Alguns comparam sua música à pastoral do décimo primeiro mês da era vitoriana. Outros imaginam cenas requintadas de painéis decorativos com vitrais. Em qualquer caso, a criatividade da Tudor Lodge é inseparável do espírito nobre da “boa e velha Inglaterra”. Isso significa que as referências ao passado menestrel-bardo não podem ser evitadas. No entanto, antes de mergulhar de cabeça no conjunto de músicas, deixe-me dizer algumas palavras diretamente sobre os membros do conjunto.
São três: Lyndon Green (guitarra solo, voz), John Stannard (guitarra base, voz) e Anne Stewart (voz, flauta, guitarra, piano). No início, Tudor Lodge (aliás, o nome foi emprestado de uma cervejaria em Reading) funcionava como uma dupla - Stannard + o guitarrista Roger Strevens . Isso aconteceu em 1968. Tudo estava indo bem para os caras. Mas Roger foi atraído por ex-colegas, prometendo lucros decentes, e John ficou sem nada. É verdade, não por muito tempo. Em janeiro de 1969, conheceu um jovem australiano, Lyndon (grande fã dos Beatles e de Peter, Paul & Mary ). Um ano depois, a formação foi reabastecida com um membro muito significativo - a americana Anne, que chegou a Foggy Albion com a mãe e o padrasto britânico. Quando era estudante do ensino médio, Miss Stewart teve aulas de flauta e até foi membro de algumas bandas de Nova York. No entanto, seu sonho acalentado era cantar na ópera. Os novos conhecidos conseguiram convencer a garota de maneira astuta, após o que os três começaram a administrar ativamente o palco do clube provincial. O que acontece a seguir é como um conto de fadas. Os estreantes foram notados por um empresário da gravadora Vertigo. Assim, o contrato foi cancelado. E já em fevereiro de 1971, Tudor Lodge, sob a supervisão do produtor Terry Brown, estava a todo vapor gravando seu primeiro longa-metragem no estúdio Lansdowne. E então chegou o verão... E um memorável festival folclórico em Cambridge, onde foram aplaudidos por uma multidão de milhares... E um êxtase insano de glória de curta duração... E - dissolução no esquecimento, de onde só existem dois caminhos – para o esquecimento total ou para lendas eternas. Então eles tiveram sorte, afinal...
As 12 faixas do LP são arranjadas nas melhores tradições dos anos setenta, ou seja, com o apoio de intérpretes clássicos. A direção da editora não economizou na atração de quartetos de cordas e sopros, liderados pelo maestro e fagotista/clarinetista Graham Lyons . E isso acabou sendo muito, muito útil. Os motivos ensolarados do Tudor Lodge foram coloridos com tons de câmara e ganharam volume adicional. O baixista Danny Thompson e o baterista Terry Cox (ambos do Pentangle ) também fizeram uma apresentação maravilhosa para a companhia, e na peça "Recollection" Sonny Condell da equipe Tir Na Nog tocou os tim-toms de forma colorida. Se não entrarmos em detalhes, temos diante de nós um ato artístico de estilo folk-rock não muito profundo, mas bastante agradável, temperado com harmonias vocais impecáveis e desenhado em um tom instrumental pacificamente harmonioso. Não espere muita progressividade do lançamento, apenas aproveite as passagens líricas comoventes de Tudor Lodge . Eles realmente merecem sua atenção.
Na segunda metade dos anos setenta, a província canadense de Quebec experimentou novamente um aumento na popularidade do jazz rock. Para os conjuntos veteranos, isso foi muito benéfico: afinal, poucos dos profissionais que se estabeleceram no cenário local não passaram pelo batismo de fogo do fusion-prog. E os grupos recém-formados tentaram captar com sensibilidade o humor do público. Outra questão é que nem todos conseguiram. A equipe Aquarelle tem sorte nesse aspecto. O líder do septeto instrumental, o jovem compositor e tecladista Pierre Lescaut , preocupou-se em compor um material excepcionalmente forte. E para incorporá-lo, junto com o idealizador (piano, sintetizador, piano elétrico, cravo), os alunos do conservatório de ontem se comprometeram: Pierre Bournaki (violinos elétricos e acústicos), Michel de Lisle (baixo, percussão), Jean-Philippe Gelinez (saxofone, flauta), André Leclerc (bateria, percussão), Stéphane Morency (guitarra) e Anne-Marie Courtemanche (vocalizar). No Montreal Studio Six, onde nossos sete corajosos chegaram no final do outono de 1977, assistentes experientes trabalharam com o violoncelista Mario Giraud e a corista Hélène Martin . Os músicos atuaram com inspiração, mas ao mesmo tempo mantiveram um cálculo sóbrio, demonstrando uma compreensão absoluta dos planos do Maestro Lesko. Daí o resultado digno de elogio.
