Frank Ocean - channel ORANGE (2012)

channel ORANGE (2012)

Frank Ocean

Antes de falar sobre a quantidade esmagadora de coisas que acho ótimas sobre este álbum, acho que sua maior falha é que ele luta com sua própria identidade. Há uma variedade de tópicos diferentes abordados, várias atmosferas diferentes criadas e 17 faixas, o que já é longo para um álbum mais sonora e tematicamente coeso. Mesmo com isso em mente, não acho que um álbum precise ser coeso para ser perfeito, ou mesmo ótimo. E embora o álbum esteja longe de ser perfeito, em seus picos parece que chega bem perto.

Channel Orange é uma ilha no oceano com seu namorado do colégio. É a escuridão envolvente do seu quarto à noite no seu momento mais isolado. É uma fantasia abstrata e arejada que o eleva e o carrega por minutos antes de deixá-lo cair em qualquer uma de suas outras identidades variadas - porque se há algo que é consistente neste álbum além de instrumentais intrincados e belos vocais em todo o registro, é a natureza dominante do álbum. Não há muito espaço para interpretação em Channel Orange - Ocean é direto e claro sobre exatamente o que ele está sentindo e como ele está sentindo; estamos principalmente apenas acompanhando o passeio.

Thinkin Bout You é uma reflexão sonhadora sobre estar apaixonado, acompanhado por cordas orquestrais e uma linha de sintetizador que retorna insistente em mantê-lo nas nuvens. Ocean voa tão alto em seu registro quanto pode ir para o refrão, o que serve como um belo complemento para a ternura das cordas. Somos trazidos de volta a este espaço algumas faixas depois com Pilot Jones , uma clínica sobre as amplas capacidades vocais de Ocean e uma meditação encantadora sobre o primeiro amor. É uma das poucas músicas sutilmente inteligentes em termos de letras do álbum e, embora em muitos aspectos seja menos grandiosa instrumentalmente do que muitas das faixas que a precedem e seguem, ainda há muitos momentos altos.

Pirâmides, sem dúvida a melhor faixa de Ocean até o momento, justapõe essas configurações anteriores com o que só pode ser descrito como uma odisseia instrumental, com um tempo de execução de dez minutos, é de longe a faixa mais longa aqui, ao mesmo tempo em que consegue de alguma forma parecer que se encaixa perfeitamente. A música conta a história de Cleópatra em contraste com um relacionamento moderno que Ocean está observando, mas o instrumental é o que realmente dá o show aqui. A faixa salta com uma linha de base de sintetizador urgente e sintetizadores de sino subjacentes que parecem uma ascensão em direção à bateria que se aproxima - é difícil identificar exatamente os tipos de sentimentos que ela invoca, mas é futurística, adaptável e urgente. A transição da batida para a segunda metade esfria e acalma a urgência enquanto Ocean vai cada vez mais baixo em seu registro vocal, até que essa linha de base urgente se estende e se estica para uma liberação. A entrega vocal de Ocean se torna mais lenta e clara para combinar com a transição instrumental - criando uma unidade harmoniosa entre os dois. Se a primeira metade desta faixa é uma corrida urgente por uma cidade no meio da noite, a segunda metade é um passeio com o único propósito de apreciar sua beleza.

Completando a lista de faixas estão Bad Religion e Pink Matter . Com Bad Religion , chegamos a uma noite escura, intoxicada e chuvosa com uma lembrança de partir o coração de um coração partido e uma meditação sobre a sexualidade de Ocean. "If it bring me to my knee, it's a bad religion" é provavelmente a letra mais aberta para interpretação em todo o álbum - mas acho que se encaixa apropriadamente com o tema recorrente de amor não correspondido, contrastando a natureza unilateral desse amor com o relacionamento unilateral que muitas pessoas muitas vezes lutam para aceitar em seu relacionamento com um poder superior. Ou pode ser uma reflexão adicional sobre a necessidade de arrependimento de muitas religiões quando confrontadas com relacionamentos do mesmo sexo. De qualquer forma, a faixa se junta lindamente com talvez sua melhor performance vocal até o momento.

Por último, temos Pink Matter , terminando-nos em uma ilha ao sol, esparramada na praia com o objeto de nossa afeição, uma cena criada por meio de uma seção de cordas arejada e persistente acompanhada por ruídos de animais selvagens e diferentes interpolações vocais. O crescendo em camadas das cordas e os vocais de Ocean fornecem uma base perfeita para o que é certamente um dos melhores recursos de rap dos anos 2010 no verso de Andre 3000, e ele parece combinar perfeitamente com a cena. O instrumental e os vocais aumentam lentamente à medida que se aproximam de um final abrupto. O assunto do prazer sobre a matéria, lógica e tudo o mais, se encaixa substancialmente com a doçura e surrealidade do instrumental que o acompanha de uma forma que coloca o ouvinte talvez da forma mais envolvente em todo o álbum.

Enquanto Canal Laranjaassume vários nomes, lugares e identidades diferentes, ele nunca desiste ou desacelera em imergir você, uma qualidade que é difícil de encontrar consistentemente em álbuns inteiros. Então, esteja você em uma ilha ao sol, bêbado no banco de trás de um táxi às 2 da manhã confessando seus segredos mais profundos ao seu motorista ou flutuando nas nuvens entre pensamentos sobre seu primeiro amor - você sempre estará em algum lugar, e isso é um grande testamento da consideração em jogo no lirismo, nas estruturas das músicas e na produção do álbum. Mas, além disso, a única maneira de esse tipo de imersão potente se tornar possível é por meio do talento bruto, e acontece que Ocean exibe o tipo de proeza vocal única neste álbum que você realmente só vê uma vez na vida.

