Henry Fool "Henry Fool" (2001; 2013)

 

Para descrever a estreia do britânico Henry Fool , bastariam dois epítetos: "misterioso e nebuloso". Mas não é isso que você espera de um crítico antigo, não é? Então você terá que soprar, dominando a textura do lançamento.
Primeiro sobre o nome. Segundo Tim Bowness (guitarra, voz, mellotron), a escolha foi democrática: votaram em cada um dos dez itens propostos. Com isso, ganhou o título de comédia dramática de Hal Hartley (1997, Palma de Ouro no Festival de Cinema de Cannes de melhor roteiro), que agradou a todos os participantes do projeto. Agora algumas frases sobre o processo de gravação do álbum. O mesmo Bowness, juntamente com Stephen Bennett (teclados, guitarra), formularam a ideia: tentar produzir um disco sem overdubs especiais, ou seja, “ao vivo” em estúdio. Para o resto dos membros do Henry Fool ( Michael Beepark - guitarras; Peter Chilvers - baixo, baqueta, guitarras, teclados; Mike Clifford - saxofone, flauta; Fudge Smith - bateria), tal esquema era novo, mas os caras o consideraram um desafio. As sessões duraram um ano - de abril de 2000 a março de 2001. A mixagem ficou a cargo de Tim, Steve e Peter, com o envolvimento ocasional do onipresente Steven Wilson ( Porcupine Tree , No-Man + um bom número de outros projetos). De acordo com o plano editorial da Cyclops Records, o lançamento do disco estava previsto para o final de 2001. E assim aconteceu. (NB: uma versão remasterizada foi lançada pela KScope em 2013.)
Dezesseis faixas de curta duração do primogênito Henry Fool- um microcosmo figurativo, que lembra um envoltório de arame de tonalidades radicalmente diferentes. Mas por que se surpreender? Na verdade, em termos de estilo, os artistas ingleses não buscavam a unificação. Eles usaram suas formas favoritas, emprestadas do rock progressivo/jazz, pós-punk, psicodelia ambiental, minimalismo eletrônico e arte de Canterbury. O resultado: um conjunto de esboços ligados artificialmente a um conceito especulativo. O elo unificador é o fator emocional. Naturalmente, isso varia em todos os lugares. E ainda assim. Melancolia aquosa ("Friday Brown", "Lateshow: Midnight Days", "The Laughter That Turned to Ice", "Tuesday Weld"), "crimsonismos" de guitarra-Mellotron ("Bass Pig"), arte-romantismo lírico luminoso (" Poppy Q", "Lateshow: Grounded", "Judy on the Brink", "Dreamer's Song"), jazz pastoral ("Lateshow: Blindman One", "Jazz Monkey", "The Mellow Moods of Malcolm McDowell"), alterado por fase de estudos de vanguarda com um toque de hard punk rock ("Lateshow: Poppy Z", "The David Warner Wish List"), viagens ambientais interestelares ("Lateshow: Blindman Two", "Heartattack")... Em geral, muitas cores, humores e cheiros. Quase não há interseções claras, exceto talvez no segmento do canto (o timbre característico de Tim, em qualquer caso, está fortemente associado a No-Man ). Se não nos deixarmos levar pelas pequenas coisas, podemos concluir: temos diante de nós um material bastante interessante, original e apresentado com competência, que corresponde plenamente à definição de “rock progressivo do terceiro milênio”. Vamos parar por aí. 

MUSICA&SOM

Caravan "In the Land of Grey and Pink"(1971)

 

