ALEPH - Sepulchre (2023)

 

Sepulchre (2023)

ALEPH

Do jeito que está, sou um grande fã do ALEPH há anos. Há pouco mais a dizer sobre isso; seu trabalho está entre os poucos em que mergulhei profundamente, na vanguarda de um movimento de baixo experimental expansivo, combinando influências de breakcore, glitch, dubstep, ambiente e clássico moderno em um Ego Death alucinante . Mas EGO DEATH não era, digamos, Vol. 1 ou vol. 2 , ou mesmo Next Hype . EGO DEATH inclinou-se firmemente para os reinos do ambiente, do futuro garage, e do que poderia ser chamado de música "outsider club"; enquanto seus contemporâneos incluem figuras talentosas como RamonPang , Kelbin ou sv1(que abrange uma vasta miríade de eletrônicos experimentais; o último especialmente conquistou o apoio oficial de alguns grandes nomes como Himera e BABii ), suas influências são muito mais ecléticas em comparação, contando com宇多田ヒカル[Hikaru Utada] e Jamie xx ao lado de G Jones e Tsuruda ; Floating Points e Shlohmo se misturando com Little Snake e SOPHIE . Você pode ouvir de onde sua produção pré-EGO DEATH tira sua principal inspiração, mas mesmo assim, singles como Omenmostrar um lado mais sombrio e atmosférico de sua música. EGO DEATH foi a culminação lógica de todas essas influências se unindo - todos os estilos que ALEPH se interessou desde sua estreia oficial como Profeta em 2017 - em um projeto de 50 minutos.

SEPULCHER , por outro lado, começa devagar, não muito diferente de RECUPERAÇÃO de sua irmã mais velha. Eu ouvi MOTION IN DESCENTcerca de três vezes agora, apenas tentando ter uma noção ou compreensão de como este álbum será, e nos arpejos suaves e errantes de madeira, encontro uma sensação de paz em meio à escuridão que ALEPH vendeu em sua discografia . O momento decisivo desta introdução é a desaceleração perto do fim - a desaceleração da descida para o SEPULCHRE. Ele se transforma em um zumbido misterioso que imediatamente floresce na introdução atrevida e não-bateria de GRADIENT , o primeiro single lançado do álbum. Uma batida baixa acompanhada por uma caixa aguda cortante evolui ainda mais para uma batida inspirada em uma armadilha que ecoa como Scintillationsfora do vol. 1, mas vai ainda mais longe com alguns arpejos flagrantemente cativantes e design de som magistral em toda a linha. Na verdade, isso está muito distante de 2017; este é o trabalho de um produtor em seu auge, com sons perdidos em uma névoa clínica de sutilezas que você certamente não entenderá totalmente na primeira audição.

HÉLICEos chimbal's são obscurecidos com um flanger antes de se transformar e florescer com uma caixa de cowbell em um groove estilo DnB. Aqui, ALEPH revela menos maximalismo do que em experiências anteriores na selva; Considerando que as coisas em Next Hype ou EGO DEATH nessa linha estavam enraizadas em serem recheadas de sons interessantes, industrialidade e abrasividade, HELIX parece prosperar nas regiões mais silenciosas. Menos é mais aqui, e ALEPH realmente leva esse ideal com calma; mesmo flexionando casualmente um talento alegre em design de som por meio de uma linha de baixo vibrante e rolante e uma composição que desafia unilateralmente os métodos tradicionais, ALEPH mantém a simplicidade. É quase apropriado que o título deste álbum seja um local de enterro. Os artistas escolhem a vida após a morte como um tema intrigante, embora exagerado; ALEPH escolhe a escuridão do enterro, renunciando à vida após a morte,

HI DEF se inclina um pouco mais para a música club, alternando graves profundos com uma melodia crescente e chorosa que irrompe de seu peito com profundidade. Ele fica cada vez mais rápido até sua construção final, tomando uma nota de EGO DEATH para surpreender e cascatear em um brilho cintilante que o fecha e transita perfeitamente para PEQUENAS PEÇAS . Embora você possa pensar que a grande surpresa de ALEPH foi em HI DEF , é em SMALL PIECESonde fica realmente surpreendente. Você pode ouvir as influências da casa aqui; há um calor surpreendente na melodia da faixa mais curta do álbum. É aqui que eu percebo, olhando para trás ao longo de todas as faixas até agora, que Kai Maynard deu um passo bastante ousado ao compor este álbum do jeito que ele fez; enquanto EGO DEATH era revestido por tambores extraterrestres afiados e mordazes, SEPULCHER, até este ponto, foi enevoado com uma escuridão tão arejada que qualquer batida que descrevi aqui é parcialmente conjectura, escondida atrás de uma névoa negra oleosa.

