Para encerrar a semana em grande estilo e continuar nossa jornada pelo melhor do metal extremo progressivo, apresentamos o excelente quarto álbum da banda sueca An Abstract Illusion. Ele foi aclamado como um potencial álbum do ano dentro do seu subgênero, superando até mesmo as expectativas geradas pelo seu aclamado trabalho anterior, "Woe" (que adoramos e apresentamos aqui no blog). Sua música desconstrói e reconstrói gêneros, combinando o visceral e cru com o envolvente e emocional. Uma obra imersiva e cinematográfica, que funde a agressividade inerente ao death metal progressivo com ricas paisagens sonoras e atmosferas fortemente influenciadas pela ficção científica dos anos 80 e synthwave, com os sintetizadores assumindo um papel crucial e dominante, fundamental para construir essa atmosfera sinistra, fria, cinematográfica, dramática e perturbadora. Um álbum notável, repleto de contrastes sonoros, e que considero ideal para encerrar mais uma semana no blog. Mais um dos grandes álbuns de 2025 que se tornará presença constante na sua playlist se você curte muita distorção, brutalidade e vocais guturais, pois também encontrará muita sutileza, delicadeza, elegância e bom gosto, e, como sempre, muita musicalidade. Encerramos a semana com um álbum excelente e altamente recomendado!
Artista: An Abstract Illusion
Álbum: The Sleeping City
Ano: 2025
Gênero: Death Metal Atmosférico/Progressivo
Duração: 60:37
Referência: Discogs
Nacionalidade: Suécia
Quatro anos se passaram antes que a banda sueca An Abstract Illusion retornasse com material inédito, um hiato que naturalmente aumentou as expectativas após a sólida recepção de Woe, um álbum que elevou consideravelmente o padrão dentro da cena progressiva extrema. Com The Sleeping City, a banda não apenas busca recapturar esse nível, mas também refiná-lo através de um som onde elementos crus e atmosféricos coexistem com arranjos de inspiração clássica e a habitual proeza técnica do death metal progressivo. É uma síntese ambiciosa que, sem dúvida, proporcionará muito o que analisar ao longo deste novo lançamento, publicado em outubro e estruturado em um formato conciso de sete músicas, totalizando aproximadamente uma hora.
Faixa 1, Blackmurmur:
A música abre o álbum como uma descida direta à sombra interior do protagonista, uma jornada onde seus pensamentos mais sombrios, a culpa herdada e as vozes internas que o fragmentam vêm à tona. Em meio à tensão constante entre destruição e redenção, apenas uma tênue luz parece mantê-lo conectado ao mundo. Essa luta para expurgar e enterrar o que o dilacera é o eixo narrativo que sustenta toda a obra.
Musicalmente, os teclados de Robert Stenvall desempenham um papel incomumente proeminente, um elemento raro no death metal progressivo, e aqui atuam como o guia emocional da narrativa. Suas atmosferas e seus únicos solos nesses onze minutos são essenciais para construir o clima de introspecção. A guitarra e o baixo de Karl Westerlund fornecem a crueza necessária para refletir a resistência interna do personagem, enquanto a bateria de Isak Nilsson libera uma brutalidade controlada que amplifica a sensação de opressão.
Os vocais — tanto limpos quanto distorcidos — sustentam um refrão evocativo com nuances "ghostescas", um recurso surpreendente e bem executado, embora seja uma pena que a banda não o tenha reutilizado ou reinterpretado posteriormente. Há pelo menos três vocalistas envolvidos, mas a produção dificulta identificar claramente quem está interpretando cada nuance.
Como faixa de abertura, a música funciona como uma declaração categórica de introspecção e como a base conceitual que articulará o restante do álbum. É uma recepção colossal, construída com escolhas não convencionais dentro do gênero, sugerindo a ambição narrativa e emocional que a banda pretende revelar.