Channel Orange consolida um lugar na história entre os melhores discos de hip hop e R&B, enquanto Frank Ocean emerge como um talento geracional instantaneamente reconhecível em sua estreia.

Perfume - ⊿ (Triangle)

⊿ (Triangle) (2009)

Perfume

Eu poderia facilmente ir em frente e defender que este é talvez o melhor disco de J-pop já feito, mas acho que mesmo assim sinto que o que foi dito sobre este álbum já foi feito melhor por muitos outros. Então, em vez disso, vou escrever sobre por que acho que este é um dos melhores discos eletrônicos de todos os tempos - ao lado até mesmo de nomes como Discovery do Daft Punk ou Kid A do Radiohead .

Se você me dissesse que a maioria dos álbuns eletrônicos foi feita para apresentar música que soe "futurística", mesmo se você listasse os álbuns que listei, eu provavelmente não acreditaria. Mas então há Triangle do Perfume , que apresenta uma produção absolutamente excepcional em todos os aspectos. É uma mistura de sintetizadores oníricos e estridentes que resultam em uma música que pode ser totalmente divertida para dançar, ou ficar em segundo plano se você quiser algo para estudar. Talvez seja a maneira como Yasutaka Nakata joga o máximo que pode em você na hora, seja os vocais do trio ou os sintetizadores barulhentos, é uma bela mistura de minimalismo e maximalismo que parece tão consistente e faz com que o álbum inteiro pareça uma brisa para passar.

Mas mesmo como todos os melhores discos pop podem ser, cada música que apresenta os vocais mais extensos é incrivelmente cativante. Eles são cativantes de uma forma que você também vai querer cantar junto - se alguma coisa, você pode sentir muito disso surgindo em "Dream Fighter" e "One Room Disco", e quando você os toca consecutivamente, você ainda sente a mesma energia que sentiria em algumas das músicas mais suaves. Também ajuda que os vocais das meninas sejam adoráveis, mas contra as produções agressivas, de alguma forma, encontra um equilíbrio que funciona completamente.

Este é o tipo de música que me faz acreditar que os "sons do futuro" realmente existem. E só por isso eu o chamaria de um dos melhores álbuns do século 21.

Destaques: Dream Fighter, I Still Love U, One Room Disco, Negai

Japan - Gentlemen Take Polaroids (1980)

Gentlemen Take Polaroids (1980)

Japan

Este é um disco profundo e inesquecível que foi meticulosamente criado para ser perfeito em seu tema e intenção. É difícil encontrar artistas que consigam criar dimensões auditivas com sua música, onde você sinta até certo ponto que a música o transportou para algum lugar. No caso de “Gentlemen Take Polaroids”, é um lugar cristalino e celestial cheio de melodias frescas e bem equilibradas que cobrem um amplo espectro de estados de espírito. Tendo glorificado este álbum por muitos anos, me senti compelido a reavaliar seu impacto, bem como revisitar minha experiência com ele desde o início até o presente nesta análise (primavera de 2021).

Bem, acho que o melhor lugar para começar, se bem me lembro, é a intriga e a curiosidade que obtive da capa do álbum. A misteriosa figura pálida com aparência de espectro brilhando em meio à chuva e aos relâmpagos. Eu interpreto isso como uma representação de um estranho alienado. Na época em que ouvi isso pela primeira vez, eu tinha 16 anos, no auge da insegurança adolescente, com um futuro terrivelmente desconhecido pela frente. Eu tinha acabado de tirar minha carteira de motorista e meu próprio carro, o mundo tinha se expandido muito. Até hoje, encontro muito simbolismo neste disco que continua a ressoar em mim.

Na época em que descobri esta banda pela primeira vez (para mim foi em 2004), lembro que alguns de seus álbuns estavam disponíveis para download online, mas não este. Não me lembro se foi pelo iTunes ou outra coisa, mas lembro que já tinha baixado a música "Quiet Life" e tinha ouvido amostras de suas outras músicas. Eu ainda não estava acostumado a baixar música digitalmente na época, então preferi comprar CDs. Li algumas avaliações online e decidi que este era o álbum para se contentar e comprei a edição Caroline Blueplate do CD que incluía 2 faixas instrumentais adicionais - "The Experience of Swimming" e "The Width of a Room", arranjadas exclusivamente como faixas 4 e 9.

Lembro-me de esperar ansiosamente uma semana inteira para que fosse entregue pelo correio na minha casa de infância em Michigan. Na época, pedir coisas esotéricas online tinha uma espécie de valor sentimental. Eu estava recebendo um artefato estranho não reclamado de um lugar distante. Acho que foi enviado de algum lugar da Europa ou da Ásia. Eu tinha um ritual legal (que infelizmente não mantive) de ouvir novos álbuns do começo ao fim na cama no meu CD player portátil com as luzes apagadas antes de dormir. Eu não tocava nenhuma música durante o dia enquanto fazia as coisas, eu só ouvia a música quando estava sozinho no meu quarto à noite com as luzes apagadas e com meus fones de ouvido. Eu só ouvia CDs no meu carro quando sentia que tinha realmente absorvido o álbum na íntegra. Isso servia como um meio agradável de escapar temporariamente da realidade do mundo ao meu redor.

Lembro-me que com este álbum, na primeira e segunda audição, eu não tinha compreendido bem quais eram suas intenções, mas na terceira audição as peças do quebra-cabeça se juntaram para formar uma experiência musical além de tudo que eu havia compreendido. A arte da capa era e ainda é muito intrigante, mas a música certamente a supera em qualidade.

