1913 Massacre, de Woody Guthrie

 Em 1940, Woody Guthrie veio para a cidade de Nova York a convite do ator e ativista Will Geer. Os dois amigos com ideias semelhantes compartilhavam uma simpatia pelos trabalhadores maltratados por corporações gananciosas e magnatas dos negócios. Eles se conheceram na Califórnia, onde foram para acampamentos de trabalhadores no Vale de San Joaquin, visitaram os Hoovervilles e viram em primeira mãoas péssimas condições de vida dos imigrantes que trabalhavam na terra por uma remuneração escassa. Guthrie ficou profundamente afetado pelo que viu, pois muitos desses imigrantes vieram de seu estado natal, Oklahoma. 15% dos moradores daquele estado migraram para a costa oeste em busca de empregos durante a grande depressão e receberam o termo depreciativo “Okies”. A dura situação que esses imigrantes enfrentaram na época está para sempre imortalizada na fotografia de Dorothea Lange “Immigrant Mother”, tirada em 1936 em um acampamento de catadores de ervilhas na Califórnia.

Dorothea Lange – Mãe Migrante

1940 foi um ano importante para Woody Guthrier. Naquele ano, a adaptação cinematográfica do romance de John Steinbeck, The Grapes of Wrath, foi lançada e deu ao mundo em geral uma visão da vida dos trabalhadores imigrantes na década de 1930. Steinbeck escreveu um retrato magnífico da família Joad e sua experiência angustiante ao deixarem sua fazenda em Oklahoma, através da difícil jornada para a costa oeste e sua chegada ao ambiente hostil na Califórnia, tendo que ganhar a vida em qualquer lugar onde houvesse trabalho. Guthrie escreveu a música Tom Joad, na qual contava a história do personagem principal do livro.

Entre 1937 e 1940, Guthrie escreveu muitas músicas sobre pessoas e eventos na era da grande depressão, e em 1940 ele as gravou para a Victor Records. Elas foram lançadas como um pacote contendo três discos de 78 rpm e um livreto, coletivamente chamados de Dust Bowl Ballads. É talvez o primeiro álbum conceitual, poupando música clássica de programa, já que todas as músicas têm um tema unificador em torno das experiências das pessoas com quem Guthrie simpatizava. O álbum, que foi lançado em 1964 como um LP pela Folkways Records, foi extremamente influente para muitos cantores com consciência social de gerações posteriores, incluindo Bob Dylan, Bruce Springsteen e Joe Strummer.

1940 também foi o ano em que Guthrie escreveu sua canção mais famosa This Land Is Your Land. A canção foi uma resposta a God Bless America, de Irving Berlin, e originalmente tinha uma visão cínica da igualdade, ou falta dela, de como essa terra é compartilhada entre seus cidadãos:

Numa manhã ensolarada e brilhante, à sombra do campanário,
Perto do Escritório de Assistência, vi meu povo —
Enquanto eles estavam famintos, Fiquei ali me perguntando se
Esta terra foi feita para você e para mim.

Woody Guthrie não gravou a música até 1944, e naquele ponto abandonou esse verso em favor da música mais universalmente aceita que conhecemos hoje. A mensagem da versão original certamente escapa a muitos que cantam essa música em eventos patrióticos, celebrando inclusão e igualdade.

 

Também em 1940, o livro We Are Many de Ella Reeve Bloor foi publicado, e inspirou Guthrie a escrever duas de suas melhores canções. A autora foi uma feminista, socialista e comunista proeminente na primeira metade do século XX. Sua neta, a atriz Herta Ware, era casada com Will Geer na época e sem dúvida Woody Guthrie estava bem ciente de seu ativismo. O livro era sua autobiografia, e em um de seus capítulos ela descreveu suas experiências com a comunidade de mineiros, focando em dois incidentes que aconteceram em 1913 e 1914.