Faixa 2, No Dream Beyond Empty Horizons
Com uma introdução renovada, onde o dedilhar de um violão se destaca em meio a uma atmosfera etérea, dando lugar ao verso, a banda muda o foco dos teclados para as guitarras. Estas explodem com a dose de ferocidade — entre riffs e solos — que a música anterior deixou incompleta. Mesmo assim, a faixa também reserva momentos contemplativos, especialmente na seção final, que serve como transição para a próxima música, onde uma guitarra mais limpa demonstra que velocidade e virtuosismo não são tudo.
A letra oferece uma reflexão sombria sobre como a falta de tempo, descanso, oportunidades e liberdade intelectual acaba sufocando os sonhos… e com eles, o próprio mundo.
Embora a base lírica se integre bem com as diversas passagens dinâmicas da música, percebe-se uma falta de expressividade na voz. Há uma essência emocional que se busca, mas não se encontra; nada que convide a uma revisita para se reconectar com o sentimento expresso na performance vocal. Esse peso expressivo recai quase que inteiramente sobre a guitarra.
Faixa 3, Como um Gêiser em Erupção Constante.
A canção revela uma verdade profunda que irrompe como um gêiser, uma força subterrânea que rompe a crosta, purifica o que está corrompido e revela um poder tão criativo quanto destrutivo. Em meio ao magma, ao ruído eterno e aos ecos vazios do passado, o narrador acaba se fundindo com essa erupção, tornando-se ele próprio a corrente que jorra das profundezas e cega com sua própria revelação.
Essa metáfora do gêiser não é apenas um dos recursos mais marcantes, mas também captura perfeitamente a violência e a intensidade que sustentam toda a obra. É, sem dúvida, a mais caótica das três primeiras canções, e sua erupção é tão devastadora que faz com que tudo o que veio antes pareça atmosférico — quase tímido.
O resultado é uma fusão brutal de conceito e execução. A banda soa completamente desinibida, e o nível de coesão entre letra, instrumentação e interpretação é tão alto que esta faixa pode facilmente ser considerada uma das mais lendárias do repertório da banda, sem negar as passagens mais belas e reflexivas que proporcionam o respiro perfeito.
Faixa 4, Frost Flower.
Desde os primeiros minutos, uma aura transcendente se estabelece, algo raro em um gênero que geralmente se move com uma crueza mais direta. A introdução é elegante, quase etérea, como se a banda quisesse suspender o tempo antes do impacto. O território é mais emocional e expansivo, com passagens que abraçam uma sensibilidade próxima ao metal progressivo atmosférico, deslocando — pelo menos por alguns instantes — o turbilhão agressivo usual do estilo.
Essa mudança sonora não é de forma alguma arbitrária; a música constrói uma sensação de estranhamento e desenraizamento que se alinha com letras profundamente introspectivas. A canção parece falar conosco a partir de uma mente fragmentada, de um eu que não se sente mais no controle do próprio corpo ou dos próprios pensamentos. A instrumentação flutua, recua e ressurge, como se imitasse um estado mental em lento colapso, onde tudo se dissolve e nada é totalmente real.
Com o passar dos minutos, a paisagem sonora torna-se mais sombria e densa, e a introspecção se transforma em angústia. A voz soa não apenas como uma performance, mas como algo vivido, como se carregasse o desespero de um ser que afunda emocionalmente e implora por companhia enquanto tudo desmorona. Aqui, momentos de calma funcionam menos como alívio e mais como anestesia.
Nessa interação entre luz e sombra, a canção se revela, em última análise, como mais do que apenas uma composição progressiva bem elaborada; é uma jornada emocional rumo à exaustão do eu, rumo ao desejo de se libertar de si mesmo para cessar de sentir. A música não apenas envolve, como te puxa para dentro, e o clímax chega sem aviso, deixando aquela sensação inquietante, porém perfeita, que apenas obras que ousam transcender a mera tecnicidade conseguem alcançar.
A construção é impecável, dinâmica, emocionalmente tensa e surpreendente em sua resolução.