Indo para isso, acho que estava apenas esperando por algumas músicas cativantes, mas o que obtive foi um disco complexo e atmosférico cheio de instrumentação diversa e estruturas musicais inovadoras. A primeira coisa que se destaca ao tocar este disco é a qualidade da produção. Indo para isso com o conhecimento de que foi gravado em 1980, só podemos imaginar como o som claro e orgânico foi alcançado e como sua nitidez foi mantida para resistir tão bem ao teste do tempo. Lembro-me de uma vez que toquei este disco para um grupo de amigos dos meus irmãos no final dos anos 2000 e eles nem sabiam que esta banda era dos anos 80. Eles apenas pensaram que era uma banda indie underground dos dias atuais.

O sentimento de autenticidade também é muito evidente tanto nas composições das músicas quanto no canto. O estilo vocal único e cantante do vocalista David Sylvian poderia facilmente ser transmitido como muito cosmético e insincero, mas de alguma forma, talvez em sua execução cuidadosa, soa legítimo. Muitas das bandas new wave e synth pop do início dos anos 80 em Londres pareciam ter uma aparência e estética semelhantes às que buscavam. Sinto que sempre faltou um elemento na visão que tinham em mente. Com o Japão, especificamente com "Gentlemen Take Polaroids", a música parece genuína e pura, enquanto muitas outras bandas da mesma época parecem falsas, considero o Japão o Rolex de seu tempo.

Uma coisa que já vi muitas vezes em outras análises são as comparações feitas entre o estilo de canto de Sylvian e o de Bryan Ferry. Na época da ascensão do Japão, alguns críticos comentaram que a banda estava apenas imitando o Roxy Music e que não era original. Acho que é provável que Sylvian tenha sido influenciado até certo ponto por Bryan Ferry, mas também acho que ele pegou uma ideia que foi parcialmente iniciada por outra pessoa e a melhorou. Posso imaginá-lo ouvindo Roxy Music, pensando, isso foi interessante, mas se fosse eu, teria feito assim. No final das contas, o vencedor, da minha perspectiva, é a pessoa que fez a coisa melhor, não a pessoa que fez a coisa primeiro.

Eu diria que Sylvian dominou o estilo vocal cantado em “Gentlemen Take Polaroids”. Sua abordagem envolveu uma pronúncia mais distinta e um tom sem esforço, mas mais expressivo, quase lento e ao mesmo tempo soando sheek. A lentidão e a ingenuidade em sua voz podem ser um fator importante que contribui para a autenticidade do álbum. As letras parecem simples no início, mas têm pequenas complexidades e implicações espalhadas por toda parte que aumentam sua profundidade. As músicas são principalmente sobre coisas comuns, mas fazem uso pesado de tópicos envolvendo clima, viagens e a passagem do tempo. “Quando os fogos da noite queimam, a luz do dia morre e se vai, com você ao meu lado podemos correr”. As letras são brilhantes em como contribuem para a paisagem de cada música. Elas são simples, mas poderosas e simbólicas. Acho que elas podem ser relacionadas a um grande público, mantendo um mistério em certas áreas envolvendo detalhes que apenas o compositor saberia. “Eu poderia explicar, esse sentimento de amor, ele simplesmente persiste”. A quantidade de versos memoráveis ​​espalhados por esse diamante de álbum o consolida ainda mais como o que considero o nível superior da musicalidade.

O título e a faixa de abertura "Gentlemen Take Polaroids" começam as coisas de forma otimista, mostrando a instrumentação avançada da banda e o estilo vocal único dos cantores. Tem uma melodia muito legal e está entre as melhores músicas pop do álbum. Há um equilíbrio notável entre cada instrumento e o papel dos membros da banda na música. Parece que todos estão a bordo e em plena participação, dos sintetizadores à bateria, ao baixo e aos vocais, não parece que está faltando em uma área ou excessivo em outra, mas em perfeito acordo entre si. Ao contrário de muitas outras bandas da era do sintetizador, o Japão fez um ótimo trabalho em complementar a eletrônica com outros instrumentos. A unidade real é ouvida entre os músicos nesta faixa. Também inclui a clássica linha de abertura "There is a girl about town..." cantada de forma tão eloquente.

"Swing" é a próxima música e continua em uma direção semelhante à primeira. É pop amigável em um sentido comercial com cada instrumento mais uma vez soando em perfeita harmonia. O aspecto mais progressivo da música envolve o ruído lento do drone ambiente no começo que lentamente se aproxima antes de dar uma guinada rápida em um mar de graves pesados ​​e sintetizadores que compõem a melodia. A música (assim como a primeira) tem uma duração notável de mais de 6 minutos e desaparece para o canto de sonho de Sylvian de "Whisper in the wind". Li em um artigo que o produtor do álbum John Punter considerou essa música o melhor momento do Japão, não concordo com isso, mas acho que é outra música brilhante que contribui para o ímpeto do álbum.

A próxima música é onde o álbum decide se aventurar em território de vanguarda. Depois de demonstrar o glamour evidente nas duas primeiras músicas pop, o Japão desce para a escuridão com "Burning Bridges" . Uma peça assustadora que começa muito lentamente com ruídos eletrônicos estranhos e lentamente constrói uma mistura de teclas etéreas com saxofone jazzístico para criar uma orquestração escura e celestial que o puxa para uma espécie de transe, sem perceber os vocais ausentes até que de repente eles chegam. Quase toda a música é instrumental até o final, quando a voz familiar ouvida no início do álbum surpreendentemente retorna quando você menos espera, para soltar algumas linhas vagas que mencionam um rio e um fogo. Neste ponto, o ouvinte pode estar confuso sobre o que fazer com a direção do álbum. Esperar que todo o álbum seja uma experiência pop rock divertida e previsível não é o que o Japão tem reservado, se é isso que você está procurando. Lembro-me de que na época em que ouvi isso pela primeira vez, fui pego de surpresa e não entendi. Depois de uma análise mais aprofundada e algumas audições repetidas, eu me apaixonei por ela. Até hoje, é uma peça muito progressiva e uma prova de que o Japão é inovador.

