Então, só para lembrar, os funcionários da The Firm eram Jimmy Page, Chris Slade, Paul Rodgers, Paul Rodgers e Tony Franklin.
Essa empreitada durou pouco, mas ainda assim rendeu dois bons álbuns de estúdio, sendo este um concerto que apresenta o primeiro deles, tocado quase na íntegra.
Acho que isso se originou de um lançamento chamado You Never Close Your Eyes .
Ele merecia alguns ajustes de som, então aqui você tem uma versão remasterizada dele.
Aqui estão algumas músicas para vocês! Uma gravação amplamente divulgada do Whitesnake na Alemanha no Friedrich-Ebert-Halle, Ludwigshafen em 19 de março de 1983, suponho que tirada da transmissão da TV.
Um dos dez shows que os 'Snakes fizeram na Alemanha naquele ano, superado apenas pelo Japão, com treze shows.
O Cars passou a última parte de 1983 na loja/estúdio, e no início de 84 surgiu com um brilho totalmente novo e um álbum totalmente novo, seu quinto até então.
"Heartbeat City" chegou às lojas em março de 84 e imediatamente encontrou um pulso nas paradas de discos em todo o mundo. O compositor chefe Ric Ocasek havia atingido uma rica veia de forma de composição, evidenciada diretamente com o single principal "You Might Think". Em 1984, a MTV havia se tornado a ferramenta promocional de escolha para qualquer artista que quisesse chamar a atenção mundial, e o Cars estava bem posicionado para liberar outra dimensão de músculo criativo em seus vídeos promocionais para o álbum "Heartbeat City". "You Might Think" (US#7/OZ#24) foi o epítome de um pop-rocker dos anos 80, rico e exuberante, mas enganosamente simples na entrega. O videoclipe exibiu a natureza bem-humorada, até mesmo levemente excêntrica, da banda, e empregou efeitos de tela verde de ponta para sua época.
O single seguinte foi o hino de verão sonhador 'Magic' (US#12/OZ#96). Como se qualquer desculpa para uma festa na piscina fosse necessária, os Cars aproveitaram uma tarde com amigos ao redor da piscina - para mim, há algo de 'chapeleiros malucos' em todo o caso, e quem diria que Ric Ocasek poderia andar sobre as águas - coisas muito envolventes.
Para ilustrar o comprimento e a amplitude do espectro estilístico e temático dos Cars, o terceiro single do álbum foi a antítese de 'Magic'. Cantada pelo baixista Benjamin Orr, 'Drive' foi lançada em meados de 84 e era a balada arquetípica, liricamente muito sombria, mas estilisticamente absorvente. Exquisitamente trabalhada em todas as facetas, 'Drive' subiu nas paradas para estacionar em #3 durante agosto de 84 (hit adulto contemporâneo #1 por 3 semanas - OZ#10/UK#5), e o vídeo promocional em preto e branco com foco suave provou ser o companheiro artístico perfeito. 'Drive' se tornou o single mais vendido da carreira do Cars e, após uma exibição no Live Aid, voltou rapidamente ao top 5 do Reino Unido pela segunda vez (#4).
Do sublime ao ridículo (possivelmente até mesmo ridículo) descreveria melhor a contradição de estilos entre 'Drive' e o quarto single do álbum (e faixa de abertura), 'Hello Again' (US#20/OZ#52). A banda levou o conceito do vídeo promocional ao seu limite e parece ter se divertido muito ao fazê-lo. O sabor peculiar, até mesmo excêntrico, da música combinava perfeitamente com o estilo irônico e modesto do vídeo (que apresentava uma participação especial de Andy Warhol - servindo bebidas para Ric e a banda - junto com uma cavalgada de personagens estranhos e maravilhosos). A essa altura, o Cars havia se tornado o queridinho da geração MTV.
De um álbum de apenas dez faixas, parece improvável encontrar cinco ou mais candidatos para os 40 melhores singles, mas os Cars os encontraram, com o pop futurista de "Why Can't I Have You" encontrando uma vaga no US#33 no início de 85. Com cinco hits no top 40 a bordo, parecia razoável pensar que o álbum de origem, "Heartbeat City", venderia aos montes - e vendeu. Produzido por Robert "Mutt" Lange (ele da fama de Bryan Adams, Def Leppard et al.), o álbum foi triplo platina no verão de 85. Mas serviu como mais do que um receptáculo para singles de sucesso, tal era a mistura eclética de canções escritas por Ocasek. "Looking For Love" provou ser um paradoxo pop taciturno, contraposto ao chute de rock reduzido de "It's Not The Night". Para mim, a faixa-título lindamente trabalhada e atmosférica se destaca como um dos destaques do álbum.