A faixa 5, "Emmett",
é uma peça assumidamente comemorativa, não apenas por sua duração, mas também pela gravidade da mensagem que transmite. A letra denuncia a violência e a opressão históricas, evocando de forma contundente episódios como linchamentos raciais através de uma linguagem sombria e profundamente simbólica. Não se trata de uma narrativa direta, mas de uma sucessão de imagens que revelam como o ódio, a brutalidade e a injustiça deixaram uma cicatriz permanente na história da humanidade, exigindo que o ouvinte confronte esse passado e assuma a responsabilidade que vem com a sua lembrança.
Esse pano de fundo lírico é reforçado por passagens reflexivas onde os teclados e sintetizadores assumem o protagonismo, contribuindo para uma atmosfera quase contemplativa que contrasta de forma primorosa com a violência inerente ao death metal. Essa dualidade entre agressividade e introspecção não só enriquece a composição, como também lhe confere uma dimensão emocional inesperada, fazendo com que cada seção pareça parte de uma narrativa maior, e não uma mera demonstração de técnica.
O manejo inteligente da duração da música também é digno de nota; apesar de ter onze minutos, ela evita a sobrecarga lírica e a repetição desnecessária. Pelo contrário, a seção instrumental assume o protagonismo, permitindo que a atmosfera, os silêncios e as transições criem tensão e significado sem depender constantemente dos vocais.
A faixa de encerramento é simplesmente imersiva, daquelas que te deixam suspenso no ar por alguns segundos antes de retornar à realidade, na esperança de que ela evoque uma sensação semelhante novamente.
Faixa 6, Silverfields:
Esta peça funciona como um limiar sonoro para a conclusão do álbum, dominada por passagens de teclado que claramente remetem ao som clássico de bandas como Journey ou Europe. No entanto, a abordagem aqui é mais solene e épica, deixando de lado a euforia do rock para mergulhar em uma atmosfera carregada de nostalgia e contemplação.
A bateria, longe de ser imponente, move-se com uma presença contida, porém profunda, marcando o pulso de uma transição que parece necessária e cuidadosamente construída. Tudo nesta composição parece servir para preparar emocionalmente o ouvinte para o que virá a seguir: um refúgio sonoro, uma busca por descanso absoluto e sereno após uma jornada repleta de tensão, dor e exaustão emocional.
Faixa 7, The Sleeping City:
A transição da faixa anterior é simplesmente devastadora; aqui o álbum atinge total coerência, como se tudo o que foi ouvido antes tivesse sido uma preparação para este final. Esta última música funciona como uma síntese caótica, porém lúcida, onde os vocais guturais irrompem impiedosamente enquanto os vocais limpos surgem como um eco desesperado, criando um contraste tão intenso quanto trágico, quase como se incorporassem duas forças opostas observando o colapso de tudo ao seu redor. Não é apenas uma batalha de timbres; é o reflexo de uma história que respira fatalismo, onde algo que parecia eterno começa a mostrar suas rachaduras irreparáveis.
Na metade de seus dez minutos, a música atinge um ponto de virada decisivo, quando o teclado ou piano assume o controle, liberando a tensão e abrindo uma passagem de calma enganosa que soa como uma redenção forçada, como se uma réstia de esperança permanecesse quando, no fundo, já se sabe que é tarde demais. Este momento não é apenas musicalmente brilhante, mas narrativamente devastador; parece o último suspiro de uma cidade moribunda, a última batida do coração sob o concreto antes da escuridão total. O solo de guitarra que acompanha esta seção não se vangloria, mas sim chora; Ele não está tentando se exibir, mas sim dramatizar uma despedida irreversível.
Em direção ao fim, tudo se distorce gradualmente mais uma vez, como se a própria realidade começasse a desmoronar. A música reúne os destroços do que um dia foi uma promessa e os transforma em um final brutal, tão transcendente quanto todo o álbum. Assim como a canção ergue uma cidade a cada nota, ela também a enterra com a mesma solenidade. Não há explicação clara, nem culpados diretos, apenas a amarga certeza de que esse final foi previsto há muito tempo, sustentado por decisões acumuladas e agora impossível de reverter. Resta apenas observar, em silêncio, enquanto tudo desaparece… e aceitar que alguns finais não são escritos para serem evitados, mas sim para serem testemunhados.
