a pedracobriu a história, intitulou a peça “Elvis Costello se arrepende”, para seu eterno desgosto.

Algumas das novas músicas que Costello tinha em mãos para as sessões de Hilversum haviam sido testadas no palco e no estúdio antes, mas foram rejeitadas por soarem como "new wave" (um termo nunca adotado de bom grado por Costello). Ouvir antigos discos de R&B americanos de nomes como Al Green, Garnet Mimms e Curtis Mayfield durante a turnê finalmente deu à banda uma direção sonora e levou o conceito a um álbum considerado um dos picos artísticos de Costello. Apenas três das 20 músicas têm mais de três minutos de duração, outra razão pela qual o álbum soa como uma pilha de 45s ciclando rapidamente na rádio AM dos anos 60. Sem solos de guitarra, sem solos de baixo, sem solos de bateria, apenas ótimas músicas com arranjos instrumentais afiados.

Não há espaço suficiente aqui para examinar todas as 20 faixas em detalhes, mas dificilmente há um clunker no grupo. A animada “Love For Tender”, inspirada na Motown, dá o pontapé inicial, 1:57 de puro poder, com um vocal sarcástico de Costello, Farfisa de Steve Nieve e Bruce Thomas (baixo) e Pete Thomas (sem parentesco, bateria) travados. as letras são uma elaborada sequência de metáforas para o amor-como-moeda: “Você está pronto para a correção?/Porque o salário do pecado é uma infecção cara/Vou fazer você falir/É melhor pagar agora, não interrompa. ” A linha de baixo saltitante de Bruce Thomas é um destaque inicial de “Opportunity”, junto com as linhas de teclado errantes de Nieve e a guitarra minimalista no estilo Hi Rhythm Section. A melodia sobe e desce com as observações sarcásticas de Costello: “O presidente deste tédio é um colecionador de elogios/eu gostaria de ser seu agente funerário”.

“Secondary Modern” (um tipo de escola de comércio para as classes baixas britânicas) é uma balada fumegante em um modo Stax que permanece liricamente opaco para a maioria dos americanos, mas tem um clima ótimo e pantanoso: “Este deve ser o lugar/Segundo lugar no raça humana."

Elvis Costello e as atrações

A furiosa caixa de Pete Thomas inicia “King Horse”, que tem um arranjo intrigante, com ecos vocais de fundo estranhamente posicionados, uma linha de baixo galopante e um piano de cauda majestoso combinado com órgão. Pete Thomas está no controle de todo o processo, mostrando por que ele é amplamente considerado um dos maiores bateristas do rock. Especialmente durante a seção da ponte, é como se a E Street Band tivesse se cruzado com o ABBA, remontando ao álbum anterior do grupo, Armed Forces .. "Possession" varia a letra de abertura de "From Me to You" de Lennon-McCartney ("If there's anything that you want/ If there's anything that you need"), e tem um dos melhores e mais espontâneos vocais de Costello (em um ponto seu rachaduras na voz) em uma batida propulsiva. Mais uma vez, o jogo de palavras é estelar: “Então, vejo-nos deitados de costas / Meu caso está fechado, meu caso está pronto”.

“Agora há papel de jornal em todo o seu rosto/Bem, talvez seja por isso que eu posso ler você como um livro” é o dístico de abertura de “Man Called Uncle”, um alegre e fugitivo 2:17 com a excelente combinação piano/órgão de Nieve. Costello gravou “Clowntime is Over” em tempos diferentes, e enquanto a versão glacialmente lenta lançada posteriormente tem mais poder, Get Happy!! tem o rápido, o que também não é ruim. (Pelo menos algumas vezes durante shows ao vivo nos anos subsequentes, Costello usou a versão lenta como um “foda-se” final para o público que ele achava que estava desatento.)

A valsa “New Amsterdam”, uma das três canções lançadas como singles de Get Happy!!, é a única faixa do álbum realmente gravada em Londres como uma demo pela EC antes de partir para a Holanda, onde não poderia ser melhorada. .

Uma das maiores composições de Costello, “High Fidelity”, encerra o primeiro lado do LP. Lançado como single, continuou uma série de sucessos em sua terra natal, a Grã-Bretanha, mas não chegou às paradas na América. É aqui que o pop e o soul de Costello se fundem perfeitamente no tipo de batida preferida pela cena do Northern Soul da Grã-Bretanha. Uma das favoritas dos shows de Costello há 40 anos, a letra de abertura, “Algumas coisas com as quais você nunca se acostuma/Mesmo que você esteja se sentindo como outro homem”, tem um poder direto combinado com o trabalho impecável da banda.