Em 1913, a parte noroeste de Michigan era o lar de uma grande comunidade de mineiros que trabalhavam nas minas de cobre da área. Buscando melhorar suas condições miseráveis ​​de trabalho e salários, os mineiros entraram em greve em julho de 1913. Em dezembro daquele ano, a greve estava em seu quinto mês sem nada resolvido e as tensões estavam altas. Na véspera de Natal, 400 pessoas, compostas por mineiros e suas famílias, se reuniram na cidade de Calumet para celebrar os feriados. O lugar era conhecido como Italian Hall e sua única entrada era uma escada íngreme que levava ao salão. Durante as festividades, alguém gritou "Fogo", causando pânico e uma corrida para a entrada estreita. No pandemônio que se seguiu, setenta e três morreram enquanto eram esmagados pela massa de pessoas correndo para a saída. Cinquenta e nove deles eram crianças. Não houve incêndio e, embora a identidade da pessoa que o chamou nunca tenha sido revelada, provavelmente era um agitador antissindical. Mais sobre este evento aqui .

 

Em 1914, uma grande greve de mineiros de carvão ocorreu no sul do Colorado. Muitos deles estavam vivendo em uma colônia de tendas em Ludlow. A greve era sobre questões trabalhistas e habitacionais fundamentais que hoje são óbvias, mas cem anos atrás não eram consideradas importantes o suficiente para os empregadores. Sete meses após a greve, uma briga começou entre guardas da milícia contratados pela empresa de carvão e mineiros armados na colônia. Depois que o tiroteio parou, duas mulheres e nove crianças foram encontradas mortas sob uma das tendas. Elas estavam buscando abrigo das balas voadoras e morreram sufocadas quando a tenda foi incendiada. Mais sobre este evento aqui .

 

Guthrie encontrou a necessidade de recontar essas histórias trágicas e a extrema injustiça e indiferença à dignidade humana retratadas nelas. Ele escreveu 1913 Massacre e Ludlow Massacre, ambos no estilo narrador em primeira pessoa, e você realmente se sente parte dos eventos conforme as histórias se desenrolam. As músicas foram gravadas por Moses Asch, fundador da Folkways Records em maio de 1945, e lançadas originalmente em 1946 como STRUGGLEE: DOCUMENTARY #1. Mais tarde, elas apareceram no álbum Struggle, lançado pela Folkways Records em 1976. Ambas as capas dos álbuns mostram uma ilustração dos enterros do massacre de Ludlow.

A qualidade narrativa das letras em ambas as músicas é, na minha opinião, a maneira mais eficaz de cantar uma canção de protesto. Em vez de ouvir um cantor acusando os perpetradores de injustiça social, prefiro mergulhar nos eventos e sentir a dor das pessoas marginalizadas. Muito poucos podem contar essas histórias tão eficazmente quanto Woody Guthrie.

Woody Guthrie em Los Angeles

1913 Massacre teve um grande impacto em Bob Dylan, que usou a melodia da música e escreveu Song For Woody, a música de seu primeiro álbum que ele dedicou ao seu herói. Aqui está o 1913 Massacre como Woody Guthrie cantou em 1945.

Classificando todos os álbuns de estúdio do Supertramp

Supertramp foi uma banda inglesa que surgiu no final da década de 1960. Eles começaram no rock progressivo . No entanto, é interessante notar que o Supertramp se tornou cada vez mais pop com o tempo. Independentemente disso, embora a banda tenha ficado inativa na maior parte do tempo desde 2002, eles conseguiram vender mais de 60 milhões de discos em todo o mundo.

11. Some Things Never Change

 

Some Things Never Change foi o décimo álbum de estúdio do Supertramp, lançado em 1997. Foi interessante porque foi um retorno intencional ao som anterior. No entanto, suas músicas não eram tão cativantes quanto as de seus antecessores. No geral, Some Things Never Change foi apenas razoável, o que não é o suficiente para competir com o resto dos lançamentos da banda.