Em suma
, The Sleeping City confirma que o An Abstract Illusion deu um salto artístico decisivo, com um álbum mais cativante, mais maduro, mais cinematográfico e mais introspectivo do que seus trabalhos anteriores. A fusão de death metal progressivo e paisagens sonoras etéreas, sustentada por sintetizadores envolventes, melodias melancólicas e um uso expressivo de vocais limpos e guturais, forja uma identidade única que transita sem esforço entre devastação e beleza. Aqui, a brutalidade não apenas golpeia; ela também desperta emoções, sugere e narra.
No entanto, esse nível de ambição não está isento de desafios. Para alguns ouvintes, a densidade sonora, as frequentes mudanças dinâmicas e a constante atmosfera cinematográfica podem se mostrar excessivas ou até mesmo exaustivas. Talvez uma abordagem mais equilibrada, com mais momentos de transição ou uma edição mais contida em certas composições, tivesse permitido um impacto ainda mais eficaz sem sacrificar a profundidade.
Mesmo assim, The Sleeping City não é um álbum que possa ser totalmente apreciado em uma única audição. Ele exige atenção ativa, paciência e múltiplas audições para revelar todas as suas camadas emocionais e estruturais. Essa dificuldade de acesso, longe de ser uma falha, é também sua maior força, pois estamos lidando com uma obra que recompensa o ouvinte atento e pune a escuta superficial.
Sem dúvida, com o tempo, este álbum será reconhecido como uma joia subestimada dentro do death metal progressivo, um ponto de virada que outras bandas observarão atentamente e que provavelmente abrirá novos caminhos para a compreensão do gênero além da brutalidade pura. O An Abstract Illusion não apenas criou um álbum; pode ter traçado um novo rumo.
A banda declarou sobre o processo criativo:
“Ao compor The Sleeping City, queríamos explorar como seria a trilha sonora de um filme de ficção científica distópico — como Blade Runner ou O Exterminador do Futuro — se tivesse sido composta por uma banda de death metal.”
Eles também detalharam que “The Sleeping City foi produzido pelo membro da banda Karl Westerlund, mixado e masterizado por Robin Leijon. A bateria foi gravada e produzida por Jakob Herrmann (Devin Townsend, Evergrey, VOLA, Vildhjärta) no lendário Top Floor Studios em Gotemburgo, que capturou alguns dos nossos timbres de bateria favoritos de todos os tempos. A magnífica arte da capa, uma homenagem às primeiras pinturas de black metal, foi criada por Alex Eckman-Lawn (Horrendous, Afterbirth, Woe, Nero Di Marte). Também trabalhamos com músicos incríveis que nos presentearam com maravilhosos arranjos de cordas e vocais.”
"Blackmurmur": O álbum abre com uma atmosfera moderna e misteriosa: sintetizadores cintilantes (por um momento pensei que estava começando a série Stranger Things, e a mesma sensação permeou quase todo o álbum), pianos cinematográficos e bateria que começa a ressurgir e se desdobrar. Logo, os sons quentes são interrompidos por uma voz gutural que contra-ataca, desestabiliza, mergulha no caos e extingue a aparente calma. Enquanto isso, em paralelo, múltiplas harmonias pulsam sob a superfície. Essa dualidade entre agressão e calma é estabelecida desde o primeiro minuto. Entre os riffs afiados, teclados e coros etéreos, a banda alcança um equilíbrio entre catarse e beleza, que eles conduzem com uma qualidade e naturalidade admiráveis. Lukas Backeström participa e brilha nos vocais desta música. Há um jogo entre leveza e melancolia que serve como refúgio para tanta catarse; O desespero surge em meio a uma estranha sensação de libertação, culminando em gritos dilacerantes.