Esses nômades musicais acabaram se tornando o símbolo do movimento de Canterbury. Na movimentada história do grupo houve momentos gloriosos de triunfo, mas também houve fracassos. Mas uma coisa não pode ser tirada do Caravan : a banda se tornou objeto de culto, objeto de adoração para um grande público amante da música. E deixemos os críticos individuais reclamarem: dizem que é um valor inflacionado. Não é verdade. As suas realizações criativas de há quarenta anos ainda são frescas, atraentes e dignas de atenção. Portanto, bem-vindos ao passado eterno, senhoras e senhores!
É setembro de 1970. As sessões de gravação do terceiro álbum da banda começam alternadamente nos estúdios Decca e Air, em Londres. O título "Na Terra do Cinza e do Rosa" cheira a psicodelia sedutora. No entanto, é enganoso. O líder da equipe Pie Hastings (guitarras, vocais) não está inclinado a vegetar no underground ao longo da vida. Então, como atitude de trabalho, ele escolhe um curso de acordo com a disponibilidade de material. O guitarrista é apoiado pelo produtor David Hitchcock com companheiros - Richard Sinclair (baixo, violão, voz), David Sinclair (órgão, piano, mellotron, backing vocals), Richard Coolan (bateria, percussão) com a participação de coadjuvantes - flautista /saxofonista Jimmy Hastings e percussionista David Grinstead . Uma pequena nota: se nos álbuns anteriores as músicas eram maioritariamente compostas pelo Pai, então na fase de implementação de “In the Land...” a situação mudou. Agora os outros estavam cheios de ideias. E isso influenciou radicalmente o resultado.
O layout do long-play é construído perfeitamente. O disco abre com um estudo lúdico de Richard Sinclair"Garota do Golfe" É difícil pensar em uma isca mais ideal para um ouvinte. Frases melódicas ficam instantaneamente gravadas em sua memória e você as assobiará para si mesmo por um longo tempo. Winter Vine, uma história elegíaca cujas raízes estão nos contos mágicos dos condados do sul da Inglaterra, é repleta de um encanto inexplicável. Aqui é revelada a voz característica do inteligente Rich, agora reverenciado como o padrão de um intelectual do art-rock. A leve "goivagem" floral é acompanhada por "Love to Love You (And Tonight Pigs Will Fly)", na qual canta o maestro Hastings. A pronunciada mensagem pop desta peça é graciosamente incrustada com vinhetas de flauta do silencioso Jimmy. Na peça título, que utiliza técnicas de órgão e baixo de ritmo e blues, há um certo toque de drama, porém, Sinclair não permite que ele surja, reduzindo a ação a uma farsa com ocasionais piadas labiais e guturais. A arma secreta do programa é o monstruoso épico de 22 minutos “Nine Feet Underground” - uma das declarações progressivas mais poderosas da cena de Canterbury como um todo: aqui você encontrará exercícios prolongados de sopro de teclado, arremessos de fusão arrojados e movimentos penetrantes. melancolia espaçosa de uma qualidade excepcionalmente calorosa e terrena ... Os recursos bônus incluem um belo esboço de Sinclair "Frozen Rose (I Don't Know Its Name, aliás The Word)" + "Love to Love You (And Tonight Pigs Will Fly)" e "Nine Feet Underground" em mix estéreo alternativo do cabeçudo Steven Wilson ( Porcupine Tree , No-Man etc.), dedicado ao 40º aniversário do lançamento.
Resumindo: um clássico imperecível da música progressiva dos anos setenta, um atributo necessário de qualquer coleção de áudio séria. Peço que você me ame e me favoreça.

Special Providence "Labyrinth" (2008)

 