O número de abertura “La Magie Des Sons” se encaixa perfeitamente na linha de estilo tradicional da escola progressista de Quebec. A combinação de um mastro de câmara com uma pulsação de rocha energeticamente poderosa traz à mente os lendários antecessores do Aquarelle - o magnífico Maneige . No entanto, não se pode deixar de notar o estilo autoral individual de Pierre - uma clara base lírico-dramática, revelada através de partes pianísticas reflexivas, ocasionalmente sombreadas por cordas. Vamos somar às brincadeiras rítmicas acima interessantes com a participação do animado entrechat de saxofone na fase final da faixa. Como resultado, obtemos uma passagem forte, atestando as ambições saudáveis dos estreantes. O encanto lúdico do esboço de "Françoise" é baseado na melodia de flauta cinematograficamente despreocupada e em uma cascata de faíscas virtuosas de jazz voando em todas as direções a partir do conjunto incendiário de teclas + sax. O single "Bridge", com seu poderoso início de metais, é executado no estilo funk da época, o que não anula o toque de inteligência acadêmica. A união do terreno e do celestial, dos sonhos e da realidade é claramente apresentada na peça do título, que é apoiada tanto por leves reviravoltas pastorais de câmara quanto por flashes rochosos curtos e densos. A construção de 8 minutos "Aquarelle" é praticamente um exemplo padrão de arte de fusão, agora praticada pelos japoneses KBB , Fantasmagoria e outros semelhantes. O lugar para aspirações românticas está no contexto da posição “Volupté”. Pois bem, o programa termina com a estonteante excursão funk arco-íris “Espéranto” - não desprovida de graça, mas ainda assim um pouco irritante devido à sua natureza monotemática (no entanto, esta é a opinião pessoal do revisor).
Resumindo: um excelente lançamento, sinceramente recomendado a todos os fãs do jazz-rock progressivo com um toque de câmara.
Um dos pioneiros cronológicos do rock progressivo norte-americano. As raízes do Flock remontam a 1965. Em seguida, os músicos de Chicago Rick Kanoff e Fred Glickstein formaram a dupla de garagem Exclusives . Logo a formação aumentou sensivelmente, o nome do grupo mudou, mas isso teve pouco efeito na essência do que estava acontecendo: os caras continuaram a produzir singles, promovidos periodicamente por rádios locais. Mas, por alguma razão, as gravadoras não tinham pressa em receber jovens promissores. A situação deprimiu enormemente os pais fundadores, e Rick e Fred não sabiam como avançar nas “esferas da mídia de montanha”. Tudo foi decidido por acaso. De repente, descobriu-se que Jerry Goodman, amigo íntimo da banda, era um violinista virtuoso. Depois de pensar um pouco, seus amigos o recrutaram para o time. Um pouco mais tarde, dois tocadores de metais se juntaram. E em 1969, The Flock era assim: Rick Kanoff (vocal, saxofone tenor), Fred Glickstein (guitarra, vocal), Jerry Smith (baixo, vocal), Ron Karpman (bateria), Jerry Goodman (violino, guitarra, vocal) , Tom Webb (saxofone tenor, flauta, gaita), Frank Rosa (trompete). O som original do conjunto atraiu a atenção dos dirigentes da mais antiga (fundada em 1889) gravadora Columbia. E então os meninos começaram sua ascensão às alturas do sucesso...
A estreia sem título do Flock foi uma impressionante vitrine de espetaculares pirotecnias instrumentais, bem como das brilhantes habilidades composicionais dos participantes. A partir da "Introdução" sem palavras, com suas inspiradas passagens de cordas e uma pronunciada base pró-clássica, os fios artísticos se estendem para uma área estilística radicalmente diferente - bluesy brass-rock da marca mais poderosa sob o rótulo "Clown". O pastoralismo sonhador de "I Am the Tall Tree", intercalado com explosões de fusão de bravura, irá sem dúvida agradar aos fãs de números combo originais. Um belo esboço de Ray Davies ( The Kinks ) "Tired of Waiting" nas mãos habilidosas de experimentalistas norte-americanos assume características do cintilante art-funk. "Store Bought - Store Thought" de 7 minutos pega você com riffs de guitarra pesados, multiplicados pela presença total de apoio da seção de metais e digressões líricas na forma de inserções acústicas pseudo-folk e funk rock vigoroso e fascinante. A jam estendida de encerramento, "Truth", é uma ilustração vívida de como construir um épico matador recheado com todos os tipos de coisas a partir de um blues simples e padrão.
