Resenha: "Onze" de Lazuli, a maestria neo-prog francesa está de volta. (2023)

É bom conhecer bandas novas, essa resenha é do ponto de vista de quem nunca ouviu falar dessa banda, que raramente ouve música em francês. Lazuli é um grupo que começou em 1998. O nome ONZE refere-se ao fato de que esta é sua décima primeira edição. Um de seus integrantes, após sofrer um acidente que o deixou incapaz de tocar violão, inventou um instrumento, o Leode, sendo ele, Claude Leonetti, seu criador, o único que conseguiu tocá-lo.

Silloner des océans de viniles (5:03): a banda inicia seu disco em ¾ de um ritmo e som de rock suave e hipnótico, acordes um tanto tristes mas divertidos em uma longa mas interessante escala decadente no final, um loop de 4 acordes e final.

Sad Carnival (5:03): canção de um menino que passou vergonha em sua escola, o uso do tremolo fazendo parte da melodia medrosa, final inesperado, (alto uso de Groove progressivo).

Qui d'autre que l'autre (4:35): nota de pedal abre espaço para algumas guitarras que se aproximam como fumaça flutuante, abre um ritmo muito do blues, um groove crescente, bem ritmado. Há uma força quase sexual que espera e reaparece. 

Egoïne (5:22): O som tem um sentido de protesto e início de uma viagem, só que a letra é sobre um carvalho que foi perturbado por palavras e piadas como uma serra. Um refrão e a guitarra fazem uma melodia a world music na banda.

La lagune grise (5:21): Uma onda de música em tons leves, quase como um triste hino de viajantes do mar. A letra é linda, descrevendo 2 almas vagando e dançando ao lado de seus corpos. Grandes instrumentistas, ritmos dinâmicos dentro do que acontece.

Parlons du temps (5:04) uma música estimulante, nota pedal e muitas impressões nessa rede de acordes pendentes. O piano apóia o convite para falar de coisas importantes, como o clima, nossas ações passadas, nossas esperanças de viver em um mundo muito diferente de como era antes por não ouvir e parar no tempo.

Le Pleureur sous la pluie (5:04): letra muito poética e sensível, a música me faz imaginar uma criança, que já chorou na chuva sem ninguém perceber, a música entra baixinho, mas presença, eu sinto que é um jeito de acompanhar um caminhante que se entretém com o sentimento de solidão. 

Les mots désuets (3:08): um violão e a voz bastam para mostrar que o cavalheirismo é antiquado, obsoleto e que ninguém presta atenção nas palavras de outrora.

La bétallère (4:06): desta vez o grupo pisa com uma canção de protesto pelos animais que vivem e morrem nas piores condições possíveis, a música é pesada, mas com um toque bem típico da banda, com som de orquestra simulada , o trítono sugere a perversão dos açougueiros. 

Mille rêves hors de leur cage paroles (6:20): o som traz uma leveza agradável, volta um pouco ao som comum da banda, sempre mostrando aquelas passagens de esperança musical, um final mais ativo com solos de bateria. 

Le grand vide (5:11): a existência é uma dualidade de sensações, ser e não ser ao mesmo tempo, tão cheia de estímulos, mas também carente deles. Esta é uma música onde o piano é o instrumento principal, numa valsa que simula as batidas do ar e da incerteza. 

Este é um disco bastante estimulante na sua composição, os arranjos são muito leves e atraentes, acompanham e por vezes conduzem a emoção que circula em cada canção. As emoções musicais são muito variadas, não é nada chato. Como um falante de espanhol ouvindo um rock neo progressivo em francês é muito interessante, ainda mais lendo suas letras e comparando com a língua espanhola, o francês tem uma métrica diferente quando se trata de rimas. O termo world music lhes cai muito bem, projetam uma trajetória de 11 álbuns (10 estudos e 1 unplugged) onde converge toda a sua experiência. Um trabalho impecável e muito emotivo, nada a invejar aos grupos que se podem comparar no seu som, é normal querer dizer "parecem este ou aquele grupo" mas se for atento aos detalhes, os músicos sabem como para dar um toque único que cria um som de grupo,

