Resenha: “Luminescência” de Bruce Soord, entre a melancolia e a serenidade. (2023)

 

Tendo como ponto de partida a sua inspiração na procura da paz interior e a exploração das dificuldades de viver no turbilhão da vida moderna nas grandes cidades, nasceu “Luminescência” de Bruce Soord. Como vocalista do The Pineapple Thief, Bruce Soord viu um crescimento significativo em seu perfil musical na última década. Além do trabalho com a banda, sua habilidade na produção e mixagem de som surround o levou desta vez a construir "Luminescência", seu terceiro álbum solo; uma prova de sua habilidade musical e composicional. A música do Pineapple Thief é caracterizada por uma variedade de estilos incluindo rock progressivo rock alternativo e rock atmosférico

Bruce Soord é um músico, produtor e compositor multifacetado, tanto em sua carreira solo quanto em The Pineapple Thief. Ao longo de sua carreira musical, conquistou constante crescimento em seu perfil, tanto como intérprete quanto como produtor. O seu terceiro álbum a solo, "Luminescência", é um trabalho que reflecte a sua maturidade artística e uma exploração de temas profundos relacionados com a vida moderna e a obtenção do equilíbrio. Seu estilo distinto de cantar e suas habilidades como compositor têm sido elementos-chave na identidade musical da banda, embora continuem a levá-lo a explorar diferentes facetas de sua criatividade musical, conforme mostrado neste álbum em sua esfera privada.

Inspiração e Tema

«Luminescência» inspira-se na procura do equilíbrio e da serenidade do ser interior num mundo caracterizado pelo caos e vertigem do mundo contemporâneo. Soord mergulha nas dificuldades de viver nas grandes cidades e isso é apenas o pontapé inicial para que o álbum acabe se inspirando nas experiências do autor nas diversas cidades que visitou durante suas turnês musicais. Soord menciona, curiosamente, que durante a gravação do álbum conseguiu um gravador de campo, com o qual captou sons e momentos que serviram de base para a criação deste álbum.

Composição musical

O núcleo musical de "Luminescência", embora sejam encontrados outros elementos sonoros, gira em torno do violão, instrumento que se torna protagonista e permite a Soord expressar sua habilidade musical de forma intimista e comovente. Apesar da aparente simplicidade superficial, as canções revelam complexidades musicais intrincadas, demonstrando a habilidade única de Soord como compositor.

É uma tarefa um tanto difícil decompor este álbum, e recomenda-se ao ouvinte que reserve um tempo para absorver totalmente a proposta, mas é possível analisar como cada faixa defende sua razão de estar neste momento da composição de Soord. 

O álbum abre com o single “Dear Life”, que captura a melancolia tranquila característica da música de Soord e transmite uma mensagem profunda sobre como valorizar a vida. Ao longo do álbum, o violão é central, como em "Lie Flat", que apesar de sua simplicidade superficial revela as intrincadas habilidades de Soord. Em “Olomouc”, as cordas comoventes adicionam uma atmosfera rica que contrasta com o violão, pintando uma imagem serena do álbum. Com “So Simple” ele proporciona uma pausa breve, mas significativa, convidando o ouvinte a continuar com expectativa. A seguir, “Never Ending Light” mostra a influência de Bruce Soord na cena progressiva contemporânea, como acontece em “Day of All Days”, uma composição introspectiva e meticulosa, com camadas sonoras que constroem profundidade. Um dos momentos marcantes é “Nestlé In” onde são explorados elementos eletrônicos, enriquecendo a composição. Por outro lado, a incorporação do violino em “Instant Flash of Light” cria um contraste eficaz. “Rushing” é um interlúdio cinematográfico e eletrónico que antecipa o clímax, seguido de “Stranded Here”, que mantém uma nostálgica energia indie. O breve fragmento de “Read to Me” oferece um momento conciso e evocativo para que o álbum finalmente culmine com “Find Peace”, uma faixa esperançosa e comovente que encerra o trabalho de forma natural. seguido por “Stranded Here”, que mantém uma energia indie nostálgica. O breve fragmento de “Read to Me” oferece um momento conciso e evocativo para que o álbum finalmente culmine com “Find Peace”, uma faixa esperançosa e comovente que encerra o trabalho de forma natural. seguido por “Stranded Here”, que mantém uma energia indie nostálgica. O breve fragmento de “Read to Me” oferece um momento conciso e evocativo para que o álbum finalmente culmine com “Find Peace”, uma faixa esperançosa e comovente que encerra o trabalho de forma natural.

