“PARIS” é o single de apresentação de “Mémoires”, marco de afirmação de Marianne enquanto músico.
Disponível em todas as plataformas de streaming e acompanhado por um videoclipe que dá vazão à multidisplinaridade de Marianne, combinando a música com a sua expressão nas áreas das artes performativas e moda, meios nos quais o artista tem vindo a ser reconhecido.
Assumidamente inspirada pelos ritmos suados da bachata, com loops de percussão, guitarras com sotaque latino e notas de piano, desbrava território desconhecido sem fazer as malas do hip-hop.
“O tema foi todo escrito por cima de um baixo e de uns loops de congas. Ainda sem guitarras ou pianos. Depois enviei a base para o Leandro Requinto, um guitarrista da República Dominicana, que tocou o que eu imaginava”, explica Dillaz sobre o processo.
Os acabamentos da canção passaram depois pelas mãos da dupla Ariel & Migz, “que arrumaram a casa”, detalha Dillaz, e por Here’s Johnny, responsável pela mistura e masterizaçāo.
“Para quê dizer o que não foi dito?”, interroga-se em “Colãs”. Figura reservada, Dillaz deixa a música falar por si. Os versos são a forma ideal de mergulhar no complexo enredo daquele que foi o segundo artista português mais ouvido no Spotify em 2022.
"Amplifier" é um grupo que começou no ano de 2000 e lançou seu primeiro álbum de estúdio em 2004, destacando-se por sua abordagem psicodélica à música. Ao longo da sua carreira produziram 6 álbuns de estúdio, destacando-se sobretudo pelo seu som stoner misturado com rock espacial e rock psicadélico. Destaco particularmente o álbum conceptual The Octopus, que demonstra a sua notável criatividade musical.
Recentemente, eles apresentaram seu novo álbum intitulado "Hologram", neste álbum apenas dois de seus membros, o baterista Matt Brobin e o guitarrista e vocalista Sel Balamir, ambos membros fundadores da banda, ficaram encarregados da produção deste álbum. desde então o baixista e a segunda guitarra não participaram. Apesar disso, o álbum mantém a mesma essência musical dos trabalhos anteriores, mas parece fresco ao ouvi-lo. Nesta ocasião, o álbum explora temas de ficção científica, inteligência artificial, mundos distópicos e planetas desconhecidos, o que lhe confere uma abordagem divertida para os amantes desses gêneros.
O álbum começa com "Two Way Mirror", uma música que está em constante mudança com um som pesado que às vezes me lembra o Rush. É um tema que transmite a sensação de uma viagem e está em constante movimento até ao fim. Eu considero que é a minha música menos favorita do álbum. Porém, o que me acontece com este disco é que cada música supera a anterior em qualidade e me parece melhor que a anterior.
Continuamos com "Sweet Perfume" uma música caótica como a anterior, mas desta vez ela incorpora seções mais melodiosas, me lembra um pouco "Paranoid Android" do Radiohead devido ao seu nível de psicodelia, suas estranhas qualidades o tornam extremamente divertido canção. No final, eles nos surpreendem com uma seção de violão que tem vibrações do tipo Opeth e leva para a próxima música.
Aí começa Hologram, a música que dá título ao álbum, a introdução da música me lembra muito "Ravine" do Genesis. Em seguida, Balamir começa a cantar, nos levando por uma música melódica e descontraída até que ocorre uma pausa super orgânica onde a guitarra ganha mais peso e ouvimos um solo psicodélico. O interessante é que eles não usaram teclados e sim muitos pedais para a guitarra, o que dá um toque todo especial.
“Tundra” é a balada progressiva do álbum, sendo a música com a menor duração, destaca-se pelo som enigmático do deserto. No tom psicodélico do álbum, a música é ouvida até que no final ela gradualmente desaparece dando lugar à música mais longa do álbum.
“Let me drive” destaca-se por ter uma sonoridade que lembra um pouco o rock alternativo dos anos 90 mas sem descurar a sonoridade espacial característica deste álbum. Quando você pensou que a música havia chegado ao fim, um solo psicodélico surge, acompanhado por um riff sombrio que marca o clímax dessa música. Pessoalmente, destaco muito o final, já que transporta e dá o passo perfeito para a última música.
