Ronnie Cord – Rua Augusta e Outros Sucessos / Antologia (1964 – 1969)

 

MUSICA&SOM

Ronnie Cord – Rua Augusta e Outros Sucessos / Antologia (1964 – 1969) 

“Rua Augusta e Outros Sucessos” é uma excelente compilação que reúne alguns dos maiores sucessos do cantor brasileiro Ronnie Cord, gravados entre 1964 e 1969. 

Ronnie Cord, nascido Ronald Cordovil (Manhuaçu, 22 de janeiro de 1943 — São Paulo, 6 de janeiro de 1986), já tocava violão aos seis anos de idade. Em 1959 fez um teste na Copacabana Discos, no Rio de Janeiro e, no ano seguinte, realizou a sua primeira gravação, lançada em LP que reunia vários outros cantores. 

Em 1964 fez muito sucesso com a versão Biquíni de Bolinha Amarelinha (em versão de Hervé Cordovil). O sucesso aconteceu depois de Ronnie ter gravado em 1961, com letra original, a canção "Itsy Bitsy Teenie Weenie Yellow Polkadot Bikini", que Brian Hyland lançou no ano anterior. 

Em 1964, aproveitando a onda da Jovem Guarda, Ronnie Cord gravou novamente a versão em português, que também se tornou sucesso em 1965. 

O seu maior êxito foi a canção “Rua Augusta”, com letra de Hervé Cordovil, lançada pela RCA Victor em 1964. Em 2009, essa canção foi eleita uma das 100 Maiores Músicas Brasileiras pela Rolling Stone Brasil, figurando na 99ª posição. 

Faleceu prematuramente de cancro, a cerca de duas semanas antes de completar os 43 anos. 

Faixas/Tracklist: 

01 - Rua Augusta (com The Clevers) (64) 

02 - Veludo Azul (Blue Velvet) (64) 

03 – Sílvia (Sylvie) (64) 

04 - Eu e o Luar (64) 

05 - Viva Las Vegas (64) 

06 - Hippy Hippy Shake (64) 

07 - Biquíni de Bolinha Amarelinho (64) 

08 - Loody Lo (64) 

09 - Humildemente Te Peço Perdão (Ti chiedo perdono) (64) 

10 - Brotinho Difícil (com The Clevers) (64) 

11 – Roberta (64) 

12 - My Bonnie (Lies Over the Ocean) (64) 

13 – Boliche Legal (64) 

14 – Amor Perdoa-me (Amore Scusami) (65) 

15 – Eu Vou à Praia (65) 

16 – Disco Voador (66) 

17 – Eu, a Noite e Ninguém (66) 

18 – Se Você Gosta (Gimme Little Sign) (68) 

19 – Jogo do Simão (Simon Says) (68) 

20 – A Força do Destino (Non a casa il destino) (65) 

21 - Giorno Griggio (65) 

22 – M…de Mulher (F... Come Femme) (69) 

23 – Eu Te Daria a Minha Vida (69) 

24 – Sou Louco Por Você (69) 

25 – Sonho de Amor (68) 

Dälek - From Filthy Tongue of Gods and Griots (2002)

From Filthy Tongue of Gods and Griots (2002)

Dälek

Dizem para mostrar, não para contar. Mais poderoso, menos didático. Escrita criativa 101.

Will Brooks conta. Ele expõe tudo de forma direta, daquele jeito corajoso, emotivo, mortalmente sério e controlado dele. Não é uma fantasia abstrata ou conceito de narrativa; é a poética da luta, a representação simples e digna de iniquidades antigas e novas. Danos culturais e civilizacionais dos quais você pode ter conhecimento, ou já estar parcialmente ciente. Coisas que você pode chamar grosseiramente de sérias, sem graça. Ah, claro, importante, mas enfadonhas .

Mas aqui está a questão. Você pode dizer. Você pode dizer se a exibição faz a narrativa valer a pena ser contada.