Estilo Musical e Influências

"Luminescência" é um excelente exemplo de uma abordagem mais introspectiva e minimalista em termos de estilo musical. Neste álbum o estilo poderia ser  interdisciplinar : é uma mistura de elementos acústicos, folk e um toque de eletrônica ambiente. Em contraste com a densidade e experimentação frequentemente associadas ao rock progressivo, este álbum caracteriza-se pela sua simplicidade e pureza. O violão desempenha um papel principal, criando uma base sonora intimista e envolvente, enquanto as composições são baseadas em estruturas melódicas e rítmicas que permitem que a voz e as letras emocionais de Soord ocupem o centro do palco. Esta abordagem minimalista cria um ambiente sólido mas heterogêneo, envolvente e leve.

Em termos de instrumentação, Soord explora sutilmente elementos eletrônicos em algumas faixas onde sintetizadores suaves e efeitos sonoros são sobrepostos, adicionando camadas de textura e profundidade à música. Esta inclusão de elementos eletrónicos, embora subtil, mostra uma vontade de experimentar e aventurar-se na construção de dinâmicas envolventes e melancólicas.

«Luminescência» funde habilmente três elementos distintivos na sua música. A presença dominante da guitarra acústica e a simplicidade nas estruturas melódicas evocam reminiscências da música folk e acústica, inspirando-se em figuras conhecidas pela sua abordagem melódica e pela capacidade de transmitir ligações emocionais profundas. Além disso, as sutis camadas eletrônicas sugerem uma inclinação coincidente na criação de paisagens sonoras contemplativas. Por fim, a influência subjacente do rock progressivo torna-se evidente, ainda que timidamente, na composição e estrutura de algumas canções, com uma narrativa musical em constante evolução e letras introspectivas, o que acrescenta um toque de complexidade à proposta musical do álbum.

Crítica: «ENLD» álbum de estreia do compositor, Tenebrarium de Vrajitor que evoca esoterismo, terror e progressivo ao estilo italiano (2023)

 

Com o tempo, surgiram conjuntos de práticas que atingiram grupos muito pequenos de pessoas. Estas, muitas vezes, foram realizadas para compreender o que está além da nossa compreensão e também para compreender o nosso interior. De longe, isso não tinha nome propriamente dito, era simplesmente um adjetivo; um rótulo. Contudo, o conhecimento tem sido classificado de diversas maneiras, e podemos chamar o recentemente relatado de esoterismo.

O Tenebrarium de Vrajitor compõe uma fórmula para compreender, de forma musical, o esotérico. Inspirado nas práticas de bruxaria, o sombrio, chega este primeiro álbum de estreia chamado ENLD que será lançado no dia 15 de setembro e, com exclusividade, trazemos esta crítica do álbum para vocês na Nación Progresiva.

Um projeto musical que foi gravado entre 2022 e o inverno de 2023, e que leva elementos do horror do século passado, influências do progressivo italiano dos anos setenta (muito Goblin), bandas como Jacula, Devil Doll, Fabrio Frizzi, Bruno Nicolai ou Riz Ortaniz. O idealizador deste projeto é Vrajitor. Músico compositor finlandês ligado a projetos de black metal (Warmoon Lord, Argenthorns, Old Sorcery), e que toca guitarra, baixo, bouzouki, sintetizadores e escreveu as letras deste álbum. Acompanhando-o estão Metronomicom na percussão, Ville Jolanki nos sopros como saxofone ou clarinetes, ENRI nas 12 cordas, Cat Piagentili nos vocais e, por fim, Eve e Deborah D. nas vozes extras. A seguir, vamos passar para a revisão da música ENLD

E Mors Pallida Venebit (2:42). O sintetizador toca. É como se estivéssemos num filme do Drácula, fisicamente no castelo da Transilvânia. A atmosfera é totalmente envolvente, dando-nos as boas-vindas à ENLD

Rubedo (4:26). Um teclado nos primeiros segundos. O bouzouki começa a tocar dedilhadas repetitivas. Uma nova figura melódica entra na composição e um riff de guitarra lhe dá força. A guitarra passa a ser protagonista, riffs diferenciados, junto com a bateria que também marca presença. Uma canção poderosa que nos dá sinais dos sons que continuaremos a ouvir.

Sapo Preto (3:24). Sons groovy que nos dão uma imersão mais viva e menos obscurantista. Os ventos podem ser vistos ao fundo que decoram o ambiente. Porém, a melodia principal não para de tocar. Um solo psicodélico está presente, efeitos na guitarra, rufar de bateria, para retornar ao motivo principal. Uma música muito divertida de ouvir.

