Crítica do álbum: The Dandy Warhols – Why You So Crazy?

 

Os Dandy Warhols retornam com seu 10º álbum de estúdio; eles podem manter os conceitos atualizados depois de todo esse tempo?

Para muitos, The Dandy Warhols resumem o zeitgeist musical do final dos anos noventa e início dos anos noventa. Formada em 1994 em Portland, Oregon nos Estados Unidos, a banda conquistou sucessos no topo das paradas em todo o mundo, documentada no premiado filme de 2004 Dig! e estiveram lado a lado com o monólito musical David Bowie em turnê. Suas canções mais populares (pense em “Bohemian Like You” ) evocam imagens vívidas da virada do século. Descolados e modernos sem esforço, os Warhols são uma banda sinônimo de arrogância indie dos anos 2000. No entanto, o tempo passou e os Warhols lançaram álbuns como um relógio a cada dois anos e meio nos últimos vinte e cinco anos…

O tempo pode ser cruel com uma banda tão estilizada e, à luz disso, imagina-se que a preocupação mais premente para uma roupa agora com um quarto de século é a manutenção da relevância. Os climas musicais mudam e o público está indiscutivelmente mais brutal do que nunca. À medida que a indústria se torna mais comercializada a cada dia, é difícil para as bandas mais antigas permanecerem relevantes e emocionantes, mantendo as qualidades que as tornaram populares desde o início. As tendências flutuam e as bandas de sucesso precisam aproveitar esse fluxo, encontrando um equilíbrio entre popularidade comercial e integridade artística. Felizmente, e de forma bastante impressionante, os Warhols conseguiram exatamente isso com seu 10º álbum de estúdio, Why You So Crazy. O álbum completa vinte e cinco anos de produção criativa muito bem e sugere que a banda ainda não está pronta para desistir. O álbum encontra o seu locus na reprodução do típico pop e shoegaze de Warhol, embora regularmente se desvie dele, experimentando e inovando.

Em Why You So Crazy, os Warhols criaram um álbum dinâmico que explora o conceito de gênero. A justaposição de tom é implantada com grande efeito, principalmente na disparidade entre as primeiras faixas “Terraform” e “Highlife” . “Terraform” é uma paisagem sonora sutilmente construída, quase minimalista, que conta com a existência de espaço entre sua instrumentação. Não está acontecendo muita coisa, mas o que acontece é atraente. A bateria comprimida mantém a música se movendo de maneira hipnoticamente metronômica; peças vocais repetitivas, sonhadoras e robóticas compõem a música eletrônica indutora de transe, enquanto sintetizadores e crepitações eletrônicas e estalos e carreira pop em torno da peça. Todo o caso parece sombrio e angular, não totalmente hostil, mas certamente perigosamente perto de emitir tons sinistros. Não é necessariamente a música que catapultou os Warhols para a fama, mas tem uma energia sombria que cativa e envolve o ouvinte.

Então, de repente, conforme a faixa desaparece, “Highlife” acompanha uma natureza contrastantemente jovial e tímida. A partir do momento em que os vocais entram em ação, evocando uma americana muito estilizada e caricaturada, o ouvinte sabe que foi transportado para um espaço sonoro completamente separado. Quanto mais tradicionala instrumentação toca em uma estrutura de blues, com linhas de baixo errantes e bateria embaralhada trilhando um caminho mais familiar do que a faixa anterior. À medida que a faixa avança, surge um solo de guitarra áspero e pronto, seguido logo por um lick de sintetizador mais etéreo. Mesmo dentro dessa música, há uma vibração incrivelmente intrigante. É blues-country western com uma música eletrônica distinta, beirando o psicodélico às vezes. É difícil definir e segue a linha entre gênio e hilário.

Embora as faixas mencionadas sejam envolventes e estilizadas, muitos ouvintes podem estar desejando uma sensação mais 'clássica' de Warhol. Não tenha medo, os Warhols o cobriram e oferecem uma oferta brilhantemente familiar no single “Motor City Steel” .Indiscutivelmente a música mais bem-sucedida do álbum, a música é uma atitude de Warhol totalmente realizada. Um simples loop de bateria mantém a música rolando, um pano de fundo bravamente básico que atua como uma estrutura perfeita para algumas partes de cordas silenciadas e pops de sintetizador em camadas. Os vocais gotejam com uma influência de Iggy Pop e não faltam partes de guitarra agitadas, dando à faixa um toque afiado. Voltando a “Highlife”, há uma vibração distintamente americana na música. No entanto, parece muito menos kitsch; não tanto pastiche, celebração mais não irônica de vermelho, branco e azul. Abra o refrão e o óleo do motor derramará; como um muscle car americano, essa música navega por estradas abertas em linha reta, o sol batendo em seu exterior brilhante. É divertido, legal e resume a capacidade de Warhol de criar licks pop sólidos que exalam estilo.

À medida que o álbum chega ao fim, torna-se plausível imaginar os críticos nivelando a afirmação de que falta ao álbum um senso de firmeza, de coesão. Certamente não há um conceito abrangente que impulsione a peça e a unifique como uma unidade estanque. De fato, essa linha de argumentação é válida e seria convincente se a única maneira de considerar o álbum fosse de cima como um todo. Em vez disso, o álbum funciona melhor quando é dissecado e separado, um choque de gênero e tom, oscilando de uma psicodelia indie melancólica e mais legal do que você a um synth pop despreocupado. É uma contradição em estilos, mas parece estranhamente conectado por um fio solto de exploração e mudança de forma. Enquanto os contemporâneos de Warhol desapareceram na obsolescência ou se tornaram irritantemente impenetráveis ​​(desculpas ao Massacre de Brian Jonestown),Why You So Crazy é uma oferta sólida e é emblemática de uma banda que tem o dedo no pulso da música contemporânea, mas gosta de dobrar os limites da popularidade na medida certa. É um pop experimental que intriga e envolve, e mantém os Warhols se sentindo surpreendentemente modernos após um quarto de século de produtividade.