Seguindo a melancolia da faixa anterior, vem "The Experience of Swimming", que desta vez é um instrumental completo. A música foi escrita pelo tecladista Richard Barbieri, uma das poucas faixas não compostas por Sylvian. É uma peça completa de sintetizador que tem um título muito apropriado para a atmosfera que cria. As melodias de Barbieri não soam tão baseadas em computador quanto a maioria dos outros atos de synth pop da época, há uma espécie de sensação orgânica nelas. Isso me faz pensar se foi o resultado de uma programação cuidadosamente planejada que foi feita deliberadamente. É uma peça melancólica e linda que o puxa para as profundezas do álbum.

Eu diria que a transição da faixa 4 para a 5 está entre os momentos mais esperados do álbum. Tem uma transição delicada que é muito aparente. Depois do que pareceu um longo tempo nas sombras, a Faixa 5 “My New Career” te puxa de volta para o glamour com indiscutivelmente a melodia mais cativante do catálogo do Japão. Há algo seriamente inovador sobre a melodia do sintetizador e como ela dança com o refrão. Ao longo dos anos, essa música em particular teve um forte efeito nostálgico. Ela evoca sentimentos de esperança e otimismo diante da incerteza.

Depois de ganhar algum impulso, vem a seguir “Methods of Dance”, um hino enorme e cheio de energia, com camadas de sons diversos e influências estrangeiras. O Japão está agora com força total com sua progressividade. A essa altura, se você não percebeu, o saxofonista é fenomenal. Mick Karn traz um ingrediente vencedor à mistura com sua execução jazzística e vanguardista sobre os sintetizadores e bateria sempre a postos. O refrão complexo envolve mais uma reviravolta com a inclusão de vocais de apoio femininos. O canto profundo de Sylvian misturado com o tom oriental da cantora convidada contribui ainda mais para a rica atmosfera musical em que o álbum o envolve. Outra música estelar e extremamente progressiva para 1980 e com 6 músicas, o álbum ainda está impecável, não é um momento ruim ainda.

Isso nos leva ao número 7, a única música cover, “ Ain't that Peculiar” , escrita por Smokey Robinson da Motown. Uma escolha de música estranha, mas ainda assim executada com maestria pelo Japão. Por um tempo, foi a única faixa sobre a qual eu não tinha certeza. Originalmente, eu a descartei como sendo um preenchimento na mesma veia que os covers feitos em discos anteriores, mas depois de ouvir a versão original, aprendi o quão diferente é o cover japonês da música e, como resultado, a respeito mais. Sendo de Michigan, aprecio a inclusão de um cover de um músico de Detroit.

Por fim, após o brilho demonstrado e o estrelato pop apresentados em faixas anteriores, chegamos à música quintessencial do álbum, a balada de piano lindamente sombria e introspectiva "Nightporter" . Com um aceno para a música clássica, a música é uma composição de piano de som gótico executada por Sylvian que transmite uma mensagem sombria de desespero e arrependimento. A música tem um refrão hipnotizante que capitaliza o sentimento de solidão e a crença de ser um estranho na sociedade. A letra é executada perfeitamente e acredito que a maioria das pessoas que se aventuraram a ouvir isso são capazes de ressoar com ela imensamente. É uma composição tão clássica e atemporal que é difícil imaginar como as coisas eram antes, sem ela. É uma declaração musical válida e direta expressa com perfeição melódica que permanece convincente até hoje. A letra faz um trabalho fantástico em pintar um retrato do humor que está sendo expresso, "Aqui estou eu sozinho novamente, uma cidade tranquila onde a vida cede". Eu ainda ouço essa música e sinto até certo ponto que é sobre a minha vida. É tão poderoso. Não posso dizer que é para todos, mas comigo ela atingiu o ouro. Ouvir essa música é como abrir uma velha garrafa cara de vinho, você a guarda para uma ocasião especial, é sobrenatural. A música termina desaparecendo para (neste ponto do álbum) o zumbido característico de Sylvian com as últimas teclas do piano sendo pressionadas lenta e delicadamente antes de finalmente atingir o silêncio.

Após o longo e sombrio clímax do álbum, ficamos com outra faixa instrumental "The Width of a Room"que serve como um ponto de apoio para o ouvinte refletir sobre o que acabou de ouvir. Outra música não composta por Sylvian, foi escrita por Rob Dean, que deixaria a banda logo após o lançamento do álbum. É uma peça de sintetizador, semelhante a "The Experience of Swimming", só que muito mais sombria e com uma forte ênfase em evocar um sentimento de isolamento. Conforme a música desaparece lentamente, começamos a alcançar uma luz no fim da escuridão. O que poderia ser o próximo?

Depois de viajar pelos muitos picos e vales de "Gentlemen Take Polaroids" e sobreviver à escuridão de "Nightporter", chegamos agora à conclusão do álbum, Faixa 10 "Taking Islands in Africa" . A música começa com algumas explosões eletrônicas de raios, diferentes de qualquer uma das teclas de sintetizador ouvidas anteriormente, o que na primeira audição me deixou nervoso, pois não tinha certeza de qual direção a música estava tomando. Até este ponto, o álbum era perfeito, então eu estava com um pouco de medo de como terminaria, qual seria a declaração final. Com uma virada brusca no refrão final, "Lá fora há um mundo esperando, vou tomar tudo de assalto", o álbum encontrou resolução. Ainda me lembro da terceira audição deste álbum, quando eu tinha 16 anos deitado na cama, como decidi com aquele refrão final que este álbum era perfeito. A última música termina o álbum com um tema envolvendo esperança e perseverança e o faz de uma forma que soa inspiradora. A declaração de encerramento, antes que esta obra-prima termine, "O vento sopra forte em minhas velas".