Lucus Horribilem Atque Pestilentem (3:31). Uma sucessão de notas com vozes que acompanham a melodia. A guitarra entra com a bateria, é poderosa. Depois volta aquela sucessão de notas do início, mas com sons de fundo digitais que dão o tom. A música continua ganhando ritmo e todos os elementos que foram apresentados convergem em uma música bastante progressiva. A voz de Piagentili está presente em um conto. Os sons digitais ocupam o centro do palco, somados à força da guitarra que soa ao lado deles.

A Maledizione Della Fanciulla Alata (2:48). Com caráter mais ambiente, essa música destaca o som dos sintetizadores durante o primeiro minuto. De repente, o bouzouki entra com uma série de notas. Cria-se uma situação para Piagentili relatar, o que presumo ser, a maldição da Donzela Alada.

Vênus no Claustro (3:58). Nessa música ele nos apresenta o bouzouki e uma guitarra elétrica tocando ao fundo. Desde o primeiro segundo parece fantástico. O bouzouki parece soar em mais de uma faixa, inundando o espaço de suas cordas duplas até parar. De repente entra a bateria e com ela a guitarra elétrica. A faixa de guitarra soa limpa, sem distorção, mas você pode ouvir algum efeito nela. Com ele um arranhão o acompanha. De repente, o sintetizador assume o centro das atenções e nos guia nesta jornada.

Folhetos de Castrum (4:58). As cordas da guitarra soam sob efeito, não distorcidas, mas não limpas. A bateria está próxima, mas não sozinha, vem com o saxofone. A bateria do Metronomicom tem um timing excelente, enquanto o baixo soa muito descolado. O sax continua com suas notas. De repente, o bouzouki dedilha, um contraste de emoção. A guitarra vem com um ótimo solo, e atrás dela está outra faixa de guitarra que carrega um riff rítmico. A bateria começa a ganhar velocidade, o sintetizador acompanha, é inevitável não cochilar. A voz de Piagentili aparece novamente. Essa é uma das músicas que mais gostei em todos os sentidos.

Filho do Sanatório (5:26). Um piano é tocado fortemente nas notas mais graves. A outra mão do pianista percorre notas mais altas em uma jornada. A voz diz alguma coisa. A bateria entra junto com o baixo, e o sintetizador que configura tudo. Tudo está sombrio, mas calmo. Mas há uma pausa. Uma nota grave fica ali e a bateria inicia um frenesi do qual não podemos mais voltar. A música toma uma direção totalmente diferente, mas parece ótima. Identificamos estas mudanças como elementos do programa que as inspirou. Sem dúvida, é uma ótima música. 

Pactum Ultra Sepulcrum (2:11). Os sinos tocam na chuva incessante. Eles batem em uma porta, ela se abre. O corredor é longo e escuro. Ao longe ouvimos vozes, numa espécie de ritual. O ar está frio. A curiosidade faz parte de nós. No livro que encontramos está a oração que procuramos para iniciar o exorcismo.

Exorcismo (4:42). O exorcismo começa com ritmos sulcados tanto da guitarra quanto da bateria. O sintetizador entra na fórmula com notas dançantes. Uma bela sinergia se forma entre esses instrumentos. A caixa rola e o ritmo aumenta, cada volta da batida é marcada com o som da batida e a energia aumenta com ela. Os arranjos do sintetizador embelezam as notas até atingirem o ponto mais alto da campânula. Exorcismo é um talento puro.

Sempre Vítimas Vult (2:36). A última canção. Notas marcadas que duram um pouco. Bem e alto. Ao fundo ouve-se uma batida a cada poucos compassos, mas o sintetizador nos deixa imersos no lugar. De repente, como um órgão de uma antiga igreja gótica, ressoa toda a sua potência sonora. Um coro de vozes profundas nos despede da ENLD

O álbum de estreia de Vrajitor, Tenebrarium, é uma experiência de terror, e não de um jeito ruim. Com grandes influências dos filmes de terror italianos, juntamente com outros expoentes do gênero, ENLD é uma obra que por si só transmite o que é: esoterismo, bruxaria, artes ocultas e qualquer outro adjetivo que você possa imaginar que venha nessa linha. É um projeto que brinca com instrumentos não convencionais, como o bouzouki, mas que mistura esses elementos para dar um resultado final bem coeso e com identidade própria. Sem dúvida, um álbum com carácter e personalidade próprios, um bom álbum de estreia.

