1. Angsterfülltes Morgen 01:53 2. Desolation 05:10 3. Begräbnis Der Träume 04:31 4. Ein Ferner Gruß 03:34 5. Procession (Version) 04:38 6. Der Quell Des Lebens . Into Oblivion 09:39 7. Rapture 05:16 8. Under Her Stars (210) 02:51 9. Aus Dunklem Schlafe 02:43 10. Ressurection In Fire 09:43 11. Den Erloschenen 10:46
Álbum de estreia do projeto alemão Mondblut ( Kai Fritsche ). " Angsterfülltes Morgen " foi lançado em 1997 pela renomada gravadora de música industrial/noise Ant-Zen . As músicas foram gravadas entre 1991 e 1996.
Apresentando uma mistura singular de música clássica moderna, ambient sombrio, industrial e eletrônica, o álbum se baseia em atmosferas poéticas, misteriosas e ritualísticas, arranjos sutis e vocais nebulosos e quase falados. Após esse lançamento, o Mondblut entrou em um longo hiato, enquanto Kai Fritsche se dedicou a um projeto paralelo chamado Hadit (que lançou o álbum " Arise " pela Memento Mori em 2003).
antes de retornar para lançar o segundo (e último) álbum completo do Mondblut, " Scorn " , no final de 2003.
Polygon é um projeto de música eletrônica/ambient do engenheiro musical, artista digital e designer gráfico alemão Ingo Lindmeier .
Lindmeier ganhou reconhecimento inicialmente na década de 1990 como membro do grupo de dark-electro Mortal Constraint .
Mas ele criou o Polygon para se concentrar em paisagens sonoras eletrônicas altamente atmosféricas, minimalistas e cinematográficas. " Omnon " é o segundo álbum completo do Polygon e foi originalmente lançado pela Polymorph Records.
como uma edição de luxo, numerada à mão e limitada a apenas 500 cópias em 2 CDs.
A embalagem apresentava um formato único, um quadrado preto de papel cartão grosso (semelhante a uma capa de vinil de 7 polegadas).
com uma impressão semicircular, contendo dois discos distintos: " Blackeye " (Disco 1) e " Purpose " (Disco 2)
acompanhado de um livreto de arte translúcido. O álbum é uma paisagem conceitual de duas horas, concebida como uma jornada atmosférica por um planeta fictício chamado " Omnon ".
Consiste em 14 paisagens sonoras estruturais de longa duração, misturadas com ritmos eletrônicos híbridos e frios e samples vocais enigmáticos.
1. The Ebony Within 05:14 2. Desecration So Beautiful 06:31 3. In the August Break Of Dusk 09:55 4. The Infinite Ways Of Sadness 09:04 5. Dead Again 09:01 6. Fantasies In Flesh 09:42
Projeto norueguês de black metal sinfônico/melódico formado por volta de 1996.
Por Petter Tande Sem (ex-Thorns of Compassion, ex-Crystalline Dimensions).
O projeto lançou em 1997 a demo "Figments Of The Imagination".
Com Petter Tande Sem nos vocais, guitarras, baixo e teclados, e com a colaboração de Kjetil Bremer na bateria.
Um álbum completo intitulado "Fantasies In Flesh" estava planejado para lançamento em 1998-1999 pela Velvet Music International.
mas foi arquivado quando a gravadora faliu.
A faixa-título vazou na internet no início dos anos 2000, e o álbum completo acabou vazando posteriormente.
Hoje, falaremos sobre o Karmamoi, uma banda milanesa-romana ainda em plena atividade, com uma série de álbuns de altíssima qualidade em seu currículo. O grupo foi formado em 2008 por Daniele Giovannoni (bateria) e Serena Ciacci (vocal). Seu primeiro single foi lançado em 2009 e, enquanto compunham músicas para um futuro álbum, fizeram turnês pela Itália, tocando em diversos festivais e eventos. Seu primeiro álbum, produzido pela própria banda (assim como os que se seguiram), foi simplesmente intitulado "Karmamoi" e lançado em janeiro de 2011. O lançamento oficial aconteceu no "Rising Love", uma das casas de shows mais populares da cena musical romana. Após o lançamento do EP acústico "Entre Chien et Loup" em 2012, a banda entrou em estúdio para gravar um novo álbum conceitual, "Odd Trip", lançado em setembro de 2013. A formação do Karmamoi é completada por Alessandro Cefali (baixo), Fabio Tempesta (guitarras) e Alex Massa (guitarra).