O álbum seguinte, "Dinosaur Swamps" (1970), embora tenha sido dado vida pelas mesmas pessoas, do ponto de vista da composição era completamente inferior ao primogênito. Vamos pular a introdução astral de “Green Slice” e abordar as tramas principais. A obra principal "Big Bird" é uma tentativa de combinar country com jazz-rock; não é ruim, mas um pouco chato. "Hornschmeyer's Island" começa com uma plataforma de balada, depois finge ser um segmento de um musical desconhecido e, no final, é totalmente deprimente com um pathos injustificado. "Lighthouse" - um híbrido de fusion-prog com estilo pop-dance à la James Brown , deixa uma sensação de sincera perplexidade; Não está claro o que os autores queriam dizer com isso. A ação subsequente é colorida nos ritmos do brass-funk (“Crabfoot”), ou disfarçada como um conto de fadas neoclássico teatral (“Sereia”), ou mesmo sai completamente dos trilhos sob o molho de uma quase-ópera ácida ( “Sircus uraniano”).
O resto é natural. O Maestro Goodman aceitou a oferta de John McLaughlin com o coração leve e acabou se tornando famoso como membro da lendária Orquestra Mahavisnu . Com sua saída, The Flock também se desfez . É verdade que em 1973 o trio Glickstein, Karpman, Smith reabilitou a ideia. E o projeto, pelo menos, durou até meados dos anos 2000. Mas essa é uma história completamente diferente...
O álbum de estreia do conjunto britânico Wally não causou barulho. No entanto, graças aos esforços dos produtores - o popular apresentador de TV Bob Harris e o lendário roqueiro artístico Rick Wakeman - recebeu críticas positivas da imprensa. “O som deles é semelhante ao estrangeiro”, lemos na coluna de um crítico do jornal Melody Maker “Algo entre Crosby, Stills, Nash & Young e América com um toque de folk inglês e rock americano de novo estilo <. ..> Definitivamente, o lançamento não é para todos, mas ainda assim vale a pena ouvir.” Bem, foi realmente um bom começo. E, sentindo o entusiasmo inescapável de seus pupilos, o Sr. Harris (tanto quanto seu horário de trabalho permitia) ajudou os rapazes a organizar as composições para o próximo programa. Naquela época, Wakeman estava promovendo intensamente sua carreira solo, então todos os encargos da produção recaíram inteiramente sobre os ombros de Bob. No início de 1975, os integrantes do sexteto, apoiados por vocalistas e instrumentistas convidados, abriram amigavelmente sessões conjuntas no estúdio Morgan, em Londres. E depois de alguns meses, o público em geral pôde apreciar o novo longa-metragem Wally . O interesse pelo álbum foi alimentado pela promoção competente da equipe. Em fevereiro de 1975, os seis apareceram em um programa regional de TV noturno, onde cantaram várias músicas de "Valley Gardens". Assim, o espectador interessado tinha que aguardar o lançamento iminente do disco para adquirir o vinil desejado...
