A natureza extremamente pessoal deste álbum fica evidente na introdução da música “Canopies”. O que começa como um prelúdio suave é, na verdade, um momento capturado durante uma viagem em família a Houston, onde Azniv Korkejian (também conhecida como Bedouine ) gravou discretamente uma conversa com sua mãe e, posteriormente, a incorporou aos compassos iniciais da canção. A faixa se torna um veículo para uma história que sua mãe carregou sozinha, sua infância passada em um orfanato, para onde foi colocada por sua própria mãe como forma de escapar de um pai abusivo. Ali perto, naqueles anos, sua mãe cantava para o ar como se enviasse uma mensagem à distância, sentindo a presença da filha na brisa. O verso que ela se lembra: “as ondas das praias de Beirute tremulam, e como elas sopram docemente o vento da minha querida…”.
…ar”, flutua na canção como um fio de saudade esticado através das gerações. O peso emocional da música aumenta lentamente, como uma flor que se volta para a luz. A canção se torna uma herança tácita de saudade, passada de mãe para filha, elaborada com a mesma ternura que permeia todo este incrível novo álbum, Neon Summer Skin .
O caminho de Korkejian para concluir este álbum foi um longo e sinuoso retorno aos primeiros cômodos de sua vida, aqueles que ela não percebia que carregava consigo em cada mudança, reinvenção e capítulo de seus vinte e trinta anos. Bedouine sempre escreveu a partir de um lugar de clareza emocional, mas desta vez a clareza veio do choque de reconhecer que a infância não termina de forma limpa e que seu brilho residual pode ser mais intenso quando você pensa que já a superou. Depois de visitar seus pais na Arábia Saudita, pressentindo que seria sua última visita antes que eles se aposentassem na Armênia, ela voltou para casa devastada por um sentimento inabalável. "Eu não estava pronta para deixar de ser filha de alguém", admite, e as canções começaram a se formar em torno dessa revelação: o maiô neon que ela usava constantemente, o silêncio acolhedor das tardes de verão, as cenas rituais da vida familiar nunca totalmente examinadas até que a distância as tornasse dolorosas. Pela primeira vez, ela se viu escrevendo em torno de um único tema, deixando que memórias específicas a guiassem em vez de simplificá-las em universais. Esse foco a levou de volta aos instrumentos de sua infância (o piano que praticava sob o olhar atento da mãe, o trompete que aprendeu a tocar no ensino fundamental), e ela seguiu seus timbres em direção a uma paleta mais rica e lúdica. Ela sobrepôs metais com válvulas, órgão, cordas e flauta em arranjos que cintilam com a cadência da bossa nova, inflexões de jazz e um toque de psicodelia, coproduzindo com Gus Seyffert e explorando novas formas com Jonathan Rado e Michael e Brian D'Addario, do Lemon Twigs. O resultado é um disco que lamenta o fim da inocência, ao mesmo tempo que soa renovado para o mundo, uma culminação sonora da vida vivida e daquela que ela ainda está aprendendo a abraçar.
Quando o álbum começa com "On My Own", a cena é quase cinematográfica em sua quietude: uma linha contemplativa de piano, uma pulsação suave de bateria, a sensação de alguém parado em um corredor familiar, ouvindo ecos que só essa pessoa consegue ouvir. Ela pensa nas conversas, nas brigas entre irmãos, nas pequenas tempestades domésticas que outrora definiam o que era pertencimento, e a canção se move como uma mão deslizando pelas paredes de uma casa de infância. No entanto, há uma elevação na melodia final da guitarra; uma linha errante e vibrante que soa como uma janela entreaberta para deixar entrar ar fresco. O som de alguém saindo da memória sem abandoná-la, deixando o passado brilhar atrás de si enquanto caminha para o que vier a seguir, que por acaso é "Long Way To Fall", um destaque indiscutível do álbum; uma canção lindamente deslizante e graciosa que evoca toda a melancolia e saudade que um ouvinte possa suportar, mas a envolve em floreios de piano inegáveis e linhas de guitarra sinuosas saídas diretamente do manual de George Harrison, de modo que o resultado é quase religioso em seu fervor. E um toque encantador no final (uma referência aos Beatles, talvez?) é uma conversa tipicamente liverpudliana antes de um acorde de piano de salão escolar dar início a "Always On Time". Mais elegância abunda nesta peça: cordas de câmara, passagens de flauta e, retornando às memórias que o piano me inspirou desde o início, um sino à moda antiga sinalizando o fim.
One Thing Right também apresenta a tranquilidade das flautas, sem a quietude, pois aqui temos uma batida soul constante dos anos setenta, solos de metais funky e um vocal principal que se encontra de frente com a autêntica e emotiva atitude sulista. E, finalmente, minha atenção retorna ao núcleo emocional do álbum, a faixa-título escolhida com precisão, que realmente atinge a essência com o arranjo mais despojado que se possa imaginar. Detesto me repetir em termos de comparações musicais, mas há um solo de metais melancólico aqui que é tão belo que não consigo deixar de pensar em uma certa banda de quatro integrantes de 1966 gravando For No One. E o violão, tão expressivo, deixa transparecer até mesmo as arestas mais ásperas, enquanto os dedilhados e as notas começam a parecer que vão desmoronar sob o peso do tema. Apenas um único verso parece carregado de pathos suficiente para capturar perfeitamente o conflito de sentimentos em jogo aqui, quando Bedouine canta: “todo mundo está mais velho agora”. O movimento irreversível do tempo, da memória, da passagem, da perda, da inocência e da esperança em uma nova vida podem ser encontrados e sentidos nesta canção comovente. No entanto, essa essência permeia todo este álbum impressionantemente atemporal, no qual Bedouine inegavelmente se encontrou em seu registro mais autêntico.
Sem comentários:
Enviar um comentário