 

Resenha: "Pages From The Sea" de Stefano Panunzi, um extraordinário músico progressivo italiano que você deveria conhecer (2023)

 

Pages from the Sea' é o quarto álbum de estúdio do músico italiano Stefano Panunzi (também membro fundador da FJIERI). Nela participam grandes músicos do meio, entre eles Pat Mastelotto, Markus Reuter, Alessandro Inolti e antigos colaboradores como Jakko Jakszyk e Mike Applebaum. Profundamente enraizado no art-rock cinematográfico e progressivo, Panunzi mantém-se fiel ao seu estilo na musicalização das quatro histórias que aqui apresenta. Uma obra conceitual com toques de ambiente sinfônico, alguns arranjos jazzísticos e uma atmosfera melancólica que geram uma aventura musical de alto nível, delicada e com cadências interessantes.

O disco começa com ´Wach Truth ? ´, peça instrumental em que o flugelhorn de Mike Applebaum rapidamente se estabelece como protagonista. A interação entre teclado e guitarra complementa brilhantemente a seção rítmica, um leve aceno para King Crimson, mas pontuado por padrões jazzísticos adequados. O baixo de Fabio Trentini gira em torno da melodia principal, fundindo-se de forma surpreendente, sem se chocar e intensificando a sonoridade jazz fusion que caracteriza esta peça. Segue-se ´Not Waving but Drowning´, uma canção originalmente de FJIERI que foi refeita para este álbum. Uma bela melodia onde Jakko Jakszyk empresta sua voz. O canto suave e pesaroso é acompanhado por uma linha de baixo muito robusta e sem trastes, que confere a esta peça uma misteriosa melancolia. ´The Secret´ é outro instrumental cujo fator marcante é a eletrônica de Sunao Inami. A programação de electro jazz de Inami junta-se aos ritmos frenéticos da bateria e do baixo, que por sua vez são complementados pelos exuberantes harmónicos do teclado de Panunzi. As variações que são geradas dão uma sensação de tempestade, de plena tempestade em alto mar. Com ´O Mar´ vem a calma. Uma viagem onírica de Peter Goddard que, acompanhado pelas guitarras Fripp de Giacomo Anselmi, nos resgata daquela tempestade e nos traz de volta à terra com sua voz.

Em ´You and I´ a voz é comandada por Robby Aceto. Uma canção de amor comovente enfatizada pela aspereza de sua voz. O trompete de Peter Dodge tocando ao fundo dá a esta peça um pouco de jazz exploratório legal. ´Steel Waves´ é outra peça instrumental, mas nesta o protagonista é sem dúvida o teclado. O trabalho de Panunzi é simplesmente incrível. Destaca-se também a percussão de Cristiano Capobianco, seus ruidos intermitentes articulando-se muito bem com as melodias dos teclados e o spinning bass de Fabio Trentini. Impossível ouvir essa faixa sem fazer alusão a Porcupine Tree. ´Cada gota do seu amor´é a segunda música que Jakko Jakszyk canta, que se apresenta como uma peça em movimento. A letra é um pouco fraca e a guitarra é exagerada em alguns momentos, principalmente nos solos. Ainda assim, as melodias são lindas e a bateria de Pat Mastelotto é verdadeiramente notável. Em ´Swimming to Sea´ o microfone fica novamente a cargo de Robby Aceto. Possui uma sonoridade mais enfadonha, buscando enfatizar o desespero expresso na letra. A falta de bateria animada reforça essa intenção, embora haja uma faixa de percussão ao fundo. O piano e o violão nadam na tristeza e percebe-se uma espécie de desorganização musical, evidenciando o luto. ´Estou me sentindo tão triste´É um instrumental contundente e jazzístico, que novamente conta com a participação do flugelhorn de Mike Applebaum. É uma bela melodia, impulsionada por vários teclados lindamente executados. Os riffs de guitarra e a linha de baixo são sutis e a bateria de Capobianco forte e concisa. Uma composição madura e estimulante dentro do smooth jazz.