CLASSIC DO ROCK - CURIOSIDADES ( Uriah Heep - Sweet Freedom)

 Em 03/09/1973: Uriah Heep lança o álbum Sweet Freedom

Sweet Freedom é o sexto álbum de estúdio da banda de rock britânica Uriah Heep, lançado em 3 de setembro de 1973 pela Bronze Records no Reino Unido e pela Warner Bros Records nos Estados Unidos. O lançamento original em vinil foi um gatefold, reproduzindo as letras dentro. Havia também uma página central com uma fotografia de cada membro da banda. Foi o primeiro álbum do Uriah Heep a ser lançado pela Warner Bros. nos EUA,

Sweet Freedom alcançou a 33ª posição na parada da Billboard 200 dos EUA.

Foi certificado ouro pela RIAA em 5 de março de 1974. A revisão retrospectiva da AllMusic observou que Heep começou a explorar novos estilos para aprimorar sua combinação de complexidade prog e força do heavy metal".

O álbum foi remasterizado e relançado pela Castle Communications em 1996 com duas faixas bônus, e novamente em 2004 em uma

edição de luxo expandida.

Lista de faixas :

Todas as faixas são escritas por Ken Hensley.

Lado um :

1. "Dreamer" : 3:41

2. "Stealin'" : 4:49

3. "One Day" : 2:47

4. "Sweet Freedom" : 6:37

Lado dois :

5. "If I Had the Time" : 5:43

6. "Seven Stars" : 3:52

7. "Circus" : 2:44

8. "Pilgrim" : 7:10

Comprimento total : 37:23

Faixas bônus da edição remasterizada de 1996

9. "Silver White Man" : 3:40

10. "Crystal Ball" : 4:08.

Pessoal Uriah Heep :

David Byron – vocais

Mick Box – guitarras

Ken Hensley – teclados, guitarras,

backing vocals

Lee Kerslake – bateria, percussão,

backing vocals

Gary Thain – baixo.

CLASSIC DO ROCK - CURIOSIDADES (U2 Pride (In the Name of Love)

 Em 03/09/1984: U2 lança a canção

" Pride (In the Name of Love) "

Pride (In the Name of Love) é uma canção da banda irlandesa de rock U2. É a segunda faixa do álbum de 1984 da banda, The Unforgettable Fire, e foi lançada como primeiro single em setembro de 1984. A música foi produzida por Brian Eno e Daniel Lanois. Escrita sobre o líder americano dos direitos civis Martin Luther King Jr. "Pride" recebeu críticas mistas na época, mas foi um grande sucesso comercial para o U2 e desde então se tornou uma de suas canções mais populares.

Apareceu nos álbuns de compilação da banda The Best of 1980 –1990 e U218 Singlese foi retrabalhado e regravado para Songs of Surrender (2023). Em 2004, a Rolling Stone classificou-a em 378º lugar em sua lista das

" 500 melhores canções de todos os tempos ".

A música foi incluída na lista das 500 músicas que moldaram o Rock and Roll do Hall da Fama do Rock and Roll.

Pessoal U2 :

Bono - vocais principais

The Edge - guitarra, vocais de apoio

Adam Clayton - baixo

Larry Mullen Jr. - bateria

Artistas adicionais:

Chrissie Hynde (creditada como "Christine Kerr") - vocais de apoio

Crítica: “The Songs & Tales of Airoea” de The Chronicles of Father Robin, supergrupo progressivo da Noruega composto por membros de Wobbler, Tusmørke, Jordsjø

 

As Crônicas do Padre Robin e “As Canções e Contos de Airoea” estão em processo criativo há décadas. A evolução responde a uma contemplação profunda de certos elementos que estão enraizados numa fusão de rock progressivo e folclore norueguês (com sons ambientes) formando uma trilogia de 18 canções divididas em 3 obras. O primeiro livro é o mais terreno de todos e é composto por 6 canções. A proposta vem acompanhada de uma proposta visual e narrativa muito bem elaborada e é repleta de suspiros de Yes e Jethro Tull em suas múltiplas encarnações.

O Livro Um começa com o Prólogo – uma introdução pacífica e muito curta à água e à natureza. Este mergulho num mundo de aventura dá imediatamente início a The Tale of Father Robin , outra canção curta que anuncia explicitamente o nascimento da primavera e fornece contexto relacionado com a luz do dia, a noite e as árvores.

