ALBUM DE EXPERIMENTAL ECLÉTICO PROGRESSIVO

 

The Devil's Staircase - The Devil's Staircase (2020)

Graças a Rafa Nori relembramos e revivemos este grande álbum, mais uma das maravilhas do México. “Você quer ouvir geometria fractal e física não-linear na linguagem da música?” perguntam estes músicos do México e dos EUA, e embora isto não seja rock matemático, está intimamente ligado à matemática e à física, mas levado ao musical campo, quando alguns cientistas, professores e músicos do CCC (Columbia College Chicago) aos quais se juntaram Ramsés Luna (Cabezas de Cera, Luz de Riada, Pascal Gutman Trío), Mattias Olsson (Änglagård, White Willow) e acabaram por montar um supergrupo experimental criando um álbum excepcional. Nesta mostra de projetos latino-americanos, dois mexicanos, dois ianques e um sueco se unem para ensinar experimentação sonora, criando um álbum inspirado em matemática, fractais, geometria e ciência para trazer estruturas planas matemáticas para a área musical. Com vocês, um álbum que é o resultado da paixão pela música no estilo de Univers Zero, Mahavishnu, Gentle Giant, Jethro Tull, Änglagård, Anekdoten, música que os aproxima e que certamente irá partir a mente de mais de um. Um álbum que captura o processo imaginativo de uma forma que eleva os mais altos níveis de criatividade musical.

Artista: The Devil's Staircase
Álbum: The Devil's Staircase
Ano: 2020
Gênero: Experimental eclético progressivo
Duração: 40:56
Referência: Bandcamp
Nacionalidade: México / EUA / Suécia

The Devil's Staircase é um grupo internacional de músicos que tocam rock inspirado na matemática e na ciência. Mas eles não tocam rock matemático. Sua música está intimamente relacionada à matemática e à geometria. A Devils' Staircase foi formada para tentar responder a uma pergunta simples: como soaria a música se fosse estruturada em torno da geometria real da natureza? que não é exato como a geometria humana, embora seja extremamente complexo.
Uma primeira tentativa de responder a essa questão foi o álbum de estreia da banda, interpretado por Aaron Geller (EUA) nas guitarras (professor de química na Virginia Tech.), Luis Nasser (México) no baixo e composição (Sonus Umbra , Riada Lighte professor de física no Columbia College Chicago), Tim McCaskey (EUA), guitarrista do Sonus Umbra e Might Could , e professor de física também no Columbia College Chicago, aos quais se juntaram Ramsés Luna (México, mais conhecido como compositor, improvisador e líder do movimento mexicano de pintura sonora, conhecido por seu trabalho em Cabezas de Cera , Luz de Riada , Pascal Gutman Trío e muitos outros projetos) no saxofone, WindMidi, synthsax, e depois Mattias Olsson (Suécia) na bateria, percussão, mellotron (multi-instrumentista, produtor e quimera musical conhecido por seu trabalho com Änglagård , Necromonkey , White Willowe muitos outros projetos, aparecendo em centenas de álbuns ao longo de uma carreira verdadeiramente eclética), além de Edgar Arrellín Rosas no design de som ao vivo.

Um álbum em que ideias de dinâmica não linear, fractais, física, biologia e até astronomia se unem para inspirar formas composicionais, mas não dizem à banda o que fazer, mas sim funciona como inspiração.
E para tentar desvendar toda essa trama complexa, vamos com o primeiro comentário do álbum...

