Terceiro álbum de estúdio do Iron Butterfly, lançado em fevereiro de 1969. Depois do enorme sucesso de "In-A-Gadda-Da-Vida", decidiram modificar seu som ácido-rock um pouco e experimentou composições mais melódicas. O álbum alcançou a 3ª posição nas paradas, fazendo Ball mais sucesso imediato ao lado de In-A-Gadda-Da-Vida. Uma curiosidade é que durante a gravações Paul McCartney convidou o baterista Ron Bushy para gravar o Abbey Road dos Beatles, mas Bushy recusou e Paul McCartney teve que se contentar com o Ringo Starr.
01. In The Time Of Our Lives
02. Soul Experience
03. Lonely Boy
04. Real Fright
05. In The Crowds
06. It Must Be Love
07. Her Favorite Style
08. Filled With Fear
09. Belda-Beast
- Doug Ingle - organs, lead vocals (except on track 9)
- Erik Brann - lead guitar, vocals (sings on track 9)
Enquanto Jessy trabalhava em seu álbum anterior "All the Time", ela estava se mudando de Nova York para São Francisco, o que podemos ter visto na capa eloquente. E esta foi gravada depois que o músico canadense já havia se estabelecido em Los Angeles. Consequentemente, impõe novas influências estéticas e culturais em sua música, tornando-a ainda mais preguiçosa, sem esforço, descontraída e alegre do que antes. E também - menos club-ish, sem aquele techno arejado e breakbeats de minhoca.
Não encontraremos aqui sucessos de clube à beira do grande pop como "Lick in Heaven" ou "Anyone Around". Pode parecer impossível, mas "Love Hallucination" é elaborado ainda mais graciosamente do que todos os seus trabalhos anteriores. Cada faixa aqui tem ritmos menos óbvios e refrões mais calmos. Sempre conhecemos Jessy como uma musicista "entre club e pop", voando em algum lugar não muito longe dos blockbusters techno de Yaeji e Jessie Ware com seu humor sexy. E com este álbum, ela empurra seu som ainda mais para o território intelectual, mas ainda mantendo sua paleta sonora central com ganchos pop elegantes.
E é interessante ver onde seu próximo álbum a leva no mapa (no sentido musical e territorial).
No álbum irmão de The Loneliest Time do ano passado (e seu melhor desde E·MO·TION de 2015 ), Carly Rae leva as coisas de volta ao básico, mantendo a entrega mais madura e as escolhas de produção de suas músicas recentes. Os ganchos deste álbum são muito mais precisos e "pequenos" em comparação com seus lançamentos mais antigos, e ainda assim eles têm o mesmo impacto. Suas metáforas românticas permanecem excelentes, basta olhar para "Kamikaze" ou "Psychedelic Switch".
Mas é a produção deste álbum que o torna tão especial. Os sintetizadores aqui deslizam pela faixa tão satisfatoriamente que me colocam em transe. A percussão pode variar de um kit acústico alto e quase áspero na abertura a uma enxurrada de divertidas marimbas em "Aeroplanes". E cada linha de baixo neste álbum me enche de alegria sem limites. Mais do que qualquer outro álbum de Carly Rae Jepsen, esta é uma experiência de fone de ouvido. A mistura fenomenal deve ser ouvida em todo o seu corpo para realmente ser experimentada.
"Kollage" é um exemplo perfeito de tudo que esse álbum faz certo. A produção aqui é absolutamente magistral. Esta é uma estrela pop que só melhorou em mais de uma década que ela teve. O fato de ter passado tanto tempo e Carly ainda poder lançar momentos decisivos na carreira como essa música é incrível. Mas não posso colocar isso muito acima de outras músicas. Há também a bela melodia de piano e a implementação criativa de bateria sincopada dispersa em "Put It to Rest", outra música que pode ser considerada definidora de carreira. E, claro, o duplo encerramento "Stadium Love" e "Weekend Love". O momento final mais ambicioso de toda a carreira de Carly Rae. Aqui ela experimenta sintetizadores altos e bombásticos, solos de guitarra elétrica, amostras vocais distorcidas e até flautas. Admito, porém, que eu acho que os dois devem ser trocados. "Stadium Love" parece muito mais clímax para mim.