Eleision Forest abre com muita força e é um ponto muito alto dentro do álbum. É cheio de recursos e em seus 12 minutos de duração você pode ouvir o muro que algumas bandas como Genesis e Emerson, Lake e Palmer conseguiram construir. Você curte muito o clima da floresta e das árvores que trazem mística junto com aquelas pausas que permitem sentir a maravilhosa combinação dos instrumentos, com destaque para a flauta e os teclados. A música embarca numa viagem muito forte e em constante transformação, algo como se estivéssemos a ver o fogo dançar com as suas formas irregulares, mas sobre uma base de madeira muito sólida.

The Death of the Fair Maiden começa com a percussão que depois se adapta ao formato do baixo e da guitarra. A fórmula da primeira parte desta música é muito notável, pois proporciona uma atmosfera que depois se decompõe e ganha outra face. O que chama a atenção está na dinâmica que se adapta à narração da história como uma história de 8 minutos. Os minutos finais mostram a intensidade e precisão da banda.

Twilight Fields dura 15 minutos e abre com uma força mais imponente e transmite com firmeza que a noite se aproxima. Esse toque noturno é repleto de viagens diversas que vão desde a explosão da guitarra elétrica até aquela base que reafirma o poder da flauta no livro um. O mistério não oferece trechos intermediários e a narrativa encontra um lugar de sonho que continua fortalecendo a escuta ativa. A importância da parte lírica nas obras progressivas é um coringa que empurra a imaginação com mais forma naqueles vazios instrumentais que depois aparecem. Essa música é o ponto alto do álbum pelas tonalidades sombrias e saturadas que abrem os portais para novas experiências sensoriais. 

Unicórnio fecha o álbum e dá início aos demais livros seguintes da trilogia. A história se desenrola com novas reviravoltas que proporcionam paisagens mais visuais e cheias de nostalgia pelas coisas progressistas de muitos anos atrás. A música tem detalhes intensos que podem facilmente capturar você em várias audições. A verdade é que o disco fecha com muito carácter e reafirma a força da parte lírica numa obra.

O álbum vem acompanhado de um mapa, é uma viagem ao passado que proporciona ambientes que podem ser visitados quantas vezes forem necessárias. É uma aventura na floresta que evolui com o tempo e o misticismo necessário para nos manter firmes. Os detalhes do domínio lírico e instrumental dão-nos um tesouro que nos convida a acreditar que, tal como a vida, cada processo criativo tem o seu tempo e que nunca é tarde para trazer à luz aquelas histórias, aqueles pequenos momentos de vida que ainda permanecem. queremos contar.

Crítica: “Emissário da Morte” de Leyenda Mística, ópera rock prog do México.

Leyenda Mística, projeto solo liderado por Anton Diego Matus, compositor, cantor e ator, nasceu em 2013 a partir de suas raízes como banda, marcando presença com apresentações locais no Estado do México. O seu primeiro álbum, “Ciudad Dormida”, foi concebido em 2014 e lançado em 2015. Numa viragem crucial em 2016, Anton optou por continuar a solo sob o nome Leyenda Mística, dando vida a um segundo álbum auto-intitulado em 2018, que ganhou lhe a indicação de “Álbum Prog do Ano” no prestigiado “Osmium Metal Awards”. Este álbum repercutiu nas rádios online de vários cantos do mundo, do Reino Unido à Argentina.

Leyenda Mística está imersa no processo criativo de seu terceiro álbum, intitulado “LM 3”, uma ópera rock que promete levar a música de Leyenda Mistica a novos patamares. Como antevisão desta nova criação, surge o primeiro single intitulado “Emisario de la Muerte”, lançado no final de 2022, abrindo as portas à narrativa que se desenvolverá no álbum. Este single serve de prelúdio a uma história que se revela com o lançamento de “El Último Sueño”, o mais recente single lançado em 2023.

Nesta primeira prévia de “LM 3”, um vilão obscuro surge como o principal antagonista, apresentado em “Emissário da Morte”. Em contrapartida, o protagonista surge como um Messias, que será apresentado no single mais recente. 

Surge um rolo compressor do rock, onde a experimentação ganha vida através de um violão de 8 cordas. Cada nota torna-se um cinzel que esculpe um som contundente e poderoso, destinado a permanecer impregnado nas profundezas da nossa memória. Aqui surge o emissário, rodeado de riffs poderosos que reverberam com força imparável. Os arranjos orquestrais se entrelaçam para dar um tom épico ao encerramento, elevando a música a alturas majestosas. O clímax é alcançado com um solo de guitarra apaixonado, tornando-se a cereja do bolo sonoro.