Quatro peças, incluindo um final épico de 19 minutos. Cada um com sua cara e cor. O ponto de partida é o número do título extremamente atraente. A introdução estendida combina maravilhosamente as harmonias de synth-moog de Nick Glennie-Smith , os loops de guitarra de Paul Middleton e as guitarras elétricas de Roy Webber . Sem exagerar no som sinfônico-prog, Wally, no contexto da mesma obra, produz livremente cosmismos oníricos à la Nektar , após os quais eles ciclicamente (de acordo com o cânone da forma sonata) completam a ação com teclado brilhante e passagens de cordas . Para os amantes de baladas pop românticas, "Nez Percé" é para você, com seus acordes melódicos de piano, a presença do backing vocal da diva afro-americana Madeline Bell e as expressivas passagens de violino de Pete Sage . "The Mood I'm In" brilha com chamadas cristalinas de piano elétrico, acústica gotejante, reflexão lírica do cantor ( Ian Glennie-Smith , irmão de Nick), linhas de slide quentes, a voz lânguida de um saxofone soprano ( Ray Verstein ) e apropriada harmonia rítmica. A colagem em três partes "The Reason Why" demonstra as ambições despertadas dos meninos. É verdade que nunca conseguem livrar-se completamente da influência “transatlântica” (na estrutura da fase “Nolan” isso é sentido de forma extremamente clara), mas neste caso é bastante pertinente. Mas ao incorporar o segmento puramente lúdico “The Charge”, Wally levanta-se abruptamente do chão e até se permite acenos ousados para os camaradas mais velhos do Yes , exibindo casualmente episódios astral-dissonantes. A seção final "Disillusion" tem qualidade mais próxima do Pink Floyd ; Acontece que o violino brincalhão de Sage, com sua essência cativante, derruba o grau de pathos e impede que seus companheiros de tribo voltem o olhar para o lado brilhante da Lua...
Resumindo: um ato artístico sólido, preparado com bom gosto, habilidade, sem pompas e arrogâncias desnecessárias. Eu recomendo.
"Esse [disco] é deprimidérrimo. É o primeiro do exílio em Londres e o primeiro disco em que toco violão. Os ingleses me liberaram para o violão. Achavam lindo o meu jeito de tocar e os brasileiros achavam horrível. Se eu não tivesse sido preso e exilado, talvez nunca tocasse violão num disco."
Caetano Veloso, em 1991
"Um santo francês disse uma vez que é tão perigoso para um escritor experimentar um novo idioma quanto é para um crente experimentar uma nova religião: ele pode perder a alma.Caetano adotou o inglês para as letras deste álbum para converter suas primeiras impressões de viver em um país estrangeiro."
Texto de apresentação na contracapa do disco
Ausência, isolamento, solidão. Exílio. Esta foi a condição de Caetano Veloso ao gravar o álbum de 1971. Em tempos de coronavírus, onde o isolamento nos fez reféns, este álbum nos serve como um bálsamo para abrandar e até compartilhar dos sentimentos de falta, ao menos refletirmos sobre.
“Caetano Veloso”, o álbum, é um disco triste, porém lindo. Muito lindo. E me fez pensar no dito de que “é no desespero que parimos nossas obras mais lindas”. Caetano estava depressivo, ao encararmos sua feição na capa do disco, envolto em um casaco de pele ele nos fere com seu olhar cansado, triste, longínquo.
“A Liitle More Blue”abre o álbum, melancólica, uma carta de saudades do Brasil. O Brasil do “ame-o ou deixe-o”, corrompido por uma falsa promessa de crescimento. Caetano foi vítima do nacionalismo e conservadorismo que, juntos, ceifam o pensamento crítico e a liberdade de expressão. O álbum segue com “London, London”. Linda, uma bela melodia que canta a liberdade numa terra estranha. Porém, não é a casa, não é a Bahia: é o exílio.
“Maria Bethânia”, a terceira música, uma carta para sua irmã que está no Brasil. Aqui Caetano brinca com o diminutivo de Bethânia (Beta) com a palavra em inglês “better”. “Melhorando, Melhorando, Beta, Beta, Bethânia”. No que antecedeu a gravação do disco, Bethânia havia solicitado aos órgãos de repressão brasileiros a possibilidade de Caetano vir ao Brasil para o aniversário de casamento dos pais, o que foi liberado. A música mantém um clima de repente nordestino, que se encaixou perfeitamente na levada samba hipnótica. Sendo que, neste álbum, Caetano tocou violão em todas as músicas a pedido dos produtores ingleses, que adoravam seu estilo de tocar.
“If You Hold A Stone”: Caetano Veloso criou esta música a partir da obra “Nostalgia do Corpo”, de Lygia Clark, realizada na II Bienal da Bahia, em 1968, onde uma pessoa segura uma pedra e outra pessoa faz um abrigo, sem se tocarem. Pode ser bom então tentar resgatar algumas lições deixadas por Lygia Clark: a casa é o corpo, existe cuidado sem contato, é possível exercer o sensível como uma expansão compartilhada da duração e da presença.
“In the Hot Sun of Christhmas Day”, é a história da prisão de Caetano e Gil em 1968, no advento do AI-5. “Asa Branca” fecha o disco, na minha opinião é um lapso do interior nordestino conectado ao cosmos. Caetano universal. Sideral.