´Those Words (Words Are All We Have)´ é outra versão cover de FJIERI. Como na versão original, Jakko Jakszyk canta, sendo sua terceira aparição neste álbum. A seção rítmica é diferente, mas mantém a essência da peça original . 'An Autumn Day' é uma das canções mais poderosas do álbum. A voz de Renée Stieger é linda, combina muito bem com o conjunto e a guitarra Warr de Markus Reuter também deixa sua marca, com um ótimo espaço para seus solos. No min 3:55 há uma mudança repentina de motivos que, embora não se choquem, não me parecem nada de extraordinário. O álbum termina com ´The Sea Woman´, uma serenata em forma instrumental. Tem uma abertura cinematográfica bem estilo Ennio Morricone para dar lugar a uma sucessão de camadas de sintetizadores e um piano que se torna dominante ao longo de toda a música. É uma combinação muito agradável e descontraída, com um efeito aquático que torna esta despedida bastante encantadora.

Com a elegância de No-Man e a sensibilidade de Pink Floyd e Porcupine Tree, Stefano Panunzi mais uma vez nos proporciona uma bela experiência sensorial. Uma jornada musical que engloba uma variedade de influências do rock progressivo, art pop e jazz, juntamente com vozes encantadoras que o prendem como uma sereia e o envolvem em um véu terno e melancólico.

Noname - Sundial (2023)

Sundial (2023)

Noname

Com o Sundial, a maior questão que me resta é: a frase "Uma maçã estragada estraga o cacho" pode ser aplicada à música?

Para ser mais direto: uma música ruim estraga um álbum? Você pensaria que a resposta seria simplesmente "Não, posso simplesmente pular qualquer música de que não goste", mas os álbuns costumam ser uma experiência selecionada. Você deve ouvir cada faixa na ordem estabelecida pelo artista, para que qualquer história ou jornada musical que eles tenham apresentado antes de você possa se desenrolar e florescer como foi projetado. Então, quando uma única peça dessa história está obviamente contaminada, você pode realmente aproveitar o projeto completo do jeito que deveria ser? Você pode simplesmente cortar a parte envenenada sem medo de que o resto esteja seguro.

O álbum em si é conciso e bem montado. Pouco mais de 30 minutos, abre caminho através de suas 11 canções com uma mistura de batidas rápidas que despertam o desejo de ação em você e peças suaves e espaçosas que flutuam sem esforço. Ambos maravilhosamente jazzísticos, carregam perfeitamente a narrativa impecável de Noname enquanto ela detalha ideias grandes e pequenas, públicas e pessoais. Tanto amontoado em tão pouco. Embora ainda seja bastante suave, é uma abordagem muito mais agressiva para os sons suaves que compõem a maior parte de Telefone e Room 25, Noname está claramente tentando cavar mais fundo e ser um pouco mais direto com suas mensagens. Ela está tentando ter certeza de que as pessoas que precisam ouvir o que ela tem a dizer estão realmente ouvindo.

É por isso que minha pergunta inicial é tão pertinente. Este poderia facilmente ser um bom ou até ótimo projeto de Noname, mas Balloons representa um espelho feio para o resto do álbum. Quando Noname chama Jay-Z, Beyonce, Kendrick Lamar e até mesmo sua própria hipocrisia em Namesake, parece que ela está tentando responsabilizar as pessoas pelo que fazem e dizem, incluindo ela mesma. Que as mensagens da música de um artista devem ser refletidas em sua própria vida e que esse é um padrão que ela deseja manter para si mesma.