A música é rock progressivo com muitas distorções típicas do gênero, a ponto de poder ser classificada como heavy prog. Sua característica distintiva é a presença de uma ou mais vocalistas femininas. A banda também utiliza experimentações eletrônicas no estilo do Radiohead, conferindo uma nova dimensão à sua música. Isso culminou em "Silence Between Sounds", seu terceiro álbum, lançado em 2016, que representa a maturidade artística da banda. Devido a uma série de mudanças na formação, o álbum levou mais de dois anos para ser produzido. Mas valeu a pena. Pela primeira vez, o Karmamoi envolveu outros músicos no processo criativo, introduzindo instrumentos como violoncelo, piano, flauta e clavinet. Isso proporciona um equilíbrio entre o som tradicional e o moderno do rock progressivo. "Silence Between Sounds" explora e busca compreender as razões por trás das falhas humanas. O produtor e engenheiro de som Mark Tucker (ex-Jethro Tull) foi parte fundamental do projeto, trabalhando em estreita colaboração com Daniele como co-produtor e engenheiro de mixagem.
Após o lançamento desta preciosidade, outros álbuns se seguiram. Em 2018, "The Day Is Done" foi lançado, gravado no Arc Abbey Studios (Reino Unido) e publicado pela Sonicbond. O álbum conceitual narra a história de dois irmãos que buscam uma vida melhor na Europa e acabam morrendo no incêndio da Grenfell Tower. Assim como no álbum anterior, a banda contou com Sara Rinaldi como vocalista. O Karmamoi também teve participações especiais de Colin Edwin, baixista do Porcupine Tree e do ORK, e Geoff Leigh, flautista e saxofonista (Steven Wilson, ex-Wise Heads, Henry Cow, entre outros). Mark Tucker, mais uma vez, foi o co-produtor e engenheiro de som do álbum. Aclamado pela crítica e pelos fãs de prog, "The Day Is Done" consolidou a banda como um nome reconhecido por seu som e composições únicas. O Karmamoi foi incluído pela Prog-Sphere em uma lista das 20 melhores bandas italianas de rock progressivo. Eles já se apresentaram no Rosfest (Flórida), DanFest (Reino Unido), Black Water Festival e Progressivamente Festival (Itália).
Após "The Day Is Done", seguirão os álbuns "Room 101" (2021) e "Strings from The Edge of Sound" (2021). Uma versão remixada deste último foi lançada este ano. Recomendo visitar o site da banda clicando aqui . Vale a pena. Infelizmente, esses álbuns são muito recentes para serem publicados aqui no blog. Se quiser, você pode ouvi-los no Bandcamp. E com isso, me despeço.
O trompetista Freddie Hubbard realmente se destacou nesta sessão para a Blue Note. Ele é acompanhado por um grupo estelar (o saxofonista tenor Wayne Shorter, o pianista McCoy Tyner, o baixista Art Davis e o baterista Elvin Jones, além de Bernard McKinney no eufônio), apresenta duas de suas melhores composições ("Birdlike" e "Crisis") e demonstra grande lirismo em sua balada "Weaver of Dreams". Todos os músicos que acompanham Hubbard estão à altura do seu talento, e esta memorável sessão é altamente recomendada; é um dos álbuns mais gratificantes do trompetista pela Blue Note.