E então temos a música, que não é a palavra, mas que contém a palavra, que faz a palavra. Temos todo o som louco, energizante, barulhento, confuso, emocionante e esmagador da luta como ela realmente é. Temos a aventura da resistência , a representação gráfica da dúvida, depressão, desafio e impulsos destrutivos. Você não ouve apenas sobre colonialismo, racismo, repressão, danos emocionais e (sim) a diluição do hip-hop, você sente isso . Você é jogado de cabeça com Spiritual Healing e então jogado de dez maneiras diferentes, desorientado em um ensopado de fúria celestial, todas as guitarras estridentes, baterias colossais, sintetizadores e feedback crescentes, tudo em uma grande e deslumbrante variedade de estilos, pontuado com arranhões e samples como se o show de autenticidade do hip-hop fosse em si parte do drama, parte da reivindicação. Você é girado por interlúdios de canivete, crescendos de ruído, compasso após compasso de discurso cuja retidão redobra na briga. Você é totalmente embaralhado por Black Smoke Rises, depois do qual nada fica claro, exceto o final. Mas então no final real, após uma panóplia de considerações impressionantes e aterrorizantes, você encontra Forever Close My Eyes e Classical Homicide.

Há muito que poderia ser escrito sobre essas duas músicas. Nos termos mais desajeitados possíveis, eu os descreveria como talvez o melhor par de canções de encerramento da história da música popular. Se você ainda não os conhece, vou deixá-lo experimentá-los sem muita introdução, exceto para dizer - não seria legal se mais MCs fossem bons amigos de bandas obscuras de shoegaze? (É legal ver o Injury Reserve ressuscitando aproximadamente essa prática. Mais, por favor!)

No final das contas, isso é hip-hop em sua simbiose mais completa entre palavra e som, onde a mensagem e o meio encontram um no outro um igual. Você pode dizer se a exibição pega a narrativa e a conta mil vezes mais alto, mil vezes mais violentamente, mil vezes mais vividamente. Você pode dizer se a exibição transforma sua narrativa na palavra .

Ween - Quebec (2003)

Quebec (2003)

Ween

Se eu tivesse que descrever a obra de Ween em uma palavra, seria contraste . Ween são os mestres da inconsistência musical, não apenas estilisticamente, mas também emocionalmente. Mesmo nos primeiros dias, quando eram dois adolescentes falando merda e fazendo fitas demo de piadas estranhas para se fazerem rir, eles incorporaram essas mudanças repentinas e frenéticas. Sua estreia em CD duplo de 1990, GodWeenSatan: The Oneness, é um álbum cheio de pastiches malucos e besteiras lo-fi de baixo nível, mas sua melhor música (Birthday Boy) é uma balada de partir o coração gravada por Gene Ween logo após seu término em seu 20º aniversário. Ween ganha poder com essas contradições, não apenas pulando entre gêneros e estilos, mas pulando entre modos de expressão emocional.

Enquanto o Ween atingiu seu pico de incongruência de gênero no início e meados dos anos 90, eles não chegaram ao precipício de sua dinâmica emocional até Quebec, em 2003. O Ween estava no início de sua queda quando o Y2K chegou, com a Elektra Records os abandonando sem cerimônia, Dean e Gene Ween no meio de anos de abuso de substâncias, Gene passando por um divórcio e seu baterista de longa data Claude Coleman Jr. sofrendo um acidente de carro que o deixou com ferimentos dos quais levou anos para se recuperar. Isso estava no topo do estado atual do mundo na época, com os ataques terroristas de 11 de setembro acontecendo a uma curta distância de New Hope, PA.

É estranho então, que mesmo considerando essas circunstâncias, eles tenham lançado um dos melhores discos de toda a sua carreira. Quebec ainda tem a excentricidade e a merda de gênero do início do Ween, mas com um novo nível de versatilidade emocional e introspecção que a banda nunca havia alcançado antes. A faixa de abertura It's Gonna Be A Long Night, um pastiche maníaco do Motorhead, está bem ao lado da faixa psicodélica lounge Zoloft, uma música sobre dependência do antidepressivo titular. I Don't Want It, uma das muitas faixas que dissecam o casamento fracassado de Gener, é imediatamente seguida pelo experimento de sintetizador pateta The Fucked Jam. Esses saltos emocionais normalmente seriam chocantes e desconcertantes, mas Ween os incorpora insanamente bem no álbum, criando uma atmosfera oximorônica que é tão coesa quanto contraditória.