Com tamanha avalanche de impulso estabelecida por 'Heartbeat City', parecia estranho que os Cars escolhessem a opção de reduzir a atividade da banda nos dois anos seguintes. Pode ter sido um caso de esgotamento após a agitada atividade promocional e de turnê associada a um dos maiores álbuns de sucesso do ano. O único material novo a surgir dos Cars durante os dois anos subsequentes tomou a forma de uma nova música e um remix de uma antiga, incluída na bem-sucedida compilação 'Greatest Hits' (US#12/ OZ#3/UK#27). A maioria dos suspeitos de sempre estava presente na lista de faixas, e a nova faixa 'Tonight She Comes' (US#7/OZ#16) correspondeu a todas as expectativas. Os rapazes também estavam em ótima forma (assim como o cabelo de Ric) para o divertido vídeo promocional. O remix de 'I'm Not The One' (originalmente incluído em 'Shake It Up' - US#32/OZ#75) completou a atividade do Cars em março de 1986.
Após a chegada e a passagem do pacote de "maiores sucessos", os Cars entraram oficialmente em um hiato prolongado no interesse de perseguir projetos solo. O guitarrista Elliot Easton lançou um álbum solo ('Change No Change'), enquanto o baixista Benjamin Orr também lançou um set solo ('The Lace'), que rendeu o hit US#24 'Stay The Night'. Como de costume, Ric Ocasek parecia o mais comprometido criativamente. Em meados de 86, ele lançou o álbum 'This Side Of Paradise' (US#52/OZ#24), apresentando a balada terna 'Emotion In Motion' (US#15/OZ#8). Ocasek também tirou um tempo para emprestar seus talentos de atuação ao filme de 1987 'Made In Heaven'.
Em retrospecto, em vez de construir sobre as conquistas gigantescas de 'Heartbeat City', os Cars deixaram o ímpeto vacilar e nunca mais alcançariam essa marca d'água alta. Embora eles tivessem um último veículo criativo para sair do showroom.
'Door To Door' bateu na porta das paradas dos EUA em setembro de 87, liderado pelo brilhante e cativante 'You Are The Girl' (US#17/OZ#69). O single era pop o suficiente, mas não correspondeu às expectativas comerciais, embora mais uma vez os Cars estivessem em ótima forma de vídeo promocional atuando como um deleite em alguma aventura espacial pós-moderna que encontra o mundo bizarro. Comprei 'You Are The Girl' em vinil 45 e, posteriormente, preparei o 'Door To Door' em fita cassete (lembra-se deles?).
Mais dois singles se seguiram, o de guitarra 'Strap Me In' (US#85) e o que soa rastejando atrás de você 'Coming Up You' (US#74). Meus favoritos pessoais de 'Door To Door' são o pesado, nós queremos dizer negócios de 'Double Trouble' e a pulsante brincadeira de 'Ta Ta Wayo Wayo'. No geral, e considerando as inevitáveis comparações com 'Heartbeat City', 'Door To Door' (US#26/ OZ#26/UK#72) ficou aquém das expectativas da crítica, com palavras como sem brilho sendo ditas. A química estava um pouco ausente, e o motor precisava de uma afinação. Os Cars seriam capazes de encontrar seu mojo perdido?
A resposta logo foi revelada como um firme não. Em fevereiro de 1988, foi anunciado que os Cars haviam se separado. Não houve nenhuma exposição pública de roupa suja, nenhuma sensação de uma separação amarga (embora algumas relações de trabalho estivessem um pouco desgastadas), mais apenas um veículo artístico que havia seguido seu curso e precisava ser estacionado na garagem. Todos os cinco membros dos Cars permaneceram ativos em projetos solo ao longo do final dos anos 80 e nos anos 90, com Ocasek continuando uma produção constante de trabalho de 'Fireball Zone' dos anos 90 a 'Troublizing' de 1997. Infelizmente, em outubro de 2000, o baixista do Cars, Benjamin Orr, morreu de câncer no pâncreas. Parecia então que uma reunião do Cars nunca aconteceria.