"No Dreams Beyond Empty Horizons": Começa com um violão que é rapidamente engolido por blast beats e vocais guturais. As melodias emotivas e os refrões sussurrados e envolventes criam uma tensão constante entre catarse e paz. As passagens instrumentais são intensas, quase narrativas. Os vocais limpos, os vocais falados, surgem como uma luz em meio à escuridão, criando um dos momentos mais comoventes do álbum. Mesmo assim, torna-se uma montanha-russa de harmonias, riffs emotivos e a agressividade constante que a condiciona, como se fosse uma luta interna buscando se acalmar ou ressurgir catarticamente.
"Like a Geyser Ever Erupting":
É uma explosão desde o primeiro segundo. A bateria não oferece trégua, e as guitarras remetem ao death metal old-school. Começa de forma agressiva com vocais guturais, embora estes sejam rapidamente absorvidos pela elegância dos vocais limpos e dos sintetizadores. As mudanças
Os ritmos são abruptos, mas ainda soam naturais; caos e calma coexistem em um
diálogo constante. Assim que a agressividade atinge seu ápice, ela é atenuada por melodias calmas, coros hipnóticos, sintetizadores envolventes, um violão delicado e teclados que cativam o ouvinte. Jonathan Miranda-Figueroa no violoncelo também contribui para o drama.
"Frost Flower":
Uma faixa hipnótica e introspectiva. Moderna. Os vocais limpos assumem o protagonismo, acompanhados por coros etéreos e guitarras que inspiram melancolia. Serve como um respiro dentro do álbum, embora não abandone completamente a agressividade: vocais guturais emergem em um clímax catártico, embora soem mais libertadores do que violentos. Novamente, Lukas Backeström brilha aqui, assim como Jonathan Miranda-Figueroa no violoncelo e Flavia Fontana no violino, ambos com vozes belíssimas.
"Emmett":
É um single promocional. Começa calmamente, com sons ambientes, um
zumbido suave e uma percussão constante que guia o desenvolvimento da música. Logo, sintetizadores, metais e vocais crus entram em cena. É uma peça repleta de contrastes: melodias que parecem flutuar sobre uma base agressiva. A intensidade cresce até um ponto de pura catarse. Um dos momentos mais viscerais do álbum. A letra sugere que a história progride impulsionada pelo sofrimento e pela violência. É uma reflexão sobre a natureza cíclica da dor e da opressão: a humanidade repete atos violentos que se tornam o próprio motor de sua evolução social. Não há nenhuma explicação ou informação oficial da banda sobre isso; no entanto, gostaria de saber se essa letra faz alusão ao caso de Emmett Till, um jovem afro-americano assassinado em 1955, cuja morte fez parte do linchamento racial nos Estados Unidos, ou se é apenas uma coincidência que a música tenha o título em sua homenagem e trate de violência social.
"Silverfields":
Uma passagem mais experimental e moderna, com um som robótico e uma atmosfera futurista. Funciona como um interlúdio mental, uma breve pausa antes de um final impactante. Elsa Svensson faz uma participação especial nos vocais, embora seja quase imperceptível.
"The Sleeping City":
A faixa de encerramento perfeita. A faixa-título. Ela revisita os temas recorrentes do álbum, alternando entre agressividade e reflexão. A bateria volta a ocupar o centro do palco, os teclados iluminam o som e os vocais transmitem uma aura de resignação e beleza. É um final tão hipnotizante quanto o começo, fechando o ciclo narrativo com precisão e emoção. Miranda-Figueroa e Dawn Ye no violino adicionam ainda mais dramaticidade à música, elevando-a a outro patamar. A banda comenta: "Para 'The Sleeping City', nos inspiramos em artistas como Depeche Mode, My Bloody Valentine, Kite, Ólafur Arnalds e Boards of Canada, o que nos levou a expandir e refinar nossa paleta sonora."
Este álbum não só figura entre os melhores do ano, como também reafirma a própria essência da banda. An Abstract Illusion é diferente de tudo o que já foi lançado, embora em certas nuances evoque diversas influências e pareça abranger tudo (?). Sua música desconstrói e reconstrói gêneros, combinando o visceral e o cru, o transcendental e o emocional.