O diabo, a escada, a matemática e a música A
matemática, confesso, parece-me um jargão e a estreita relação entre ela e a música nunca deixa de me surpreender. Na sua forma mais pura, são a causa de dores de cabeça para a maioria. Porém, há quem seja capaz de combiná-los, reconciliá-los, torná-los amigos... e torná-los indispensáveis.
A breve descrição que A Escadaria do Diabo faz do seu modo de funcionamento parece tirada de um livro de álgebra ou de algum tratado obscuro: “É sabido que a matemática e a música estão relacionadas. Porém, a base da matemática é a geometria de Euclides: pontos, retas, curvas suaves. Na natureza, as formas não são assim. São figuras acidentadas, de elevada complexidade que, no entanto, existem ao longo dela e que podem ser obtidas através de regras matemáticas simples, repetidas um grande número de vezes, e de erros estocásticos.
Não desanime, leitor; espere um pouco mais. Segue a afirmação: “Esta é a fórmula de composição para The Devil's Staircase” e é uma nova forma de usar a matemática para compor (não algoritmicamente, mas deliberada e humanamente). Ao mesmo tempo, é também um conjunto científico: a música abriu portas na investigação de sistemas dinâmicos. A composição 'Morse', baseada na sequência Thue-Morse, abriu as portas para uma publicação no Journal of Mathematics and Music (2020) e mais por vir.”
Em território menos abstrato, The Devil's Staircase é um grupo no qual três de seus membros são acadêmicos em tempo integral: Aaron Geller (guitarra; Might Could, Funk Ark), Luis Nasser (baixo; Sonus Umbra, Luz de Riada), Tim McCaskey (guitarra; Sonus Umbra, Might Could). A banda é completada por Ramsés Luna (sintetizador; Luz de Riada) e Mattias Olsson (bateria; ex Anglagard). Edgar Arrellín Rosas, engenheiro de áudio, é o responsável por unir este trabalho nascido à distância, já que seus integrantes moram em países diferentes.
Agora colocam em circulação um álbum homônimo (The Devil's Staircase, 2020), em que as avenidas da fusão, da experimentação e do progressivo em sua veia sinfônica se cruzam continuamente, para traçar um mapa marcado pela energia extrema: eles sabem usar o poder , mas sem abandonar a musicalidade. Em “Rule 34”, por exemplo, a introdução lembra a Orquestra Mahavhisnu, mas a referência é imediatamente quebrada pelas constantes mudanças de tempo, pela incorporação de uma guitarra ácida, psicodélica, próxima do heavy metal, e pelo synthsax que soa ao violino
Esse cruzamento entre elementos do jazz rock, uma veia progressista-sinfônica (embora sem bombástica) e flashes experimentais são a marca registrada da banda. Com essa premissa, que na verdade é bem mais complexa [o grupo descreve esse corte como: “Autômatos celulares, rock progressivo e outros ingredientes secretos se unem sob a regra da internet que diz: para cada música publicada na internet, há pornografia”] , o quinteto conduz-nos por temas vigorosos (“Room 104”), passagens com conotações de world music temperadas com outras mais agressivas, num vaivém contínuo que confere à música um carácter mais robusto e que encontra, numa maior extensão de isso, as possibilidades de se desenvolver e crescer ainda mais e cujo melhor exemplo é o “Cantor Dust”,
Em “Morse” – que eles chamam de “o primeiro capítulo em nossa exploração da sinergia entre sequências binárias, sistemas dinâmicos e música” – temos um coro de vozes virtuais geradas pelo synthsax e aqui as mudanças no tempo e no ritmo geram a impressão que a composição se desdobra para dar lugar a uma nova em que se intercalam alguns breves solos de guitarra que convivem com aquela demonstração de força que existe em quase todas as composições da banda.
De Chicago a Estocolmo e de lá a Santiago do Chile e vice-versa, as faixas desta música viajaram muitas vezes até chegar finalmente à Cidade do México, onde a mão de Edgar Arrellín se encarregou de lhes dar o toque final. O resultado é desafiador, brinca com o ouvinte, a música flerta com ele, pisca para ele, flerta com ele, promete mas não diz quais são as suas exigências.
“Quer ouvir geometria fractal e física não linear na linguagem da música?”, perguntam esses cinco e a boca começa a salivar como se estivessem colocando aquele tão desejado feminino ou masculino na frente de um, sem perceber que uma questão tão complexa e com tanta aparência teremos que dizer sim.
Então caminha-se ansiosamente atrás do fruto promissor e ao chegar à antecâmara daquele anunciado como o paraíso, uma voz profunda nos lembra um dos requisitos: “Descer a escada do Diabo”.
Ninguém perderá a oportunidade. Uma vez lá dentro, a única coisa que resta a fazer é deixar-se levar por este ciclone furioso. Não há possibilidade de sair ileso desta descida-subida, nem há motivos para escapar dela. Os prazeres sonoros são assim, exigem tudo, até a alma.