Ric Ocasek continuou a se dedicar à sua nova vida como produtor musical, trabalhando com nomes como Weezer, Nada Surf e No Doubt, mas encontrou tempo para lançar outro set solo, 'Nexterday', em 2005. Na mesma época, o guitarrista do Cars, Elliot Easton, e o tecladista Greg Hawkes uniram forças com o aclamado produtor/cantor Todd Rundgren, para formar o New Cars. O trio fez turnês com grande sucesso, seus shows apresentando sucessos antigos do Cars, sucessos de Todd Rundgren e algum material novo escrito pelo trio. Eles fizeram turnês com os compatriotas do new wave Blondie durante 2006, capturados em um lançamento de álbum ao vivo, intitulado 'It's Alive!'.
Em 2010, foi oficialmente anunciado que os quatro membros sobreviventes do Cars iriam gravar e lançar um álbum de novo material. Eles trabalharam com o produtor Jacknife Lee em um estúdio de gravação em Millbrook, Nova York. Em 2011, um álbum totalmente novo do Cars chegou às lojas, sob o título 'Move Like This'. Eu não ouvi o álbum, mas a partir de trechos de faixas e resenhas escritas no All Music Guide, o Cars conseguiu capturar um pouco de seu antigo estilo e som cativantes - new wave pop-rock até o âmago e orgulhoso disso. Como um álbum independente, mesmo sem o corpo de trabalho do Cars por trás dele, ele ainda funcionaria.
O Cars resiste ao mais difícil escrutínio comercial e crítico em uma carreira que se encaixou perfeitamente nos tempos em que eles gravaram. Esperamos que haja mais um ou dois circuitos restantes no Cars antes da bandeira quadriculada.
A carreira de alguns artistas é definida por uma música em particular que os torna instantaneamente reconhecíveis aos olhos do público em geral. Um momento marcante que os traz à mente consciente até mesmo do consumidor mais casual de música popular. Para Kenny Loggins, essa música era "Footloose", uma explosão pulsante de pop rock que atingiu o topo das paradas em todo o mundo em 1984. Mas, embora muitas pessoas identifiquem Kenny Loggins dizendo: "Ele não é o cara que fez Footloose?", seria um desserviço grosseiro definir sua carreira apenas por aquele momento brilhante. Na época em que "Footloose" recebeu milhões de toques, Kenny Loggins já estava fazendo discos de sucesso por mais de uma década.
Kenny Loggins nasceu em Everett, Washington, em janeiro de 1948. Ele se mudou com sua família (como a maioria das crianças) para Seattle (seu pai era um caixeiro-viajante), antes de se estabelecer em Alhambra, Califórnia, durante seus anos de formação. A música estava no sangue da família (seu primo Dave Loggins teve um hit #5 nos EUA em 1974 com "Please Come To Boston") e o jovem Kenny começou a tocar violão seriamente durante sua adolescência. Quando estava cursando o Pasadena City College, Loggins sabia com certeza que queria seguir carreira na música. Ele tocou em uma banda local, Gator Creek (que gravou brevemente com a Mercury Records), ao lado do tecladista e futuro produtor musical, Michael Omartian (que mais tarde foi uma força criativa por trás do Rhythm Heritage - hit #1 nos EUA em 1976 com "Theme From SWAT"). Ele tocou com a banda Second Helping (contratada pela Viva Records), ao mesmo tempo em que aprimorava suas habilidades como compositor.
Em 1969, o aprimoramento de habilidades valeu a pena quando Loggins foi contratado como compositor profissional pela Wingate Music, uma editora da ABC Records. Loggins continuou a tocar ao vivo, em turnê com o antigo grupo de rock psicodélico, o Electric Prunes, brevemente, mas era mais regular como compositor. Foi durante esse período que ele escreveu "House at Pooh Corner" (sério, sem trocadilhos), que foi oferecida à Nitty Gritty Dirt Band para gravar, tornando-se um sucesso para eles em 1971 - Loggins, na verdade, escreveu quatro músicas para a banda, todas incluídas no álbum "Uncle Charlie and His Dog Teddy".