Em termos de eficácia, apenas os suecos e os belgas podem competir com a cena prog húngara: ambos quase sempre atingem não a sobrancelha, mas o olho. No entanto, os magiares beneficiam da imprevisibilidade estilística. O quarteto instrumental Special Providence é até certo ponto uma formação híbrida. Sua música está na encruzilhada do jazz e do rock progressivo, bem como da música eletrônica, temperada com um tempero de metal moderadamente picante. Sendo virtuosos, os caras de Budapeste tentam não ir muito longe com a tecnologia. E os ouvintes (especialmente no exterior) apreciam isso.
Tendo começado a operar em 2004, a Special Providence rapidamente ganhou autoridade no ambiente rochoso, estragado por experimentos. Eles foram aplaudidos pelo público em festivais progressivos na Europa continental, nas Ilhas Britânicas e Escandinavas e na América do Norte e do Sul; Cada álbum subsequente dos quatro invariavelmente recebeu notas máximas em publicações especializadas... Resumindo, SP é querido pelo público. E há uma razão para isso.
“Labyrinth” é a segunda posição na discografia do conjunto. Se o disco "Space Café" (2007) personificava a sondagem do solo, então com este programa os húngaros demarcaram com confiança um território selvagem onde apenas um raro temerário se atreveria a pisar. O segmento do título de abertura demonstra a presença da imaginação tão característica da galera. Da tranquila introdução do teclado ( Zoltan Cseri ) aos riffs de guitarra cheios de dentes ( Marton Kertész ), juntamente com a seção rítmica descolada ( Istvan Bata - baixo, Adam Marko - bateria), não deixa pedra sobre pedra. E com a mesma rapidez, as poses brutais do metal são substituídas pelo refinado fusion-prog de alta classe. O lirismo discreto de "Deep Smile" desenvolve uma linha jazzística positiva nas melhores tradições de Pat Metheny: a despreocupação radiante coexiste com passagens emocionantes de tipo nostálgico. Uma excursão sonora muito agradável, após a qual somos convidados para uma sessão de ecletismo sinistro e pesado chamada “Nitro-Gain”. As explosões jazzísticas de "Green Sun" adicionam um toque maduro e ponderado à narrativa. Então, porém, a confusão total se instala novamente. Seu nome é "Dog Power". Chamados corajosos de sintetizadores são intercalados com o clangor eletrificado das cordas, o alegre piano-ragtime dá lugar por uma fração de segundo à energia masculina do heavy metal mais sombrio, e então a fusão com seu sabor aromático e ácido de tabaco intervém novamente. Um leve distanciamento combinado com belas partes de guitarra e teclado alimenta a essência do afresco reflexivo "Sajkod". O esboço "Réptil" previsivelmente mergulha o ouvinte no ventre impenetrável e voraz de um monstro pré-histórico. Mas a paisagem tranquila da Nova Era de “Free Entry Into Your Heart” exala uma beleza verdadeiramente fabulosa... Como bônus, uma versão histérica vocal da já mencionada obra extravagante “Nitro-Gain” está incluída (não acrescenta nenhum passas, mas adiciona um pouco de pimenta)).
Resumindo: uma fascinante aventura sonora empreendida por jovens habilidosos e inteligentes. Recomendado a um amplo círculo de amantes da música como meio patenteado de obtenção de prazer estético.

MUSICA&SOM

Egg "Egg" (1970)

Uma importante força criativa para a cena de Canterbury e para o movimento progressivo britânico como um todo. As exibições criativas de Egg foram inicialmente caracterizadas pela multipolaridade. Tendo felizmente evitado a ingenuidade lírica da protoarte, eles abordaram o processo de um ângulo diferente. Daí a identidade alquímica original de uma forma musical complexa e de conteúdo agudo que herda as tradições do riso do teatro do absurdo inglês. A história da banda se enquadra claramente na linha cronológica: Uriel (1967-1969) - Arzachel (1969) - Egg (1969-1972). Ou seja, sem o guitarrista Steve Hillage , que fugiu para estudar na Universidade de Kent , estamos diante de um trio composto por: Dave Stewart (teclados), Mont Campbell (baixo, voz), Clive Brooks (bateria). Os exercícios composicionais do conjunto visavam vincular o sinfonismo rock à la The Nice com a astúcia do jazz, o toque pop psicodélico e algumas técnicas da vanguarda acadêmica. Os caras lançaram uma pedra de toque em 1969, lançando um single dupla-face pelo selo Deram. A charmosa peça "Seven is a Jolly Good Time" com riffs de órgão "como Emerson ", os vocais transparentes e quentes de Campbell e seu próprio murmúrio "loop" definiram o rumo para o estilo escolhido. E o sarcasmo velado da segunda música, intitulada “You Are All Princes”, tomou forma com sucesso na renda do rock pseudo-barroco. No entanto, para o produtor Pat Boland, o material parecia comercialmente não lucrativo, então durante a gravação de um long-play completo, o trio executou toda a parte da produção de forma independente.                                       
Tendo descartado a introdução de 9 segundos "Bulb" do engenheiro de som Peter Gallen , vamos passar ao ponto principal. O esboço comedido "While Growing My Hair" e o próprio espírito de Canterbury "I Will Be Absorbed" claramente não são revelações: apenas canções fofas sem quaisquer pretensões especiais. Arranjo em trilhos rítmicos "Fuga em Ré Menor" de I.S. Bach também não poderia ser chamado de inovador: naquela época, Keith e companhia estavam fazendo coisas semelhantes com muito mais imprudência. Mas o misterioso número “They Laughed When I Sat Down at the Piano...” (um dueto composto coletivamente para piano e gerador de tons) definitivamente emana frescor. Com extraordinária agilidade Eggzombar do público no contexto da marcha burlesca esquizóide "A Canção de McGillicudie, o Pusilânime (ou: Não se preocupe, James, suas meias estão penduradas no porão de carvão com Thomas)" e, em seguida, agravar a confusão com uma curta passagem desconstrutiva "Ferver". E já completamente aquecidos, os “maestres” começam a incorporar o colosso de vários níveis “Sinfonia nº 2”. Muitas surpresas nos aguardam aqui: uma fantasia ultrarrápida conduzida por Hammond sobre o famoso tema “Na Caverna do Rei da Montanha” de Edvard Grieg , lounge reflexivo de vanguarda (peço desculpas pelo oxímoro involuntário), a redução do clássico pathos a um nível percussivo monótono primitivo e, no final - uma fusão complexa e cativante com uma parte de órgão elétrico deliberadamente angular, às vezes áspera.