Parece que, quando este álbum foi lançado, a recepção dos fãs de Quebec foi um pouco morna, com muitos fãs considerando-o "chato" e "não marrom o suficiente". Essas pessoas estão, é claro, completamente erradas. Nos 20 anos desde o lançamento, este álbum recebeu aclamação da crítica e dos fãs em massa, com muitos considerando-o seu melhor trabalho até o momento. Mesmo neste site, você não pode atirar uma pedra a 10 pés sem atingir alguém com Quebec em seus 5's. Acho que agora faço parte desse clube.

The Chills - Submarine Bells (1990)

Submarine Bells (1990)

The Chills

O álbum clássico do Chills: Martin Phillipps está claramente em um pico criativo aqui e este lançamento contém algumas músicas maravilhosas. "Heavenly Pop Hit", como um crítico anterior observou, tem uma ótima justaposição de letras menos que celestiais com um som pop incrivelmente alegre - deveria ter sido um grande sucesso mundial. Então o álbum passa para o mais suave, mas emocionalmente poderoso "Tied Up in Chain" e progride por vários estados de espírito. Eu não chamaria "Part Past Part Fiction" de uma música "delicada", mas ela deve ser ouvida em fones de ouvido para que sua música maravilhosa seja totalmente apreciada. O mesmo se aplica a "Effloresce And Deliquesce", uma música que frequentemente me pego cantando para mim mesmo; junto com "Pink Frost", é o ponto alto da carreira do Chills para mim.

Martin Phillipps é definitivamente uma das melhores mentes musicais que vieram da minha terra natal, a Nova Zelândia, e é uma tragédia que o The Chills não tenha ganhado mais fama internacionalmente. Uma banda capaz de criar um jangle pop tão bem pensado com melodias tão contagiantes não deveria ser tão injustamente ignorada. Já que o Crowded House foi formado em Melbourne em vez da Nova Zelândia, posso dizer sem hesitação que Submarine Bells é o melhor álbum Kiwi.

長谷川白紙[Hakushi Hasegawa] - 魔法学校 (Mahōgakkō) (2024)

 

魔法学校 (Mahōgakkō) (2024)

長谷川白紙[Hakushi Hasegawa]

Nunca é o suficiente para Hakushi Hasegawa criar uma faixa mais lenta e delicada entre os bumbos hardcore e flashes brilhantes de talento de teclado. Não, Hasegawa tem que pelo menos começar uma faixa emocional como Forbidden Thing (Kimmotsu) com fivelets giratórios no piano antes que eles se tornem um padrão assimétrico em cima de um compasso 4/4 mais convencional antes que um metrônomo literal acompanhe a faixa no minuto final. Fives também giram na bela Repeat (Tekkai) . Isso não é novidade para os fãs de Hasegawa, que conseguiram o melhor que puderam dançar seções de swing de fivelets no meio das faixas emエアにに (Air ni ni) e草木萌動 (Sōmoku hōdō) . Mas é um bom indicador de onde Hasegawa está em魔法学校 (Mahōgakkō) : convenção rítmica nunca é o suficiente, algo estranho deve estar acontecendo o tempo todo!

Eu cheguei aエアにに (Air ni ni) através de um amor por progressões de acordes coloridas e não convencionais, e quando os singles de魔法学校 (Mahōgakkō) surgiram, fiquei um pouco preocupado que Hasegawa não entregaria o que eu amava dessa vez. E eles não entregaram isso: em vez disso, ao contrário da maioria dos álbuns modernos,魔法学校 (Mahōgakkō) era interessante e ritmicamente urgente o suficiente a cada passo para forçar meus ouvidos a prestar atenção a uma abordagem mais maximalista. Cada faixa, desde os chutes de baixo quase taiko em Mouth Flash/Kuchinohanabi até as alegres amostras agudas em Texture de Boy (deixando de lado a conversa possivelmente 2-AI-chatbot em Mahointer (v2) ) ou brilha com complexidade em torno de uma ideia mais convencional ou grita, alto e orgulhoso, "ritmo!" com bumbos propositalmente estourados ou amostras vocais distorcidas. Compare isso com Perihelion

de Sungazer : aparentemente um exercício de ritmo complexo e uma demonstração da bateria de Crowder, mas as vibrações discretas e a falta de grandes progressões de acordes me tiraram disso imediatamente. Aqui, em vez disso, por meio de ruído e vocais expressivos e orquestração brilhante, Hasegawa faz um caso de garganta cheia para prestar atenção ao ritmo, mesmo no Enbami baseado em amostras vocais , onde me vi vendo a palavra falada de Hasegawa perto do final em uma folha de papel pautado, cinco colchetes e proporções acima de um conjunto de quatro semicolcheias intactas e intrincadas. Talvez Hasegawa tenha preparado isso para mim: na colaboração de rap Gone , há um momento perto do final em que Hasegawa coloca um bumbo precisamente em cada sílaba do verso de Kid Fresino, como se sempre tivesse sido planejado para ser deliberadamente rítmico e não apenas falado de improviso.