Em setembro de 1970, trabalhar até tarde como artista e compositor trouxe a recompensa de um contrato de gravação com a gravadora Columbia Records de Clive Davis - não doeu que o funcionário da Columbia A&R Don Ellis fosse um amigo da família Loggins. Foi Ellis quem logo apresentou Loggins a outro recruta recente da Columbia, um jovem artista, compositor e produtor chamado Jim Messina. Messina nasceu em Maywood, Califórnia, apenas um mês antes de Loggins nascer. Ele foi criado em Harlingen, Texas, e tocava em bandas desde os 13 anos. Em 1965, Jim Messina também estava trabalhando como engenheiro de gravação e produtor para nomes como Sunset Sound. Ele foi membro da banda Buffalo Springfield de Neil Young durante 1967 ('For What It's Worth' - US#7), e durante o final dos anos 60 foi cofundador do grupo de country rock extremamente popular Poco (que mais tarde também contou com nomes como Randy Meisner e Timothy B. Schmidt do Eagles em suas fileiras). Messina deixou a Poco depois de três álbuns (na época em que conheceu Loggins), e também foi contratado pela Columbia como artista solo, mas foram suas habilidades como produtor que o levariam inicialmente a trabalhar com Kenny Loggins.
Loggins pediu a Messina para "participar" de algumas das primeiras sessões de gravação, feliz em escolher o cérebro criativo de alguém com consideravelmente mais experiência de estúdio (como produtor e engenheiro) do que ele. E com sua experiência com Buffalo Springfield e Poco, Messina trouxe algumas credenciais sérias para a mesa. Além de seu trabalho de produção, Messina também havia sido contratado pela Columbia como artista. À medida que as sessões para o álbum de estreia de Loggins avançavam, ficou claro para ele e Messina que seus estilos musicais, tocar e cantar se complementavam. Messina começou a passar tanto tempo na cabine de gravação quanto na mesa de controle do produtor.
Foi um caso de acaso que Kenny Loggins e Jim Messina acabaram gravando um álbum de material, essencialmente como uma dupla - Loggins mais tarde alegaria que sua parceria criativa com Messina era mais uma "união informal", já que cada um foi formalmente contratado pela Columbia como artistas solo. Independentemente disso, o álbum de estreia de Kenny Loggins, lançado no primeiro semestre de 1972, acabou sendo creditado a Kenny Loggins com Jim Messina: Sittin' In' - faz sentido, já que o produtor Messina também "participou" de muitas das sessões de gravação como artista. Ele também contribuiu para escrever 6 das 11 faixas do álbum, contribuiu com a "primeira guitarra" e compartilhou os vocais principais em várias faixas, incluindo um dos destaques do álbum, "House at Pooh Corner". O álbum apresentou aos ouvintes uma marca descontraída e envolvente de country/folk rock. Loggins e Messina logo entraram no circuito ao vivo para apoiar o álbum, com sua estreia ao vivo no Troubadour, em Los Angeles, anunciada como Kenny Loggins Band com Jim Messina. O conjunto de estreia vendeu lentamente inicialmente, mas conforme o boca a boca se espalhou, ele subiu nas paradas dos EUA para um respeitável #70, e passou a ser certificado como platina. Outra faixa do álbum, 'Danny's Boy', foi gravada por Anne Murray em 1973, e se tornou um hit do Top 10 dos EUA.
Com um começo tão promissor, era lógico que Loggins e Messina estabelecessem uma união criativa mais formal. E foi assim que no final de 1972 viu o lançamento do primeiro álbum 'oficial' de Loggins & Messina, intitulado apropriadamente, 'Loggins & Messina' (US#16/OZ#65). O álbum apresentou o primeiro, e finalmente o maior single de sucesso da dupla. 'Your Mama Don't Dance', escrita por Loggins e Messina, foi uma pequena música atrevida e rock que rapidamente chegou ao 4º lugar na US Hot 100 (OZ#30), no final de 1972 (a faixa foi posteriormente regravada e um hit top 10 da banda de hard rock Poison em 1989). 'Thinking Of You' escrita por Messina foi lindamente envolvente e entrou no top 20 dos EUA no início de 73 (US#18/OZ#65). A dupla chamou alguns velhos amigos para contribuir no estúdio, com o tecladista Michael Omartian e o guitarrista de steel do Poco Rusty Young tocando nas sessões. O álbum de platina apresentou uma gama de durações de faixas, desde o passeio country de um minuto de 'Just Before The News' até o épico country rock de sete minutos de 'Angry Eyes'.