David Cortes

Levando em consideração todos os aspectos da criação deste álbum, como o conteúdo musical e as adaptações conceituais, todos os elementos parecem se entrelaçar de forma significativa, onde membros do México, dos Estados Unidos e da Suécia se uniram na pandemia de 2020 para dar ascender a um disco virulento. Este supergrupo é essencialmente projeto dos professores de física de Chicago Luis Nasser (líder do Sonus Umbra ) e Tim McCaskey (guitarra do Sonus Umbra ), e a partir daí convocaram os demais músicos, artistas e cientistas, montando este monstro festival musical fractalizado.

A maioria das músicas são de andamento médio, nunca enfadonhas, às vezes uma espécie de rock espacial, diverso e disperso, intrigante com suas reviravoltas, exibidas com muito charme, exibindo uma infinidade de recursos nas 5 músicas, 3 de deles por mais de 10 minutos. Cada audição lhe dará novos arrepios e emoções, você poderá descobrir coisas novas e essa é a magia deste tipo de álbum.

E para conhecer a música deles, aqui está o primeiro vídeo...

Juntos, este sexteto cria uma confusão musical em um eclético álbum instrumental de cinco faixas que aborda uma interessante variedade de estilos. Este não é um daqueles discos que usa a abstracção matemática por si só, para levar o ouvinte numa viagem instrumental que não só une a sensibilidade das sensações sonoras com angulações imaginativas de uma vanguarda extrema, e onde também apresenta bastante RIO bordas interessantes que não soariam deslocadas em um álbum do Univers Zero , Present ou algum grupo desse tipo. 

Neste álbum há uma preponderância da guitarra junto com os habituais instrumentos de rock, e juntos eles entram em uma variedade de estilos abstratos com toques ocasionais de jazz (cortesia do sax), rockers e riffs poderosos acompanhando os ecos e descentralizados. batidas que enriquecem o processo da base rítmica (atenção ao grande trabalho do baixo, e claro à percussão realizada por um mestre), à ​​qual se somam as notáveis ​​​​interpretações de um amplo espectro de estruturas sonoras, colagens e harmônicas nuances. Na realidade a banda utiliza em grande parte características progressivas tradicionais que surgiram há décadas e ainda funcionam, também ligadas a desenvolvimentos improvisados ​​próximos do jam psicodélico. Mas além das definições estritas de sua música O que importa é que o que esses caras fazem, eles fazem muito bem. e por último, vários instrumentos estranhos (outra cortesia de Ramsés Luna) tornam o álbum ainda mais atraente.

Trabalho excepcional que garante uma grande e surpreendente descoberta musical.
Este é um bom álbum do início ao fim, com excelente interação instrumental. Para ouvir, acesse o espaço deles no Bandcamp:
https://thedevilsstaircase.bandcamp.com/album/the-devils-staircase

Lista de faixas:
 1. Gravitation (Parts 1 & 2). 11:11

2. Rule 34. 4:03
3. Room 101. 4:03
4. Morse. 11:15
5. Cantor's Dust. 10:21 

Escalação:
- Aaron Geller | Guitarra Elétrica
- Ramsés Luna | Saxofone, Midi Wind, Eletrônica
- Tim McCaskey | Guitarra Acústica
- Luis Nasser | Contrabaixo, Holofônicos
- Mattias Olsson | Bateria, Percussão, Mellotron

The Groundhogs - Live at Leeds '71 (1971)

 