Escrito por Homer Banks e Allen Jones, "I Can't Stand Up For Falling Down" foi originalmente relegado para o lado B do single "Soothe Me" de Sam e Dave, mas as atrações viram o potencial de combinar o discreto, letras encharcadas de desgosto para um ritmo de dança mais rápido. Outro single de sucesso no Reino Unido resultou (nos EUA, nada).

O álbum tem vários outliers. “5ive Gears In Reverse” é absolutamente funky. “Motel Matches” é uma excelente música country (até faz referência a “Who Shot Sam” de George Jones) com uma série de mudanças de ritmo complicadas, mas se destaca como um polegar dolorido. Vocalmente, Costello está pegando fogo, espalhando trocadilhos (“Em seus olhos há um vazio/E você sabe o que eu farei/Quando a luz lá fora mudar de vermelho para azul.” O ska “Human Touch” trai o recente trabalhar com os Especiais, mas sem sucesso.

O álbum termina com o golpe triplo de “Temptation”, “I Stand Accused” e “Riot Act”, com três humores diferentes, de Booker T. a Merseybeat e nada além de atrações líquidas na única música que Costello diz mesmo obliquamente refere-se ao seu momento de vergonha embriagado em abril: “Recebi sua carta, agora dizem que não me importo com a cor que ela me pinta…/Você pode ler para mim o ato do motim/Você pode me tornar uma questão de fato/ Ou um vilão em um milhão / Um lapso de língua vai me manter civil. “Riot Act” cria um final particularmente apaixonado para o set, com Costello dilacerando a si mesmo e a seus críticos.

Ficar feliz!! , lançado em 15 de fevereiro de 1980, alcançou a posição # 2 nas paradas de álbuns britânicas e # 11 na América. Prolífico como o inferno na Holanda e em casa, Costello rapidamente lançou vários outtakes e versões alternativas em singles e EPs agrupados em torno de Get Happy!! e seu seguimento, Trust . Qualquer um que explore mais deve começar com a reedição do CD duplo Rhino de 2003 de Get Happy!! , que contém 30 faixas bônus, incluindo "Girls Talk", "Just a Memory", "Watch Your Step" e outras que não fizeram parte da formação final do LP. Suas sobras seriam cortes nobres de outro artista.

Assista Elvis Costello tocar “High Fidelity” ao vivo com a banda Allen Toussaint no North Sea Jazz Festival

'Sweet Baby James' de James Taylor: Fogo e Chuva

À medida que a década de 1960 trippy e surreal chegava ao fim, o mundo da música abriu caminho para uma sensibilidade mais fundamentada. A moda se transformou em uma polinização cruzada de folk e rock, uma confluência cujos praticantes letrados foram reconhecidos com o termo genérico cantor-compositor. Um dos membros seminais dessa ordem do período foi James Taylor , cujo disco de 1970, Sweet Baby James, serviu como um marco que perdurou como um farol para ouvintes e músicos com ideias semelhantes por meio século.

Antes de seu lançamento, Taylor estava totalmente fora do radar. Sua estreia autointitulada foi lançada pela Apple Records em 1968, mas fez pouco progresso. Na época, o chefe de Artistas e Repertório da Apple era Peter Asher, que também produziu o álbum. Apesar da falta de tração do lançamento, Asher dobrou sua aposta, deixando a Apple e se mudando da Inglaterra para os Estados Unidos para atuar como gerente de Taylor. Essa mudança marcou um ponto de virada em duas carreiras notáveis.

Em dezembro de 1969, Taylor e Asher abriram uma loja em Sunset Sound em Los Angeles com um orçamento de produção de $ 20.000. Após 10 dias no estúdio, eles gravaram para a Warner Bros. e gastaram consideravelmente menos da metade de seu orçamento. Eles também tinham uma coleção que chegaria ao 3º lugar na parada de álbuns da Billboard e renderia várias canções clássicas ao longo do caminho.

O primeiro single do álbum deu poucas dicas do que ele se tornaria; a faixa de abertura e título "Sweet Baby James" falhou nas paradas. Dado o quão arraigado seu balanço contagioso se tornou nos anos seguintes, esse fato parece quase absurdo, mas como uma introdução ao público, havia um pouco de desafio inerente a uma canção de ninar de cowboy emoldurada em uma valsa. E, no entanto, é uma mistura que simplesmente derrete no ouvido; O violão de Taylor combina confortavelmente com o piano de Carole King e o violão de aço de Red Rhodes, enquanto o vocal de Taylor vende o todo com um calor convidativo. Sua ressonância graciosa provaria ser um traço definidor da carreira de Taylor.