“Emisario de la Muerte” surge com o rótulo de ser a faixa mais contundente e pesada do próximo álbum. O projeto ainda está em andamento, caminhando continuamente para sua conclusão. A antecipação aumenta à medida que mais detalhes se revelam, prometendo uma experiência sonora e narrativa enriquecedora. 

Crítica do álbum: The Prodigy – No Tourists

 

O Prodigy, de Braintree, Essex, é praticamente uma instituição inglesa agora. Eles fazem isso há 28 anos, você sabe.

Você pensaria que, sendo ainda bastante conhecido, suas conquistas recentes no campo da ciência teriam merecido elogios mais universais nos últimos meses, mas seus avanços surpreendentes passaram praticamente despercebidos. Mesmo antes de HG Wells publicar  A Máquina do Tempo em 1895, a viagem no tempo tem sido objeto de muita fantasia, especulação, incredulidade e descrença geral de que algum dia poderia ser dominada. Mas foi isso que esses techno ravers de Essex fizeram. Eles dominaram a viagem no tempo. Então, continuando a ignorar esse avanço incrível como o mundo da ciência tem feito descaradamente, retornaremos a esse assunto mais tarde e discutiremos primeiro seu novo álbum…

No Tourists  (que poderia facilmente ter sido intitulado '(Take) No Prisoners') chegou recentemente como o sétimo álbum da trupe em  seus quase 30 anos de existência. A abertura, “Need Some 1” não define o cenário suavemente, ao contrário, derruba portas e declara intenção. Não há amadurecimento quando o filho dos anos setenta e quase quinquagenário Liam Howlett aparentemente não entende o conceito de diminuir o ritmo à medida que envelhece, e por que deveria?

 

“Light Up the Sky” remonta a Music for The Jilted Generation de 1994 e mantém o ritmo em movimento. “We Live Forever” começa perfeitamente e aumenta o ritmo. Batida pesada, baixo pesado e vocal em loop, é forte, se não exatamente abrindo novos caminhos. Mas se você já amou o Prodigy, há muito o que admirar até agora. A faixa-título “No Tourists” soa cinematográfica e épica, 'Sem turistas, sem atrações para ver!' é o seu mantra entre batidas pesadas e sintetizadores semelhantes a sirenes com quedas silenciosas e explosões rápidas de volta à ação. “Fight Fire with Fire” é agressivo, gritante e palavrão, quase uma interrupção rude mesmo em meio a essa montanha-russa apresentada até agora. É punk, ravey, techno e duramente eletrônico e me lembra por que The Prodigy conseguiu assustar meu filho de sete anos no V Festival em 97.

 

E a segunda metade do álbum continua na mesma linha. Talvez derivado das glórias anteriores do Prodigy, este álbum também é uma ótima audição, edificante até mesmo porque coloca um sorriso em seu rosto. Os detratores podem dizer que a música tem pouco valor sendo bastante desprovida de originalidade, mas está longe de ser uma floccinaucinihilipilificação inútil (copiar, colar e Google!), ela nos lembra descaradamente que a música não precisa ser encharcada de mel e tão suave que ficar acordado enquanto ouve se torna uma conquista. A melhor música deve envolver e entusiasmar, e é isso que No Touristsfaz. “Champions of London” é inexplicavelmente soberbo. Só Deus sabe que ponto ele está tentando enfatizar, mas, francamente, quem se importa, é um ás. E o álbum tem um encerramento forte. “Boom Boom Tap” incorpora frases de canções infantis e contundentes e cáusticas. O que é uma ótima mistura. “Resonate”, como grande parte do álbum, soa como se o gnomo risonho engolisse um saco de narcóticos e decidisse relançar sua carreira nas paradas. E “Give Me a Signal” termina com mordida e drama. É difícil descrever as faixas individualmente, nada aqui supera as boas-vindas, é tudo forte e vigoroso, rápido e completo, e eu recomendo fortemente.

Então, de volta à ciência inovadora, às conquistas no campo das viagens no tempo. A solução incrível é apresentada em um disco prateado brilhante e uma versão maior de plástico preto também está disponível. Tecnologia em seu apogeu, conhecida respectivamente como CD ou vinil, mais tarde usurpada brevemente pelo download antes que o streaming dominasse, os dez continham informações vitais que também funcionam em qualquer método de entrega escolhido. Use o formato que você escolher, aumente para dez e, de preferência, use um subwoofer ao mesmo tempo, e pronto, você está de volta a 1996. Nenhum outro fuso horário está disponível ainda.