Ter este CD em minha posse me fez sentir como se tivesse obtido algum tipo de poder sobrenatural e ganhado sabedoria que todos ao meu redor desconheciam. Sempre me lembrarei de dirigir meu primeiro carro, um Chevy Malibu azul 2001 com este CD tocando. Lembro-me de como na época em que ouvi isso pela primeira vez eu estava no segundo ano do ensino médio e para uma das minhas aulas tive que participar de um serviço comunitário com o exército da salvação. Era novembro de 2004 e lembro que havia muita neve naquela época do ano. O local do serviço comunitário era longe, em algum lugar como Pontiac, e eu tinha que acordar cedo de manhã para dirigir por cerca de uma hora, o que na época era minha viagem mais longa de carro. Ouvir esse disco enquanto dirigia na paisagem invernal de Michigan criou uma experiência inesquecível com esse álbum e a atmosfera que ele criou. Até hoje, ainda consigo sentir um pouco dessa nostalgia quando o ouço.

Depois de 40 anos, “Gentlemen Take Polaroids” ainda soa fresco e progressivo, mesmo para os padrões de hoje. É um álbum que fala muito para mim simbolicamente e espiritualmente. É uma joia escondida e de vanguarda de um disco de uma época distante, quando os artistas se dedicavam a ultrapassar os limites do que poderia ser feito com a música pop. O Japão já havia demonstrado sua expertise em pop rock nos álbuns que o levaram a este, mas com este lançamento eles transcenderam aos céus como mestres de sua classe. É interessante para mim como um álbum como este é tão relativamente desconhecido e de alguma forma passou despercebido comercialmente. É uma descoberta tão notável que posso facilmente imaginá-lo nem mesmo existindo. É quase bom demais para ser real. É extremamente inspirador e um privilégio me identificar com algo de tamanha magnificência. Este álbum é um triunfo não apenas para o Japão, mas para a música em geral, pois mostra as grandes profundezas atmosféricas que podem ser alcançadas. Este está entre os melhores discos que conheço. Se você ainda não ouviu, dê uma olhada, você não sabe o que está perdendo.

Syzy - The weight of the world (2024)

The weight of the world (2024)

Syzy

Estou frustrado com a cena dubstep moderna há algum tempo. É um espaço que parece supersaturado há muito tempo. Qualquer novo desenvolvimento no mundo do dubstep moderno criaria um influxo de produtores tentando copiar esse som, levando, em última análise, à supersaturação de cada onda que o gênero vê. Mas a falta de criatividade não é a única coisa que tem segurado o gênero. Um dos

desenvolvimentos mais recentes na música é a popularidade dos gêneros "hiper" , sendo o mais conhecido o hyperpop. Este termo também encontrou seu caminho para a esfera EDM em, por exemplo, hypertrance e hyperglitch. O sentimento em torno da palavra "hiper" traz uma espécie de expectativa errada para esse tipo de música como sendo excessivamente enérgica ou caótica, o que pode ser verdade em alguns casos, mas essa não é a característica comum entre esses três gêneros. O que esses subgêneros incorporam é a romantização da música que esses artistas gostam, provavelmente desde a época em que estavam crescendo. Hyperpop é o exagero dos tropos pop dos anos 2000 e 2010, regularmente com uma influência EDM [1], o hypertrance visa trazer de volta o som edificante do otimismo tecnológico da música trance Y2K [2] e o hyperglitch como a evolução do som e da estética por novos artistas informados pelo glitch, IDM e música experimental que os precederam [3]. Como esses exemplos indicam, esta é uma música que é desenvolvida a partir do amor e apreciação por esses gêneros, muitas vezes exagerando os aspectos que o artista acha mais atraentes sobre esses respectivos estilos. Além disso, técnicas de produção modernas são usadas para criar novos sons para a música pela qual é inspirada. Há um casamento entre o som de uma nova geração e a conexão pessoal dessa geração com suas inspirações.

Syzy começa a se encaixar nessa imagem quando você começa a vê-lo como uma forma de expressão sentimental. Talvez isso não seja uma surpresa quando você o conecta à experiência deles como parte da cultura dariacore que explodiu no Soundcloud [4]. Este subgênero, também conhecido como hyperflip (aí está a palavra 'hyper' de novo), pode ser reconhecido não apenas por suas técnicas de produção abrasivas como bitcrushing e seu mashup energético de gêneros EDM, mas exclusivamente por sua maneira de reunir samples pop nostálgicos dos anos 2000 e 2010 e gêneros EDM dos anos 2010 como brostep e complextro para serem assumidamente divertidos. As contribuições de Syzy notavelmente sempre tiveram um tom edificante. O que quero dizer com essa comparação é chamar a atenção para a voz romântica da música 'hyper' , mais do que para o som dela.

Essa conexão pessoal é onde "O peso do mundo"eleva-se a ser um dos melhores álbuns do dubstep moderno. Ele faz algo que poucos artistas no espaço fazem. Syzy conseguiu comunicar sua visão romântica do riddim, dubstep e cultura do Soundcloud para o ouvinte. Ouvir isso é como ler uma carta de amor ao gênero. É o que estava faltando no dubstep moderno há algum tempo. Através de toda a música pesada de festival que o gênero produziu ao longo dos anos, perdemos aquele sentimentalismo e alegria que a música eletrônica pode trazer.