Estilo: Hard Bop
Faixas: 01 Arietis 02 A Weaver of Dreams 03 Marie Antoinette 04 Birdlike 05 Crisis Formação: Freddie Hubbard - trompete / trompa McCoy Tyner - piano Art Davis - baixo Elvin Jones - bateria Bernard McKinney - eufônio / trompa Wayne Shorter - saxofone tenor
Após as explorações sinfônicas de Skies of America (1972), Ornette Coleman ficou fascinado pela música do Marrocos. Dancing in Your Head é o resultado caótico desse período experimental, que culminou na formação do Prime Time. "Theme From a Symphony" (Variation One and Two) é um turbilhão de 27 minutos misturado com funk. Esta foi a primeira oportunidade que os ouvintes tiveram de apreciar o ataque de duas guitarras de Charles Ellerbee e Bern Nix. Com sua melodia contagiante e dançante, Coleman fundiu esses estilos musicais de uma maneira única e imprevisível, nunca antes tentada. "Midnight Sunrise" é uma gravação de campo com Ornette tocando no Marrocos ao lado dos Mestres Músicos de Jajouka durante uma cerimônia religiosa. O crítico musical Robert Palmer, o primeiro a apresentar Ornette à música e à cultura do Marrocos, toca clarinete. Infelizmente, esta fascinante faixa tem apenas 4:36 de duração, com uma versão alternativa não presente no álbum original, aos 3:50, na qual Coleman e Palmer tocam em um frenesi absoluto. "Dancing In Your Head" consolidou a posição de Ornette Coleman como um inovador controverso.
Estilos: Avant-Garde Free Funk Free Jazz
Faixas: 01 - Theme From A Symphony [Variation One] (15:47) 02 - Theme From A Symphony [Variation Two] (11:10) 03 - Midnight Sunrise (4:45)
Formação: Ornette Coleman - saxofone alto Bern Nix - 1ª guitarra solo Charlie Ellerbee - 2ª guitarra solo Rudy McDaniel - baixo Shannon Jackson - bateria Robert Palmer - clarinete em "Midnight Sunrise" Músicos Mestres de Jajouka em "Midnight Sunrise"
Smidley, o projeto que leva o nome do cachorro de infância de Conor Murphy, está de volta com seu terceiro álbum, Murphy Horse . O projeto é uma mistura de gêneros e estilos, enfatizando sua criatividade e experimentação. Ele transita com maestria entre jazz, indie pop, música acústica, new wave dos anos 80 e muito mais, criando uma tensão que te prende ao disco, deixando você curioso para saber o que será revelado na próxima faixa. Veja a música de abertura, “Corpse Flower”. Ela tem muita textura e tensão. Justo quando você acha que entendeu sua direção, ela muda e se transforma. Começando com saxofone e elementos de jazz, uma sutil corrente subterrânea que permeia todo o álbum, ela se entrelaça em uma mistura nebulosa e atmosférica antes de se acomodar em um belo momento no teclado.
Por fim, quase todos os elementos, exceto a voz de Murphy, desaparecem antes que a música exploda em um crescendo intencional, envolvendo-o e o cercando até que ele grite: "Por você!". Então, de repente, termina. A canção se desenvolve como uma flor-cadáver, crescendo por anos em direção a um florescimento breve e estranho.
Logo após essa abertura jazzística e envolvente, vem "Capstone", uma virada completa para o indie pop mais tradicional. Lucy Dacus se junta a Murphy em uma canção escrita sobre o amor dele por sua esposa; os dois cantam sobre como amar alguém se tornou o ápice de sua vida. É doce sem ser excessivamente sentimental. O estilo indie-pop mais tradicional se torna o tema de grande parte do álbum que se segue.
A faixa-título é provavelmente o melhor exemplo de uma vibe dance-pop. Na primeira ouvida, “Murphy Horse” me lembrou um pouco uma música do ROLE MODEL, só que “Murphy Horse” é realmente agradável de ouvir. Mais importante ainda, a música dele tem substância, enquanto o ROLE MODEL cria lixo de fast-food, Murphy te nutre. Primeiro, a letra faz sentido, e ao contrastar ainda mais o medo existencial com uma melodia indie-pop divertida, cantando casualmente: “Murphy, você poderia ser um cavalo na próxima vida, não seria legal?”