Ora, o primeiro de dezembro estava coberto de neve...

O álbum, lançado em fevereiro de 1970 [embora não em 1º de fevereiro, como alguns afirmam; isso foi um domingo], é preenchido com material enxuto, mas não precisa de uma produção cuidadosa. Juntamente com o ágil pano de fundo acústico de “Lo and Behold”, o toque que aparece em sua mixagem é levemente perturbador, quase como se tivesse sido deixado acidentalmente no lugar, mas faz com que o gospel lento pareça executado em vez de meramente gravado, a voz de seu cantor. pé batendo no chão na frente do ouvinte. Inteligente e sutil, aproveita ao máximo as decorações discretas.

A afeição de Taylor pelo blues surge com frequência, hibridizando-se com sensibilidades folk na facilmente digerível “Oh Baby, Don't You Loose Your Lip on Me”. Seu comentário sarcástico sobre os poseurs do blues da época em “Steamroller Blues” desde então perdeu um pouco de seu contexto, mas ainda é engraçado ouvir Taylor com naturalidade declarar-se um “agitador de funk ardente” antes de se esgueirar para o malha robusta de guitarra elétrica animada e trompas brilhantes em uma música que permaneceu um marco de seu show ao vivo desde seu lançamento.

Ouça “Steamroller Blues” de Sweet Baby James

No cruzamento entre country, pop e folk, “Country Road” foi um prenúncio da música que dominaria os anos 1970. Inspirado em parte por experiências durante o auto-comprometimento de Taylor em 1965 no McLean Hospital para depressão, é uma contemplação esperançosa girada em torno da noção idealizada de elegância da natureza e da beleza da solidão de um urbano erudito. A música em que está envolvida evoca o country enquanto permanece no mainstream, guiada pela pulsação fria do baixo de Randy Meisner, que aponta para as amostras de piano ricamente decorativas de King. Confortável e composta, alcançou a posição # 37 na parada de singles em março de 1971.

Cinco meses antes, Taylor e seu disco fizeram sucesso com o lançamento de “Fire and Rain”. A primeira faixa do lado dois, é um ato de equilíbrio notável de letras e arranjos. O violão de Taylor é seu condutor ostensivo, mas o adorno suave do contrabaixo de Bobby West aumenta a corrente de melancolia da música com poder discreto. Outras peças fazem seu trabalho com igual sutileza, desde as peças de bateria escovadas de Russ Kunkel até os adornos de piano não intrusivos de King. Esse pano de fundo suporta uma letra rica em humanidade triste, sua poesia pessoal sempre voltando para a contemplação devastadora de “mas eu sempre pensei que veria você de novo”. Até mesmo sua reprodução é notável, pois a música desaparece assim que começa a parecer que seu swell está prestes a ir para algum lugar novo. Um hit #3,

Na sequência imediata de “Fire and Rain”, “Blossom” parece uma bugiganga menor, mas é um doce limpador de paladar com flutuabilidade subjacente que destaca o charme despretensioso de Taylor. “Sunny Skies” é semelhante a esse respeito, casando uma figura de guitarra simples, mas atmosférica, com a leve primavera de seu vocal. Eles estabelecem seu kit de ferramentas no lado folk do livro-razão, assim como a guitarra de aço “Anywhere Like Heaven” ilustra sua facilidade em transformar música caubói medida em canções para as massas.

Tudo depende de uma vontade de fazer música que seja sobre o apelo único de Taylor e exibir a crença de que é uma sedução suficiente para o público. A inclusão de “Oh, Susannah” é uma prova dessa confiança; em um disco contemporâneo, mesmo então, era praticamente um fracasso. Uma música tradicional que todo ouvinte conhece desde a infância, corre o risco de soar pretensiosa ou pitoresca. A versão de Taylor é alegremente confiante, uma renderização acústica simples, mas cuidadosa. Sua mensagem é simples; você já ouviu isso antes, mas nunca de mim. E funciona.

Ao entregar seu disco por $ 7.600, Taylor teve problemas no final da gravação. Faltando uma música para um disco, ele precisava entregar outra faixa para polir, mas não tinha nada em mãos que estivesse pronto para terminar. Sua solução foi juntar três canções, ganhando assim o bônus de $ 20.000 acordado por terminar o álbum. A apropriadamente intitulada “Suite for 20G” está em todo lugar, desde seu meandro suave até seu soco pop-rock salpicado de chifres, mas no final prova uma matriz efervescente que mostra a fluidez e o alcance de Taylor.