Embora esta pepita tenha durado apenas um fio de cabelo durante meia hora, ela revela os Groundhogs no que foi sem dúvida o auge criativo do power trio do blues britânico. A banda contou com as fortes personalidades sonoras de  Tony TS McPhee  (guitarra/vocal),  Peter Cruickshank  (baixo) e  Ken Pustelnik . Seu rock pesado e direto era mais do que uma simples extensão do blues de 12 compassos, pois sua propensão para a improvisação incendiária e o forte ritmo de material original entre seus ativos. Live at Leeds '71 foi gravado em 13 de abril de 1971, quando eles abriram uma série de shows dos  Rolling Stones no Reino Unido . Segundo a lenda urbana, este live set foi documentado e prensado em uma edição muito limitada a pedido de Mick Jagger , e como uma espécie de cortesia profissional. Enquanto  os Stones  estavam gravando,  Jagger  contratou o engenheiro/produtor  Glyn Johns  para gravar os Groundhogs e imprimir cópias para amigos e uso promocional. A banda já existia há vários anos e inicialmente ganhou notoriedade como backing combo para algumas das  turnês britânicas de John Lee Hooker em meados dos anos 60. O setlist parcial aqui indica que os Groundhogs estavam apoiando não apenas  os Stones  , mas também seu quinto álbum de longa duração,  Split (1971). Tanto a agressiva abertura "Cherry Red" quanto "Split, Pt. 1" - o primeiro movimento da faixa-título - recebem treinos de aceleração aberta. A interação extemporânea lhes permite explorar um pouco mais por trás  das pistas brilhantes de  McPhee e relembrar medidas iguais de Deep Purple  e  Grand Funk Railroad . Eles também voltam ao álbum anterior,  Thank Christ for the Bomb (1970), tanto para "Garden" quanto para um ardente, embora abreviado "Eccentric Man...the Story of a Man Who..." Infelizmente, os procedimentos desaparecem, assim como na promoção de acetato de vinil do qual o áudio foi derivado. Dito isto, os lançamentos oficiais do CD soam infinitamente melhor do que a cópia fortemente contrabandeada e comercializada de um disco carregado de ruído superficial. Para piorar a situação, a versão não autorizada também foi dominada na velocidade errada. Como os Groundhogs não gravaram muitos de seus shows ao vivo durante esta era seminal, Live at Leeds '71 permanece como um relógio único de uma banda igualmente distinta.

MUSICA&SOM

Crítica Karen Francis: “Anos Luz”

 

Crítica

Karen Francis

 : "Anos Luz"

Ano: 2023

Selo: Independente

Gênero: R&B

Para quem gosta de: Tássia Reis e Luedji Luna

Ouça: Expectativa, Confissão e Cardume

Karen Francis não poderia ter pensado em um título melhor para o primeiro trabalho de estúdio do que Anos Luz (2023, Independente). Marcado pela sensibilidade dos versos e minucioso tratamento dado aos arranjos, o registro de oito canções parece estar a anos-luz de outros exemplares do gênero. É como se Francis rompesse com o caráter exploratório de um típico disco de estreia para mergulhar em uma obra marcada pela consistência dos elementos. Um jogo de vozes, batidas e sentimentos que se entrelaçam de forma a potencializar a forte vulnerabilidade emocional e entrega da cantora e compositora amazonense.

Com produção assinada pela própria artista em parceria com Tico Pro, Guilherme Bonates, Ethos e Wzy, Anos Luz é um desses discos que descem macio, porém, desbloqueiam memórias e tocam em feridas sentimentais de forma a estreitar laços com o ouvinte. “Mas você não esquece do meu celular / Liga toda noite só pra me lembrar / Como foi tão fácil esquecer de mim / Você foi embora e ainda tá aqui“, canta em Fala, composição que não apenas destaca o peso das lembranças e o lirismo angustiado que consome a obra, como evidencia a fina tapeçaria instrumental que se revela aos poucos, engrandecendo os versos.

São composições talvez monotemáticas, quase sempre centradas em relacionamentos instáveis, amores desfeitos e desejos compartilhados pela cantora amazonense, porém, tão sensíveis e detalhistas que é praticamente impossível resistir aos encantos de Francis. E isso fica bastante evidente logo nos minutos iniciais do trabalho, quando a artista, em colaboração com a convidada Nayra Lays, faz da introdutória Linha do Tempo uma síntese deliciosa de tudo aquilo que será apresentado ao longo do registro. Do uso calculado das batidas à suavidade dos vocais, cada mínimo componente parece pensado em detalhe.

Embora marcado pela sutileza dos arranjos, batidas e vozes, Anos Luz está longe de parecer uma obra arrastada. Na contramão de outros exemplares do gênero, em geral consumidos pela própria atmosfera, a estreia de Francis encanta justamente pela combinação entre momentos de maior calmaria e canções que funcionam como pequenos respiros. É o caso de Confissão. Completa pela participação de Anna Suav, a faixa se revela aos poucos, porém, cresce na aceleração dos elementos e uso destacado dos arranjos que evocam nomes como Sade na mesma medida em que preservam a essência criativa da amazonense.