Isso muda perfeitamente (ainda que inesperadamente) com PHANEROTHYME, mergulhando em um groove house completo com toques e inflexões do próprio ALEPH. Não vou dizer que esta não é uma música muito boa, mas aquela névoa que descrevi anteriormente foi o epítome absoluto do apelo a este álbum, para mim. Eu absolutamente amei a ideia da batida mais do que realmente a ouvi em coisas como HELIX ou SMALL PIECES . PHANEROTHYME , por toda a sua qualidade de som e groove, parece muito manso para um álbum como este. Eu acho que ficou melhor com BELOW GROUND , no entanto; um thrum de garagem futuro profundo, atrevido e tempestuoso pega os vocais de garagem do Reino Unido e os infunde em uma explosão nebulosa e estática de techno-encontra-future-garage. Aqueles primeiros momentos iniciais deABAIXO DO SOLO são intensos; era como se as nuvens finalmente tivessem desencadeado uma tempestade torrencial, o pulsar grave e profundo lembrando o trovão nas planícies. Então, com a mesma rapidez, ele se eleva no ar - uma composição atmosférica, porém descolada, não muito diferente da faixa-título de Baby, We're Ascending .

Filtrando e flertando em IF U WANT , que começa sombrio e misterioso e depois evolui para uma batida de garagem britânica completa, descarada e sem vergonha. Um gênero e groove que é reconhecidamente um dos meus favoritos em todo o álbum. Pode ser bobagem eu gostar de SE VOCÊ QUISER em vez de FANERÓTIMA, mas sinceramente, uma boa batida de garagem do Reino Unido infundida com um experimentalismo eclético e futurista em seu design de som? Essa é uma receita para uma faixa cativante. A composição continua em PYRE , embora enxuta e mais minimalista. Sua melodia principal lembra uma canção de ninar no estilo Moog, que ganhou um sorriso agradável de mim em lembrança da Plantasia da Mãe Terra ou talvez, curiosamente, algo fora do Minecraft: Volume Alpha . Apesar de empregar uma receita semelhante a SE VOCÊ QUISER , PYREmeio que passou na minha experiência, especialmente depois de um momento tão forte antes disso. Seu som não foi suficiente para manter mais espaço na memória de ouvir este álbum, exceto talvez como uma nota de rodapé de onde o álbum também não atingiu o alvo.

UNFOLDING LIGHT é a única colaboração no álbum; com o produtor britânico N². Do jeito que está, é um título adequado; o baixo e a melodia irrompem como faíscas de fios elétricos balançando, acelerando e desacelerando com pouca atenção, dando uma sensação de impunidade à sua composição. É provavelmente o corte mais experimental do álbum, evitando todos os ritmos e ideias anteriores e mergulhando em um maximalismo minimalista oximorônico. Apesar de uma composição de visão de túnel tão intensa, ela parece contida, acelerando por uma rodovia sem destino. Então, ela realmente se desenrola, e notas de ambiente e clássica surgem na segunda metade da música, um sintetizador etéreo e flutuante e uma peça de piano que é o verdadeiro ápice do álbum, como a faixa-título de 10 minutos de EGO DEATH foi para MORTE DO EGO.

O álbum termina com AESIYO, uma melodia semelhante a uma harpa tocando sobre um mar de bumbos em cascata, quebrando sobre o ouvinte como ondas. Acho que é aqui que a maestria de ALEPH brilha mais. A pulsação dos bumbos oceânicos, obscurecida pelas correntes de água salgada, soa no papel como um passeio intenso que merece o ouvido do basshead mais intenso. Mas muito pelo contrário; há uma calma serena mesmo entre a chuva torrencial interminável de graves aqui. E, sinceramente, é aqui que acho que o álbum como um todo foi melhor realizado: um mar de som, uma escuridão em cascata, paz em um lugar de morte. Um enterro final entre as ondas.

SEPULCHER é provavelmente um dos melhores álbuns deste ano nesse sentido. Além de simplesmente retirar todas as paradas como em EGO DEATH, ALEPH aqui retira todas asparadas. É sublime na sua execução, preenchendo o espaço com o mínimo possível e fazendo-o em menos de 40 minutos no total. Houve alguns tropeços com o fluxo deste álbum, no entanto. Em retrospecto, flow é onde EGO DEATH ofusca SEPULCHRE, mas o som, arejado mas terroso, olhando para um céu nublado e cinza... esse é o verdadeiro destaque de SEPULCHRE. Ele o eleva para ficar ao lado de EGO DEATH como uma continuação digna de um dos melhores álbuns de 2021.