Uma curiosidade: no aniversário de 70 anos de Caetano, um esforço foi feito pelas redes sociais para descobrir quem no mundo tinha a edição inglesa deste disco gravado em Londres. Porque a edição brasileira tem um corte em “A Little More Blue” feito pela censura. Caetano fazia uma menção à (atriz argentina) Libertade Lamarque e a censura pensou ser que Caetano estava pedindo liberdade para Lamarca.
Se para preservar a saúde de si e dos outros será necessário mantermos distância, pode ser também propício criar novas formas de contato entre nós – ainda que de longe. Em termos de distância, Caetano Veloso canta sua saudade do Brasil e, obviamente, da Bahia, estando exilado em Londres quando ao lançamento deste disco, que é o meu favorito na discografia dele.
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FAIXAS:
1. "A Little More Blue"
2. "London, London"
3. "Maria Bethânia"
4. "If You Hold A Stone"
5. "Shoot Me Dead"
6. "In The Hot Sun Ff A Christmas Day" (Gilberto Gil/Caetano Veloso)
7. "Asa Branca" (Luiz Gonzaga/Humberto Teixeira)
Todas as composições de autoria de Caetano Veloso, exceto indicadas
em sua música você pode ouvir a linguagem musical,
a gramática do que ele faz."
Elvis Costello
“De todas,
eu realmente gostei das canções
que eu escrevi com Elvis Costello,
como 'This House Is Empty Now'
e 'God Give Me Strength'.”
Burt Bacharach,
sobre suas composições favoritas
Este disco tem uma história que começa em 1971 com minha mãe, Véra Marisa de Andrade Moreira. Naquele ano, ela, que gostava de música da sua época, comprou um disco do maestro e compositor americano Burt Bacharach (aquele da capa verde em que ele está sentado numa cadeira vermelha e tem "Close to You", "Nikki" e “Wives and Lovers"). Quem se apaixonou pelo disco fui eu. Ouvia todo o dia. Não consigo explicar o que me atraiu àquele disco aos 11 anos de idade. Talvez já o gosto pela boa música.
Pulamos 27 anos. Eu já com 38 anos, soube que Burt Bacharach estava lançando um disco com Elvis Costello, inglês que tinha me impressionado 10 anos antes com o disco "Spike". Não tive dúvidas de que seria um grande disco, mas não estava preparado para o que ouvi, quando o Schmidt do Guion me disse que a encomenda havia chegado (sim, não aguentei e comprei importado. Cerca de três meses depois, foi lançado no Brasil). Era muito melhor do que jamais poderia ter imaginado. Uma simbiose perfeita entre o "estilo Bacharach" de ser com a finesse de Costello, que conseguiu traduzir em palavras todo aquele universo que Hal David (o parceiro de Bacharach nos anos 60 e co-autor daqueles sucessos todos) descortinou. Por isso tudo "Painted From Memory", de Burt Bacharach & Elvis Costello, lançado em 1998, é um dos meus discos favoritos.
Tudo começa de forma sombria com a apropriadamente chamada "In The Darkest Place". Como a maioria das canções deste disco, esta fala de amores desfeitos, de traições, de tristeza. O protagonista começa dizendo que está "No lugar mais escuro/ eu sei que você vai me encontrar/ Apesar de não ter de lhe lembrar/ que eu apaguei as luzes/ seus olhos se ajustam/ eles jamais serão os mesmos/ Você sabe que eu te amo/ vamos começar tudo de novo". Está sofrendo, mas não se exime de culpa deste relacionamento não ter dado certo. Lá pelas tantas, o narrador diz que “Mas eu tenho de dizer pra mim mesmo/ Você deveria estar com outra pessoa... seus amigos vão vir me dizer/ ‘tente arranjar um novo amor’/ Ele não vai te amar como eu”. A dor deste relacionamento fracassado ainda é muito forte. A flauta de Steve Kujala dá o clima soturno da canção. E os backing vocals, como em todo o trabalho de Bacharach, fazem uma resposta ao que diz Costello.