Finalmente ouvimos “Gargantuan (part 1)”, a última música do álbum, uma canção melodiosa que nos envolve com o seu imaginário, destacando-se sobretudo um solo de guitarra que emula o som de um sintetizador. Como mencionei antes, de acordo com a banda todos os sons do teclado são feitos com pedais e nesta música eles conseguem criar uma atmosfera sensacional que evoca a era dos anos 70. Sem dúvida, é a escolha perfeita para fechar o álbum.
Considero «Hologram» um bom álbum para os amantes da banda, mas não é essencial para um amante da música. Apesar de seu som criativo, a banda está confortável em seu estilo de assinatura, o que não é uma coisa ruim por si só, mas deixa aqueles de nós que gostam de música querendo mais. Apesar disso, o álbum é altamente criativo na forma como explora diferentes ritmos e compassos, criando uma sensação de ficção científica que o transporta para o mundo deles. Apesar de bastante curta, destaca-se pela forma interessante como desenvolvem determinados sons com a guitarra, o que a torna simpática, esquisita, pesada, psicadélica e espacial, perfeita para passar uma tarde agradável.
Eis o império dos duplos sentidos, diz-nos Homunculus Res no título do seu novo álbum. Nesta ocasião, os italianos levam-nos numa aventura excêntrica, colorida e contrastante, algo existencial. Para os amantes do incerto e do desconhecido.
O progressivo italiano sempre teve uma forte inclinação sinfónica que podemos continuar a ouvir em bandas modernas como Il Bacio della Medusa ou La maschera Di Cera. No entanto, Homunculus Res tem uma marca distintiva; Apresenta uma influência muito forte da cena de Canterbury, principalmente do lado mais pop do gênero. Os teclados são claramente inspirados no som de Dave Stewart ou David Sinclair e arrastam do passado a cor de discos cult como o clássico Caravan – “ If I Could Do It All Over Again, I'd Do It All Over You ”.
Isto não significa que a banda se satisfaça em reviver estas sonoridades, mas sim que decidam dobrar a aposta e combinar elementos de easy-listening , eletrónica e jazz, para dar forma a um álbum carismático, com aroma mediterrânico e significativamente diferente do Canterbury já ouvimos antes. Picchio dal Pozzo pode ser citado como outra forte influência dessa banda.
Ironicamente (já que a grande maioria dos eventos acontecem por aqui) o álbum começa com “Il gran finale”, uma sólida faixa de abertura, que explora diferentes teclados e sonoridades que caracterizam a banda. Por exemplo; aquela guitarra limpa que toca acordes de sétima e que traz uma sensação tão jazzística e espaçada à mixagem. Dá para sentir o gap entre os instrumentos e a voz, estamos diante de uma produção bem conseguida que acompanha o propósito da letra; Resulta num convite ao espaço sideral, a ver as estrelas, a viajar no nada, sem princípio nem fim. Em uma base rítmica rígida, desfrutamos de um solo de órgão bem canterbury para retornar ao pré-refrão e refrão cantáveis da música. Uma mistura perfeita entre virtuosismo e pop. A música termina com um playout ótimo entre guitarrista e baixista.
A abertura nos redireciona discretamente para “Quintessenza la la la”, uma composição doce e agradável, com belas melodias vocais em harmonia que ganham destaque durante os versos e um saxofone brilhante unindo as seções, a cola perfeita. O gancho instrumental é marcante, com aquele teclado techno que (como dito antes) mostra que este não é um álbum retro-prog qualquer, mas que tem sua insígnia característica na hora de configurar paisagens sonoras.
A seção final desta música de seis minutos é dedicada a deixar os teclados tocarem e experimentarem livremente a progressão de acordes; levando-nos em um bom caminho para um fim abrupto.
“Il bello e il cattivo tempo” desencadeia a parte mais Beatle do álbum, vemos harmonias vocais por todo o lado e um ritmo de quatro quartos que nos faz abanar a cabeça de alto a baixo. Viaggia l'infinito, si espande sempre più , narra a canção, novamente com tema espacial/existencial; letras que nos fazem pensar na grandeza do universo, e como somos pequenos em comparação. Entre pratos sinistros, guitarras estranhas e harmonias celestiais, a música se encerra numa espécie de caos controlado, entropia.