Resenha: "Other Doors" de Soft Machine, o mais recente trabalho dos mestres da cena de Canterbury (2023)

 

Com mais de 50 anos de experiência e uma fisionomia única e singular, os Soft Machine são sem dúvida uma das bandas mais influentes e originais do progressivo inglês. Grupo fundamental da cena de Canterbury e unido por um forte interesse pelo jazz de vanguarda, foi fundado em 1966 pelo baterista Robert Wyatt, o guitarrista Daevid Allen, o tecladista Mike Ratledge e o baixista Kevin Ayers. Com sua mistura de jazz, psicodelia e progressivo, eles conseguiram chamar a atenção e se posicionar como pioneiros nos três gêneros, sendo fonte de inspiração para várias gerações de músicos, incluindo o Pink Floyd. Ao longo dos anos, a Soft Machine foi transformando seu som, afastando-se da psicodelia para abraçar gradativamente o jazz fusion e o jazz-rock instrumental, tornando-se assim uma de suas maiores referências.

“Other Doors” é o primeiro álbum de estúdio desde “Hidden Details”, lançado em 2018. Conta com um line-up excepcional formado por grandes músicos da velha escola do jazz e do rock: John Etheridge (guitarras), Theo Travis ( tenor e sax soprano, flauta, piano e eletrônica), Fred Thelonious Baker (fretless bass) e John Marshall (bateria e percussão) que, aos 81 anos, se despede de vez da música e da Soft Machine. Conta ainda com a participação especial do ex-integrante Roy Babbington (baixo).

O álbum apresenta-se como uma suite, composta por várias secções que se articulam entre si. As diferentes durações e tempos de cada um geram um dinamismo que faz o som fluir de forma brilhante, combinando elementos do jazz, rock e música clássica para se fundirem em um único conceito. A técnica é sem dúvida impecável e a improvisação está na ordem do dia, criando diferentes tipos de atmosferas que estimulam a imaginação do ouvinte.  

Começa com uma espécie de introdução, ´Careless Eyes´ , onde a flauta etérea e o violão dialogam entre si, criando uma atmosfera calma e suave. Ele então se reúne com um clássico da banda, ´Penny Hitch´ (do álbum ´Seven´ de 1974) para entrar em um ritmo mais groovy. As harmonias do baixo fretless unem-se perfeitamente com as do sax tenor e a guitarra de Etheridge dá a dose certa de psicodelia, gerando assim um jogo de texturas entre os três instrumentos. ´Other Doors´ , faixa-título do álbum, começa com um ritmo ágil e animado e depois desce com uma sucessão de solos de guitarra e sax que nos remetem aos melhores tempos do The Police. ´ Uso Torto´ é a peça mais longa do álbum. Oito minutos de improvisação ao melhor estilo free-jazz, com uma sonoridade mais sóbria que lhe permite expressar todo o seu potencial expressionista de forma descontraída. Outra ligação ao passado surge, desta vez pela mão de ´Joy of a Toy´ (do álbum “The Soft Machine Volume One” de 1968). Os baixos são o instrumento estrela e os responsáveis ​​por gerar um clima de alegria através do diálogo constante. Uma melodia divertida, mas com uma pitada de psicodelia proporcionada pelos efeitos de delay e pela batida das cordas. Em ' A Flack of Hales´ a flauta reaparece, mas desta vez funciona como contraponto àquela que abre o álbum. Com som mais abafado, gera um clima mais sombrio ou tenso, que é enfatizado pelos elementos percussivos que se somam à melodia central. A guitarra de Etheridge em ´Whisper Back´ funciona como uma ponte introdutória para ´The Stars Apart´ , uma peça charmosa com um suingue calmo, mas bem jazzístico. O dedilhar da guitarra junto com o do baixo fretless conferem-lhe uma certa melancolia. Em ' Agora! Is the Time' os baixos dialogam novamente, desta vez reunindo dentro dos recursos do jazz e as cadências típicas do blues. Com 'Fell to Earth'vivenciamos um retrocesso aos anos dourados da Soft Machine. É sem dúvida a peça mais electrizante do álbum, muito avant-jazz e com uma instrumentação muito dadaísta, que procura abarcar todos os espaços. ´O Visitante na Janela´ continua com essa linha vanguardista, mas com uma melodia mais austera, nostálgica, sem tanta ornamentação instrumental.

'Maybe Never' nada mais é do que uma série de efeitos e recursos eletrônicos, um pouco de loucura psicodélica que, como 'On the Run' do Pink Floyd, busca nos colocar em um mundo de ficção científica. Ao mesmo tempo, funciona como uma passagem para a última faixa do álbum, ´Back in Season´, onde se experimenta um regresso dessa psicodelia a um som mais colorido e dinâmico, onde todos os instrumentos exploram em simultâneo a sua força expressiva.

Se há algo que caracteriza a Soft Machine é a vontade de inovar. A combinação de novas e antigas composições torna a proposta ambiciosa e mostra essa vontade de explorar novos terrenos musicais, mas sem perder a sua essência. Sem dúvida, “Other Doors” marca o fim de uma era, a era Marshall, mas também inicia um novo capítulo na trajetória da banda, um capítulo promissor na aventura instrumental chamada Soft Machine. 