Eu sempre adoro um álbum com um encerramento somativo; algo em que todos os elementos se reúnem em uma chamada de cortina temática. Este encerramento, Outside (Soto) , ameaça mudar o tema no final com uma faixa suave, cadenciada e balançada de piano e vocais. Mas não se preocupe: primeiro as amostras vocais retornam em sua glória rítmica. Então os bumbos retornam para a reunião de família antes de serem enviados flutuando no éter com a voz de Hasegawa e um acorde de piano surpreendentemente staccato, enfatizando as abordagens mais suaves e convencionais à harmonia em魔法学校 (Mahōgakkō) e a importância dos ritmos máximos que conduzem tudo em direção à grandeza.

Este é um bom lugar para qualquer um que não esteja familiarizado com Hasegawa começar: fragmentos de composições populares doces e acessíveis giram em torno da bravata aldeídica, lúdica, barulhenta e rítmica em exibição. Apenas certifique-se de abrir sua mente, colocar seus fones de ouvido e dar uma chance a esse tipo de som. Vale a pena a viagem.

Porter Robinson - SMILE! :D (2024)

SMILE! :D (2024)

Porter Robinson

Apesar da diferença drástica na execução, o terceiro álbum de estúdio de Porter Robinson, SMILE! :D, é a continuação perfeita de Nurture , de 2021. Este último atuou como uma exploração para apreciar a beleza da vida e da arte, tudo por meio de uma produção brilhante e texturizada. SMILE! :D é igualmente existencial, mas desta vez é uma busca para Porter aprender a se amar e encontrar prazer na música que faz. Robinson se aventura em suas lutas com a fama, o fandom e se perder na nostalgia sobre a produção eletropop bombástica. Aqueles que entram neste álbum com as altas expectativas definidas por Nurture provavelmente ficarão desapontados - até eu, que cheguei bem tarde ao hype daquele disco, fiquei um pouco perplexo com este álbum no início. É um passo para trás e tão irônico quanto sincero, mas tudo entra em foco eventualmente. Para seguir em frente, SMILE! :D era o álbum que ele precisava fazer.

Há um som doce e açucarado na maior parte do disco que cria essa gama estonteante de emoções. Nas minhas primeiras audições, vi isso como uma das principais falhas do álbum e, embora eu ainda tenha algumas pequenas críticas a essa abordagem, o brilhantismo dessa escolha se revela. O ouvinte tem quase tanto domínio sobre as emoções de Robinson quanto ele. Ele está tentando desesperadamente se controlar e reacender a diversão de fazer música, ao mesmo tempo em que coloca uma cara de coragem ilusória enquanto avalia todo esse conflito. Muitos dos temas centrais do álbum são introduzidos na abertura falsamente fanfarrona, "Knock Yourself Out XD". Robinson luta com a forma como as pessoas o percebem e sua música. Lutando contra as expectativas definidas por seus fãs e pela indústria musical em geral. Ele quer fazer música pop feliz, mas não consegue - pelo menos não por muito tempo. O final da música o mostra abraçando derrotado a estética de uma estrela; tatuagens no rosto, uma bebida na mão, um carro novo chique, mas tudo isso é falso. “Cheerleader” e “Russian Roulette” expandem essas ideias. A primeira é um sucesso catártico sobre os relacionamentos parassociais que algumas pessoas têm com seus artistas favoritos e a última é uma exploração emocionalmente dinâmica de como tudo isso afeta sua depressão – chegando ao fim com a frase repetida e sóbria, “Eu quero viver, eu não quero morrer” antes de ser engolido por sintetizadores rave. A análise de Robinson sobre isso é toda através do contexto da internet, o que eu acho muito convincente. A perpétua falta de seriedade da internet, ele canta sobre “Análise do YouTube, macaco engraçado / Mija na própria boca, louco”, uma referência à notória análise da Pitchfork sobre Shine On do Jete como "Um cara mau acabou de morrer / Eles estão fazendo memes sobre isso." Esse comportamento, do qual a maioria de nós é culpada até certo ponto, pode desestimular a sinceridade e jogar a emoção ao vento. Também pode ser desumanizante para os artistas, fazendo-os se sentirem como mercadorias sem alma para nosso prazer apenas.