Um mellotron clássico abre “Viaggio astrale di una polpetta” e então apresenta toda a banda; desta vez, com um arsenal de instrumentos de sopro, como flautas e trombetas. A grande presença do mellotron no retorno constante ao tema principal e o sentimento pastoral proporcionado pela flauta fazem desta faixa talvez a mais sinfônica do álbum. Múltiplas dinâmicas rítmicas e modulações tonais dão um ar de completude à música. No final aparece o segundo vocalista da banda, com uma voz brilhante e aguda para cantar alguns versos vibrantes, antes que a música se feche numa espécie de seção hipnótica de krautrock.
“Fine del mondo” é uma canção alegre e estival, que, como se espera no império dos duplos sentidos, traz uma mensagem subjacente sobre a extinção do planeta à custa do aquecimento global. Guitarras gritantes e divertidas são a cereja no topo do bolo para esta faixa divertida (e perturbadora).
Sol, sol, sol, sol, é assim que “Pentagono” começa, repetindo a nota do sol uma e outra vez, mas desenvolvendo vários acordes sobre ela que formam os complexos mais interessantes. Os fanáticos por harmonia vão querer essa música, pois ela está repleta desses jogos . Os vocais muito arejados que acompanham o resto dos instrumentos criam uma atmosfera muito particular na peça, que transita lentamente para uma secção explosiva de cariz jazzístico com pianos nos registos agudos e um ritmo sincopado. Em sua conclusão, "Pentagon" incorre na mistura de sentimentos contrastantes e resulta em um produto muito rico e interessante.
“Parole e numeri” começa lenta e épica, rastejando como um colosso musical, ventos, sons ambientes e novamente, esse estilo de vocal espaçado que traz um ar quase onírico ao disco. As belas e sutis melodias são o que consolidam e engrandecem a faixa, dando-lhe sentido. Termina acompanhado por teclados e ondas místicas de corais, entre gargalhadas e sons de estúdio.
Logo em seguida, começa “Qinque sensi”, com um baixo enérgico e poderoso e harmonias vocais suaves. Eles geram a mistura perfeita entre fuzzy e sharp. Nebulosas musicais com teclados sujos e guitarras cortam a composição e a impulsionam para outro patamar.
“Fiume dell'oblio” apresenta-nos um dueto flauta-banjo ao qual se junta, um violoncelo? O que pode dar errado?
Canção que traduz o que há de mais carismático na banda, numa melodia principal nada desprezível. O uso de instrumentos não convencionais percorre um longo caminho (assim como a adição daquele tímido mellotron) para capturar a originalidade inerente do gênero e estilo. Incrivelmente, a música termina com a melodia principal do tema sendo assobiada por alguém durante o banho. Não quero negar, me vi fazendo a mesma coisa algumas vezes.
“Doppi sensi” é a última faixa do álbum e a mais longa (10 minutos). Abrange tudo o que foi mencionado acima, mas também passa por etapas exploratórias. A música tem várias mudanças que a fazem parecer uma miscelânea de ideias musicais arriscadas. Os solos aqui são muito bem feitos e os refrões vocais repletos de “La, la, las” seguem a convenção do resto do álbum.
Mais ou menos no meio do trabalho temos uma mudança importante; com o aparecimento de alguns coros angelicais tudo se transforma e ficamos com uma secção puramente ambiente, ultrajada; 5 minutos de sinos, repiques, moduladores e vozes marcianas que vibram morrendo, desvanecendo gradativamente a obra.
Com este lançamento, mais uma vez, é exposto o talento e a personalidade de Homunculus Res. Uma coleção de canções que podem perfeitamente entrar entre as melhores apresentadas neste segundo semestre; um álbum diferente, fresco, divertido e fácil de ouvir.