Neste ponto, ela está simplesmente se gabando de seu domínio na cena pop, já que este é mais um álbum que consolida Carly Rae Jepsen como a rainha do Dance-Pop do século. Eu realmente não consigo pensar em nenhum de seus contemporâneos lançando um álbum tão fantástico.
Pieces of a Man é o nascimento do rap, sim, mas é muito mais do que isso. É uma obra maior da música negra norte-americana, misturando poesia, soul, funk e activismo, na voz do inimitável Gil Scott-Heron
Gil Scott-Heron (1949-2011) foi um escritor transformado em cantor, e isso faz toda a diferença. Depois de os seus pais se terem separado, Gil foi viver com a avó para o Tennessee, onde os negros são sempre lembrados da sua cor da pele. Quando a avó morreu, o rapaz de 12 anos vai viver com a mãe, para Nova Iorque, no Bronx. Este é o background de Scott-Heron, negro do campo e da cidade, que cedo impressionou toda a gente pela sua capacidade oratória e pela sua escrita.
O final dos anos 60, na América, foi o palco da luta pelos direitos civis dos negros, da oposição à guerra do Vietname, do surgimento do movimento hippie, de toda uma geração que deixou de olhar os mais velhos como um exemplo, antes pelo contrário. Mais do que a paz e o amor californiano, o mundo do jovem Gil estava mais próximo do imaginário dos escritores da geração beat e do submundo nova-iorquino, com as suas prostitutas, os seus homossexuais, os seus drogados, os seus negros.
Como dizíamos ao início, o caminho começou pela escrita, como tantos outros (Leonard Cohen é apenas o mais conhecido de muitos exemplos). Em 1970, tinha dois livros escritos e impressionava o underground literário da cidade que nunca dorme. E é das leituras das suas histórias que surge a ideia de gravar um disco ao vivo, que acabaria por ser a sua estreia: Small Talk at 125th and Lennox, de 1970. Esse disco, espartano e directo, acabou por ser o balão de ensaio para os passos seguintes e para uma carreira desordenada que duraria até à morte do seu autor, em 2011, reabilitado para uma nova geração depois de muitos anos de esquecimento.
Se a estreia havia sido pouco mais que a voz de Scott-Heron a debitar as suas histórias acompanhado por congas maníacas e um ocasional piano, o capítulo seguinte seria feito de um funk/jazz tecnhicolor. Esse disco é Pieces of a Man, editado em 1971.
Bastaria a primeira faixa, a versão mais conhecida de “The Revolution Will Not Be Televised”, para que este álbum ficasse na história. Tal como no primeiro disco, o tema abre Pieces of a Man, e as palavras são as mesmas, mas é como comparar a noite ao dia. Se a versão anterior era esparsa, dura e directa, esta surge ensopada num funk pegajoso e suado. O profeta zangado dá lugar a um activista wiseguy, cheio de ginga e estilo.
A paleta exibida nessa primeira faixa é o mapa para todo o disco, uma explosão de criatividade feito caldeirão, onde são deitados, perante os nossos olhos atónitos, soul, jazz, funk e os inícios do rap. Um dos grandes segredos para a transformação é a presença do comparsa Brian Jackson, mago das teclas e de outros instrumentos, que aqui colabora pela primeira vez em disco com Scott-Heron, numa relação que viria a dar vários belíssimos frutos ao longo dos anos. Órgão “swingante”, guitarra eléctrica, baixo irrequieto e uma flauta que tanto é anjo como demónio, estes são os ingredientes musicais desta hora de excelência. O grande trunfo é que tudo isto é feito sem nunca ofuscar as palavras de Scott-Heron, a razão para tudo acontecer, com as suas vívidas histórias de luta, de privação e de esperança.