Resumindo: rico em reviravoltas na trama, jornada sonora complexa e intrigante nas profundezas do misterioso universo Egg . Para os amantes de atos artísticos fora do padrão, tomem nota.

 

Krakatoa "Togetherness" (2001)

 

Antigamente, poderosas obras dramáticas foram criadas sobre pessoas como Valerie Opelski (piano, guitarra, baixo, cravo, órgão, percussão, voz). Digamos "A Donzela de Orleans". Ou "Tragédia Otimista". Mas o referido guerreiro conseguiu nascer num período puramente pacífico, e até no Brooklyn. Portanto, o predador intelectual Val assumiu zelosamente as funções de "comissário" na composição vanguardista da The Lost Art of Puppet Orchestra , que mais tarde se transformou em Krakatoa . Provavelmente, seus três colegas homens não tinham tempo para engordar naquela época quente. No entanto, cada um escolhe o seu próprio destino. Sendo fã de Bela Bartok , assim como dos Dead Kennedys (!), Miss Opelski aplicou um padrão completamente anárquico em seus próprios experimentos composicionais. As travessuras autorais de Valerie tornaram-se parte de um grandioso experimento da Filadélfia, trazido à mente por outros membros do Krakatoa ( Ted Casterline - baixo, guitarras, sintetizadores, percussão, voz; Glendon Jones - violinos elétricos e acústicos, órgão, acordeão, voz; Eli Levine - bateria, percussão, voz). E esta orquestra insidiosa não apenas acendeu, mas de uma forma francamente jesuítica aqueceu gradualmente os cérebros dos ouvintes. O épico começou com o lançamento de estreia “Plan Ahead” (1999). E dois anos depois, o mundo estremeceu com a sequência habilmente realizada - o disco "Togetherness".
A peça de abertura "Abstract Damage" demonstra inicialmente uma intimidade inocente. De repente, aparecem vocais de "desenho animado". Uma cavalgada de acordes diabolicamente alegre é formada à semelhança da famosa canção infantil “Stick, stick, pepino”, após a qual a galopante fusão indie perfura a testemunha potencial do processo. No cadinho geral do número mosaico "Cuckoo" derrete um som de guitarra alternativo, progressivo de vanguarda atrevido, minimalismo zombeteiro e meio adormecido e um coral paródico misto. O primorosamente hooligan “Bubbles and Gurgles” arranca a máscara do decoroso monotematismo acadêmico, trazendo à tona passagens descoladas de cabaré, temperadas até a borda com o blues “Hammond”. O esboço ultracurto “Modern #1” põe em movimento a mecânica do decorativo-real, desprovido de qualquer motivo oculto, transambiente. Nas extensões abafadas de “Eggshells”, as bolhas do RIO sibilam e explodem, por conveniência diluídas com técnicas de pós-rock. A estranhamente maravilhosa "The Messenger is Sleeping" de um ponto de vista puramente musical é percebida como uma espécie de invasão punk na área reservada da tradição do jazz de Canterbury. Mas o afresco subsequente, “O Incrível Mundo de Lady Miss Bug”, amarra em um nó construtivo apertado elementos da música country, do classicismo puro-sangue e do ranger de cordas elétricas. Não prestaremos atenção à cadência da sequência de meio minuto de “Modern #4”. Mas não importa o quanto você tente, você não conseguirá evitar o desfile mais selvagem de “Adolescentes falharam”; uma mistura explosiva verdadeiramente estética de monogramas filarmônicos matadores e progressivos de fusão sujos e gordurosos (um grande olá para o Taal francês !). O resultado da tracklist essencialmente circense é a tela “Sword and Sandal”, onde o heroísmo ostentoso de um faroeste tropeça no jazz angular, ressaca e luxurioso de saloon. Verdadeiramente, foi por isso que eles lutaram...
Resumindo: um panorama rock surpreendentemente inventivo e repleto de um alto grau de arte, sinceramente recomendado aos amantes do “picante”.