"Love In Every Direction" segue e utiliza o mesmo modelo para cantar sobre profundas feridas emocionais, tudo isso com um brilho quase new wave dos anos 80 para tentar te convencer do contrário. Ao longo da música, Murphy alterna entre falsetes angelicais e gritos desesperados e prolongados, destacando a turbulência interna. A música "Friendly's" não é diferente. Contém um saxofone jazzístico contagiante e guitarras funky, com profundas e abrangentes reflexões emocionais.
"Robin Egg" fica um pouco mais estranha. Os vocais de Murphy às vezes soam como se estivessem sendo gritados à distância, antes de repentinamente darem lugar a melodias doces e suaves que parecem caprichosas e quase celestiais. No final, alguém uiva como um cachorro ou um lobo. É um pouco experimental, mas todas as peças se encaixam formando uma canção notavelmente rica e calorosa.
Então, “Nearer to You” praticamente despoja tudo. Ao som de um violão, Murphy canta: “Você beija minha bochecha só uma última vez / Temo que o fim tenha chegado”. É provavelmente o momento mais explicitamente emo do disco. Cru, íntimo e preso ao temor de algo que está chegando ao fim. Depois de um álbum que dedica tanto tempo a adornar a tristeza com melodias vibrantes e instrumentação inusitada, ouvir Murphy confrontá-la tão diretamente nos deixa emocionalmente imersos .
Isso faz de “Old Things Never Die” uma maneira tão divertida de encerrar o álbum. É uma música alta e intensa, com Murphy entrando de repente. É o maior destaque de Foxing em todo o disco e realmente evidencia a versatilidade dele como artista.
Murphy Horse é realmente emoldurado por esses momentos mais estranhos e dramáticos, enquanto grande parte de sua essência explora um som indie-pop mais "tradicional". Mesmo assim, essas não são canções feitas para tocar anonimamente no rádio. Saxofones surgem do nada, jazz e funk se infiltram nos arranjos, os vocais saltam de falsetes a gritos, e as músicas frequentemente se aventuram por caminhos inesperados antes de encontrarem o ponto de partida. Murphy Horse oferece a Conor Murphy estrutura suficiente para compor canções genuinamente cativantes sem perder a experimentação que o torna tão agradável de se ouvir.
Para uma banda que esteve junta por apenas cinco anos, The Smiths deixou uma marca cultural considerável. Parece que Johnny Marr passou os quase 40 anos desde a separação da banda se dedicando a tudo – seja participando do Modest Mouse ou do The Cribs, gravando com o também lendário músico de Manchester, Bernard Sumner, no Electronic, e até mesmo aparecendo no programa de painel Would I Lie to You ?. No entanto, quando se trata do material solo de Marr, sempre parece faltar algo. The Age of Everything é seu quinto álbum solo, e o próprio artista o considera o primeiro com o qual se sente completamente à vontade. Definitivamente, contém alguns de seus melhores trabalhos solo até hoje e, embora não haja grandes surpresas, é um álbum muito sólido no geral.
Como era de se esperar, dado que este é um dos melhores guitarristas de sua geração, o álbum está repleto de solos de guitarra impressionantes. A faixa de abertura, "Spin", é gloriosamente brilhante, com riffs que elevam a música a outro patamar. Inevitavelmente, surgem algumas comparações com The Smiths – o acorde inicial soa como se estivesse prestes a iniciar "Panic", e mais adiante no álbum, "In And Out Of Love" apresenta uma vaga semelhança com "Never Had No One Ever".
O que mais impressiona em The Age Of Everything, no entanto, é o aprimoramento das habilidades de composição de Marr. Beyond The Rain é um hino grandioso e cativante, com um refrão poderoso, e Ophelia tem uma atitude que estava faltando em grande parte da carreira solo de Marr. A voz de Marr pode não ser a mais marcante, mas é forte e clara, e se encaixa perfeitamente nessas músicas.
"That Feeling" também impressiona, repleta de guitarras atmosféricas com reverb que praticamente desfilam, enquanto "Fire With Fire" mal para para respirar – embora a voz de Marr nessa faixa soe um pouco como se ele estivesse imitando Morrissey, musicalmente é um dos melhores momentos do álbum.