“Toledo” inicia com aqueles flugelhorns característicos do mestre, tocados em uníssono por Jerry Hey e Gary Grant. Nesta canção, o narrador é que cometeu a traição. E Costello usa a metáfora das cidades para contar esta história. “Mas as pessoas em Toledo sabem que seu nome não tem viajado muito bem/ E qualquer um em Ohio sonha com aquela cidadela espanhola/ mas não adianta nada dizer que aquela garota não significou nada/ E que cada pessoa que fitar seus olhos/ não vai encontrar perdão”. E o contracanto das backing diz: “Você ouve a voz dela, ‘como você pode fazer isso?’”. A pisada na bola foi das grandes. E a dor de cotovelo também: “Então eu caminho pelo sol/ E amantes passam rindo e brincando/ mas eles não sabem o tolo que eu fui/ Por que deveriam eles se importar com o que foi perdido, com o que foi quebrado?”. Pobre rapaz, pulou a cerca e dançou.
“I Still have That Other Girl” diz tudo no título. O homem está terminando o relacionamento porque ainda pensa na outra. E ele não faz questão de esconder. “Tenho de dizer que nos deveríamos terminar agora/ Antes que a gente fraqueje porque sabemos que está errado/ Eu poderia me entregar/ às vezes acho que sim/ apesar da tentação, tento ser muito forte”. Este discurso todo pra acabar com a atual porque “Eu ainda tenho aquela outra garota na minha cabeça”. Neste disco, Costello consegue mostrar porque é um ótimo cantor, pois além de usar toda sua técnica, ainda interpreta cada canção com o cuidado que merece. E o piano de Bacharach faz a moldura sonora para esta voz brilhar.
Na sequência, o compositor e pianista revisita um grande sucesso seu e dá uma nova versão para “A House is Not a Home” em “This House is Empty Now”. Com o violino de Belinda Whitney-Barratt iniciando a melancolia da canção, mais o baixo fretless de Dave Coy reforçando, Costello canta: “Estes quartos brincam com você/ Lembra quando eles estavam cheios de alegria?/ Mas agora estão desertos/ Eles parecem ecoar as vozes que soaram agressivas/ Talvez você veja meu rosto refletido na vidraça/ da janela de nosso pobre, infeliz e quebrado lar/ Ainda esta casa está vazia agora/ Não há nada que eu possa fazer para que você queira ficar/ Então me diga como deverei viver sem você?”. Ele não acredita que tudo acabou. “Você era mesmo tão infeliz?/ Você nunca me disse”. O sofrimento de ver a casa vazia onde tanta coisa aconteceu é demais para aguentar. Ele não vê saída. Muito triste. Uma das canções mais melancólicas de todo o disco. E uma continuação digna do sucesso dos anos 60.
“Tears at the Birthday Party” também é triste, mas o sax barítono de Dan Higgins e a bateria de Jim Keltner dão um certo alento. “Pense quando éramos jovens/ Sempre haviam lágrimas na festa de aniversário/ Você sabe quanto as crianças podem ser cruéis/ É como começa/ e se nós nunca tenhamos aprendido a nos comportar/ Eu fiz algo e você nunca me perdoou/ Nunca imaginei que seria assim/ Mas agora eu vejo/ eu vejo você repartindo o bolo com ele/ abrindo presentes que eu deveria ter mandado/ O que devo fazer?/ Devo ficar te observando?/ fechar a porta, diminuir as luzes e soprar a vela/ é feliz aniversário de novo”. A tristeza se instala quando vê sua ex feliz em seu aniversário, abrindo presentes e começando uma nova vida. Sem ele. E quando a dor aperta, ele diz: “E se nunca aprendermos com nosso erros/ Então, você nunca vai saber quanto dói meu coração/ Nunca pensei que seria assim”. As backing Donna e Lisa Taylor e Sue-Ann Carwell se deliciam com o refrão maravilhoso.
Bem no meio do disco está a única canção em que os amores dão certo. “Such Unlikely Lovers”. Nela, os teclados de Steve Nieve, velho parceiro de Elvis Costello estão mais proeminentes do que o piano de Bacharach. E isso é feito de propósito, pois é a faixa que tem também o clima mais pop de todo o disco. Ele aguarda a chegada de seu amor e, quando ela vem, ele diz: “Ouça agora/ não vou dizer que teremos violinos/ mas não fique surpresa se eles aparecerem/ tocando em alguma porta/ ainda não acredito no que está acontecendo/ nós somos amantes incomuns”. E quando fala em violinos eles tocam MESMO! No final, as cantoras perguntam: “você acredita que está acontecendo?” e Elvis responde: “Estou perplexo”. Nesta música também a guitarra de Dean Parks, veterano dos estúdios, se faz presente.
