DISCOS QUE DEVE OUVIR - Summerhill - West Of Here 1990 (UK, Jangle Pop)

 

Summerhill - West Of Here 1990 (UK, Jangle Pop) Artista: Summerhill De: Escócia Álbum: West Of Here Ano de lançamento: 1990 Gênero: Jangle Pop Duração: 38:06 Tracks: Songs written by Seori Burnett. 01. Don't Let It Die - 4:03 02. Here I Am - 3:19 03. If You Hold A Gun - 5:03 04. The Ballad Of Summerhill - 3:36 05. I've Found A Friend - 4:07 06. If I Knew You Better - 3:20 07. Somehow, Somewhere - 3:40 08. Lately - 3:46 09. I Have A Reason - 3:07 10. Last To Find Out - 4:05 Personnel: - Seori Burnett - vocals, acoustic guitar, lead guitar (04,07,09) - Wilson N. Scott - electric guitar, acoustic guitar (09), harmony vocals - Keith Gilles - bass, harmony vocals - Michael Sturgis - drums + - Martin Duffy - piano - Gavin Wright - strings (01) - Fiachra Trench - strings (03) - Glenn Skinner - producer (01-04,06-10) - Gil Norton - producer (05)    MUSICA&SOM

Kant Freud Kafka "No tengas miedo" (2014)

 

Se não me engano, a última data importante na cronologia do prog sinfônico espanhol foi a formação do conjunto Kotebel . No entanto, 2014 tem o potencial de inaugurar um novo marco. A razão disso é o baterista, tecladista e compositor Javi Herrera . Ou melhor, seu projeto solo, que leva o nome de três gênios da filosofia, da psicologia e da literatura de língua alemã. Serei honesto: o álbum de estreia de Kant Freud Kafka pode causar inveja até mesmo aos grandes. Este é um disco quase impecável em termos de conceito e execução, impressionante na sua ponderação de síntese. Sem perder tempo com ninharias, o mago barcelonês Herrera decidiu resumir as diversas conquistas do rock progressivo em um único contexto. Saiu surpreendentemente forte. É claro que atrair reservas de sessões adicionais também desempenhou um papel importante. No entanto, no centro de tudo estão ideias melódicas e de arranjos que pertencem inteiramente a Javi.

Mastermind explica as reviravoltas conceituais da trama com seu laconicismo característico: “No tengas miedo” é uma história sobre escuridão e luz, medo e raiva, apresentada através do prisma do rock orquestral. Talvez não haja melhor maneira de expressá-lo. Mas como o público respeitável anseia por um “debriefing” detalhado, atrevo-me a oferecer o seguinte texto por uma questão de clareza.

Comecemos pelo fato de que o trabalho é instrumental. E começa com a impressionante faixa de 8 minutos “Principio”. Cem segundos de monotematismo coral-sinfônico são suavemente suprimidos por uma parte sonhadora do teclado, após a qual a fusão entra em ação. Brilhante interação de guitarra entre Paul Sanchez e Pep Mendoza , seção rítmica texturizada + piano virtuoso move-se para o reino do puro jazz. A polifonia cresce com samples orquestrais bem construídos e, como resultado, a peça é coroada com uma coda solene. A obra épica "Dama" combina um padrão de piano pró-clássico, um grupo de cordas romântico, tocando passagens solo de clarinete ( Xavi Padillo ) e cor inglês ( Xavi Piñol ), dedilhados de espanhol ( Alejandro Perez ) e 12 cordas ( Monte Casado) . ) guitarras.. . A serenidade rosa no espírito de Anthony Phillips , embora diluída com hard flashes elétricos aliados a uma paisagem sonora de vanguarda, ainda retorna para nós como um bumerangue sob os sons dos acordes finais. No espaço da sala “Viajes” o clima muda repetidamente. Então violinos e violoncelos com suporte de sintetizador de Moog ( Jordi Frontons ) aumentam a ansiedade. Então, de repente, surgem tons líricos, precedendo um divertido carrossel funk-prog com a participação de Hammond. Ou mesmo a acção é inflamada por riffs agressivos com um distinto sabor de metal... O amor pelas descobertas artísticas do grande Genesis pode ser ocasionalmente visto na textura da suite “Antitesis”, onde o diálogo da flauta ( Andrea Herrera ) com a guitarra de fusão de Sanchez e digressões de câmara motívicas são especialmente de boa qualidade cinematográfica. O longo epílogo de "Hombre" permanece fiel ao rumo do "ecletismo harmônico"; portanto, não se pode evitar o jazz-rock impetuoso, as camadas sinfônicas coloridas e os sinais individuais do modernismo progressivo.