Essa qualidade é encontrada na lista de faixas. Exceto que é frequentemente mais forte nas partes fora do drop, o que infelizmente é o maior golpe contra o álbum. Muitas vezes perde um pouco da qualidade edificante ou da ludicidade que ele constrói ao ir pesado com os drops do riddim, que como um subgênero tende a ser um pouco mais estático em seus fluxos. Deve-se afirmar que a produção é absolutamente fantástica. Ele se encontra em muitos terrenos com seus patches exuberantes, bitcrushing barulhento, melodias brilhantes ou drops pesados, mas nenhum deles colide na mistura. Os drops utilizam uma grande faixa de frequência, de modo que são dinâmicos. E sim, as caixas são um verdadeiro deleite para esses aficionados.

Syzy nos inicia com a introdução bitcrushed de "Can you keep up?" , que salta para uma construção usando arpejos e então talvez um drop de riddim rave um pouco decepcionante, devido a definir o tom de "ir grande" em vez de "ir romântico". O acompanhamento "ILUUUU" já é uma melodia mais edificante graças às melodias brilhantes do sintetizador, que serão comuns ao longo do resto do álbum. A ponte é o destaque desta faixa. A parte da romantização do EDM continua em "Get a grip!" com aquelas grandes punhaladas de teclas e o drop final, que soa mais inspirado do que a ideia bastante básica por trás das que vêm antes dele. A primeira faixa a puxar todas as paradas é "In your face!" , tendo elementos de baixo bubblegum e o primeiro drop realmente lúdico do álbum com sua abundância de lasers. Mas, a verdadeira carne está na parede impressionante de som que vem depois dela. "HEART123" apresenta vocais e produção de kmoe , além de cortes vocais do tipo TwerkNation28 , que se encaixam no tom do álbum. Embora, em termos de mixagem, seja a música com o som mais fino do álbum. Pontos de bônus para a caixa louca. O grande single de "Take my energy!" representa perfeitamente a alegria do álbum por meio de uma voz alegre que percorre o drop e uma mudança de tom para inicializar. "Caught up (in circles)"é uma das poucas músicas não riddim, onde Syzy utiliza seu design de som para uma futura faixa de baixo. O drop é um pouco ocupado, no entanto, ele se encaixa no núcleo emocional do álbum como uma música exuberante com grandes melodias de sintetizador. "DOPE1" é outro momento de destaque no álbum. Esta música é assumidamente dubstep junto com cortes vocais de uma forma que lembra o recente Vylet Pony . A penúltima música de sete minutos "Experience (HIGHER)" é um bom exemplo de por que a força do álbum em sentimentalismo é melhor encontrada fora dos drops, porque depois de apenas uma seção pesada, ele se transforma em ruído e música ambiente que se coloca como um ponto emocional do álbum ao girar em torno de tons estridentes. O álbum fecha com "Dancing on my own" , uma música cheia de melodias alegres.

Entender 'hyper' não é sobre o adjetivo, é sobre as inspirações. Esta análise não está cunhando o termo 'hyperstep' . Isso não precisa existir. É um apelo para que os artistas romantizem e formem uma conexão pessoal com a música que os inspira, e transmitam isso com potência emocional. Syzy faz exatamente isso com "The weight of the world" , juntamente com excelente qualidade de produção, um ótimo fluxo de álbum e qualidade consistente de faixa para faixa. Este é, sem dúvida, um dos melhores álbuns do dubstep moderno.

Lupe Fiasco - Samurai (2024)

Samurai (2024)

Lupe Fiasco

Um em que ele estende os braços abertos para estimular os comprimentos de onda do ouvinte em geral, em vez de seus trabalhos mais recentes que optaram totalmente por marginalizar aqueles que não estão dispostos a colocar no nível acadêmico de análise. Em um nível básico, este LP parece estar evocando um cenário "e se" no qual Lupe idealmente redefine sua carreira musical para ter uma trajetória que ele sente que seria uma dádiva de Deus para ele, e uma jornada de oito faixas da fruição do superstar. Mas em um nível mais profundo, também é paralelo ao conceito confirmado de "E se Amy Winehouse se tornasse uma rapper de batalha chamada Samurai?" Uma ideia absolutamente maluca que até agora, com minhas audições repetidas, aconteceu de rastrear com migalhas de pão significativas. Mas, para ser franco, vou colocá-lo de lado agora, embora eu não esteja nem perto de ter uma compreensão completa deste LP, e provavelmente ainda não terei até o final do ano.

Mas sinto que não saborear meus pensamentos e conclusões durante esse tempo é um desserviço ao poder do trabalho de Lupe e à capacidade que ele tem de desdobrar suas ideias e barras densas ao longo do tempo, o que é uma afirmação que sempre soa verdadeira para ele. Mesmo que eu não tenha me importado muito com nenhum de seus trabalhos desde "Tetsuo and Youth". E embora eu possa não entender completamente essa obra ainda, em um nível sonoro sou um fã absoluto e massivo de quase tudo, e é seu melhor/mais fácil álbum de ouvir desde seu álbum de estreia "Lupe Fiasco's Food & Liquor". Talvez até mais, devido a ter menos da metade do comprimento, mas ainda assim se sentir tão cheio até a borda com conteúdo para desempacotar. Ele não perde tempo na faixa-título introdutória contundente, mas suave como seda, na qual somos apresentados a uma figura que aspira ser um rapper de batalha com paixão sincera. Há algumas alusões claras a Amy ao longo, como o resto do disco, mas com versos iniciais como "Olhos grandes, parecendo céus em binóculos, duas noites ao vivo, cantando perto da casa de ópera" é difícil confundir. Ele é recebido com escrutínio de espectadores do lado de fora, zombando da ideia de que ele acha que poderia fazer isso "dentro da casa de ópera" ou em um palco que acolheria uma vista mais grandiosa.