É algo difícil destacar músicas de uma obra tão coesa e tão uniformemente bem conseguida. Além da omnipresente faixa inicial, podemos falar de “Lady Day and John Coltrane”, homenagem a Billie Holiday e ao jazzman, apresentados como a solução para quando tudo parece estar a correr mal; a maravilhosa vinheta de vida dura que é “Home is Where the Hatred Is”; o funk avassalador de “When You Are Who You Are”; a linda quase-balada soul de “I Think I’ll Call It Morning”; a realidade despida e crua de “Pieces of a Man”; ou o sentido bíblico de “The Needle’s Eye”, com as imortais frases: “All the millions spent for killing/Seems the whole world must be dying/All the children who go hungry/How much food we could be buying“.
Pieces of a Man é uma obra maior da música norte-americana, fruto da sua espontaneidade, da sua livre criatividade, da sua pureza, da sua dureza, da sua esperança tingida de melancolia.
Tantos anos depois, fica a ironia: a revolução ainda não foi feita, e desta vez está mesmo a ser televised, nos telemóveis de todos aqueles que vão apanhando os abusos dos assassinos dos nossos tempos.
Em erupção como o vulcão adormecido que eram, o Blur e seu retorno aos grandes palcos que se estendem por todo o mundo foram um grande triunfo para a banda e para os fãs. A balada vem atrás deles. Damon Albarn explora o lado mais calmo, como fez em seu recente álbum solo The Nearer the Fountain, More Pure the Stream Flows. Combinando isso com a experiência contorcida ressaltando o nervo de aço de Graham Coxon e os delicados ritmos de apoio de Alex James e Dave Rowntree, respectivamente, The Ballad of Darren dispara para os céus e se aproxima do topo da discografia de Blur. Reflexão e sinceridade, escalando uma variedade de práticas e fluxos instrumentais, observados de forma clara e limpa pelo quarteto, constituem alguns de seus melhores trabalhos em décadas.
Coletivamente ou não, os membros do Blur superam a si mesmos e muito do que fizeram juntos ou separados. Uma virada quase ansiosa é invertida entre The Ballad e St Charles Square, um reconhecimento e aceitação da fúria em vez da introdução tímida e vacilante. Coxon é a centelha de tudo isso, a loucura de St Charles Square e o trabalho de guitarra gemendo por baixo, mantendo tudo junto enquanto Coxon ataca os fantasmas que assombram a banda. Bárbaro é tudo menos sua sugestão titular. Certamente capturando algum conflito interno, o medo do ressentimento para com aqueles que amamos, o sentimento que nunca se perde agora se foi, e Bárbaro monta um pequeno aparte íntimo. Com suas relíquias de bateria eletrônica escondidas no fundo, há uma virada de confiança de Albarn, cuja inclinação contínua para a experimentação do Gorillaz se reflete aqui.
Apesar de estar por aí desde a virada da década de 1990, Blur ainda se encontra, como Suede, completamente perdido e no escuro sobre onde eles precisam estar. Com razão. Ninguém precisa se encontrar e você não pode fazer isso em dez músicas. Mas eles tentam e uma tentativa honesta é montada. Muitas batidas de piano grossas que guiam o Blur a novas pastagens, como Arctic Monkeys fez com Tranquility Base Hotel and Casino, como Pulp fez com This is Hardcore. The Ballad of Darren pode estar em sintonia com o título irônico, mas as faixas que fluem, as exuberantes e legais cordas russas para as iguarias de guitarra inspiradas em Glen Campbell, mostram o crescimento puro e simples. Isso não é para todas as pessoas ou para quem mora em casas de campo, é para o Blur e seus quatro membros. É sua postura autobiográfica e meditativa que os leva a um novo patamar.