Mas a alegria dura pouco. “My Thief” conta mais uma história triste de um homem que não se convence de que acabou e todas as noites sonha com seu ex-amor. “Quando vou dormir, você é minha ladra”, ele inicia. Mas adiante, ele se entrega: “Me sinto quase possesso/ até que eu não perca este glorioso sofrimento então/ Você pode levar tudo o que sobrou/ Sei que acabou/ Se você não puder ser minha amante/ seja minha ladra”. Ele deixa a porta do quarto aberta, esperando que esta mulher volte um dia para sua alegria. Mas ela não vai voltar. No final, a mulher em questão responde na voz de Lisa Taylor: “Não te conduzi/ Mas sempre haverá/ um pequeno incendiário em todo mundo/ Então se acalme e não chore/ Estou tentando ser amável/ porque eu tenho um álibi perfeito”. Se você não chorou até agora é porque não tem nenhum tipo de sentimento neste seu coraçãozinho empedernido!
“The Long Division” inicia com o oboé de Earle Dumler e os teclados do convidado Greg Phillinganes e conta a história de um triângulo amoroso complicado. No refrão, o narrador diz: “E toda a noite você se pergunta/ ‘O que devo fazer?’/ Pode ser tão difícil de calcular?/ Quando três se transformam em dois, não sobra nada”. Com o destino já traçado, o narrador tenta ainda se aproximar: “Alguém disse/ Podemos ser amigos?”. Phillinganes faz um solo de moog impensável num disco das antigas de Bacharach, que, novamente, senta no banco de trás desta música. Separação embalada com música pop. Até que dá pra superar.
O que não dá é pra aguentar sem chorar é “Painted From Memory”, que é carregada pelo piano de Steve Nieve e pelo violão e guitarra de Dean Parks, além de uma seção de cordas inteira. Outra vez, a mulher foi embora e ele só pode lembrar de seu rosto de memória. No momento mais crucial ele diz: “estes olhos que eu tentei capturar/ estão perdidos pra mim para sempre/ eles sorriem para outra pessoa/ engraçado, como as aparências podem enganar/ mas ela não é facilmente lembrada de memória”. A memória lhe trai e ele está triste exatamente por isso. Porque a imagem do seu amor se desvanece. Melancolia pura.
“The Sweetest Punch” é mais animada, mas a temática é a mesma: amores desfeitos. E nesta canção, Costello usa o ringue como metáfora de uma separação. E, desta vez, a mulher é que desfere “o soco mais suave” do título. “Você abandonou o jogo, não consigo entender/ não depois de tudo que passamos/ Palavras começam a voar, meu queixo de vidro e eu encontramos algo que veio direto/ Você me nocauteou/ foi o soco mais suave/ o sino tocou/ Posso ouvi-lo soar mas não vi chegando/ Todos nos dizemos coisas que não queremos dizer/ Você não pode retirá-las/ Agora a sala está girando e eu fui o último a notar?/ Posso ver que nunca vou ganhar/ então, se você vai, é melhor que vá com ele/ Então é melhor ir com ele”. Depois disso, uma seção de cordas regida pelo maestro Bacharach carrega o tema musical até o fim.
Com Burt Bacharach e Elvis Costello, o amor sempre tem este viés de tristeza e abandono. Em “What’s Her Name Today?”, não importa quem se abandona. O sentimento é o mesmo. O narrador não sabe o que aconteceu. “Era ela quem levou embora seu orgulho e sua razão?/ Oh por que você decidiu punir toda garota que encontrou/ para tentar fazer aquele sentimento sumir?”. Ao perguntar qual é o nome da garota hoje, ele mostra que, mesmo tentando mudar o cenário, o sentimento é igual.
Pra fechar o disco, uma canção feita de encomenda e que marcou o encontro dos dois compositores: “God Give me Strength” foi feita para o filme “A Voz do meu Coração”, que conta a história de uma cantora e compositora que trabalha nos anos 60 e se apaixona por um cantor de uma banda surf music. O resumo não é dos melhores, mas é só pra dizer que, a partir desta encomenda, é que surgiu a parceria entre ambos. Costello pede que Deus lhe dê forças, porque tudo acabou. “Esta canção já foi cantada/ este sino já tocou/ ela era a luz que me abençoava/ Ela levou minha última chance de ser feliz/ Então Deus me dê forças... Talvez eu tenha sido lavado como uma marca de batom na sua camisa/ veja, eu sou apenas humano, eu quero que ele sofra/ Eu quero que ele/ Eu quero que ele sofra”. Ao dizer isso, Costello imprime uma marca de ódio e desespero na voz que nos comove, auxiliado pelas cordas sempre precisas de Bacharach.