Sem dúvida, eles atingiram um novo patamar de coerência artística: cada faixa flui para a seguinte como parte de um todo maior e contrastante, e o resultado é uma experiência imersiva, desafiadora e profundamente humana.
Mais do que um álbum, é uma obra conceitual sobre dualidade — entre o onírico e o terreno, a destruição e a redenção. É a prova de que o metal extremo pode se manter agressivo sem abandonar elementos de natureza diversa, que o aprimoram e enriquecem.
Eliana Rodriguez
Mas acho que está na hora de ouvirmos algo sobre tudo isso...
“Woe” foi o álbum que me apresentou à banda An Abstract Illusion. Embora já estejam na ativa há alguns anos, eles só agora lançaram seu terceiro álbum completo, “The Sleeping City”, pela Willowtip Records. O álbum tem quase uma hora de duração, distribuída em sete faixas. A capa, embora não seja tão impactante quanto a de seus trabalhos anteriores, combina perfeitamente com o título.
Em “The Sleeping City”, a maioria das músicas tem mais de oito minutos, mas elas possuem uma pegada agressiva e técnica, além de uma atmosfera que cria uma jornada emocional e imersiva. O álbum abre com “Blackmurmur”, que se desenvolve gradualmente. Seus primeiros minutos são uma melodia elegante, seguida por explosões de riffs e vocais guturais poderosos que se alternam com vocais limpos em uma estrutura semelhante a um refrão. É uma faixa muito completa que apresenta diversos elementos musicais notáveis. “No Dreams Beyond Empty Horizons” – primeiro, quero destacar os vocais limpos, porque, com as passagens melódicas, a faixa assume uma pegada mais progressiva. Há mudanças de ritmo muito bem executadas, onde An Abstract Illusion demonstra uma notável habilidade de composição. Esta faixa sabe quando mostrar seu lado agressivo sem ser abrupta demais.
Em seguida, temos “Like a Geyser Ever Erupting”, que mostra um lado mais agressivo desde o primeiro segundo. Embora seja death metal, oferece certos toques dissonantes e uma bateria matadora. A faixa também apresenta aquela transição onde a melodia entra com acordes acústicos e vocais limpos. “Frost Flower” é uma música que se destaca por ser mais atmosférica. Ela progride sutilmente, ou seja, em um ritmo moderado. Vocais limpos e música elegante são o que ela apresenta, mas não abandona completamente a agressividade do gênero. “Silverfields” é curta e totalmente instrumental, imersiva e melódica, servindo como um respiro dentro do álbum. “Emmett” tem mais de 11 minutos, mas passa voando. Tudo o que oferece é muito atraente: riffs poderosos, melodia, progressões, vocais limpos e, claro, aquela bateria brutal. É uma música muito bem estruturada que impacta com força, mas também acalma o ouvido com passagens melódicas. Encerramos com a faixa-título, “The Sleeping City”. Sua primeira parte, nesta jornada de quase dez minutos, mostra o lado pesado do álbum com riffs de guitarra furiosos e um estilo vocal feroz, que não chega a ser gutural. Em seguida, vêm as progressões de acordes limpos. Essencialmente, possui todos os elementos que ouvimos em outras músicas, sem se tornar repetitivo, o que é a força do álbum.
"Uma Ilusão Abstrata" atinge o equilíbrio perfeito entre brutalidade e beleza, oferecendo uma obra que transmite uma sensação simultaneamente caótica e sutil. É uma peça que exige atenção e requer múltiplas visualizações, à medida que se descobrem detalhes cada vez mais intrigantes a cada nova observação.
Por todas essas razões, afirmo que "The Sleeping City" é uma obra ambiciosa e bem-sucedida, onde An Abstract Illusion não apenas iguala a qualidade de seus trabalhos anteriores, criando uma experiência coesa, imersiva e rica em texturas, como também é um álbum que exige e recompensa múltiplas audições, revelando novas camadas a cada nova audição.