É por isso que o verso de Jay Electronica em Balloons é tão importante. As poucas linhas finais do verso de Jay são em grande parte o que eu acho que são as piores. Eles se resumem a ele se vangloriando de que ninguém no planeta pode impedi-lo de dizer ou fazer as coisas horríveis que ele já mencionou, tanto nesse versículo quanto em outros. Ele pede violência e até mesmo cita o líder do movimento anti-semita Nação do Islã, Louis Farrakhan, que também tem ligações com Gaddafi e a Igreja da Cientologia: "Os

imãs, os rabinos e o papa incidentalmente
não conseguiram parar meu barco, Deus cita citações dos senseis
Se alguém perguntar,

Em um projeto que está cheio de auto-reflexão e vê Noname chamando muitos outros que não mencionei por coisas que fazem completamente sentido, considerando tudo o que ela disse em todos os três projetos, essa inclusão pode simplesmente ser ignorada?

NewJeans - Get Up (2023)

 

Get Up (2023)

NewJeans

Um ano desde a estreia da NewJeans, acompanho-os há cerca de 7 meses. A direção escolhida para este EP é inegavelmente revigorante. Na cena atual do Kpop, não há uma abordagem como a que eles adotaram neste trabalho. O fato de terem usado UK garage, Europop e Liquid DnB como base é incrível porque funciona perfeitamente. Não parece superproduzido e eles não tiveram que adaptar excessivamente os vocais. Há uma melhora significativa nas letras em relação ao EP anterior, principalmente em “ETA”, que se destaca como uma das canções mais marcantes.

O único problema que encontro é a duração de 12 minutos; talvez "New Jeans" precisasse de algo a mais para fechar melhor a música. Parece um pouco curto, na minha opinião. "Legal com você" foi o que mais me surpreendeu; parece estar em uma boate dos anos 2000 com suas harmonias fantásticas. O EP termina bem com a última música, que serve como uma experiência refrescante após uma jornada tão deliciosa. Talvez a curta duração seja compensada pela intensidade das melodias e dos ganchos, que funcionam perfeitamente.

O que eu mais gosto: Aqueles samples das Meninas Superpoderosas.

Crítica: Swans' "The Beggar," Is There Really a Mind?, Two-Hour Experimental Journey (2023)

 

The Beggar é uma experiência visceral cheia de emoções do confinamento. Uma proposta hipnótica com sons pop-sinfônicos-sintetizados-espaciais-experimentais bem Brian Eno formam o espaço onde agora será hora de se perder. Michael Gira liderando Swans tem uma discografia tão sólida que desde seu retorno em 2010 eles também lançaram álbuns de tamanho industrial como The Seer (2012) e To Be Kind (2014) , por exemplo.

O álbum começa com The Parasite , uma canção de oito minutos que se vale do silêncio e do violão para se aproximar de um final cru e macabro. O empenho em abrir o álbum dessa forma mostra partes do clima de calma e inquietação nas quase duas horas que restam no disco.

Paradise is Mine é um despertar, nos leva a uma maior profundidade de contemplação.   

– A mente realmente existe? – Estou pronto para morrer? São a repetição intensa que Michael Gira enfatiza durante uma parte da música. É uma canção que suscita a ideia de concebermos a nossa própria morte. Impossível.

Los Angeles: City of Death, dá-nos uma sonoridade mais aveludada , é menos envolvente em termos de duração, mas tem sobreposições sonoras e resistências que agradam. A estrutura avassaladora do seu final empurra-nos para fora da janela para que Michael is Done nos devolva ao espaço, à cena perdida, mas cheia de beleza, com momentos muito emocionantes, muito construídos nessa tensão do riso-choro. É uma música que te convida a fazer uma pausa e abraçar o presente. Unforming , acompanha-o com essa mesma essência, um espaço calmo e seguro, uma das canções mais bonitas de todo o álbum, é mais um convite ao desapego, ao saber desapegar-se e sentir, sentir, sentir a liberdade de nossa alma para viajar na vida.

The Beggar ocupa um cenário mais sombrio e a voz ocupa o centro do palco com uma pergunta perturbadora. Quando finalmente poderei viver? – Você tem que ouvir. Nada mais a dizer, nada mais pode ser dito sobre isso.