Em um momento de saques na turnê nostálgica, Blur e Pulp estão aproveitando ao máximo. O último é guiado pelo mantra “cale a boca e toque os hits” do LCD Soundsystem, o primeiro levando em consideração o quão longe eles chegaram e como eles ainda perseguem aqueles agudos delicados. Isso é o que os fãs querem. Toda uma nova geração que nunca teve a chance de ver os altos do Hyde Park recebe a oportunidade e a experiência que eles, assim como o Blur, tanto desejavam. Blur navega por alguns de seus melhores trabalhos aqui, evitando a chance de dar a você o que você espera. The Ballad of Darren está cheio de surpresas, levando a sério esses sentimentos mais lentos e correndo com eles. Adeus Albert e tudo o que se segue é nada menos que ridiculamente inspirado. Uma experiência de cair o queixo que cimenta o Blur não como os estranhos garotos chiques dos anos 90, mas como os artistas ternos e experientes que sempre foram. Um álbum tão inspirado e responsivo quanto The Ballad of Darren sempre tem esse efeito.
Sam Gopal é um grupo inglês criado em 1967 e que deve o seu nome ao percussionista e tablaista da Malásia, Sam Gopal. Este combo tem a oportunidade de se apresentar no palco na presença de Jimi Hendrix Experience, Traffic e Pink Floyd. Depois de algumas mudanças de pessoal, a formação é completada por Phil Duke no baixo, Roger D'Elia no violão e um certo Ian Willis mais conhecido como Lemmy na guitarra e voz. Este último provou seu valor com a garagem de combinação Rockin Vickers comparável aos Kinks com quem registrou três 45 voltas. Em Londres, dividindo quarto com o baixista Noel Redding, ele é roadie de Jimi Hendrix a quem fornece LSD! Legal, parece que o canhoto girou três de suas dez balas para Lemmy. É nomeado em referência à expressão inglesa "Lend Me A Fever" (abreviado para "Lemme") que significa "Lend me a bifton". Com efeito, este último confrontado com dificuldades financeiras e com o seu vício em jogos, vê-se obrigado a pedir dinheiro aos colegas. No final de 1968, o quarteto entrou em estúdio e em março de 1969 produziu o 33 voltasEscada rolante sob a pequena gravadora Stable Record.
Composto por onze títulos, este Escalator oferece um álbum psicadélico com tendência heavy folk mas sem bateria.
De fato, a bateria está ausente com exceção do título final "Season Of The Witch", mas apenas no refrão acompanhado por coros femininos. O ritmo é fornecido pelo baixo e pela percussão. Curiosamente, este disco se mantém pesado e enérgico quando necessário graças ao groove e ao som redondo do baixo. O estilo pesado de Phil Duke é uma reminiscência do Cream, como mostrado na faixa de abertura "Cold Embrace". No entanto, a bateria está faltando, exceto em baladas folclóricas com um aroma exótico e oriental como "The Sky Is Burning" e "Angry Faces". Apesar dessa ausência, o grupo se esforça para instalar atmosferas sombrias e estranhas com a música homônima, "The Dark Lord", "Your're Alone Now" ou "Grass".
Como um todo, Escalator destaca a voz um tanto rouca de Lemmy e seu jeito de tocar guitarra que elabora pesados solos de acid blues. Em suma, este é um vinil longe de ser revolucionário, com uma sonoridade datada, não essencial mas que continua a ser uma boa curiosidade para uma audição agradável. Pouco depois o grupo se separou. Em 1999, Sam Gopal publicou um segundo álbum intitulado "Father Mucker", mas sem Lemmy. Este se juntará a um novo grupo como baixista em 1971.
Escalator foi relançado em CD em 2010 pela Esoteric.
Títulos: 1. Cold Embrace 2. The Dark Lord 3. The Sky Is Burning 4. You’re Alone Now 5. Grass 6. It’s Only Love 7. Escalator 8. Angry Faces 9. Midsummer Night’s Dream 10. Season Of The Witch 11. Yesterlove
Músicos: Sam Gopal: Tabla, Percussão Ian Willis (Lemmy): Guitarra, Vocal Phil Duke: Baixo Roger D'Elia: Guitarra, Vocal
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