É difícil chegar ao fim deste disco sem se comover. Os dois, Costello e Bacharach, conseguiram fazer um disco onde as temáticas e os estilos de um e de outro se completem plenamente. E criaram uma obra-prima moderna, utilizando sonoridades do passado e atualizando-as, sem cair num clima nostálgico caricatural e nem ser “muderno” demais. Se fosse você, eu pegaria uma dose de alguma coisa bem forte para ouvir com calma “Painted From Memory”, um disco cheio de nuances musicais e vocais que merece ser curtido.
vídeo de"God Gve Me Stenght"-Burt Bacharach and Evis Costello
Se o 13 de julho é um dia importante para a música, consagrado como o Dia do Rock, marcando o acontecimento do Live Aid, lá em 1983, outra data também carrega uma enorme importância para o rock'n roll e para a música em geral. Em 03 de fevereiro de 1959, Buddy Holly, um dos maiores nomes da história do rock, falecia em um acidente aéreo, numa tragédia que ainda levava junto o músico Big Bropper e outro promissor artista que despontava, o emergente músico de origem mexicana, Ritchie Valens.
Buddy impressionava pelo carisma, popularidade, capacidade criativa e uma sofisticação compositiva diferenciada em relação à seus contemporâneos, mesmo em uma pequena amostragem, uma vez que sua carreira durou pouco mais de um ano, desde seu surgimento até sua morte.
Neste período gravou apenas três LP's, tendo, contudo, produzido tanto, que muito material inédito foi lançado mesmo depois de sua morte.
O primeiro deles, ainda com os The Crickets, saiu em 1957, no entanto Buddy Holly só viria a assinar um trabalho com protagonismo total em 1958, em seu segundo lançamento, disco que, por sinal, levava seu nome, e que é o álbum que destacamos aqui.
"Buddy Holly", embora não inclua "That I'll Be The Day", uma de suas mais conhecidas, é um grande discos e traz exemplares musicais que só comprovam o talento de Holly. Temos a contagiante "I'm Gonna Love You Too", que abre o disco; a excelente "Everyday", tão extemporânea que não se estranharia se alguém dissesse que fosse de uma banda dos anos 90; a elétrica" You're So Square..."; a intensa "Rave On"; o rock gostos de "Little Baby"; e o sucesso "Peggy Sue", que, a propósito, serviria de inspiração anos depois, para o filme de mesmo nome de Francis Ford Copolla. Música sofisticadíssima, com vocal doce, precisamente controlado, um pontilhado de piano, guitarra estridente entrando nos momentos certos, e bateria em constantes rolos turbilhonando inquietamente o tempo inteiro.
Disco que revelava que dali sairia muito mais coisa boa. Um artista que por certo, teria muito mais a dar à música se não fosse sua vida abreviada tão cedo e de forma tão trágica. Se o dia 13 de julho é o Dia do Rock, que por sinal deve muito a Buddy Holly, o dia da tragédia que o levou, e a dois outros talentos em ascensão, carrega a triste alcunha como O Dia Em Que a Música Morreu.
Felizmente, para todos nós, não morreu, de MORRER mesmo... mas um pedacinho dela, sem dúvida, foi levado naquele dia.
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FAIXAS:
1. I'm Gonna Love You Too 2. Реggу Sue 3. Lооk At Me 4. Listеn To Me 5. Vаlley Of Tears 6. Rеаdy Teddy 7. Еvеrуday 8. Маilmаn Bring Me No More Blues 9. Wоrds Of Lоvе 10. Yоu'rе So Squаrе (Bаbу, I Don't Care) 11. Rаvе Оn 12. Little Bаbу
Alguns comparam sua música à pastoral do décimo primeiro mês da era vitoriana. Outros imaginam cenas requintadas de painéis decorativos com vitrais. Em qualquer caso, a criatividade da Tudor Lodge é inseparável do espírito nobre da “boa e velha Inglaterra”. Isso significa que as referências ao passado menestrel-bardo não podem ser evitadas. No entanto, antes de mergulhar de cabeça no conjunto de músicas, deixe-me dizer algumas palavras diretamente sobre os membros do conjunto.
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