"Russian Roulette" e o agressivo "Perfect Pinterest Garden" marcam pontos de virada no foco do álbum, é a partir daqui que Robinson começa a olhar mais para dentro e dissecar seus próprios comportamentos. "Year of the Cup" tem a mesma estrutura daqueles vídeos do TikTok de pessoas colocando instrumentação de riffs emo do Centro-Oeste em vídeos aleatórios, o que resulta em um dos momentos mais instáveis ​​do disco, mas ele consegue fazer funcionar. A música é construída em torno desta entrevista combativa que Lil Wayne fez com Tim Westwood em 2009 e Robinson a vincula de volta às suas lutas contra o alcoolismo e às agressões contra aqueles próximos a ele. O tema predominante para o resto do álbum é Robinson tentando chegar a um acordo consigo mesmo enquanto se reconecta com seu público de forma mais saudável. Ele relembra como seu eu passado o perceberia agora, prometendo "Cuidar da pessoa que ambos seremos eventualmente" em "Easier to Love You". Ele se arrepende das coisas que fez para se tornar o que ele acha que uma estrela deveria ser, ele está apenas "Tentando parecer bem, tentando não se sentir mal". É vazio e insatisfatório, ele tem que se reconectar com quem ele é para si mesmo e para seu público - finalmente chegando a alguma forma de resolução no otimista encerramento "Everything To Me".

SORRIA! :D é uma carta de amor não convencional para os fãs de Robinson. Em suas palavras, eles eram "a musa perfeita para um álbum inteiro". Este é um álbum excelente, interessante e imensamente agradável. Eu entendo por que ele provou ser um pouco polarizador, mas esta é uma de suas melhores realizações até agora. Seus talentos como produtor e compositor estão em plena exibição aqui – e de maneiras muito diferentes do álbum que o precede. Estou bem apaixonado por este álbum.

Cassandra Jenkins - My Light, My Destroyer (2024)

My Light, My Destroyer (2024)

Cassandra Jenkins

Em My Light, My Destroyer , Cassandra Jenkins traça um caminho de entender quem é seu maior guia e sua maior perdição. Na obra — primeira desde o ótimo An Overview On Phenomenal Nature (2021) —, a cantora de Nova Iorque leva suas canções para um novo extremo: elas estão mais sonhadoras, expansivas, universais, profundas e sofisticadas do que. Isso fica claro logo na abertura, "Devotion", na qual tanto a voz da cantora quanto uma pedal steel guitar parecem forçar os limites da canção. De forma geral, o disco é orientado por essa ambição de atingir perfeição a qualquer custo... e é isso que ela consegue atingir na maioria das vezes. Enquanto "Clams Casino" e "Aurora, IL" são country-perfection elegantes em lírica e sonoridade, "Delphinium Blue" parece beber o trabalho onírico de Julee Cruise para entregar algo visceralmente hipnotizante. Mais tarde, "Betelgeuse" e "Omakase" relembraram um pouco dos álbuns de The Weather Station pela paleta de núcleos dos instrumentos, ao passo que "Only One" é um hit. No ínterim, entretanto, há esses diversos interlúdios: alguns são genuinamente bons ("Betelgeuse"), outros nem tanto ("Attente Téléphonique") e alguns claramente puderam ser aumentados como canções ("Shatner's Theme", seguindo os passos de Joanna Newsom) . Com isso, talvez, meu maior problema com esse disco é ele tentar ser um pouco mais do que "só música". Claro, há uma ambição, mas talvez se fosse "apenas música" pelo que ela pudesse ser em sua unicidade, o resultado teria sido ainda mais redondinho. De qualquer forma, durante todo o registro, Cassandra tem o desejo de não se sentir sozinha, mas com isso, ela descobre um universo grande e transbordando dentro de si: ela é sua própria luz, mas também sua própria destruição.