Crítica: «Internal Becoming II» do tecladista argentino Sebastián Barrio. Um trabalho progressivo ambiental muito poderoso, bonito e introspectivo.

Revisão Sebastián Barrio- Devir Interno II 

Sebastián Barrio é um compositor argentino que encontrou no teclado e em suas múltiplas possibilidades o pilar sobre o qual consolidou sua visão musical ao longo de uma rica carreira na qual se envolveu com estilos tão diversos como Power Metal, Hard Rock e Música. para colaborar diretamente com grandes nomes da cena argentina. 

Paralelamente, a sua paixão pela música ambiente levou-o a criar bandas sonoras para documentários, campanhas publicitárias e até videojogos, isto sob a influência de nomes icónicos como Vangelis, Brian Eno e até Radiohead e Porcupine Tree. 

A necessidade de concretizar o seu projeto a solo foi interrompida pela pandemia de covid e pelo contexto de confinamento, cenário que, longe de lhe diminuir o ímpeto de compor, ofereceu-lhe a oportunidade perfeita para criar peças que fossem um refúgio da temível realidade, oferecendo uma dose necessária de esperança ao longo do caminho. 

Desta forma , surge Devenir Interno II , uma obra que convida a uma viagem espiritual introspectiva e profunda em que o ouvinte pode encontrar alguma luz diante de um presente sombrio; Tanto que a edição física do álbum foi acompanhada por uma vela aromática e uma pedra ágata cornalina, ambos elementos para auxiliar na meditação. 

Internal Becoming II apresenta-se-nos como uma obra dividida em três capítulos, cada um entendido como uma fase diferente de uma jornada épica e profunda. 

Capítulo 1: Amplitude Emocional. 

Ascensão Inicial, como o próprio nome indica, é a preparação para realizar uma ascensão interior através da escuta. De imediato, destacam-se as atmosferas quentes magistralmente criadas pelos sintetizadores, que brilham grandiosamente exclamando um ar épico de luz que cresce em si, moldando a expectativa inicial da viagem através de um dos seus pilares: a esperança.

Em Las Fauces a abordagem muda radicalmente, apresentando um ambiente escuro e gelado que se desenrola como se fosse um hálito maligno. As notas do piano fazem um contraste suave, enquanto a percussão dá forma e estrutura com decorações sutis, mas significativas. É um tema que procura colocar o medo em primeiro plano e consegue-o com recursos musicais minimalistas que incluem uma vasta gama de efeitos criados por sintetizadores. 

Noche chega como uma sutil transição da faixa anterior, transbordando de um sentimento de nostalgia contemplativa e noturna que retoma o sentimento épico da aventura ao conferir um ar de liberdade palpável, desta vez de forma cativante e intensa, funcionando também como uma ponte para conectar as ideias apresentadas na peça anterior e na seguinte. 

Indivisible Love retém essa aura melancólica e a conecta com bits de sintetizador suaves e elegantes que criam uma atmosfera espacial que transmite a sensação de flutuar em um céu noturno ou navegar no manto estelar. As dimensões sonoras são replicadas, criando uma sensação de grandeza que nasce da sutileza inicial dos sintetizadores e que busca expressar o poder que reside no amor como força cósmica primordial. 

Capítulo 2: Expansão da Terra 

Hidden Quiocta convida a explorar regiões inóspitas e inexploradas da Terra. Os efeitos de eco ajudam a criar a sensação de descer uma caverna rumo ao desconhecido, enquanto a quantidade de detalhes e decorações eletrônicas funcionam como uma bússola para você não se perder nessa nova fase da aventura. 

Vórtice Rupestre representa um encontro com civilizações que antecederam o que somos e como tal irradia um ar tribal através de um uso criativo de percussões e flautas que funcionam como uma reminiscência do passado envolta no som do futuro. Um tema que mostra a versatilidade dos recursos compositivos utilizados por Sebastián. 

Vārāṇasī surpreendentemente transita para um ar muito mais oriental através da presença de um derbake e de uma cítara (instrumento de cordas associado à meditação) criando uma aura religiosa e ao mesmo tempo mística que emana um sentimento sagrado replicado em teclados e sintetizadores. Um ritual se iniciou e nos faz participar de um frenesi sagrado que através de sua realização consegue nos remeter a tudo o que busca representar. 

Satori Vals retoma uma calma que encontra seu caminho em suaves e tensas notas de piano que tecem uma sensação envolvente que leva o ouvinte de volta calma e suavemente, como se fosse um sopro. Os instrumentos de corda replicam esta sensação, apresentando mais uma vez uma atmosfera envolvente que encontra o seu refúgio perfeito para pulsar na batida ritmada da valsa.