10. Brother Where You Bound

 

Lançado em 1985, Brother Where You Bound teve alguns problemas que o arrastaram para baixo. Primeiro, foi o primeiro lançamento da banda após a saída de Roger Hodgson, resultando em problemas que não tinham sido 100 por cento esclarecidos até então. Segundo, é muito um produto da Guerra Fria, o que significa que não envelheceu muito bem.

9. Free as a Bird

Situado entre Brother Where You Bound e Some Things Never Change, Free as a Bird foi uma espécie de experimento. Ele se afastou do som do rock progressivo. Em vez disso, tentou ser algo mais moderno, resultando assim no aumento do uso de máquinas. Houve muitas pessoas que ficaram menos do que impressionadas com isso porque os frutos da experimentação soaram como divagações para elas.

8. Slow Motion

 

Slow Motion foi o último lançamento do Supertramp antes da banda seguir caminhos separados na maior parte em 2002. Como tal, era muito o tipo de coisa que se esperaria de uma banda em seus dias de crepúsculo, como mostrado pelo fato de que ele nem estava disponível na América do Norte, exceto por encomenda pelo correio. Ainda assim, Slow Motion tinha uma quantidade razoável de conteúdo agradável, que foi prejudicado por uma produção menos do que estelar.

7. Indelibly Stamped

Indelibly Stamped foi o segundo álbum de estúdio do Supertramp. Em termos musicais, foi uma mudança em relação ao seu antecessor imediato, apresentando um tipo de rock muito mais direto. Mesmo assim, Indelibly Stamped foi semelhante ao seu antecessor imediato, pois não conseguiu muito interesse comercial. Algo que foi remediado até certo ponto nas décadas subsequentes.

6. …Famous Last Words…

 

Este foi o último lançamento da formação clássica do Supertramp. Anteriormente, Rick Davies e Roger Hodgson trabalharam juntos para criar uma visão coerente para cada um dos lançamentos da banda. Aqui, os dois surgiram como duas visões diferentes do que o álbum de estúdio deveria ser, que nunca foram devidamente fundidas uma com a outra. Como tal, este lançamento foi bastante insosso, embora tenha se beneficiado até certo ponto da experiência considerável que o Supertramp havia construído neste ponto de sua carreira.

5. Supertramp

Como mencionado anteriormente, Supertramp foi o álbum de estreia autointitulado da banda, que foi um fracasso comercial. Ainda assim, mostrou muita promessa, muito da qual seria cumprida por lançamentos subsequentes. Como tal, é difícil classificá-lo com muita severidade, visto que ele lançou as bases sobre as quais todo o resto foi construído.

4. Even in the Quietest Moments…

 

Este lançamento foi lançado em 1977. No geral, teve um bom desempenho, como mostrado por como se tornou o primeiro lançamento certificado de ouro da banda nos Estados Unidos. Quanto à sua música, bem, não foi o tipo de lançamento que impressionou a todos ao sobrepujar todo o resto no mesmo grupo. No entanto, o lançamento foi inteligente, agradável e surpreendentemente elegante às vezes, uma combinação muito boa que resultou em várias músicas memoráveis. Para citar um exemplo, indivíduos interessados ​​podem estar familiarizados com "Give a Little Bit", que se tornou um sucesso pela segunda vez quando foi regravada pelas Goo Goo Dolls nos anos 2000.

3. Crisis? What Crisis?

Crisis? What Crisis? foi feito depois que o Supertramp finalmente conseguiu encontrar sucesso comercial com Crime of the Century. Como tal, havia muita pressão sobre a banda para repetir seu sucesso. No entanto, o trabalho do Supertramp no lançamento não foi o que muitas pessoas esperariam, considerando essas circunstâncias. Afinal, muito do material consistia em músicas que sobraram de lançamentos anteriores. Na verdade, a banda teve que parar de gravar em um ponto para que pudessem escrever algumas músicas novas para garantir que houvesse material suficiente. Ainda assim, o álbum de estúdio provou ser bastante decente por si só, principalmente porque conseguiu se manter relativamente bem.