A única ressalva é que, às vezes, o álbum parece um pouco monótono. Não há firulas – e, sem dúvida, não há necessidade delas, com Marr em ótima forma e a seção rítmica de Iwan Gronow e Jack Mitchell dando o tom perfeito. No entanto, depois de um tempo, pode se tornar um pouco previsível na segunda metade, em faixas como "Just Once More", enquanto uma música como "How Come" soa um tanto genérica.
Encerrando com "All In A Life" (aparentemente escrita enquanto Marr estava sentado na linha Bakerloo do metrô por horas, testemunhando de perto a correria do dia a dia), uma faixa épica com mais de cinco minutos de duração e repleta de efeitos de guitarra com eco, " The Age Of Everything" é um álbum que mostra que Johnny Marr não precisa viver à altura do seu passado. Embora este não seja um álbum que vá mudar a vida de ninguém, é provavelmente o melhor trabalho solo de Marr até hoje e, para os fãs de longa data, será mais do que satisfatório
Como se sabe, em vida, Mark E. Smith nunca seguiu as regras, e o mesmo parece continuar em sua vida após a morte. Compilado por Ed Blaney e Simon “Ding” Archer, confidentes de Smith, o álbum pega nove trechos vocais e líricos descartados do icônico vocalista e os reinventa em novas paisagens sonoras — um processo que, de alguma forma, parece totalmente condizente com Smith, que talvez até preferisse esse método, evitando o trabalho árduo e desgastante de manter uma banda unida. E não se trata apenas de dois amadores improvisando. As faixas de apoio são excelentes: blocos metálicos e estridentes de ruído industrial que se sustentam por si só, muito além de qualquer mera formalidade relacionada ao The Fall. E, na verdade, se é ou não uma mera distração.
O que você obtém, em vez disso, é um projeto híbrido criado por duas figuras-chave da órbita do The Fall em sua fase final. Blaney era um confidente próximo e companheiro de copo de Smith, enquanto também produzia discos em seu próprio nome e com seus próprios projetos. Ele se uniu a Simon “Ding” Archer, ex-baixista do The Fall, colaborador de longa data em estúdio e engenheiro de som, cujo currículo também inclui PJ Harvey e Pixies. O trabalho de Archer no estúdio 6DB tornou-se profundamente entrelaçado com a fase final do The Fall, tanto como músico quanto como produtor.
Juntos, eles criam os cenários musicais que entrelaçam os vocais de Smith, vindos do além-túmulo — juntamente com três vocais de Blaney e alguns de Ding — em trilhas sonoras pesadas, cativantes e de energia sombria.
É algo emocionante e visceral. A habilidade de Archer em estúdio, aliada à sua técnica de baixo precisa e mecânica, aprimorada em suas passagens por bandas como The Fall, PJ Harvey e Pixies, confere a tudo uma fisicalidade perigosa. O resultado parece menos um exercício de arqueologia e mais uma tentativa de libertar as palavras de Smith dentro de uma máquina diferente.
É aí que o disco fica interessante. Em vez de tentar recriar uma versão de museu do The Fall, ele entende que a voz, o ritmo e a linguagem de Smith sempre foram estranhos o suficiente para sobreviver ao transplante. Inserida nesse ambiente mais áspero e metálico, a letra se transforma em algo mais: familiar, deslocada e estranhamente viva.
A questão da autenticidade começa a parecer irrelevante. O que importa é se funciona. E, muitas vezes, funciona. Isto não é The Fall. É algo completamente diferente — uma fênix ressurgida das cinzas, uma criatura nova e estranha, e, em última análise, um epitáfio apropriado para Smith e essas gravações vocais perdidas
A ideia de que um álbum pudesse ser produzido em partes, em diferentes países, via internet, seria inconcebível há quarenta anos. Tal tecnologia pareceria estranha; mais estranha ainda seria a ideia de que o método tradicional – ou seja, gravar uma série de músicas em um único local durante um período determinado – é muito menos viável hoje em dia. As exigências logísticas da prática criativa em 2026 tornam a abordagem em partes uma solução necessária para muitos artistas. Estúdios e espaços para ensaio são caros para alugar. É difícil organizar um grupo de pessoas ocupadas (que podem não ter a música como profissão em tempo integral) em um mesmo local para gravar. O excelente novo álbum do Vanishing Twin , Archives , foi criado em um chamado “estúdio virtual”...