Capítulo 3: Vastidão Existencial 

Em Y Sobre El Loto ele nos recebe com uma paisagem que se torna etérea graças aos sintetizadores, enquanto as sutis notas do piano voltam a funcionar como texturas que amplificam o desenho sonoro. O volume torna-se um elemento compositivo que permite apreciar a multiplicidade de elementos eletrônicos que compõem o esqueleto da peça por meio de suas oscilações. 

Hishiryo surpreende com uma música profunda que ressoa na companhia de trechos de piano e sintetizador. O núcleo de elementos eletrônicos é combinado para formar uma estrutura sutil bem trabalhada que flui pouco a pouco, aumentando gradativamente de intensidade. O uso de amostras de voz quase imperceptíveis ao fundo confere-lhe profundidade e uma aura mística. De repente ouvimos bateria, baixo e pela primeira vez uma guitarra elétrica tocando um solo envolvente e expressivo que culmina com uma música ritualística totalmente catártica. 

El Mensaje Es Ese explode com bateria jazzística que envolve as notas do piano em uma camada de dinamismo e elegância. É uma composição que flui calmamente e se projeta com uma sensação vibrante de iluminação interna que começa a se despedir da jornada, recapitulando as lições aprendidas ao longo do caminho. A guitarra volta a acrescentar um último elemento a esse mar de emoções quentes e luminosas. Um discurso que reflete sobre o amor e suas implicações filosóficas vem à tona como uma despedida.

Ascent In Contemplation é o culminar de uma odisséia introspectiva que se despede do ouvinte com vibrantes notas de piano e um profundo eco de serenidade que gera plena satisfação e uma catarse interna, como um suspiro que põe fim a toda uma experiência auditiva. 

Internal Becoming II é uma obra poderosa, bela e introspectiva. A disposição de cada peça em capítulos favorece a sensação de embarcar em uma viagem com diversas nuances, momentos, sentimentos e emoções que constroem uma experiência satisfatória marcada pela calma, reflexão e contato com o interior do ouvinte. 

Passando por uma sensação espacial no capítulo 1, uma mais mística e religiosa no capítulo 2 e uma completamente etérea e espiritual no capítulo 3, cada composição flui organicamente conectando-se umas com as outras e criando uma sensação de continuidade nos ouvintes. 

Os teclados estão em ponto alto, assim como o complexo trabalho de sintetizadores que lançam mão de uma ampla gama de recursos eletrônicos para criar atmosferas e ambientes que irradiam luz, escuridão, misticismo e iluminação amparados pelo uso sutil, mas importante, de instrumentos analógicos que contribuir com um elemento complementar insubstituível. 

Uma obra ambiente perfeitamente conseguida que fará as delícias dos amantes de sons como o Tangerine Dream e que também oferece a paisagem sonora perfeita para meditar, fechar os olhos e tentar entrar em contacto consigo próprio, algo que acrescenta um valor humano significativo que não é fácil encontrar nas ofertas musicais de hoje. 

ROCK ART

 

Revisão: “Omnium Gatherum” por King Gizzard e o Lizard Wizard

Falar de King Gizzard e The Lisard Wizard é falar de uma banda que literalmente surgiu do nada e ganhou espaço em todos os tipos de cenas musicais devido à essência que a banda possui. A principal atração dessa banda é que eles nunca se acomodam em um único gênero, se aventurando pelo garage rock no mundo da música, aos poucos foram adotando mais gêneros, passando pelo folk, pegando elementos do rock progressivo, fazendo synth pop, depois jazz fusão, até hoje com o metal. Porém, quando se trata de fazer seus discos repletos de tantos estilos musicais diferentes, é preciso dizer que nem todas as ideias acabam no produto final e muitas são descartadas... Ainda que não totalmente.

Já em 2 ocasiões anteriores os australianos nos deram 2 álbuns que eram compilações de ideias descartadas de trabalhos anteriores. A primeira dessas compilações foi Oddments, embora tivesse boas músicas, você também tem que entender que essas músicas compuseram a primeira fase da banda que inclui seus primeiros 4 álbuns, então o resultado final, embora decente, não deixa de ser um hora de ouvir, pois não me senti tão bem. Então eles fizeram o mesmo novamente com Gumboot Soup, um álbum que foi definitivamente muito melhor do que Oddments porque abordou tudo o que considero a idade de ouro da banda; de I'm In Your Mind Fuzz a todos os seus discos de 2017, no entanto, embora fosse um disco decente, não era muito polido.

O que nos traz ao álbum de hoje, em 2022 a banda lançou o álbum Omnium Gatherum, que depois de ser o seu primeiro álbum duplo, é uma compilação de muitos dos seus trabalhos anteriores, desde Fishing For Fishies a Butterfly 3k, para o qual este disco tem muitos estilos em seu repertório, além de uma produção e mixagem tão limpa e clara que às vezes você não sente que as músicas são diferentes, elas facilmente se sentem parte de uma mesma unidade.