Resumindo: fresco, inspirado, profissional e verdadeiramente excelente. Não aconselho os fãs do gênero a ignorá-lo. 

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Delivery "Fools Meeting" (1970)

 

A entrega é um tipo especial de tijolo na fundação da rocha de Canterbury. O precursor do maravilhoso quinteto foi a formação da Brunos Blues Band (ano de criação - 1966), onde atuaram pessoas de autoridade no futuro - Phil Miller (guitarra), Pip Pyle (bateria), Steve Miller (teclados, vocais), Locks Coxhill (saxofone), Jack Monk (baixo). Por enquanto, a equipe dominou os espaços dos botecos da capital, tentando acompanhar o fluxo da música atual. Em 1969, os rapazes firmaram uma aliança criativa com a cantora Carol Grimes , e esse momento se tornou o ponto de partida para as atividades do conjunto Delivery . Ao longo do caminho, substituindo o baixista Monk pelo experiente músico Roy Bebbington , os amigos começaram a procurar uma gravadora. Eles tiveram sorte aqui. O recém-formado selo progressivo B&C Records incluiu jovens promissores entre seus clientes e forneceu o estúdio London Morgan para gravação. A intenção inicial de tocar o material “ao vivo” com o mínimo de overdubs encontrou uma série de obstáculos, principalmente devido à imperfeição do equipamento. O líder da banda, Phil Miller, deve estar muito nervoso durante o processo. No entanto, as sessões foram corajosamente levadas à sua conclusão lógica. O que, no entanto, não salvou o projeto do colapso iminente.

A originalidade do pensamento composicional do guitarrista Miller já fica evidente na primeira faixa - “Blind to Your Light”. A pressão rítmica básica alterna entre episódios líricos reflexivos e jazz psicodélico desenfreado. Em ambos os casos, o papel fundamental pertence ao vocalista Grimes, cujo timbre “pontuado” se integra artisticamente em qualquer uma das situações propostas. O "Miserable Man" de 8 minutos é uma fusão dramática, na qual há um passo de um réquiem bem apresentado com o violino imperceptível de Roddy Skeaping para o blues histérico. O talento da vocalista é melhor revelado em afrescos carregados de emoção como "Home Made Ruin", que exigem tanto revelações sensuais quanto um acompanhamento habilidoso das explosões de poder do piano do maestro Steve. Peça instrumental "É realmente o mesmo?" de Keith Jarrett é incorporado no molho de uma ação desesperada de metais, salpicada com ataques de saxofone de Coxhill e solos afiados e “desleixados” do mentor. “We Were Satisfied” é uma peça muito boa: uma introdução folk semi-acústica e, em seguida, uma poderosa adrenalina proto-prog. A ampla peça “The Wrong Time” força nossos figurões a se transformarem em jazzistas inveterados, e até mesmo a Sra. Grimes consegue encontrar técnicas absolutamente novas em sua própria reserva tonal. "Fighting It Out" é uma demonstração dos músculos intelectuais do trabalhador Phil; um excelente número complexo, resolvido em alguns lugares de maneira direta, em outros - floridamente, mas sem falso pathos. A obra-título corresponde totalmente aos antigos padrões do blues; Se o esquema do modelo chama a atenção é pelas graças inesperadas de Carol. Pois bem, como saudável elemento irônico há o single "Harry Lucky" com letra de Alfreda Benge e Pip Pyle . Quanto aos bônus declarados, destaca-se aqui a composição final de Miller, "One for You", marcada por passagens virtuosas de phono do irmão Steve e linhas de baixo empoladas do nobre "dono da caravana" Richard Sinclair .