A música encapsula todo o "Samurai" em poucas palavras com sua produção de rap jazz muito contundente e hipnotizante, bem como letras/jogos de palavras que torcem a língua em que quase cada linha e palavra tem rima interna, inclinada ou perfeita acontecendo internamente. O colaborador de longa data Soundtrakk assume as rédeas de todo o projeto nas placas aqui e, como resultado, tem sensações familiares das melhores músicas de seu trabalho inicial ao longo de todo o tempo de execução de 30 minutos. O loop de amostragem de metais clássico e a percussão boom-bap meticulosa se entrelaçam com bom gosto com a maneira como ele desliza sem esforço pelas músicas com os fluxos mais suaves que você ouvirá este ano. Isso só aumenta as vibrações envolventes e fáceis do LP. Mas o aspecto mais surpreendente é o quão bem o canto de Lupe está aqui, por mais que ele esteja fazendo isso. Não é o melhor, com certeza, mas cai como um belo elogio ao projeto e é melhor do que muitos de seus pares, ao mesmo tempo em que aumenta a validade da interpretação do conceito de Winehouse por toda parte.

Passando para "Mumble Rap", Lupe usa a segunda faixa para inverter o termo, justapondo a ideia das tendências de canto jazz de Amy incorporadas ao refrão para um exame do uso depreciativo e irreverente da frase. Ele contrasta o refrão cantado "murmurado" com o trabalho de versos articulados comuns de Lupe e reitera a situação que o personagem-título está enfrentando. Isso é um pouco de resistência e dissuasão do público que eles estão tentando alcançar e seguir essa carreira. Enfatizado ainda mais com a batida jazzística sombria, fria e distante que apresenta um trabalho de cordas viciante e corajoso, algo não muito longe de aparecer em seu segundo LP "The Cool". É em “Cake” que o álbum realmente começa a clicar, enquanto vemos Amy perseguir os altos da vitória de seu primeiro rap de batalha e a seguinte visão eufórica sobre o futuro. Mas também funciona como uma declaração independente e reafirmativa deste álbum sendo visto por Lupe como seu melhor trabalho, como concretamente declarado dentro do refrão também. A faixa é espirituosamente cheia de referências e trocadilhos em torno de bolo, doces e sobremesas. Enquanto isso, sendo apoiada por uma amostra invertida virada contra percussão frenética e teclas brilhantes que resulta na música indiscutivelmente mais caprichosa do LP, bem como no refrão mais cativante.

Após “Cake”, Lupe e Amy começam a contemplar e discutir a escuridão que vem com a ascensão da fama e do sucesso em “Palaces”. Uma das músicas mais discretas e sombrias de “Samurai”, cada verso compara intelectualmente diferentes “Palaces” que são possíveis com areia, cartas e ossos sendo a ordem respectivamente. “No. 1 Headband” retrata o personagem-título se esforçando para ser o rei/rainha do jogo com uma referência ao Afro Samurai sobre percussão esparsa e um solo de jazz recorrente encantador. Eu particularmente adoro o choro ininterrupto que ele solta no verso final, mas por algum motivo não consigo entender por que parece ter vida curta como um todo. “Bigfoot” parece um pouco melhor em comparação, mesmo que apenas por sua simplicidade em relação a Lupe em seus versos, e uma batida inspiradora que oferece um ambiente não encontrado de outra forma aqui. Embora eu não tenha certeza do que ele quer dizer com a música e o refrão, até agora parece uma metáfora para se tornar tão colossal que ele está pisando em toda a sua cidade como o monstro titular. Estou confiante nisso, mas este também é um momento-chave para destacar como as tendências abstratas de Lupe podem jogar contra ele no que de outra forma seria uma faixa fenomenal. Mas, “Outside” é o verdadeiro show stopper em “Samurai”.

Isso apresenta o que é facilmente minha batida favorita no disco com suas qualidades de metrônomo nas teclas, bateria e cordas. A maneira como tudo se dissipa ao longo, mas depois aumenta no refrão é simplesmente incrível, e me mantém cambaleando para outra repetição do resto aqui. Liricamente e topicamente, parece ostentar a iluminação de vencer uma batalha de rap, mas, falando de forma mais geral, vencer em qualquer coisa que consideremos nosso sonho de perseguir na vida. E que não importa o que aconteça, essa satisfação de até mesmo tentar fazer a jornada para começar sempre sairá por cima, em vez de nunca entretê-la. Por fim, o outro “Til Eternity” me deixou perdido em suas tentativas de amarrar tudo isso em um laço. Mas eu ainda gosto do som dele, e se eu tivesse que adivinhar, eu diria que talvez ele esteja falando sobre legado e como isso nos permite viver na morte passada. Mais uma vez, porém, não me surpreenderia se ele simplesmente clicasse daqui a um mês, ou, alternativamente, o LP viesse a ecoar conclusões muito diferentes no futuro, porque isso tende a ser a norma com um artista tão denso e fora da caixa como Lupe.

Esteja você procurando por raps intelectuais dignos de dissertação ou uma sessão relaxante de descontração e vibração, quase não há como errar com "Samurai" de Lupe Fiasco. Com a obrigação de estar em quase todas as listas de publicações de hip hop de fim de ano para 2024, é um abraço caloroso do poder do amor de um artista por outro e como os colegas da indústria musical se inspiram nas aspirações dos outros e, por sua vez, melhoram a si mesmos. Há uma sensibilidade tangível de paixão de Lupe para definir esse conceito, sem forçá-lo goela abaixo, como sua última década de trabalho, que pode parecer desdenhosa para fãs genuínos que podem considerá-lo demais. Você pode levá-lo ao pé da letra como uma dissecação dos "e se" e do passado do próprio Lupe, ou pode cavar nas trincheiras e ouvi-lo realizar e representar completamente o sonho desequilibrado de Amy Winehouse de lançar o mais doentio dos raps de batalha no estilo Wu-Tang. Há apenas o golpe certo de equilíbrio entre inebriante e casualmente legal aqui que realmente pega os melhores aspectos de Lupe como artista e os coloca em plena exibição como um mural vibrante. Culminando em seu melhor LP de estúdio desde o clássico "Lupe Fiasco's Food & Liquor".