A parte mais pop do progressivo não é de todo desprezível, pois assume um risco significativo de esticar os limites de um gênero musical influente e decoroso. Este é um excelente álbum para começar a ouvir música progressiva vinda de qualquer fundo; é criativo; e se esforça para construir e complexificar liricamente e instrumentalmente, mas o faz de uma forma que nunca parece elitista ou pretensiosa. Ótimo álbum para assobiar, chorar, correr, amar, pensar, dançar, enfim; qualquer infinitivo que você possa imaginar.
Elton John é muito, muito mais do que um showman com um prodigioso hábito de consumo e uma história de outros hábitos que permanecerão anônimos. Junto com o parceiro de composição de longa data Bernie Taupin, ele nos deu alguns dos álbuns mais adoráveis e duradouros de todos os tempos. Obviamente, nem todo álbum pode ser ótimo. Considerando que sua carreira se estende por mais de 50 anos, você não esperaria que eles o fizessem. Mas este é o homem que nos deu clássicos como “Goodbye Yellow Brick Road”. Isso é algo que nenhuma quantidade de doozies pode prejudicar. Quanto a quais álbuns são os melhores, fique atento para descobrir enquanto contamos os 10 melhores álbuns de Elton John de todos os tempos.
Depois de anos no deserto, Elton voltou com tudo em 2001 com “Songs From The West Coast”. Inquestionavelmente, o álbum teve um grande impulso com sua decisão de trazer alguns de seus antigos membros da banda de volta. Mas foi o reencontro de Elton e Taupin que fez do álbum o que é. Ajudado por alguns videoclipes excelentes com estrelas de Robert Downey Jr e Justin Timberlake, “Songs From The West Coast” provou que, seja o que for que Elton John fosse, ele estava longe de terminar.
"Honky Château", de 1972, representou o primeiro álbum número um de Elton nos Estados Unidos. Também representou a última vez que o vimos com barba e especificações do NHS antes que os óculos e perucas malucas assumissem. Discreto, sincero e maravilhosamente simples, foi um álbum muito bom que se tornou ótimo com a adição do sublime “Rocket Man”.
Tire os óculos malucos, as roupas e o carisma, e você terá a essência de Elton John: um grande pianista e um vocalista ainda maior. “A Single Man” é exatamente isso: um homem solteiro fazendo o que faz de melhor no instrumento que conhece melhor. A banda pode se juntar para se divertir e rir em alguns pontos, mas este é um álbum que mostra Elton em sua forma mais simples e melhor. É algo revigorante.
Pode soar como uma escolha controversa, mas se “Too Low for Zero” é bom o suficiente para ser incluído na lista das 10 melhores músicas de Elton John do ultimateclassicrock.com, é bom o suficiente para a nossa. Se você ignorar os brilhantes valores de produção dos anos 80, descobrirá que o álbum tem uma alma e uma ternura que poderia competir com qualquer um dos trabalhos anteriores de John. Se você ainda não está convencido, ouça "I Guess That's Why They Call It The Blues". Se alguma faixa fosse convencê-lo dos méritos inerentes do álbum, seria essa.
“Tumbleweed Connection” de 1970 mostra Elton em boa forma. Tendo desfrutado recentemente de grande sucesso na América, ele estava com vontade de comemorar. Que melhor maneira de fazer isso do que honrar sua nova pátria com uma boa e velha cultura americana? Faixas como “Country Comfort” e “Ballad Of A Well-Known Gun” não teriam soado fora de lugar em um álbum do Creedence Clearwater Revival . Amoreena é uma faixa linda e alegre com algumas letras finas e vocais ainda mais finos. “Burn Down The Mission” é algo que até a banda teria se orgulhado. E então, é claro, há a balada simples, mas deliciosa, “Love Song”.
Como o Rate Your Music destaca , “Caribou” de 1974 veio no ponto na carreira de Elton onde ele começou a se afastar de sua imagem como um jovem roqueiro sério e começou a se mover em direção ao showman extravagante que ele passaria grande parte das próximas duas décadas aperfeiçoando. . A mudança é evidente em grande parte de “Caribou”, com faixas como “Don't Let The Sun Go Down On Me” e “Pinky” exibindo uma nova predileção por sintetizadores de humor e trompas. Considerando o sucesso de seus álbuns anteriores, ele estava brincando com uma fórmula vencedora. Felizmente, ainda conseguiu produzir um álbum clássico.