MUSICA&SOM

After All "After All" (1969)

 

Final dos anos sessenta, Flórida. A cidade de Tallahassee (aliás, a capital do estado) é traiçoeira em termos de clima. Do ponto de vista do americano médio, é o mais interiorano. E neste buraco o destino apresenta quatro pessoas talentosas. O veterano da Guerra do Vietnã, Mark Ellerbee (bateria, voz), tem um curso teórico no Florida State College of Music. O organista Alan Gold é um estudante de pós-graduação lá e também um músico com vasta experiência em clubes. Seus potenciais colegas (o baixista/vocalista Bill Moon : um colaborador de longa data em bandas de ritmo e blues; o guitarrista Charles Short - um especialista em jazz) são um pouco mais velhos, mas compartilham bastante das opiniões de seus camaradas. A confraternização dos mosqueteiros dos reunidos estabelece as bases para o quarteto After All . Os próximos na programação são os test jams, o surgimento da alquimia sonora do grupo, a busca por um compositor (a mais tarde famosa diva country Linda Hargrove se torna a autora das letras) e um produtor ( Tom Brannon cuida dos recém-chegados em companhia do compositor/arranjador cristão ortodoxo Richard Dean Powell ). A equipe tem uma condição: se você registrar um recorde no menor tempo possível, faremos isso com o mínimo de gastos financeiros. E os caras lidaram com a situação de maneira brilhante, terminando os jogos em apenas dois dias. Falaremos sobre o resultado abaixo.

A primeira coisa que você presta atenção são os recursos de som. O parentesco óbvio com os apologistas britânicos da protoarte (em particular, com Cressida ) só passaria despercebido aos ignorantes. Sim, o staccato staccato e os arpejos de Gold lembram muito o estilo de Peter Jennings . Embora existam diferenças. Os membros do After All não tendem a ver os processos da vida através de óculos românticos cor de rosa. Daí o toque de “machismo” brutal somado a um certo interesse por “suplementos alimentares” psicodélicos. E se a abertura de “sete minutos” “Intangible She” parece uma típica composição pró-inglesa com uma mistura da melancolia do Doors , então a peça “Blue Satin” parece o antípoda jazzístico do tema épico de The Moody Blues ( você provavelmente pode adivinhar qual). "Nothing Left to Do" equilibra-se na intersecção de reflexões errantes meio adormecidas e violentas explosões rítmicas. Melhor do que qualquer outra coisa, nossos lutadores se destacam em peças de monólogo como “And I Will Follow”, com rico acompanhamento de órgão. É verdade que Ellerbee às vezes se desvia do discurso razoável para um chiado de blues (ouvimos o número “Let It Fly” em massa), mas isso não estraga em nada a impressão. E embora obras como “Now What Are You Looking For” careçam de brilho melódico, o impulso geral edificante compensa quaisquer deficiências. As revelações problemáticas de After All não excluem passagens convencionalmente humorísticas; Isso inclui a bravura e histérica opus vocal “A Face That Doesn’t Matter”. E ainda assim, o verdadeiro valor da equipe é revelado em pistas de um plano radicalmente diferente. Basta provar “Waiting” com seu lirismo melodioso “cressidioso” e teclados característicos para perceber o real propósito da formação americana.