Vem desse esforço em estabelecer a própria identidade que Francis abre passagem para algumas das melhores composições do trabalho. Em Expectativa, por exemplo, enquanto os versos destacam a forte sensibilidade da artista amazonense, guitarras timbrísticas e a percussão marcada pela riqueza dos elementos atravessam o território nacional para mirar na música além-mar, bebendo dos ritmos e da cultura africana. A mesma pluralidade de ideias pode ser percebida em Cardume, faixa que posiciona as batidas em primeiro plano e revela na construção dos versos um lirismo transformador, quase existencial.

Dessa forma, mais do que uma plataforma de apresentação para Francis, Anos Luz entrega uma série de pistas do que ainda está por vir, como um produto da versatilidade da amazonense. O mais interessante talvez seja perceber como todos esses elementos, mesmo tão díspares, em nenhum momento ecoam em discordância do restante do trabalho. Seja pelo direcionamento dado aos vocais ou pela escolha dos temas, cada nova canção contribui para o caráter homogêneo da obra. São fragmentos sentimentais, poéticos e rítmicos que, aos serem organizados, revelam uma das estreias mais sensíveis da música brasileira recente.

Crítica Dadá Joãozinho: “Tds Bem Global”

Crítica

Dadá Joãozinho

 : "Tds Bem Global"

Ano: 2023

Selo: Innovative Leisure

Gênero: Jazz, Experimental

Para quem gosta de: Negro Leo e Bebé

Ouça: Veja, Cuidado! e Ô Lulu

Tds Bem Global (2023, Innovative Leisure) é um desses discos difíceis de serem explicados em palavras. Estreia em carreira solo de Dadá Joãozinho, identidade adotada pelo cantor e compositor João Rocha, um dos integrantes da banda fluminense Rosabege, o registro estabelece na permanente desconstrução dos elementos, criativa combinação de estilos e passeios pelos mais variados campos da música o estímulo para a formação de um rico repertório que muda de direção a todo instante. São fragmentos de vozes, paisagens instrumentais que tendem ao jazz e sobreposições que jogam com a interpretação do ouvinte.

Embora regido pela imprevisibilidade e sempre inusitada costura de ritmos, o trabalho está longe de soar como uma obra inacessível ou difícil de ser interpretada. Tendo Ô Lulu como música de abertura, Rocha entrega uma série de pistas e apresenta parte dos conceitos que serão explorados ao longo do material. Enquanto elementos da letra se aprofundam no caos urbano e nas implicações capitalistas para sobreviver em uma cidade como São Paulo (“Desce, desce, desce, desce no metrô …. Quer fazer dindin’ nessa cidade do caralho“), minutos à frente, o compositor reflete sobre a saudade de casa e o peso das lembranças de uma vida pacifica que ficou para trás (“Falta o mar lá de casa / Lembro quando eu cantava lá de casa“).

É como um insano fluxo de pensamento. Um passeio torto pela mente do artista fluminense, mas que em nenhum momento ecoa de forma hermética. Parte desse resultado vem da escolha do compositor em trabalhar os versos de forma sempre descritiva, detalhando cenas, símbolos e crônicas urbanas que atravessam as ruas de uma grande metrópole até encontrar conforto no silêncio de um apartamento ou nos braços da mulher amada. Exemplo disso fica bastante evidente na colaborativa Cuidado, música que se completa pelas rimas sempre minuciosas de Alceu e as vozes complementares da cantora paulista Bebé.

Uma vez ambientado ao delirante território criativo proposto por Dadá Joãozinho, cada nova composição destaca o esforço do artista em brincar com as possibilidades dentro de estúdio. Em Cura, por exemplo, versos movidos pelo desejo esbarram em uma produção completamente torta, lembrando as criações sempre inexatas de Earl Sweatshirt. Essa mesma combinação de estilos pode ser percebida minutos à frente, em Banho, canção que vai do reggae ao jazz de forma totalmente retorcida. Nada que prejudique a construção de faixas dotadas de uma abordagem regular, como em Veja, encontro com o rapper Joca.