2. Breakfast in America

Se as pessoas estão curiosas sobre o lançamento mais vendido do Supertramp, elas devem saber que Breakfast in America é ele. Além disso, elas devem saber que ele não vendeu bem apenas pelos padrões da banda, ele vendeu bem por quaisquer padrões razoáveis. Afinal, Breakfast in America foi quádruplo platina nos Estados Unidos, o que nem sequer menciona suas vendas em outros lugares. Como tal, não é exagero dizer que este foi um dos melhores soft rock produzidos no final dos anos 1970.

1. Crime of the Century

O Supertramp levou algum tempo para decolar. Quando eles começaram a decolar, foi por causa de Crime of the Century, que saiu em 1974. Muitas de suas músicas se tornaram itens básicos no repertório de turnê do Supertramp. Além disso, Crime of the Century continuou sendo muito querido muito depois de seu lançamento, consolidando assim sua posição como um dos lançamentos memoráveis ​​da década como um todo.

António Menano “Fado do Hilário” (1927)

 Cantava desde pequeno, mas desenvolveu sobretudo a sua voz de tenor e uma relação com o fado de Coimbra quando ali entrou para a faculdade, para estudar medicina, em 1915, o mesmo ano em que pela primeira vez lança composições suas, publicadas pela Livraria Neves. Rapidamente integra o Orfeon Académico, a  cuja direção se junta em 1918, num tempo em que alarga a sua passagem por palcos nacionais e internacionais. A proibição das serenatas, em 1919, abre todavia novas frentes para a criação musical e, apesar de regressar a Fornos de Algodres (onde nascera, em 1895), mas mantém a atividade musical. E será depois, sobretudo entre 1927 e 1929, que regista o grosso da sua obra em disco em gravações que o levam a Paris ou Berlim, ao que se segue uma mudança para Moçambique para exercer medicina. 

Entre o lote de discos de 78 rotações que constituem a obra de António Menano, que desde cedo foi reconhecido como uma das maiores vozes de Coimbra, nasceram alguns casos de sucesso. Um deles, registado em 1927, deu ao clássico “Fado Hilário” (também referido como “Fado do Hilário”) uma gravação de referência e o seu maior sucesso até à data. Augusto Hilário da Costa Alves, outra das referências maiores da canção de Coimbra, nasceu em Viseu em 1864 e mudou-se para a cidade cuja história ajudaria a escrever em 1891, curiosamente também para estudar medicina. A sua voz torna-o numa figura conhecida do seu tempo, chegando até a cantar para o rei D. Carlos. Boémio, desapareceu cedo, com apenas 32 anos. E, apesar de uma referência na imprensa (em concreto no “Defensor do Povo” de 14 de Junho de 1894) a eventuais gravações suas, não se conhecem nenhumas, como nota a biografia que podemos ler no site do Museu do Fado. Apesar deste aparente silêncio da sua voz, Augusto Hilário deixou uma obra da qual se destacou o fado que acabou conhecido pelo seu próprio nome: o “Fado do Hilário” (letra e música de Augusto Hilário) que teve precisamente numa gravação de António Menano, a sua interpretação mais popular e de referência, surgindo depois em muitas outras interpretações, entre as quais a de Amália Rodrigues ou a cantora canadiana k.d. lang.

A gravação de António Menano não correspondeu, contudo, a estreia em disco. Data de 1900 um registo, por Duarte Silva do “Fado Hilaryo”, interpretado por Duarte Silva” (assim grafado), captado por William Sinkler Darby, um engenheiro de som britânico que então passou pelo Porto, podendo esse momento (e as demais vozes registadas nessa ocasião) corresponder às primeiras gravações de fado.

Há dois discos com a gravação do “Fado do Hilario” por António Menano, um deles de edição portuguesa, outro editado no Brasil. No 78 rotações português surge na face B o “Fado do Quinto Ano” (de Francisco Menano e Marcos da Cruz). Na edição brasileira a face B fica por conta do “Fado Do Emigrante” (de Paulo de Sá). Ambos os lançamentos surgiram pela Odeon, para a qual António Menano registou a sua discografia. O “Fado do Hilário” por António Menano chegou ao vinil numa compilação de 1985, “Fados De Coimbra” (duplo LP e cassete), pela EMI-VC. Em 1995 a Tradisom incluiu esta gravação em “António Menano 1927-1928” (editado em CD).