No final de 73, Loggins e Messina revelaram seu lado náutico no álbum 'Full Sail'. O single principal foi 'My Music' (US#16/OZ#65), um pastiche de rock and roll não muito distante de 'Your Mama Don't Dance' (por que mudar uma fórmula vencedora). Outro destaque foi a faixa de abertura, o hino do island-rock 'Lahaina' (me lembra 'Coconut' de Harry Nillson). O álbum 'Full Sail', mantendo o motivo da capa do álbum, navegou seu caminho para o Top 10 dos EUA.
Por mais prolífica que a dupla estivesse se mostrando no estúdio, Loggins & Messina se tornaram um grande chamariz no circuito ao vivo, impressionando o público com uma mistura revigorante de números folk e country rock. Um álbum ao vivo era garantido, não... faça disso um álbum duplo ao vivo era garantido, e foi lançado em meados de 74. 'On Stage' foi gravado de uma série de shows do início de 74 e apresentou todos os sucessos e favoritos do público até o momento, incluindo uma versão de 21 minutos do rock psicodélico 'Vahelava', que ocupou um lado inteiro no lançamento original do disco. 'On Stage' vendeu números de platina e encontrou sua chamada de cortina em #5 nas paradas dos EUA (OZ#97).
Para o álbum de estúdio #4, Loggins & Messina entregaram uma 'Mother Lode' de dez novas músicas. Em uma audição casual, o álbum foi mais discreto e introspectivo, tanto no som quanto no tema. Também foi incomum que não houvesse colaborações de escrita entre Loggins e Messina. Os destaques incluíram "Be Free", uma maratona gravada em bandolim de sete minutos, e outro épico de sete minutos com o número country rock de ritmo lento "Move On". E falando em seguir em frente, "Mother Lode" entrou confortavelmente no top ten dos EUA (#8/OZ#89) no início de 75.
Como se para lembrar às pessoas que eram capazes de entregar mais do que faixas grandiosas de sete minutos, Loggins & Messina mergulharam em suas memórias de infância para recuperar 14 sucessos dos anos 50 que eles poderiam retrabalhar a seu gosto. 'So Fine' de 1975 (US#21/OZ#83) ofereceu covers apresentáveis de nomes como 'Oh, Lonesome Me' de Don Gibson, 'Hello Mary Lou' de Gene Pitney e 'Splish Splash' de Bobby Darin. Embora uma admirável homenagem a alguns de seus heróis do rock and roll e country, 'So Fine' provou ser uma queda na parada de vendas para Loggins & Messina.
Talvez procurando reinventar a roda, a dupla empregou uma nova banda de apoio e um destaque em arranjos de cordas exuberantes para seu álbum de estúdio de 1976, 'Native Sons' (US#16). A faixa-título simplesmente pingava nostalgia, enquanto Messina escreveu 'When I Was A Child' fez o mesmo, embora liricamente. O destaque para mim foi o som mais contemporâneo de soft rock 'Wasting Our Time'. O álbum foi disco de ouro, mas confirmou ainda mais uma queda na tendência comercial para Loggins & Messina.
A segunda metade de 76 viu a Columbia lançar um álbum de compilação intitulado 'The Best Of Friends' (US#61), embora fosse aparente que Kenny Loggins e Jim Messina haviam ultrapassado o status de 'melhores amigos', pelo menos criativamente, naquele estágio. Como foi confirmado que a dupla Loggins & Messina havia se separado oficialmente, a gravadora não viu razão para não lucrar uma última vez com mais um álbum duplo de material ao vivo. 'Finale' (US#83) foi muito menos envolvente do que seu antecessor 'On Stage', mas isso provavelmente refletiu mais o gosto residual da mistura criativa de Loggins & Messina.
Embora vendessem álbuns em números respeitáveis, os aplausos da crítica escaparam em grande parte de Loggins & Messina. Independentemente disso, eles se estabeleceram como uma das duplas de maior sucesso dos anos 70. Mas dado que eles foram originalmente contratados como artistas solo, parecia inteiramente lógico que Kenny Loggins e Jim Messina continuassem o que uma parceria criativa de seis anos havia interrompido. Jim Messina gravou uma série de álbuns solo, incluindo 'Oasis' (1979) e 'Messina' (1981), antes de se juntar a Poco para o álbum de reunião de 1989 'Legacy'. Mas a maioria de seus esforços criativos foram focados no trabalho de produção, com algumas turnês incluídas para uma boa medida.