Se por um lado essa estranha combinação de elementos torna a experiência de ouvir o trabalho sempre atrativa, por outro, tende a consumir o material, dificultando a capacidade do ouvinte em estreitar laços com o registro. São desvios momentâneos, como em Habitual, composição que destaca a firmeza das guitarras e rompe com a atmosfera enevoada do restante do disco, além de repetições estruturais que consomem a segunda metade do álbum. Pequenos inchaços e momentos de maior desequilíbrio, mas que são prontamente solucionados pela curta duração das faixas, sempre resolvidas em pouquíssimos minutos.

Vem justamente desse poder de síntese de Rocha o grande charme do repertório de Tds Bem Global. São composições trabalhadas em um intervalo de um a dois minutos, mas que condensam diferentes décadas de referências, ritmos e preferências sem necessariamente parecer demasiado efêmeras. Da reflexão sobre consumo e sexo que invade a jazzística Sem Limitessss, passando pela poesia angustiada que invade a derradeira Exaustão! É Grande a Minha Fé!, sobram momentos em que o cantor fluminense demonstra toda sua habilidade em transitar por entre estilos sem necessariamente perder o controle da própria criação. 

Adriano Correia de Oliveira – Cantigas Portuguesas (LP 1980/Portugal)

MUSICA&SOM

Adriano Correia De Oliveira – Cantigas Portuguesas (LP Orfeu – STAT 067, 1980).

Género: MPP, Intervenção, Folk.

 “Cantigas Portuguesas” foi o derradeiro álbum em vida de Adriano Correia de Oliveira. Faleceu em 16 de outubro de 1982, dois anos depois da publicação deste disco. Os arranjos e a direcção musical são mais uma vez de Fausto Bordalo Dias e entre os instrumentistas contam-se o próprio Fausto e Pedro Caldeira Cabral. Neste álbum "Cantigas Portuguesas", Adriano retoma e aprofunda a exploração do nosso riquíssimo cancioneiro tradicional que já havia iniciado nos anos 60. Neste seu último álbum, o músico refaz e canta o povo a que pertence, desde Trás-os-Montes, ao Minho, passando pelas Beiras e pelo Alentejo e dando um pulo à ilha Terceira/Açores. Mais informação sobre este cantor português, já falecido, encontra-se inserida neste blog.

Faixas/Tracklist:

A1 - Vira Velho (Popular)

A2 – Lira (Popular)

A3 - Deus Te Salve Rosa (Popular)

A4 - Canto dos Ceifeiros (Popular)

A5 - Quando Eu Chegar ao Barreiro (Popular)

B1 – Rosinha (Popular)

B2 – Charamba (Popular)

B3 - Canção da Beira Baixa (Popular)

B4 - Canto dos Malhadores (Popular)

B5 - Modinha do Chapéu (Popular)

Músicos/Personnel:

Voz - Adriano Correia de Oliveira

Arranjos por Fausto e Pedro Caldeira Cabral

Adriano Celentano ‎– Peppermint Twist (LP 1962)

 

MUSICA&SOM

Adriano Celentano ‎– Peppermint Twist (LP Jolly Hi-Fi Records ‎– LPJ 5021, 1962).

Peppermint Twist é o título do terceiro álbum de estúdio de Adriano Celentano, originalmente lançado pelo selo Jolly, em 1962, com quem Adriano tinha contrato. 

No final de 1961, depois de regressar do serviço militar, Celentano instalou-se em Milão, formando a sua própria gravadora independente, Clan Celentano. Logo na primavera de 1962, em maio, deixa a editora Jolly (onde gravava) e lança o seu primeiro single, “Stai Lontana Da Me” (Clan Celentano ACC 24001), pelo selo da sua nova gravadora.

Ao mesmo tempo, enquanto se aguardava a resolução das questões legais resultantes do uso dos direitos sobre as gravações, a editora Jolly continuou a lançar as músicas gravadas anteriormente por Celentano e já editadas em 45 rpm. 

Portanto, Peppermint Twist é um LP desprovido de novas canções e deve ser considerado mais como uma antologia/compilação, do que propriamente um álbum de estúdio com originais.

Neste álbum, todas as músicas tiveram arranjos do maestro Giulio Líbano, que dirige a sua orquestra.