No More of This surge com muito mais calma, não abandona a dinâmica do álbum. É uma despedida explícita com um tom angelical que espera que o céu realmente exista. É a confissão de Michael Gira, cheio de empatia pelas marcas que 2019 nos deixou. Depois disso, Ebbing sutilmente lhe faz companhia. A música tem uma progressão que se dissolve, esquecendo de pensar, de ver, de respirar e nos oferece uma das transições instrumentais mais purificadoras do universo Swans. É poderoso e desfruta plenamente da vida. Sem dúvida, aqueles momentos de riso-choro voltam para reafirmar que o melhor dos nossos sonhos ainda está por vir. 

Por que não posso ter o que quiser na hora que quiser? Nos tira da nuvem, nos traz de volta àquele cenário sombrio e desafiador para nos amarrar à pergunta: Por que devo desistir? A questão é dirigida à morte, ou mortes. Quem sabe? É terminando a música que decisões importantes são tomadas para continuar. Aparece The Beggar Lover (Three) , uma canção de 44 minutos que teria seu próprio apreço como seu próprio álbum, no estilo de uma única obra como Om de Coltrane, sem filtros, nem correntes que captam a experiência de audição ácida. A experiência orquestral e a transformação constante, com sinos, sintetizadores e até órgãos bíblicos são por vezes perturbadores pela sua repetição. Nos minutos finais, a percussão e o peso industrial ocupam o centro do palco até que há uma pausa que tem traços identificáveis ​​da incrível banda de Robert Smith - The Cure .

Algumas vozes femininas fecham essa transição e depois caem em um momento tenso de sons de violino rasgado junto com vozes dissolvidas, vozes fragmentadas. Outro momento aproveitável se aproxima quando um espírito de jazz invade a música, para dar outro tipo de forma até que Michael Gira apareça com sua voz até os minutos finais. A música tem um peso sensorial e conceitual bem definido.

The Memorious fecha o álbum no mais clássico estilo Swans . Com estouros e repetições bruscas que acompanham os acordes, gerando aquela inquietação que encerra toda a experiência.

Ao contrário de outros álbuns do Swans que pegam sem muita dificuldade, a princípio o disco pode parecer liricamente fundamentado, parecendo lento e excessivamente melancólico. Porém, ele trilha novos caminhos e se entrega ao campo do sensorial para entregar um álbum maravilhoso e cheio de questionamentos sobre a própria essência da vida. Embora ninguém saiba ao certo, uma das principais respostas está na capa.

O que exatamente os DJs fazem ao vivo?

Ninguém sabe exatamente o que os DJs fazem em seu console. Você os vê mover as mãos. Você os vê contorcendo seus rostos de maneiras estranhas enquanto movem suas mãos. Mas esses são meros subprodutos da coisa real que eles fazem. Mas o que exatamente é essa coisa? Eles estão simplesmente apertando botões? Fritar panquecas? Sopa mexendo? Quem sabe? É um mistério para a maioria de nós. Estávamos muito curiosos sobre isso, então contatamos vários DJs e especialistas na arte de deejaying para descobrir o que exatamente os DJs fazem quando tocam ao vivo.

DJing de acordo com DJs

"A primeira coisa que eles fazem é entreter! Para ser um DJ eficaz, o elemento mais importante é saber como envolver o público mixando uma faixa na próxima. Isso é feito combinando BPMs (batidas por minuto). coisas que você pode ver um DJ fazer durante uma apresentação ao vivo. Quando você os vê girando os botões entre as músicas, eles estão ajustando seu EQ (nível/qualidade do som). Eles gravam discos se tocarem usando vinil. Alguns DJs também adicionam efeitos visuais que eles controlam-se da cabine do DJ ou dos efeitos de áudio que adicionam para se divertir às músicas que mixam. Alguns também dançam enquanto tocam (girando) ou têm um microfone para interagir com a multidão. Além disso, alguns criam mashups ao vivo de músicas." -Melissa  Bessey | Fundador, Media Allure