Faixas imperdíveis: "Outside", "Mumble Rap" e "Cake"

Kehlani - Crash (2024)

Crash (2024)

Kehlani

Dando continuidade ao seu trabalho mais aclamado pela crítica até agora , o último álbum de Kehlani, Crash, continua trabalhando com seus estilos musicais contemporâneos, mas amigáveis ​​ao pop, de R&B. No entanto, Crash tem várias faixas excêntricas em gêneros relativamente intocados por eles até agora e, além disso, este é o álbum mais explicitamente sáfico de Kehlani. Talvez com o aumento da popularidade da música lésbica surgindo logo antes do lançamento de Crash , não havia melhor momento para Kehlani ser tão sincera sobre sua sexualidade. Tão explícita quanto sua orientação sexual é a influência de Kehlani no pop atual. Quando Kelhani dá um toque especial — por exemplo, o ritmo tropical e saltitante em "After Hours" — eles fazem uma verdadeira mágica musical. No entanto, Kehlani joga pelo seguro em outras partes do disco e torna as faixas menos agradáveis ​​por causa disso. "Vegas" exemplifica isso pior; a música é uma versão branda do synthpop moderno, obsoleta em outros lugares pela popularidade de produtores como Jack Antonoff , e, portanto, parece apenas "não um pulo" na melhor das hipóteses. Além disso, embora o filtro autotune de Kehlani não seja geralmente um problema em sua voz, quando eles fazem essas partes pronunciadas em camadas harmonicamente todas encharcadas neste efeito ("8", "Chapel"), não é muito lisonjeiro. Honestamente, parece que Kehlani foi inspirada pelo R&B de Ariana Grande e, em defesa de Kehlani, atinge o mesmo impacto médio. Isso não quer dizer que os vocais de Kehlani sejam fracos, no entanto. A balada "Crash" que dá nome ao álbum seria despojada de todo caráter se não fosse pela paixão em sua entrega. Da mesma forma, "Next 2 U", uma faixa irregular sobre os sentimentos protetores e devotados de Kelhani em relação à parceira, apresenta vocais bombásticos no segundo verso enquanto cantam "If you ain't around to catch me when I'm fallin' / I'mma fuck around and tat angel wings". Afastando-se da música pop superficial, no entanto, acontece quando Crash mostra um material muito mais interessante. Na primeira execução, "Better Not" será um verdadeiro choque (e talvez um pouco de quebra de ritmo na abordagem inicial), pois é tão descaradamente country pop . Estranho, é delicioso. As letras de Kehlani neste disco são tão apaixonadas como sempre, mas o sentimentalismo na guitarra coloca uma pontada real de dor em querer mais de uma mulher, mas lutando para descobrir como abordá-lo (em vez de favorecer termos nebulosos como "se divertindo" e "indefinido"). Então, imediatamente a seguir está "Tears"; essa música caminha habilmente entre as vibrações de clube chique e dançante com seus sintetizadores de tons médios e percussão ecoante e estalante sob seus versos,e afropiano viciante . Além disso, a ludicidade do artista convidado Omah Lay

A parte de 's apoia "Tears" não sendo apenas uma concorrente séria para a melhor música no Crash, mas um verdadeiro destaque dentro dos setores de alté e afrobeats em rápido crescimento da música mainstream.
Os fãs podem notar que Crash carece de muitos recursos, provavelmente por causa da defesa de Kehlani contra o genocídio palestino . Kehlani estava cantando com megastars como Justin Bieber , Thundercat e Ty Dolla $ign , e certamente não é culpa de Kehlani que outros artistas tenham medo de como a defesa de Kehlani refletiria em seu próprio silêncio, mas o que se concretizou é um pouco decepcionante. Omah Ley, como mencionado anteriormente, faz um ótimo trabalho, mas a parte de Young Miko em "Sucia" dificilmente é digna de nota, exceto por sua falta de energia. Além disso, o recurso de Jill Scott na mesma faixa é decepcionante, pois é mais como uma introdução vocal do que qualquer coisa, o que é uma pena, pois a guitarra hipnótica aqui parece uma combinação perfeita para Scott. Do lado da produção de Crash , há várias músicas de Dixson , que em outros lugares colaborou com a lendária Beyoncé , fazendo algumas de suas melhores músicas em seus melhores álbuns. No entanto, com Kehlani, Dixson tem uma divisão uniforme na qualidade das músicas, com o "Deep" gravado em metal provavelmente sendo seu trabalho mais interessante.

Crash prova ser um passo muito interessante na carreira de Kehlani; seus pontos fortes parecem estar superando gêneros musicais populares e, em vez disso, encontram sucesso em lugares inesperados. O álbum fecha com "Lose My Wife", algo semelhante ao contemporâneo adulto de todas as coisas (ou pode até ser considerado como outra faixa country pop) e surpreendentemente soa bem com sua composição. Se Kehlani se livrar das partes mais fracas restantes neste álbum para o que vier a seguir, espere algo incomparável no mundo da música mainstream. Até então, o que eles colocaram em Crash ainda dá muito para os ouvintes roerem.