Talk Talk “It’s My Mix” (1985)

 Editada em 1985 em poucos territórios, a compilação de remisturas “It’s My Mix” inclui uma canção que estava possivelmente destinada a ser editada como single nesse mesmo ano mas que entretanto acabou por ficar na gaveta. 

Os Talk Talk podiam ser uma espécie de adaptação à música popular britânica dos oitentas do conceito que Michelle (a da Resistência – sim, da série Alô Alô) inscreveu na história da cultura pop: “listen very carefully, I shall say this only once”… Da banda animada pela luminosidade new wave (houve até quem, erradamente, lhes chamasse inicialmente new romantics) que nos deu o belo The Party’s Over em 1982 ao evidente mergulho numa identidade que transcendeu as fronteiras da canção pop para ensaiar flirts com outras formas (de longe vislumbrando-se até algumas liberdades jazzísticas) por alturas de Spirit of Eden (1988), os Talk Talk protagonizaram uma carreira absolutamente ímpar, em muito abençoada pela visão (e personalidade) do vocalista Mark Hollis, mas igualmente marcada pela colaboração (a partir de 1984) do produtor Tim Friese-Green. Cada disco foi de facto diferente, apenas Laughing Stock (o seu canto do cisne, em 1991) tendo revelando proximidades formais face ao álbum imediatamente anterior Spirit of Eden, embora tendo aprofundado a exploração dos caminhos que este já abordara, com maior volume de instrumentos presentes e focando temáticas do foro místico (e, como curiosidade, tendo sido editado pelo selo da Verve, etiqueta com história maior feita em solo jazzístico). Cinco álbuns de estúdio ficaram como registo desse percurso discograficamente ativo entre 1982 e 91, uma multidão de antologias e reedições tendo desde então assegurado novas chamadas de atenção a uma música que entretanto do grupo fez um dos mais notáveis casos de culto nascidos no seu tempo.

Nem todas as antologias dos Talk Talk chegaram ao CD ou até mesmo à era do streaming, pelo que, mesmo estando as faixas envolvidas representadas noutros lançamentos, há discos do grupo que permanecem como tesouros em vinil. É o caso deste It’s My Mix, um LP que junta seis versões de canções que entretanto haviam surgido em máxi-singles lançados de ambos os lados do Atlântico. O álbum recolhe, no lado A, duas versões longas associadas ao álbum de estreia The Party’s Over – Talk Talk (12″ Mix – Extended Version) e  My Foolish Friend (12″ Mix – Extended Version) – e, na face B, três remituras de singles extraídos do álbum It´s My Life, de 1984: It’s My Life (12″ Mix – Extended Version),  Dum Dum Girl (12″ Remix – Extended Version) e Such A Shame (12″ U.S. Remix – Extended Version). 

Estão aqui cinco das seis faixas deste álbum. E sobre a que falta vale a pena um espaço de atenção maior. É há aqui um pequeno tesouro. Possivelmente gravada depois do segundo álbum, e apenas editada oficialmente na banda sonora (praticamente esquecida) de Zabou (1987), estando ainda disponível num single para utilização em jukeboxes em Itália em 1985, partilhando a outra face do vinil com uma canção de Luis Miguel, Why It’s So Hard foi possivelmente uma canção originalmente destinada a lançamento em single, mas que entretanto acabara na gaveta. Chegou a ser apresentada, numa outra versão, em San Remo e, anos depois, seria um extra numa compilação em duplo CD que juntava lados A e B dos singles dos Talk Talk. Na verdade, It’s My Mix acaba por ser o único disco oficial dos Talk Talk no qual Why Is It So Hard? foi apresentada no ano em que entrava em cena. A canção, que surge aqui na sua 12″ U.S. Remix – Extended Version, era aqui dada como um sabor a novidade no momento em que se juntavam, num mesmo alinhamento, outros máxis do grupo. Mais próxima das linhas pop de It’s My Life do que dos caminhos que a música do grupo tomaria logo depois, em 1986, em The Colour of Spring, este Why Is It So Hard? deve ter soado a qualquer coisa como mais do mesmo para o grupo. E talvez por isso tenha acabado na gaveta… Essa decisão deverá ter acontecido, porém, apenas depois do lançamento, em 1985, deste It’s My Mix, disco que teve apena edição nos EUA. Canadá e Itália. 