"Acredito que a verdadeira questão é: "Você está apenas parado aí tocando uma lista de reprodução do iTunes ou está realmente fazendo alguma coisa?" são bons no seu trabalho, é uma busca constante pela música perfeita para continuar puxando sua multidão junto com você no set de música. Se você vacilar, a pista de dança limpa. Então, há aqueles momentos em que apenas a batida perfeita atinge e a multidão vai à loucura... é por isso que somos DJs." -  DJ Rob Alberti | http://www.robalberti.com

"DJs não fazem nada além de apertar botões! É a maior piada do mundo! Você viu essa paródia ?" -  Dan Nainan, Comediante | http://www.nainan.com  

"Como DJ e músico por mais de 20 anos, ouço isso de ambos os lados. Os músicos tendem a pensar que um DJ não faz nada além de apertar alguns botões, enquanto os músicos passam horas e horas todos os dias de suas vidas elaborando seus habilidades musicais. Música é medicina. Música é uma linguagem universal. Também é arte, e a arte é subjetiva. Existem DJs e turntablists, e ambos os grupos têm seus respectivos talentos. Um turntablist seria muito mais parecido com um músico. Como turntablism é muito semelhante, de certa forma, a ser um percussionista.As verdadeiras habilidades de turntablism nos toca-discos, às vezes mais de 2, é uma forma de arte e algo que requer muitas horas de prática, assim como qualquer músico.

Mas ser DJ nos dias de hoje também tem seu talento e mérito especial. Eu tinha um amigo que era um esnobe musical. Que só ouvia "ópera" e música "clássica". Ele me perguntou um dia, então você só toca música de "outras pessoas". Assim não envolvia nenhum talento.

Eu disse a ele, com muito orgulho: "Sim, isso pode ser verdade. Mas meu trabalho na verdade é fazer as pessoas dançarem, sorrirem e se divertirem." Ter dedicado tantas horas quanto qualquer músico, na minha vida, a pesquisar, ouvir e buscar a melhor música para fazer as pessoas se sentirem bem e felizes e ter feito isso me deixa feliz. Ver um mar de rostos sorridentes e felizes é um dos trabalhos mais gratificantes do planeta." -  DJ Angelique Bianca |  DJ veterano de Los Angeles há mais de 20 anos. |  

 

Crítica do álbum: Bryan Ferry and his Orchestra – Bitter-Sweet

 

Bryan Ferry é mais conhecido e amado como cantor do Roxy Music e como artista solo. Este é seu segundo álbum com sua banda de jazz estilo 1920, a Bryan Ferry Orchestra.

Na primeira, Ferry foi praticamente o maestro, nem se apresentando nem tocando no álbum. Continha treze retrabalhos ou faixas anteriores de Roxy/Ferry em um estilo muito autêntico dos anos 1920. Este segundo conjunto é mais do mesmo, embora agradavelmente Ferry adicione seus vocais a algumas das canções. Levado de volta à ação por seu envolvimento na série de TV alemã 'Babylon Berlin', este é um desenvolvimento adequado e agradável do álbum original lançado em 2012. Como um aparte, tive um relacionamento complicado com a música de Ferry ao longo dos anos. Eu não entrei no Roxy até a reforma do final dos anos 1970, quando criança eu o achava um tanto assustador quando visto no Top of the Pops, mas cresci nos álbuns suaves do Roxy Music posteriores e não muito tempo depois explorei os álbuns anteriores. Ele tem sido um pouco imprevisível para mim solo, algumas coisas ótimas, mas algumas que me deixaram indiferente.

A Bryan Ferry Orchestra é um conjunto de retro-jazz fundado e liderado por Bryan Ferry.