Agora sim, com bastante contexto, temos que falar das músicas e não podemos falar delas sem começar pelo começo porque essa música abre com a música mais longa da banda, The Dripping Tap, uma música que se eu tivesse que descreva bem mistura 3 estilos diferentes em seus 18 minutos de duração; jazz fusion por todo o improviso, rock progressivo por todo o virtuosismo nos solos (aliás, tem um que me lembra MUITO Dancing With The Moonlight Knight do Genesis) e pelos vocais quase diria que seja rock and roll clássico ou pop, não sei, é difícil dizer mas o que posso dizer é que a música toda é fantástica pela forma como conseguem misturar todas as ideias que têm. Ótimo também, essa é a única música que foi criada pensando no álbum, não como uma reciclagem.

Continuando então com 2 músicas tão parecidas que vou analisá-las ao mesmo tempo, Magenta Mountain e Kepler-22b são duas músicas que se eu tiver que adivinhar, vieram direto do Butterfly 3k porque são músicas de synth-pop e lofi hiphop respectivamente com uma grande ênfase nas melodias vocais suaves apoiadas pelo uso pesado de sintetizadores de uma forma que faz você se sentir como se estivesse ouvindo seu stream típico de Lofi Girl no YouTube, apenas com a adição de uma bateria um pouco mais alta, esses são os 2 favoritos pessoais ao redor .o disco, especialmente Kepler-22b.

Viramos a página e acho que para agilizar também seria ótimo falar sobre as 2 músicas que abordam o seguinte estilo; metal. Gaia e Predator X são 2 músicas que ao ouvi-las fica bem claro que vieram direto do Infest The Rats' Nest, a primeira é a que considero a melhor das 2 por ser a mais pesada, a que tem mais clima, a que tem mais ideias e a que está melhor desenvolvida, enquanto Predator X, faixa número 13, sem ser ruim, eu sinto que é muito repetitiva, ou seja, a música começa muito bem mas seu desenvolvimento é muito fraco e repetitivo, caindo tristemente na monotonia Muito ruim porque tinha potencial para ser melhor.

Agora indo com Ambergris, este é um caso curioso porque esta música parece uma curiosa fusão entre Fishing For Fishies e Butterfly 3k, porque sente aquela mistura de funk de FFF e synth-pop de B3K, sem terminar decantando em tudo de um jeito ou de outro , é uma música interessante, mas não impressiona. Algo que se ele fizer a próxima, sendo uma música muito rara porque na época não estava claro de que álbum vinha, e quando saiu Changes percebemos que veio de lá Sadie Sorceress, uma música de rap e hip hop com tremendo ênfase no ritmo, nas batidas e nos synts, o que quero destacar são os vocais do Sr. Ambrose Kenny Smith, sendo um rap que (sem ser super expert no assunto, não é meu forte) sabe muito bem e muito técnico.