Em 2005, a Columbia lançou a compilação 'The Best Of Loggins & Messina: Sittin' In Again'. A boa recepção do álbum inspirou a dupla a se reunir e embarcar para uma turnê nacional durante o verão de 2005. A turnê gerou um DVD e lançamento do álbum intitulado 'Loggins & Messina: Sittin' In Again at the Santa Barbara Bowl Live'. As turnês subsequentes de Loggins & Messina ocorreram nos anos seguintes.
Nesse meio tempo, Kenny Loggins embarcou em uma carreira solo com possibilidades aparentemente ilimitadas.
Herb Schildt.........................Sintetizadores, órgano, piano
Terry Luttrell........................Voz
Matthew Stewart.................Guitarra y coros
Stephen Tassler....................Batería, percusión y coros
Stephen Hagler.....................Guitarra, coros
Gary Strater..........................Bajo, coros y pedales moog
1ª lado:
- Lady of the lake
- Elliptical seasons
- Forces
2ª lado:
- Stargate
- Sunfield
- To the fire wind
- Nova
Ao longo da história, em todas as áreas da vida, algumas pessoas plagiaram outras ou sentiram-se tremendamente influenciadas, isto ficou evidente em muitas ocasiões. No rock não poderia ser menos, também aconteceu, e se estreitarmos um pouco mais e nos referirmos especificamente à música progressiva, houve casos, uns mais flagrantes que outros. Hoje falo sobre um dos mais flagrantes que já ocorreu. Quando ouvi este álbum pela primeira vez, sem conhecer os seus autores, fiquei atordoado; Não conseguia acreditar que isso não pertencia à banda progressiva por excelência, ou seja, Yes.
É difícil acreditar como esta nova banda que surge num momento em que as grandes bandas progressivas dão os seus golpes finais, face à fractura iminente que vai ocorrer com a explosão do punk, oferece um estilo desgastado e não só isso, mas ele também fotocopia descaradamente os reis do prog. Com este panorama, é normal que a aventura não termine bem, mas não foi tão má como se poderia pensar. Tanto no seu país, os EUA (foram formados em Illinois) como no Canadá, foram muito bem recebidos, porém na Europa os números de vendas foram baixos, a revolução punk e o esgotamento da música progressiva no velho continente fizeram muito. dano.
A forma como a guitarra solo é tratada, com a agudeza e o malabarismo de Steve Howe , o trabalho rítmico do baixo, fundamental e inquieto, fundamental para as composições ao estilo de Chris Squire, os teclados imbuídos do espírito de Rick Wakeman e o voz contagiada com o timbre e recursos do bom Jon Anderson. É incrível como Terry consegue simular Anderson a ponto de a personalidade britânica flutuar no ar quando ouvimos sua voz, entoando e esticando as notas como só ele faria. Temos diante de nós um espelho no qual vemos todos eles refletidos, e podemos afirmar que o vinil foi obra deles.
Sem dúvida o que mais importa são as harmonias vocais que constroem ao longo de todo o repertório, muito prolíficas, aparecendo em cada uma das suas canções, bem desenvolvidas e cuidadas com cuidado, tal como as melodias, bem sucedidas e interessantes, altamente dinâmico, para que a música flua com frescor, criando paisagens fascinantes, e com arranjos trabalhados com capricho e perfeccionismo.
No que diz respeito à vertente estritamente instrumental, apesar do roubo de identidade, obedecendo aos cânones do progressivo, as músicas são bem construídas, vitais, enérgicas e dotadas de contrastes que lhes conferem diversidade. O desenvolvimento das músicas beira o alto nível, soando como o SIM dos melhores tempos ( Close to the edge/ Topographic oceans ), mas no ano de 76 como estreia, quando os ingleses estavam no auge e haviam dado o seu melhor eles mesmos.
Mais tarde, com o seu segundo LP, a magia esvaneceu-se e toda aquela onda de imaginação e criatividade seria minada, a música perde qualidade e o seu som torna-se menos original, tornando-se mais apático e aproximando-se dos territórios AOR . Muito barulho por nada, as melodias ficam cinzentas e não conseguem obter o grande resultado do primeiro trabalho.
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