Resumindo: um excelente ato de Canterbury, ocupando firmemente um nicho separado na história do gênero. Eu aconselho você a participar. 

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Claude Bolling & Alexandre Lagoya "Concerto for Classic Guitar & Jazz Piano Trio" (1975)

 

Meados da década de 1970 são uma época de ouro para Claude Bollin . Sua “Suite for Flute and Jazz Piano” alcançou o topo das paradas americanas, onde permaneceu (sem brincadeira!) pelas 530 semanas seguintes. Com o tempo, a gravação alcançou o status de platina e gerou muitas sequências. O astuto francês entendeu: o método que inventou durou pouco. Mas a fórmula encontrada parecia muito tentadora. E o ouvinte gostou da ideia da colaboração cruzada. O que restou para o prolífico compositor? Ouça a voz do público e comece a procurar candidatos para novas experiências em série. No entanto, não precisei procurar muito. O amigo de Bollin, o famoso violonista clássico Alexandre Lagoya (1929-1999), ficou encantado com o álbum "Suite for Flute and Jazz Piano Trio". E na primeira oportunidade começou a atacar o maestro com pedidos para compor a mesma obra para seu instrumento nativo de 6 cordas. O assunto estava repleto de muitas dificuldades (Claude, como ele próprio admitiu, tinha pouca compreensão da relação entre o piano e o violão). No entanto, ele aceitou o desafio. No processo conseguimos descobrir muitos pontos de contato tonal. O próprio Bollin ficou surpreso com a facilidade com que trabalhou no material. Aparentemente, a musa favoreceu o artista. E ele aproveitou ativamente o favor da Fortune...

O programa abre com “Dança Hispânica (com toque azul)” – uma espécie de rondó enraizado no folclore latino-americano. O impulso vigoroso, empreendido pelos companheiros com a participação de uma secção rítmica de swing, desvia-se subitamente da linha geral para as dimensões tradicionais do blues. O virtuosismo e o senso de tato de Bollin, aliados à habilidade sofisticada de Lagoya, resultam em um número impressionante. Claro, não sem brio (embora aqui seja absolutamente justificado). Inspirado nas melodias dos conjuntos de mariachis de rua, o tema "Mexicaine" transcreve habilmente o sabor exótico para o reino familiar do jazz de Bollin: o drama lírico e o rigor académico complementam-se de uma forma natural. Baseada nos motivos de Bill Smith , a elegante vinheta “Invenção” evoca inicialmente associações com as histórias imperecíveis de J.S. Bach . E apenas os ostinatos profundos de contrabaixo de Michel Goudry , ornamentados pela técnica livre do líder, não permitem que o esboço barroco tome completamente um trampolim, deslocando as setas condicionais para a área do pós-bop orientado para o mainstream. Tons de guitarra de estilo espanhol formam o caráter da peça com o título autoexplicativo "Sérénade". As passagens alegres de Claude são acompanhadas por episódios solo pensativos de Alexandre. O esquema aparentemente paradoxal revela-se extremamente eficaz (outra vantagem para o artista Bollin). O segmento “Rapsódico” apela ao psicologismo. O minimalismo das cordas menores é saturado de baixo, cresce com os tons das baladas e, por fim, acelera para um palco que é intrigante com reviravoltas incomuns da história com um toque de jazz decente. O complexo afresco "Africaine" mostra um flerte com os melos das planícies arenosas da Argélia e da Mauritânia; convincente, interessante e ousado. Citações familiares de "Hispanic Dance" e "Mexicaine" são amarradas na moldura fina do epílogo de "Finale", transformando a colagem expressiva em um trabalho independente e vibrante.

Resumindo: em comparação com a obra-prima colaboração Claude Bollin / Jean-Pierre Rampal , o compasso do “concerto” é percebido um pouco mais baixo. No entanto, a tarefa foi executada de forma soberba pelos artistas. Uma união criativa extremamente interessante e digna da atenção de todos. Eu recomendo.  