É a época do Twist. Chubby Checker ou Peppino di Capri são os principais promotores desta nova dança, vinda dos Estados Unidos. Muitos dos novos cantores italianos foram inspirados pela nova moda como, Mina, Caterina Valente, Johnny Dorelli, Pino Dosaggio, ou ainda os mais novos, Rita Pavone, Gianni Moranti ou Edoardo Vinello. Até os mais tradicionais, como Modugno, Claudio Villa e Marino Marini se envolveram neste novo género musical. Um cantor inovador como Celentano, não poderia deixar passar a oportunidade.

O artista agarrou na versão italiana do Peppermint Twist, de Joey Dee, tornando-a na faixa principal (faixa título) deste seu LP, depois do sucesso que o tema teve em 45 rpm. 

Adriano Celentano (Milão, 6 de janeiro de 1938) é um cantor italiano, compositor, comediante, actor, director de cinema e de TV.

Celentano nasceu em Milão em Via Gluck 14 (sobre a qual mais tarde escreveu a canção "Il Ragazzo della Via Gluck"). Foi fortemente influenciado pelo seu ídolo Elvis Presley (chegou a gravar temas como, Tutti Frutti ou Jailhouse Rock) e pela revolução que foi o rock nos anos 50.

Durante mais de 40 anos, ele manteve a sua popularidade em Itália, vendendo milhões de discos e aparecendo em inúmeros programas de TV e filmes.

Lançou cerca de 40 álbuns, 29 de estúdio, 3 álbuns ao vivo e 8 compilações. A sua canção mais famosa é "Azzurro", com letra de Paolo Conte, lançado em 1968, com versões/covers de vários músicos desde então. 

Faixas/Tracklist:

A1 Peppermint Twist (Glover, Dee, Del Prete, Pinchi) 2:25

A2 La Gatta Che Scotta (Kramer, Giacobetti) 2:10

A3 Blue Jeans Rock (Leoni, Fulci, Vivarelli) 2:10

A4 Pitagora (Beretta, Soffici) 1:45

A5 Desidero Te (Leoni, Beretta) 1:55

A6 Rock Matto (Libano, Fulci, Vivarelli) 1:45

A7 Impazzivo Per Te (Celentano, Del Prete) 2:00

B1 Cosi' No (Nicoli, Pallavicini) 2:05

B2 Il Ribelle (Celentano, Testoni) 2:20

B3 Che Dritta! (Libano, Coppo) 2:10

B4 Teddy Girl (Leoni, Pallavicini) 2:15

B5 Movimento Di Rock (Colombini, De Filippi) 2:10

B6 Pronto Pronto (Leoni, Beretta) 1:55

B7 Nikita Rock (Libano, Fulci, Vivarelli) 2:15

Músicos Intervenientes:

Voz - Adriano Celentano

Orquestra - Giulio Libano E La Sua Orchestra

“PARA FORA CÁ DENTRO”… MÚSICA ELETRÓNICA PARA FUGIR ÀS FÓRMULAS DA INTELIGÊNCIA ARTIFICIAL

 

Se há coisa que no álbum “Para Fora Cá Dentro” o Turista (nome artístico de João Gomes), seu autor, quer evitar, são as receitas típicas da música eletrónica de sucesso: Introdução + Build Up (a crescer, lentamente) + Drop (refrão) + Descida + depois voltar a subir + novamente o refrão… e o processo repete-se.

Em “Para Fora Cá Dentro”, lançado eta sexta feira 15 de setembro, em todas as plataformas de streaming, a eletrónica não é assim.

 

Som militantemente digital, todo produzido em computador, conta, porém, com contrabaixo, baixo, guitarras… e uma voz feminina. O Turista, seu autor, tem uma longa biografia musical que começa em Lisboa nos anos 80, passa pelos LX-90 e por dez anos em Londres, antes de se dedicar a produzir discos, a acompanhar outros artistas e ao ensino.

As músicas recriam referências dos anos 90, algum tecno e alguma house, um pouco de trip hop, algo de jungle, uma ressonância de drum and bass. “É um som integralmente feito ‘in-the-box’ [no computador] sem recurso a métodos analógicos, que recusa a construção de músicas através de fórmulas que toda a gente repete”, afirma João Gomes. “É uma música assumidamente digital que recusa as facilidades oferecidas pela Inteligência Artificial, ou seja: ao contrário de fórmulas previsíveis, este álbum procura transmitir uma sensação de certo desconforto, de que alguma coisa inesperada está prestes a acontecer”