Continuamos com o lado C, que é composto por 5 músicas que estão praticamente ligadas uma após a outra, não como no lado anterior. Começando com Evilest Man, uma música que se você me perguntar, me lembra muito I'm In Your Mind Fuzz e Nonagon Infinity, porque é cheia de elementos desses álbuns, principalmente no que diz respeito aos sons de guitarra e vocais de Stu. Mackenzie, sendo um deleite auditivo para os fãs desses discos. Continuamos imediatamente com The Garden Goblin, sendo uma música que mais uma vez é curiosa porque esse uso de sintetizadores me lembra muito B3K mas ao mesmo tempo existem certos elementos como percussão e produção que a fazem brilhar dando-lhe o seu próprio identidade, um pessoal favorito novamente. Imediatamente após terminar, somos recebidos com Blame It On The Weather, Sendo uma música sobre a negação das mudanças climáticas, essa música me lembra mais do que um álbum da banda, me lembra os tipos de soul music que grupos como Bee Gees ou Earth, Wind And Fire costumavam cantar, com aqueles agudos vocais, aquela letra repetitiva, aquele uso de sintetizadores, aquela percussão característica, algo que os fãs desse estilo de música dos anos 60 irão apreciar. Cortando como começou, vamos com Persistence, uma música que tenho certeza que é um outtake de Changes, porque tem aquelas vibes que iam ser vistas mais tarde naquele álbum, sendo uma composição menos técnica e mais descontraída, uma música mais chill que é claramente feita para passar o tempo e não pensar muito nas coisas, a verdade é que já não dá conta, é uma música simples que a sua beleza reside precisamente nisso, como é simples. Agora terminamos o lado C com o último rap do álbum, sendo este The Grim Reaper, sendo basicamente o hip hop levado à quinta potência, pois além do rap do (novamente) Ambrose Kenny Smith, tem uma batida tão bateria absolutamente destrutiva e técnica que faz você dizer “PFFFFFFF… Sadie Sorceress estava em DIAPERS”, porque além da bateria, há também uma flauta de fundo de Stu Mackenzie que dá uma atmosfera à música que nunca foi vista antes. Vou dizer logo, não sou fã de hip hop ou rap, é mais como se eu dissesse que repudio o gênero... MAS... Quando as coisas são feitas ASSIM, é impossível diga qualquer coisa contra isso. Bom, além do rap do (novamente) Ambrose Kenny Smith, tem uma batida e uma bateria tão absolutamente destrutiva e técnica que te faz dizer "PFFFFFFF... Sadie Sorceress estava no DIAPERS", porque além da bateria, tem é também uma flauta de fundo que faz parte de Stu Mackenzie que dá uma atmosfera à música que não havia sido vista antes. Vou dizer logo, não sou fã de hip hop ou rap, é mais como se eu dissesse que repudio o gênero... MAS... Quando as coisas são feitas ASSIM, é impossível diga qualquer coisa contra isso. Bom, além do rap do (novamente) Ambrose Kenny Smith, tem uma batida e uma bateria tão absolutamente destrutiva e técnica que te faz dizer "PFFFFFFF... Sadie Sorceress estava no DIAPERS", porque além da bateria, tem é também uma flauta de fundo que faz parte de Stu Mackenzie que dá uma atmosfera à música que não havia sido vista antes. Vou dizer logo, não sou fã de hip hop ou rap, é mais como se eu dissesse que repudio o gênero... MAS... Quando as coisas são feitas ASSIM, é impossível diga qualquer coisa contra isso.

Agora para finalizar, lado D (no qual não falaremos do Predator X pois já falamos dele), começando por Presumptuous, uma música que demorei para me apaixonar, mas quando a fiz percebi o quanto é fantástica foi principalmente porque a percussão dessa música é uma delícia. Continuando com Red Smoke... A verdade é que não está totalmente claro para mim o que pensar disso, ou seja, é... Ok? Quer dizer, não vai além disso, a verdade é que não tem muito que eu possa apreciar, é bom e pronto. Agora se formos para o final do álbum, com as delícias acústicas de Candles e The Funeral, sabe qual é a beleza dessas 2 músicas? Isso mesmo, a percussão e a acústica, porque caramba, como os dois usam é algo precioso que traz lembranças de bandas folk como Jethro Tull, sim, tem sintetizadores presentes e vocais com efeitos, mas não importa,

Então… o que podemos concluir deste disco? Que não é perfeito, tem alguns defeitos como músicas que foram rejeitadas na época era PARA ALGO, mas mesmo assim, esse álbum tem momentos fantásticos, todas as músicas dos 3 primeiros lados (exceto Ambergris) são literalmente delícias auditivas perfeitas que por nada no mundo deve ser subestimado, o terceiro lado é o mais fraco mas não importa no final, esse registro ainda é muito agradável do começo ao fim e o próximo seria ainda mais, pois seria 100% influenciado por The Dripping Tap, de modo que a próxima obra-prima seria um disco de puro jazz fusion. 

Crítica: "Redemption" de Mystery, um belo disco progressivo com um conceito de pureza infantil e reflexos da vida adulta (2023)

Esta, que é minha primeira crítica em uma nação progressista, tentará analisar diferentes aspectos de um disco, desde sua capa, letra e música. Mystery é uma banda canadense já consolidada no cenário do rock progressivo, e conhecida por fazer parte do som melódico, sinfônico e neo progressivo. A mente por trás da equipe Mystery é Michel St-Père, guitarrista, autor e produtor do mesmo. Formados em Montreal, Quebec, em 1986, eles se interessaram pelo som do art rock através de sua discografia.

Vamos ao registro, Redenção (2023)

Como primeira impressão, devo dizer que a capa do álbum dá a sensação de que, através da natureza, do cultivo, do trabalho da terra, pode-se ascender ou talvez escalar rumo a novos horizontes, a infância no alvorecer da humanidade. Subir de nível de existência significa cultivar esse trabalho de forma pura. Veremos que relação esta imagem tem com as letras.

Behind the Mirror (6:43): O álbum abre com um hino aos heróis que emigram em busca de um novo começo, aqueles que constroem novos tempos para o seu povo. Tem um início enérgico, um refrão cativante onde convida a mexer, a transferir, a fazer o que for preciso para ir além do que vemos num espelho, como uma imagem que encobre o que realmente é. Uma liberdade se esconde por trás do que refletimos, uma liberdade que reside nos novos filhos, que trazem esse novo olhar, aquele “coração de aço” musicalmente, a bateria tropeçante se destaca nas letras, bem típica do progressivo: ambientes de hinos em suas sintetizadores, guitarras e baixos acompanham essa empreitada de seus personagens. 