Três anos após o fantástico Woe, o An Abstract Illusion retorna com uma obra que não só mantém o nível, como o eleva a um território mais complexo e ambicioso. The Sleeping City é um álbum construído sobre contrastes, capaz de transitar do mais abrasivo ao mais delicado com surpreendente facilidade.
O disco soa como a trilha sonora de uma cidade distópica, com luzes de néon e sombras infinitas, uma paisagem onde a brutalidade coexiste com momentos de calma introspectiva. Isso não é coincidência: a influência da ficção científica e a intenção de gerar imagens cinematográficas permeiam cada música. Aliás, a própria banda comentou sobre isso no lançamento de seu primeiro single: “Ao compor 'The Sleeping City', queríamos explorar como seria a trilha sonora de um filme de ficção científica distópico, como Blade Runner ou O Exterminador do Futuro, se tivesse sido composta por uma banda de death metal”. Aqui, a exploração da psique humana e do sofrimento não aparece como um gesto melodramático, mas como uma busca genuína por atmosferas que traduzam essas emoções em som.
Musicalmente, o An Abstract Illusion continua a desafiar categorizações. O som da banda mescla texturas acústicas, estruturas complexas, atmosferas sintetizadas e metal extremo, resultando em uma fluidez surpreendente. Há guitarras, vocais guturais e agressivos, e bateria feroz que remetem ao black e death metal, mas também passagens acústicas, vocais limpos, camadas de sintetizadores e arranjos que se aproximam do ambient, do post-metal e do metal progressivo. O resultado não é uma colagem sem direção, mas uma obra coesa, sustentada por uma produção meticulosa na qual o próprio Karl Westerlund alcança um equilíbrio excepcional.
As colaborações com cordas e vocais adicionais são essenciais para essa expansão sonora. Em músicas como "Like a Geyser Ever Erupting" e "Frost Flower", elas contribuem com nuances que ampliam o espectro emocional: a primeira é fúria desenfreada, a segunda uma faixa devastadora e bela que provavelmente permanecerá como uma das músicas mais memoráveis do álbum. “Emmett”, por sua vez, com seus onze minutos de duração, exibe sem pudor influências que beiram a música sinfônica ou até mesmo o jazz, confirmando que a banda está aberta a experimentar além dos rótulos.
O aspecto visual é igualmente cativante: a capa de Alex Eckman-Lawn, inspirada nas capas de álbuns clássicos de black metal, reflete o universo musical, unindo tradição e vanguarda em um único gesto.
The Sleeping City é o álbum mais ambicioso e complexo do An Abstract Illusion até hoje. Uma narrativa sonora que mescla fúria e fragilidade em um único pulso. Um passo firme que reforça sua posição como um dos nomes mais originais e empolgantes do metal progressivo contemporâneo. Um dos melhores álbuns de 2025.
Então, no fim das contas, e independentemente do gênero, aqui está um álbum sublime para encerrar a semana em grande estilo. E com isso, nos despedimos até segunda-feira, quando nos encontraremos novamente aqui no blog.
Você pode ouvir aqui:
https://anabstractillusion.bandcamp.com/album/the-sleeping-city
Lista de faixas:
1. Blackmurmur
2. No Dreams Beyond Empty Horizons
3. Like a Geyser Ever Erupting
4. Frost Flower
5. Emmett
6. Silverfields
7. The Sleeping City
Formação:
- Christian Berglönn / Vocal principal
- Robert Stenvall / Teclados, Vocal
- Karl Westerlund / Guitarras, Baixo
- Isak Nilsson / Bateria, Vocal de apoio
Músicos:
Lukas Backeström / Vocal principal (faixas 1 e 4), Coral (faixas 2 e 3)
Jonathan Miranda-Figueroa / Violoncelo (faixas 3, 4 e 7)
Dawn Ye / Violino (faixas 3 e 7)
Flavia Fontana / Violino (faixa 4)
Elsa Svensson / Voz (faixa 6)
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