A onipresença pode ter roubado de “Your Song” parte de seu pathos, mas isso não significa que não foi, e ainda não é, uma das melhores canções do século passado. O álbum em que foi lançado, “Elton John” de 1970, é classificado como uma das primeiras e melhores realizações de Elton. Não há nada de grande ou extravagante nos arranjos musicais ou na produção: é simplesmente Elton, sentado ao piano cantando as palavras de Taupin como se sua vida dependesse disso. Nada poderia ser maior.
Os anos 80 podem ter visto Elton cair na loucura extravagante, mas antes de chegar lá, ele tinha mais um truque para jogar. “Captain Fantastic And The Brown Dirt Cowboy” de 1975 tem suas falhas (ele não poderia ter arrancado mais emoção de “Someone Saved My Life Tonight” se tivesse tentado, e a faixa-título era muito leve para carregar substância) mas no geral foi um álbum sincero e comovente que pode não ter recebido o crédito que merecia na época, mas provou que os críticos estavam errados a longo prazo.
O que quer que Elton estivesse absorvendo no início dos anos 1970, tinha suas vantagens. Como escreve Loudersound.com , lançar um clássico é notável o suficiente; lançar dois no mesmo ano é quase inimaginável. No entanto, em 1973, foi exatamente isso que ele fez. Nove meses antes de presentear o mundo com “Goodbye Yellow Brick Road”, ele estava nos dando uma amostra do que estava por vir em “Don't Shoot Me I’m Only The Piano Player”. Com faixas como a tocante “Daniel” e o roqueiro “Crocodile Rock”, liderando o caminho, foi um álbum forte e praticamente impecável que ainda soa tão novo hoje quanto naquela época.
Apenas nove meses depois de nos surpreender com "Don't Shoot Me I'm Only The Piano Player", Elton estava de volta. E de alguma forma, ele estava ainda melhor do que antes. “Goodbye Yellow Brick Road” é, simplesmente, uma obra-prima. Quer ele esteja interpretando um Bob Marley em “Jamaican Jerk-Off”, quebrando nossos corações em “Candle in the Wind” ou nos deixando no clima com “Saturday Night's Alright for Fighting”, ele não erra. E então, é claro, há a faixa-título espetacular. Ninguém antes ou depois conseguiu entrar e sair de gêneros com tanta facilidade e coesão. Sem dúvida, este é o seu melhor momento.
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E ao quinto álbum de originais, a artista canadiana Grimes (Claire Boucher) atinge o auge do experimentalismo pop. Depois de cinco anos sem lançar um disco, este Miss Anthropocene é uma evolução natural de Visions, de 2012, e do excelente Art Angels, de 2015, onde as experiências se misturam com o seu mundo de fantasia e rasgos pop, num resultado explosivo e muito interessante.
O disco tem como conceito as alterações climáticas, através de uma espécie de deusa mitológica, que vemos surgir em várias faixas, logo na abertura, em “So Heavy I Fell Through the Earth”, tema dark e synthpop, e em “Darkseid”, onde Grimes se junta a ?PAN, rapper taiwanesa que vai cantando ao longo do segundo tema do disco, em voz metálica e cortante (e que já tinha entrado em Art Angels), que gera ritmo e urgência, vontade de agir sem sabermos bem contra o quê. “Delete Forever” tem todos os ingredientes certos: toque acústico, um banjo, letra sentida, instrumentos de cordas, tudo certo para apertar os corações mais sofridos (escreveu-o numa noite após a morte de Lil Peep por overdose). Já “Violence” pende para o eletrónico, mais do género Art Angels, e é bastante dançável.
Apesar do tema das alterações climáticas, transversal ao álbum, ser pesado, Grimes quis colocar o filtro da fantasia e tornar tudo mais bonito, como a próxima já admitiu em entrevistas.
O álbum vai seguindo, consistente, dentro do universo Grimes, com estranheza e ritmo em “4AEM”, tranquilidade em “New Gods” e sonoridades que vão beber ao nu metal e industrial na excelente “My Name is Dark”. Regressamos às baladas com “You’ll miss me when i’m not around” e, a fechar, Grimes oferece-nos “IDORU”, sete minutos de luz depois do negro do disco, que é uma delícia e traz delicadeza na voz.