Redenção (6:36): Uma mudança contundente de dinâmica, o ritmo está em ¾ com a atmosfera estremecendo devido à solidão. O personagem fala com um ser feminino que o ajuda a resgatar sua falta de preocupação consigo mesmo, plantando sementes no fundo de seu coração. Ele tenta se segurar para que uma luz surja algum tempo depois de tantas tentativas. Ele se desculpa por sua desesperança. A música acompanha tão bem o ritmo que chega a abalar a escala menor em que foi escrita. A voz parece vir de um cantor de joelhos apesar de tudo, a música atinge um pico próximo ao final da música guiada por um solo de guitarra bem melódico. 

A Bela e o Menos (9:15): Momento de uma emocionante canção, a vida de uma mulher que precisa vender seu corpo com vergonha para poder sustentar o irmão que mora longe dela. Musicalmente eles sabem expressar essa situação com muita técnica melódica, seja nos arranjos, nas viradas do baterista e no groove do baixista, combinando tão bem para o que depois se torna a partir do minuto 3:23 um som de sirene ao fundo sinaliza a vizinhança onde mora a mulher da canção, tensão em seu ambiente, solos de um violão lamentoso. O instrumental conduz por passagens onde as emoções da dita mulher se sentem resolutas e às vezes tensas, as progressões se resolvem e caem. A música termina com a esperança de que tudo acabe sendo ontem, sacrificando o presente por um futuro melhor.

Cada Nota (6:00): O personagem sente-se deslumbrado por uma mulher que conhece muito bem, entoa seus sentimentos por ela pelo carinho que sente vindo de sua alma a cada nota que emite. Uma balada poderosa de violão principalmente no início e no interlúdio, junto com uma flauta, misturam a melodia que leva ao clímax do rock. É uma música que passa do enérgico e calmante tanto do virtuosismo quanto da técnica de tocar lento e ao mesmo tempo dinâmico.

Pearls and Fire (12:42): Uma introdução com um refrão clássico de bandas que costumam tocar na suspensão do momento, a história de um menino reprimido pelos pais que sai de casa ainda jovem para se alistar na guerra. É neste momento que o rock progressivo entra plenamente como a melhor forma de contar a jornada de um herói, os perigos de lutar no fogo cruzado bem como no ponto mais profundo da música um solo de guitarra que evoca a devastação descrita na letra de as passagens a seguir. Porém, o tema gira com notas heroicas, dá essa virada de olhar a guerra como um passado, a partir de agora você se torna um emblema. 

Minha Inspiração (8:23): Nessa balada não se entende bem o que exatamente ele quer dizer com suas palavras indicando que é sua inspiração, a música mostra muito que se trata de uma banda dedicada quase inteiramente a elevar o clima, dando uma possibilidade de esperança, resolvendo-se numa pausa musical. Os arranjos sempre variam até nas repetições das passagens, são vários tipos de solos inclusive um entre guitarra e teclado harmonizando.

Homecoming (5:09): Um grande conselho abre esta despedida de velhos erros, muitas melodias neste tema conduzem a ambientes positivos e mudanças. Ótimo delay para grandes frases e notas de pedal. 

É assim que a história termina? (19:10): Virtuoses e técnicos, neste fechamento do álbum, com uma longa introdução, revisam riffs e melodias épicas. Então surge o Groove, como um passageiro de trem olhando de um lugar que é todos os lugares ao mesmo tempo. No minuto 6:29 surge um ambiente rítmico e eletrônico, onde se resolve em grande potência do grave ao agudo, a música é posta em movimento muitas vezes, as letras carregam slogans de não abandonar a possibilidade de aproveitar a oportunidade que uma missão exige. Minuto 14:11 un piano en solitario toca los acordes de lo que sería el comienzo de la sección final o parte 3 en un mismo tema, donde concluye con preguntas del personaje si es así como terminan las cosas, en indecisión y lleno de esperanzas a a vez.

São tantas as histórias que um estilo de rock progressivo pode abarcar, sempre trazendo para um ponto comum, seja por uma força de hábito no som de uma banda ou pela reiteração de seu compositor de que as coisas têm esperança. Foi divertido viajar entre músicos muito caprichados e técnicos, é como ter visitado as histórias de sempre com um som moderno. Neste álbum, a figura da criança é vista como um futuro e como a parte pura e bondosa, enquanto os demais narradores se sentem constantemente culpados ou indecisos diante de reflexões de natureza muito humana, mas também corrompida pelo caminho. para a vida adulta e as responsabilidades. A música acompanha muito bem cada história, é seu reflexo fiel e transcreve o emocional com o musical.