Vários “Cosmos” (1981)

 Editado em 1980, um LP com música usada nos episódios da série “Cosmos”, de Carl Sagan, juntou momentos de discos de Vangelis editados nos anos 70 com peças de compositores como Schostakovich, Vivaldi ou Takemitsu. 

Carl Sagan acreditava que a ciência podia chegar a todos. Comunicador nato, fez da série televisiva Cosmos uma voz que deu a volta ao planeta, tornando próximos os distantes planetas, as estrelas e os quasars. Sagan defendia que todos se podiam interessar pelos assuntos da ciência. “É só uma questão de fazer com que esta lhes chegue de uma forma acessível”, disse aos microfones da rádio pública norte- americana em 1996. 

Originalmente exibida em 1980 no PBS (o canal de serviço público norte-americano), a série que fez de Carl Sagan uma das mais conhecidas vozes na história da divulgação da ciência ao grande público, rapidamente se afirmou como um marco de referência na história da divulgação científica. A série juntava o state of the art dos efeitos visuais da época não só para nos mergulhar numa viagem imaginária pelo Valles Marineris como pela Biblioteca de Alexandria, muitas das memórias de homens de ciência e descobertas de outros tempos surgindo em reconstituições de época que assim somavam o passado e o futuro a uma história que se contava no presente.  

Com música de Vangelis e outros compositores, usando os efeitos visuais mais avançados para a época, a série – com título completo Cosmos: A Personal Voyage – levou-nos através do espaço e do tempo à descoberta do universo e, na verdade, de nós mesmos. A banda sonora, editada em disco, recolhe um corpo de peças que a série então usou ao longo dos seus 13 episódios. Shostakovich, Pachelbel, Vivaldi, J. S. Bach, Rimsky-Korsakov, Takemitsu ou Stravinsky partilham aqui espaço com o japonês Isao Tomita e o grego Vangelis. Este surge numa posição de destaque, já que um excerto de Heaven and Hell era usada no genérico da série, e depois, entre os episódios, notavam-se mais presenças da sua música. Contudo, e apesar de ter criado música original para cinema e televisão, Vangelis surge em Cosmos através de uma recolha de fragmentos de música que, além de Heaven and Hell, surgiu em álbuns como La Fête Sauvage, Beaubourg ou Albedo 0.39.

U2 “Night and Day” (1990)

 A versão surgiu em “Red Hot + Blue” e teve depois uma edição (limitada e numerada) no formato de máxi-single. 

Entre o fim da etapa que ficou fixada no álbum Rattle & Hum e o momento de surpresa gerado pela edição de The Fly (1991), o single de avanço que destapou um primeiro véu sobre Achtung Baby, os U2 não ficaram em silêncio total. E, em 1990, de facto surgiram no alinhamento de Red Hot + Blue, um disco que surgia como primeira ação de campanha de uma nova força que entrava em cena para criar acções de luta contra o vírus VIH (a Red Hot Organization) e que era, ao mesmo tempo, um tributo às canções de Cole Porter. Não era a primeira vez que os U2 apresentavam uma versão, mas o seu Night and Day não se parecia com nada que o grupo tivesse criado até então, sugerindo sinais de atenção a pistas que por aqueles dias cruzavam vivências rock com os aromas que então emergiam mais perto de quem lidava com electrónicas e as batidas mais associadas a uma nova dance music que conquistara visibilidade maior na reta final dos anos 80. Não o sabíamos, mas o som dos U2 nos anos 90, de Achtung Baby e Zooropa a Pop, começava aqui a dar primeiros sinais de vida.