Infelizmente, o legado criativo de After All está limitado ao longa de estreia. Mas este pequeno tijolo é um elo valioso na base mais poderosa do rock progressivo. Não perca.  

MUSICA&SOM

BIOGRAFIA DOS The Housemartins

The Housemartins

The Housemartins foi uma banda inglesa de Indie rock formada em 1983 na cidade inglesa de Hull. Tornou-se mundialmente conhecida pelos hits "Build" e "Caravan of Love".

História

1983-87: Formação

Formada originalmente em 1983 pelo guitarrista e vocalista Paul Heaton e o guitarrista Stan Cullimore, além do baixista Ted Key e o baterista Hugh Whitaker, se autodenominaram ironicamente como a "quarta melhor banda de Hull". Apesar da brincadeira e modéstia, foram verdadeiros mestres em compor grandes canções. No ano seguinte entraria Norman Cook no lugar de Ted. Pausa para mais um ano de trabalho duro. Assinam com a independente Go! Discs Records^[1] (a mesma gravadora de Billy Bragg) e meses depois conseguem um sucesso nas paradas com o terceiro single, "Happy Hour". Intitulada originalmente "French England", a canção chegou a ser número 3 na parada britânica, fazendo com que o disco de estréia, London 0 Hull 4 alcançasse a mesma posição.

Começava a comparação com o grupo de Morrissey & Marr, com quem chegaram a excursionar, como banda de abertura. Embora houvesse semelhanças nos vocais e até nas guitarras acústicas, a proposta do Housemartins era muito mais acessível, tendo como característica notável os arranjos a cappella, ou seja, harmonizações vocais, sem instrumentos. Um dos grandes momentos do primeiro disco é uma versão arrepiante do clássico de Curtis Mayfield, "People Get Ready" (incluindo apenas na versão CD). E foi exatamente uma versão neste estilo que deu o primeiro e único número 1 nas paradas: "Caravan of Love", dos compositores Ernie Isley, Chris Jasper e Marvin Isley. Apesar de não ter escrito nenhum grande sucesso do grupo (a dupla de compositores mais consistente era Cullimore e Heaton), Norman Cook era o grande arranjador, tocando piano e chamando alguns músicos extras para as sessões de gravações. O disco vendeu a respeitável marca de 500 mil cópias na Inglaterra e o mesmo número no resto do mundo.

O estilo a cappella de "Caravan of Love" não foi para o gosto de todos os fãs do Housemartins e foi até ridicularizado por alguns como um sell-out. No entanto, um material a cappella sempre fez parte do repertório da banda. "Caravan of Love" foi o primeiro realizado pela banda em sua segunda "John Peel session" em abril de 1986, anterior ao seu sucesso inicial. Por sugestão de Peel, a banda então gravou outra sessão (sob o nome The Fish City Five), composta exclusivamente de performances a cappella, e em pelo menos uma ocasião "abriram" seu próprio show com este nome alternativo. O single "Caravan of Love" incluía quatro canções gospel a cappella em seu lado B.

Com tanto sucesso foram eleitos em 1987 a melhor banda jovem do país. Apesar disso, Hugh deixa a bateria para Dave Hemingway. Influenciados por Billy Bragg, abraçaram a causa do grupo trabalhista "Red Wedge" e promovem alguns concertos no intuito de angariar fundos para o partido. Outro artista que ficaria famoso pela sua adesão ao movimento era Paul Weller, já com seu Style Council. Voltam a se reunir em estúdios e produzem mais um trabalho, o single "Five Get Over Excited", novamente um sucesso de público e crítica.