Sweet Baby James  e trouxe a Taylor um novo público e ajudou a conduzir os ouvintes para a música folk e country que preencheria a década seguinte. (Foi certificado Ouro pela RIAA em 16 de outubro.) Asher desempenharia um papel substancial nesse movimento, tanto por seu trabalho contínuo com Taylor quanto por guiar outros artistas em seus caminhos, principalmente Linda Ronstadt, para quem ele produziria o seminal Heart Like a Wheel quatro anos depois. doce bebê James foi um divisor de águas; para os dois homens, e para os ouvintes, eles e os que se seguiram tocariam por gerações.

Assista James Taylor tocar “Fire and Rain” ao vivo em 1970

‘Silk Degrees de Boz Scaggs: divisor de águas

Depois de ganhar um Grammy por sua gravação "Lowdown" na categoria de Melhor Canção de R&B na cerimônia da Recording Academy de 1977, e ser nomeado para Álbum do Ano por Silk Degrees, do qual "Lowdown" foi sorteado, William Royce "Boz" Scaggs foi exaltado. Com sete álbuns solo em seu crédito, ele finalmente alcançou o tipo de reconhecimento popular e os críticos de vendas maciças previram para ele por uma década. “Não há outra categoria que eu prefira vencer”, disse Scaggs , “a menos que seja para vocalista masculino de R&B. A voz negra na América é a voz mais bonita que conheço. Essas inflexões, esse sentimento, é onde meu coração está.”

Absorvendo os sons de rhythm and blues da Filadélfia, Memphis, Detroit, Chicago e outros centros significativos da cultura negra, ele forjou seu próprio híbrido de soul suave desde seus dias com a Steve Miller Band, com sede em San Francisco durante o apogeu de 1967-1968. . Ele fez progresso comercial com o álbum Slow Dancer em 1974, mas para sua sequência ele e o produtor Joe Wissert se concentraram intensamente em melhorá-lo. Eles reuniram alguns dos mais sólidos músicos de estúdio do país para sessões no Davlen Sound e no Hollywood Sound em Los Angeles no outono de 1975.

A precisão da execução, os arranjos elegantes, o brilho impecável da produção e, acima de tudo, a composição e o estilo vocal contido e emocional de Scaggs, fazem de Silk Degrees um clássico, o que o crítico do Village Voice , Robert Christgau, chamou de “alma branca com um senso de humor que não é consumido em autoparódia.” Expandindo um modelo iniciado por nomes como Smokey Robinson, Curtis Mayfield, Marvin Gaye e Teddy Pendergrass, Scaggs alcançou o que ainda é seu pico comercial, com cinco milhões de álbuns vendidos e contando. Quatro das faixas foram lançadas como singles e ainda saturam as ondas do rádio e os serviços de streaming.

O principal parceiro musical de Scaggs, tocando todos os tipos de teclados (sintetizadores, clavinete, órgão Hammond e piano elétrico Wurlitzer incluídos) e co-escrevendo metade do álbum, foi David Paich. Ele lançou sua própria banda Toto no ano seguinte, com o baixista David Hungate e o baterista Jeff Porcaro das sessões do Silk Degrees se juntando. Eles trouxeram ESP musical para cada faixa.

O groove enérgico e cadenciado de “What Can I Say” abre o LP, com cordas e backing vocals que lembram imediatamente o trabalho de Gamble and Huff, os principais arquitetos de “Philadelphia Soul”. O robusto estúdio Plas Johnson estabelece um vigoroso solo de sax tenor no meio do caminho, e Scaggs exibe uma fluidez vocal de tirar o fôlego em uma faixa sem um pingo de gordura.

Segue-se “Georgia”, com um ritmo de bolso de Hungate/Porcaro, as cores de Paich no clavinete e no piano acústico, um fantástico arranjo de cordas de Sid Sharp e uma secção de sopros repleta de talento (Tom Scott, Bud Shank, Jim Horn e mais). Um original de Scaggs, talvez deva uma dívida a "Don't Pull Your Love" de Lambert-Potter, o hit de soul branco de 1971 por Hamilton, Joe Frank e Reynolds. Scaggs mostra uma habilidade fácil de entrar e sair do falsete, e mesmo quando ele empurra sua voz para um grito perto do final, ele permanece extremamente musical.

“Jump Street” é um número turbulento no estilo honky-tonk de Nova Orleans escrito por Paich e Scaggs que acena para Rod Stewart e os Faces. Les Dudek domina, tocando uma guitarra slide ardente, mas a faixa é uma das menos bem-sucedidas do disco, já que Scaggs empurra sua voz para um território mais áspero e rouco que não se encaixa.