A canção, como as demais de Red Hot + Blue, foi acompanhada por um teledisco. E em concreto representou a primeira colaboração entre os U2 e o realizador Wim Wenders, com quem voltariam a trabalhar mais adiante, por exemplo, no filme Million Dollar Hotel. Além da presença no álbum da Red Hot Organization, a versão dos U2 surgiu numa edição proporcional limitada e numerada no formato de máxi-single, apresentando cada face uma mistura distinta: Night and Day (Twilight Remix) e Night and Day (Steel String Remix), ambas assinadas por Youth. A produção também revelava créditos invulgares: Paul Barrett (engenheiro de som que trabalhava habitualmente com o grupo) e do próprio Edge.

A canção, na verdade, tem uma história antiga, já com 90 anos… E foi em finais deu 1932 que o mundo a escutou, pela primeira vez. Assinada por Cole Porter, ganhou voz pela primeira vez a 7 de novembro desse ano em Boston quando o musical The Gay Divorce, com canções de Cole Porter e texto de Kenneth Webb e Samuel Hoffenstein, baseado numa adaptação de um original de um livro de Dwight Taylor, começou a sua rodagem nos chamados “tryouts”, espetáculos noutras cidades que precediam uma eventual estreia em Nova Iorque, na Broadway. Com Fred Astaire como protagonista, naquele que seria o seu último papel na Broadway, The Gay Divorce chegou ao palco do Ethel Barrymore Theatre a 29 de novembro, passando depois para o Schubert Theatre, vivendo uma carreira de 248 espetáculos nessa sua produção original, seguindo depois para o West End, em Londres.

Poucos dias antes da estreia Fred Astaire tinha passado pelo Gramercy Recording Studio, em Manhattan onde, acompanhado pela orquestra de Leo Reisman, registou uma primeira gravação de Night and Day. O disco (de 78 corações) seria editado a 13 de janeiro de 1933, apresentando na outra face uma gravação, captada no mesmo dia, deu I’ve Got You on My Mind, outra das canções de Cole Porter estreadas em The Gay Divorce. O êxito, que vinha já do palco, seria amplificado pelo disco, que se tornaria o mais vendido nos EUA em 1933, somando um total de 22.811 unidades, tendo ocupado o primeiro lugar da tabela da Billboard durante dez das 18 semanas nas quais surgiu classificado na lista.

O tremendo sucesso da canção (e do musical) gerou uma adaptação ao cinema, em 1934, mas com uma ligeira alteração no título: The Gay Divorcee (que chegaria aos ecrãs portugueses em 1936 com o título A Alegre Divorciada. No filme apenas Night and Day restava do alinhamento original das canções apresentadas no teatro. Contudo, Fred Astaire retomava o seu papel, representando o filme o segundo de uma série de clássicos nos quais fez dupla com Ginger Roberts.

O sucesso do filme deu ainda maior visibilidade à canção que, então começava já a conhecer novas versões tendo, até hoje, sido recriada em disco mais de 800 vezes. Aos longo dos anos deram voz a esta canção nomes das mais variadas geografias e géneros musicais. Entre os muitos que cantaram ou recriaram instrumentalmente Night and Day estão vozes “clássicas” como Bing Crosby, Doris Day, Sammy Davis Jr ou Frank Sinatra, figuras do jazz como Billie Holliday, Ella Fitzgerald, Stan Getz, Charlie Parker ou Diana Krall, referências da soul como Tempations ou Dionne Warwick, brasileiros como Sérgio Mendes ou Bebel Gilberto e figuras do universo pop/rock como Ringo Starr (no seu álbum de estreia a solo), Rod Stewart, os Everything But The Girl, o norueguês Sondre Lerche ou, claro, os U2.

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