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Timothy Leary & Ash Ra Tempel - Seven Up (German Progressive Rock 1972)

 

Seven Up, o terceiro álbum do Ash Ra Tempel é frequentemente muito mal compreendido pelos fãs de sua música. É realmente estranho, para dizer o mínimo, e se você conhece álbuns como a estreia de 1971, Join Inn (1973), ou Inventions For Electric Guitar (1975, na verdade um álbum solo de Manuel Göttsching), este é realmente um choque. A essa altura, tentar descobrir quem estava no grupo se tornou inútil. O guitarrista Manuel Göttsching e o baixista Hartmut Enke ainda estão aqui, com toneladas de vocalistas diferentes e o ex-organista do Tangerine Dream Steve Schroyder (ele tocou no Alpha Centauri e foi convidado no Zeit). 

O álbum começa com "Space". É uma suíte dividida em quatro movimentos. Começa com "Downtown", que não parece muito encorajadora. Parece um blues genérico cantado por uma vocalista feminina, mas nunca se deixe enganar. Você rapidamente enfrenta alguns efeitos eletrônicos espaciais verdadeiramente alucinantes e ruídos que nunca param! É praticamente o mesmo do começo ao fim, embora mais três músicas de blues se sigam, mas como sempre, as músicas de blues nunca duram porque parece que a banda estava tão chapada na época que eles preferiam explodir a mente das pessoas. Posso sentir um pouco de ironia na maneira como a banda tocou aqueles números de blues.  Graças à presença de Timothy Leary (que estava exilado na vizinha Suíça), não é surpresa que essa música seja o efeito de uma viagem de LSD. A segunda metade do álbum é ocupada por uma suíte de três movimentos chamada "Time". É aqui que os detratores do álbum encontram suas qualidades redentoras, pois isso é muito parecido com o Tangerine Dream da era Alpha Centauri. O último movimento de "Time" é "She", que é basicamente uma regravação de "Suche & Liebe" do álbum Schwingungen de 1972 do Ash Ra Tempel. Este é um álbum maravilhoso e subestimado, que se você abordar com a mente aberta, provavelmente gostará. Ash Ra Tempel é um grupo alemão de krautrock dos anos 1970 e é um exemplo de rock cósmico ou espacial. O grupo foi originalmente fundado pelo guitarrista Manuel Göttsching, o tecladista/baterista Klaus Schulze e o baixista Hartmut Enke em 1971. Todos os três membros fundadores já haviam tocado juntos como parte do grupo de curta duração Eruption fundado por Conrad Schnitzler. Antes disso, Schnitzler e Schulze trabalharam juntos no Tangerine Dream. Um projeto de curta duração que Manuel Göttsching teve em 1970 foi a Steeple Chase Blues Band, que também incluía Hartmut Enke, Wolfgang Müller e Volker Zibell.

Ash Ra Tempel lançou seu álbum de estreia autointitulado em junho de 1971. Este lançamento é considerado pelos críticos como um clássico do gênero; Schulze partiu temporariamente para uma carreira solo logo após seu lançamento. Schwingungen (1972), Seven Up (com Timothy Leary) (1972) e Join Inn (1973) são todos considerados obras-chave da banda. O álbum de 1973, de orientação pop, Starring Rosi, foi assim nomeado porque apresentava os vocais principais de Rosi Mueller. Sua música é amplamente caracterizada como cósmica e atmosférica. Os primeiros álbuns eram mais psicodélicos e todos tinham uma longa faixa por lado: uma mais poderosa e dramática, a outra de natureza mais atmosférica. Em vez de escrever letras em inglês, já que a língua alemã não era popular no rock na época, Ash Ra Tempel mais ou menos decidiu não ter letras em suas músicas. A última apresentação do Ash Ra Tempel aconteceu em Colônia em fevereiro de 1973. Mais tarde, após gravar a trilha sonora Le Berceau de Cristal (1975; não lançada até 1993), o Ash Ra Tempel encurtou seu nome para Ashra, fazendo uma música mais melódica, baseada em sintetizadores. Em 2000, a banda se reuniu na formação de Manuel Gottsching e Klaus Schulze. A dupla já havia trabalhado junto no álbum de Schulze In Blue 