A faixa seguinte, escrita pela lenda de Nova Orleans Allen Toussaint, é mais parecida com ela: “What Do You Want the Girl to Do” é iniciada por trompas, e o vocal relaxado de Scaggs é reforçado por um adorável coro feminino. Por volta da marca de dois e três minutos, o sax de Jim Horn e a voz de Scaggs alcançam um cruzamento sublime, o tipo de pequeno detalhe que Silk Degrees tem de sobra.

A faixa mais longa do álbum conclui o lado um em grande estilo, uma balada escrita por Scaggs intitulada “Harbor Lights”. Começa em baixa velocidade com o delicado Fender Rhodes de Paich e belos licks de guitarra que podem ser Fred Tackett ou Louie Shelton ou ambos. Um vocal dominante de Scaggs está entre seus melhores trabalhos aqui. A letra é melancólica e a melodia cheia de dor: “Filho de uma Rosa de Tóquio/Eu estava fadado a vagar de casa/Estranho para o que quer que eu acordasse/Girei o volante/Dei um tiro no escuro/Passagem de ida e um coração descontrolado.”

Assista Scaggs tocar “Harbor Lights” ao vivo

O lado dois do LP original leva à faixa favorita de Scaggs, mas uma que ele nunca pensou que seria um single, “Lowdown”. O arranjo é uma maravilha, e o avanço da faixa é uma lição de coesão da banda. Tem um ritmo não convencional de chapéu alto e baixo duplo e um bonito tema de flauta e trompete, e puxa as paradas às 2:30 para um solo de guitarra curto, mas espetacular, de Shelton, que brilha mais tarde no trilha também. Scaggs mais uma vez usa seu falsete com grande efeito, e seu canto é tecnicamente relaxado e altamente focado. A mixagem de Wissert e seu engenheiro Tom Perry não poderia ser melhorada. Os eleitores do Grammy reconheceram uma obra-prima quando a ouviram.

E aqui está uma versão ao vivo de “Lowdown”…

“It's Over” é outra homenagem especializada em Philly Soul, com uma batida enérgica e um refrão super cativante. (Não é difícil imaginar Elton John ouvindo - e o trabalho de piano acústico de Elton de Paich - e indo trabalhar com o produtor Thom Bell da Filadélfia dois anos depois.) A música de reggae levemente suingante "Love Me Tomorrow" é a próxima. O único crédito de composição solo de Paich no álbum é doozy, com Porcaro (em timbales) e Hungate apontando o caminho para a “África” de Toto. A combinação minimoog/Wurlitzer de Paich é sutil, Shelton contribui com slide guitar e a combinação Plas Johnson/Bud Shank adiciona seu tempero secreto.

“Lido Shuffle” é cheio de mudanças dinâmicas e é cativante como o inferno bem antes de atingir seu refrão imparável, com a seção de metais fornecendo a almofada para o vocal solto de Scaggs. O proeminente sintetizador Moog de Paich é emparelhado com órgão Hammond, injetando a seção central com um pouco de rock progressivo. É possível imaginar Steely Dan fazendo a música com perfeccionismo semelhante em 1975, mas eles provavelmente teriam escolhido um andamento mais lento.

A linda e crescente balada “We're All Alone” finaliza o álbum que foi lançado em 18 de fevereiro de 1976. A bela versão de Rita Coolidge da música entrou no Top 10 em 1977, mas a opinião de Scaggs é definitiva. Seu vocal é rigidamente controlado e cheio de emoção, artístico o suficiente para ser comparado a Frank Sinatra ou Tony Bennett. Com o excelente arranjo de cordas de Sid Sharp, o violão de Shelton e o piano acústico de Paich, a letra melancólica pode trazer lágrimas desde o início: “Lá fora começa a chuva/E pode nunca acabar/Então não chore mais na praia/Um sonho nos levará para o mar / Para sempre mais, para sempre mais.”

Scaggs passou a produzir músicas brilhantes até seu álbum de 2018, Out Of the Blues. Ainda assim, Silk Degrees continua sendo seu Everest, com todos os elementos de sua arte se misturando de maneiras excepcionais. Relembrando a gravação do álbum com o jornalista Ben Fong-Torres, ele disse que enquanto ouvia os playbacks em 1975 teve a sensação de que algo especial havia acontecido. Tendo passado toda a sua carreira solo sem empresário, ele procurou e assinou com o rebatedor pesado Irving Azoff, que também sabia que Silk Degrees provavelmente mudaria o jogo. Com certeza foi.

 

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