Portanto, este álbum, mesmo antes de ouvi-lo, oferece algo mais para mim do que seu antecessor, por ter essa linha vocal em pelo menos algumas músicas. Abrindo com uma versão vocal de 'Alphaville' (originalmente de 'Olympia' de 2010, ela própria nascida de sessões abortadas do Roxy) e está claro que não é um trabalho apressado. A apresentação musical é autêntica sem ceder a técnicas de reprodução de baixa fidelidade e o vocal fica um pouco mais claro do que o normal acima da música. 'Reason or Rhyme', outra faixa de 'Olympia' segue na mesma veia, com uma bela linha de trompete sustentada decorando o arranjo sob o vocal. 'Sign of the Times' é a primeira faixa totalmente instrumental e é cheia de arranjos da banda, com diferentes instrumentos vindo à tona e recriando as linhas da melodia vocal. 'New Town' tira o clima, uma introdução sombria de viola conduzindo à entrega de Ferry da letra pessimista. Ele aumenta o ritmo conforme a faixa avança, mas a apresentação melancólica dá à música um toque mais contemporâneo do que as músicas anteriores. 'Limbo' tem muito mais uma sensação de trilha sonora em sua introdução discreta, muito mais uma peça de humor. A faixa-título 'Bitter-Sweet' segue, carregada em uma pompa orquestral mais pesada, e é a primeira música do Roxy Music retrabalhada aqui (é de 'Country Life' de 1974). Há uma sensação pesada de cabaré alemão e o álbum está produzindo algumas variações, mantendo o conceito. A faixa-título 'Bitter-Sweet' segue, carregada em uma pompa orquestral mais pesada, e é a primeira música do Roxy Music retrabalhada aqui (é de 'Country Life' de 1974). Há uma sensação pesada de cabaré alemão e o álbum está produzindo algumas variações, mantendo o conceito. A faixa-título 'Bitter-Sweet' segue, carregada em uma pompa orquestral mais pesada, e é a primeira música do Roxy Music retrabalhada aqui (é de 'Country Life' de 1974). Há uma sensação pesada de cabaré alemão e o álbum está produzindo algumas variações, mantendo o conceito.

O ponto médio do álbum é alcançado com uma versão animada do hit pop Roxy 'Dance Away', agradável o suficiente, mas muito parecido com o primeiro álbum. Isso não deve desviar a atenção do que é uma versão forte e espirituosa. 'Zamba' de ' Bête Noire' de 1987' é outra faixa vocal com uma sensação bastante contemporânea, notas de piano pesadas com uma melodia de cordas triste, talvez provando ser mais difícil trazer uma sensação de 1920? Música Roxy clássica com 'Sea Breezes' é a próxima, uma tomada melancólica, muito fílmica, até que uma espécie de Strictly type Charleston passeia pela seção intermediária. para o microfone novamente. Talvez soe um pouco mais pastiche do que o que veio até agora, embora não haja diminuição na qualidade. 'Bitters End' nos leva de volta ao álbum de estreia de Roxy com uma agradável sensação de varanda de uma casa de pradaria à noite e é rapidamente seguido pelo vizinho de seu álbum original 'Chance Meeting', desta vez com o vocal intacto. É um adorável arranjo discreto com algum trompete à distância pontuando o espaço entre os versos vocais e uma passagem de encerramento alegre. E então, de repente, estamos no final do álbum 'Girls & Boys', uma peça melancólica e pitoresca com um vocal clássico de Ferry, a letra de encerramento (além do refrão do título) é 'Death is the friend I've still to meet', e é uma nota sombria adequada para encerrar o set.

Então, devo dizer que prefiro este álbum ao seu antecessor, a adição de vocais a muitas das faixas dá ao trabalho uma demanda maior de atenção. É difícil justificar qualquer uma das gravações como uma melhoria em relação aos originais, mas duvido muito que esse fosse o objetivo. Isso se destaca por si só como um projeto totalmente realizado, que os fãs de Roxy e Ferry podem aproveitar, além de atrair qualquer pessoa com mais do que um interesse passageiro em vários tipos de música.