1988: O fim da banda

Mas os problemas já existiam. Paul havia feito "Me and the farmer" inspirado nas lutas das classes operárias. Para o segundo disco, ele preferia dar mais ênfase aos arranjos vocais, enquanto Norman queria trabalhar um pouco mais a parte experimental, testando loops e sequenciadores nos arranjos, e Stan desejava colocar mais camadas de guitarras. Paul começou a tomar atitudes dignas de um ditador, chegando ao cúmulo de editar sílabas de diferentes takes para compor uma canção, digitalmente. Simplesmente ignorava as ideias de seus companheiros, sendo o ápice da discórdia durante as gravações do vídeo para Build. A única opinião comum era que a banda estava se esgotando. Ironicamente escreveram na parede do estúdio onde gravaram o clipe os dizeres "Housemartins R. I. P." (Housemartins, descansem em paz).

Para irritar ainda mais os outros integrantes, Paul disse em uma carta ao semanário New Musical Express, que "em uma época liderada por Rick Astley, Shakin' Stevens e Pet Shop Boys, eles (os Housemartins) não eram bons o suficiente”. Após isso, o fim era a única saída. Os músicos se separaram, sendo Norman Cook o que obteve maior sucesso, com seu projeto Fatboy Slim. Como despedida, editaram uma coletânea de compactos, Now That's What I Call Quite Good em 1988.

Rumores de um reencontro

Em agosto de 2009, a revista de música MOJO^[2] reuniu os membros originais dos Housemartins para uma entrevista e uma sessão fotográfica pela primeira vez em muitos anos. No entanto, na entrevista todos os membros sustentaram que a banda não seria retomada.

Novos rumores de uma reunião surgiram em 2014, quando Paul Heaton fez um apresentação em homenagem aos 30 anos do lendário The Adelphi Club,^[3] palco onde os próprios Housemartins assinaram seu primeiro contrato com a Go! Discs.^[4]

Destino dos membros após o fim da banda

Exceto Ted Key, que saiu da banda logo em seu início, a maioria dos ex-integrantes prosseguiu com projetos musicais.^[5]

• Paul Heaton - logo depois do fim da banda, o ex-vocalista fundou The Beautiful South, que perdurou até 2007. Lançou o primeiro trabalho solo em 2001, intitulado Fat Chance.

• Stan Cullimore - o ex-guitarrista teve uma experiência no setor comercial, abrindo um restaurante vegetariano que infelizmente não deu certo. Mais adiante, Stan percebeu um talento inato para escrever histórias infantis. Em dezembro de 2009, ele coescreveu canções e fez parte da banda da série The Bopps, do canal infantil Nick Jr., que foi transmitida no Reino Unido em abril de 2010. Hoje Stan é dono de uma produtora.

• Norman Cook - o ex-baixista prossegue com sua duradoura carreira musical, hoje é DJ, o famoso Fatboy Slim.

• Dave Hemingway - o ex-baterista e vocal de apoio continuou sua carreira com Paul Heaton na The Beautiful South até o final da banda em 2007. Lançou um álbum solo: Hello Cruel World.

• Ted Key - é professor de Matemática em Berkshire.

• Hugh Whitaker - vive em Leeds e toca com bandas l ocais.

No Brasil

No Brasil canção "Build" fez muito sucesso e ficou conhecida como "Melô do Papel", sendo um exemplo de virundum,^[6] já que o refrão ba-ba-ba-ba-build,, era entendido como 'pa-pa-pa-papel.^[7]

Discografia

Álbuns de estúdio London 0 Hull 4 (1986) The People Who Grinned Themselves to Death (1987) Coletâneas The Housemartins Christmas (1986) Now That's What I Call Quite Good (1988) The Best of the Housemartins (2004) Soup (2007) Álbuns ao vivo Live at the BBC (2006) Singles "Flag Day" (1985) "Sheep" (1986) "Happy Hour" (1986) "Think for a Minute" (1986) "Caravan of Love" (1986) "Five Get Over Excited" (1987) "Me and the Farmer" (1987) "Build" (1987) "There Is Always Something There to Remind Me" (1988)

Videografia

• "Sheep"
• "Happy Hour"
• "Think for a Minute"
• "Caravan of Love"
• "Five Get Over Excited"
• "Me and the Farmer"
• "Build"
• "Always Something There to Remind Me"
• "We're Not Deep"

MUSICA&SOM