01.a  Downtown   16:00
01.b  Power Drive    
01.c  Right Hand Lover    
01.d  Velvet Genes    
02.a  Timeship   21:36 
02.b  Neuron    
02.c  She  

Extradition - Hush (Australian Acid Folkrock 1971)

 

Hush, o álbum de vinil original gravado pelo grupo Extradition de Sydney, continua sendo um dos álbuns mais raros lançados por um artista australiano. Os preços há alguns anos estavam acima de US$ 100, mas, ao contrário de muitos outros álbuns do início dos anos setenta, este álbum não é voltado para o rock nem para o blues. Em vez disso, ele mistura folk, folk tradicional com ideias de vanguarda, mas continua muito audível, até hoje. 

Tendo ido a vários festivais folk nos últimos meses, posso atestar que várias de suas músicas refletem a influência do folk inglês, particularmente quando a vocalista Shayna Karlin assume os vocais principais: ela tem um som vocal clássico e claro que lembra Sandy Denny do Fairport Convention, embora outros escribas sugiram que Pentangle e Incredible String Band também podem ser outros pontos de referência de comparação.  Também ouço nuances de Steeleye Span. No entanto, é a contribuição criativa de Colin Campbell e Colin Dryden que empurra os limites normais do folk para caminhos menos percorridos. Em faixas como Original Whim, o baterista Robert Lloyd usa instrumentos de percussão e ritmos incomuns, sem perder o interesse do ouvinte. Lloyd mais tarde se interessou mais pela World music, que ele explorou na época em 1971, antes que a World music se tornasse um gênero reconhecido. A banda também usou instrumentos incomuns, como um harmônio (no clássico instrumental Minuet) ou a vina com som de cítara em A Woman Song. Outros instrumentos incluem flauta de bambu, sinos de vidro, cravo e gongos. Esta reedição do álbum original inclui 6 faixas bônus, todas de uma gravação ao vivo da banda em concerto. Para mim, duas delas constituem as melhores faixas do álbum. Honeychild e In the Evening são uma canção folk tradicional e a última é um cover, no idioma folk do blues. 

Ballad of Reading Gaol é um poema de Oscar Wilde musicado, e eles fazem uma versão muito credível de Hold On to Me Babe, de Tom Paxton. Dear One é uma homenagem ao líder espiritual da banda, Meher Baba. A melodia é muito forte e se você puder ignorar a letra - ou seja, se você não for um convertido, este é um passeio muito agradável. Gostei do uso do coro masculino como base de A Moonsong. O livreto de 16 páginas que acompanha o conjunto está entre as melhores notas de encarte de qualquer álbum de relançamento no país, envergonhando todas as grandes gravadoras mais uma vez.  Ian McFarlane fez um ótimo trabalho pesquisando o lançamento, rastreando a maioria dos membros originais e incluindo comentários e trechos de suas entrevistas. Apesar da natureza obscura do lançamento original, este álbum merece ser ouvido por um público muito maior. No entanto, não espere ouvir uma banda de rock progressivo; este é um folk lento, suave e com ondas de som. Ainda assim, esta reedição em CD deve ser do interesse de qualquer colecionador de música dos anos setenta. 

01. A Water Song 
02. A Love Song
03. Original Whim
04. Minuet
05. A Moon Song
06. Dear One
07. A Woman Song
08. I Feel The Sun
09. Ice
10. Song For Sunrise

Jeff Beck Group LIVE BBC June 29 1972

LIVE  

BBC

1972 06  29

 Jeff Beck aqui com a segunda versão do seu grupo!

Jeff Beck Group #2

Bob Tench (vo)

Jeff Beck (g)

Max Middleton (p)

Clive Chaman (b)

Cozy Powell (ds) 

Set List

1.Ice Cream Cakes   [7:53]

2.Morning Dew     [6:00]

3.Goin' Down    [4:53]

4.Defiantely Maybe   [7:32]

5.News Ways/Train Train   [9:41]

6.Ain't No Sunshine   [5:05]

7.Got The Feeling   [6:40]

8.Let Me Love You    [6:16]

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