É esta mistura entre sonoridades várias, que se entrecruzam com o lado mais místico e fantástico de Grimes que tornam este disco tão diferente. É pop e é dark. É alegre e é fantasioso. É pesado e é denso. É contraditório, puxando em diferentes direções, entre a beleza e a fealdade.
Claro que algumas faixas não são tão bem conseguidas mas, no geral, o disco consegue ter a sua parte conceptual dentro da estranheza fantasista e negra de Grimes e algumas canções que ficam no ouvido e que são excelentes exemplos da evolução musical da artista.
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Houve um tempo, na segunda metade dos anos 80, em que os Pop Dell’Arte estavam no centro de uma movida alternativa, congregando à sua volta todos os gostos subterrâneos. Era uma época saudosa em que o público mais conservador se escandalizava com a loucura do seu experimentalismo e os fãs erguiam a sua dissidência bem alto como um orgulhoso porta-estandarte. Mas algures nos anos 90, por vicissitudes várias, a banda desintegra-se, entrando num longo limbo de inactividade.
Quando em 2010 regressam com o bonito Contra Mundum, já não pertencem a nenhum tempo, nem a nenhum lugar; são um fantasma, uma doce aparição. E é nessa qualidade de pura e intangível beleza que agora retornam em Transgressio Global.
São mais de duas dezenas de canções que agora nos trazem, uma generosidade sem precedentes. O que sempre esteve subentendido desde Querelle (1986), dizem-nos agoras com letras a negrito: desobedeçam, desobedeçam sempre, porque só desobedecendo o mundo gira e avança. Transgressio Global é isso, uma história concisa da transgressão, desde a antiguidade clássica até à Lisboa imaginada de 2084.
Os Pop Dell’Arte nunca esconderam a sua matriz esquerdalha e libertária. Basta lembrarmo-nos do seu “Juramento sem Bandeira”, um hino de resistência durante o asfixiante cavaquismo. Mas Transgressio Global é o seu disco mais abertamente político, uma resposta à crescente desumanização do mundo. Daí a revisitação do clássico de Vitor Jara “Derecho de vivir en paz”, um dos momentos mais bonitos do disco.
Um segundo tema atravessa o álbum: uma revolta contra o tempo, contra a tirania de acontecer uma coisa antes e depois outra a seguir, contra o despotismo de tudo ser tragicamente passageiro. Por isso, em Transgressio Global, tudo acontece ao mesmo tempo: Ovídio ouve Sonic Youth na rádio, Camões anda à pancada com Ziggy Stardust, o minotauro vai a saunas gay com Foucault.
Da evocação da Grécia e Roma antigas, vem uma estética nunca antes explorada pelos Pop Dell’Arte, a de um exotismo místico, cânticos de religiões pagãs há muito extintas, assombrando-nos com o seu negro psicadelismo.
Mas também há ecos de estéticas antigas, a forte identidade dos Pop Dell’Arte a vir ao de cima: o loop de “3 Things about Arvo Part you must know” sabe ao corte e cola de Free Pop (1987); a batida electrónica do tema de abertura lembra-nos o dançável Ready Made (1993); e as guitarradas de “Freaky Dance” transportam-nos para o rock’n’roll de Sex Symbol (1995).
Quem se admirar por haver canções por aqui anda muito distraído: mesmo no mais iconoclasta Free Pop, há bonitas melodias que nos ficam no ouvido. Foi sempre na fronteira da pop com o avant-garde que a banda de Campo de Ourique situou a sua estética. Transgressio Global não é excepção, sendo um disco tipicamente popdellartiano: intelectual e glam, melódico e dissonante, subversivo e camp, galgando todas as vãs fronteiras entre a alta e a baixa cultura. A voz de Peste continua pestiana, inventando sílabas sem sentido, usando a fonética como um demente brinquedo.
A capa, com um busto grego grafitado (e todo o simbolismo que ele carrega) é uma variação da capa do primeiro LP, Free Pop, completando um círculo. Mas não pensem que este disco sabe a fim. A suprema transgressão é sempre continuar…
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