…e carrega as marcas desse método, mas isso não é nada ruim. Repleto de instrumentos caseiros, samples recortados e músicas que exibem muitas impressões digitais acumuladas ao longo de meses e anos, Archives é um álbum completamente moderno.
Brian Eno disse certa vez: “Tudo o que você achar estranho, feio, desconfortável e desagradável em um novo meio, certamente se tornará sua marca registrada”. Embora Eno estivesse se referindo às diversas qualidades sonoras do CD, do vinil e da fita, o mesmo poderia ser dito do processo de criação deste álbum. O ponto crucial é que o Vanishing Twin não tentou esconder o fato de que essas músicas foram criadas, como consta nas notas do encarte, por pessoas separadas por centenas de quilômetros, em estúdios caseiros na zona rural da França e em um barco em Londres. As músicas são caracterizadas por seções distintas, camadas de samples e diferentes níveis de fidelidade – ou seja, elementos que normalmente não são um problema quando um álbum é composto e gravado em um mesmo ambiente. Talvez, quando Cathy Lucas, Valentina Magaletti e Susumu Mukai começaram a fazer este disco, houvesse aspectos que fossem “estranhos, feios, desconfortáveis”. Não deve ter sido fácil fazer música dessa maneira, mas a necessidade é a mãe da invenção. Há um caráter doméstico e íntimo em Archives , desde gravações com microfones próximos até a reverberação característica da sala, que parecem ancorar os vocais em 'Life By The Hand' e a bateria em 'Sugar Stone' em um lugar específico.
O Vanishing Twin usava uma abordagem ao estilo de "O Navio de Teseu" para compor músicas. (O termo "compor" parece inadequado aqui. Talvez "montar" seja melhor, ou até mesmo "cultivar"). Improvisação, overdubs e fragmentos musicais colados uns aos outros fizeram com que as músicas se transformassem e evoluíssem. Elas ganharam novas formas, algumas eventualmente abandonando sua estrutura básica. Isso é evocado pela mistura maluca de estilos. Veja "Hazama", que começa com instrumentos de brinquedo que parecem tocar "plinky-plonky" antes de se entregar a um dub anestesiado tocado em (o que soa como) latas de metal. Se você quer uma sinopse rápida para " Archives" , é como se o Autechre da era Chiastic Slide reimaginasse a trilha sonora de "O Homem de Palha ". Cada membro retrabalhava samples, "editava sessões de estúdio" ou até trocava de instrumentos – embora a ideia de Valentina Magaletti não tocar bateria seja como Zinedine Zidane passar um jogo no gol. Isso significa que esses sons passaram por um processo de maturação e fermentação. Talvez o efeito de glitch na percussão em 'Familiar Fruit' seja bastante simples – talvez seja apenas um filtro digital simples – mas soa como se tivesse sido submetido a estágios de alteração física, com cada versão subsequente carregando as impressões acumuladas de diferentes mãos.
Tal é a dissolução de papéis e técnicas tradicionais de composição dentro da banda que os vocais de Cathy Lucas tendem a pairar sobre a música, em vez de serem o foco inicial. Raramente se fixam, de alguma forma posicionando-se em ângulos retos em relação à música. Em "So Calm (Case Study No 8)", o feedback turbulento da guitarra e os instrumentos de sopro dividem o primeiro plano com o canto. É uma rara e democrática habilidade de composição que permite aos vocais apenas a mesma proeminência que a instrumentação. Isso não quer dizer que o canto de Lucas seja como um karaokê, como se as palavras tivessem sido criadas isoladamente (o que pode ser um problema quando se trabalha da maneira como o Vanishing Twin trabalha neste disco). No entanto, a voz de Lucas é intercambiável com outros elementos da mesma forma que, por exemplo, qualquer um dos sintetizadores lo-fi ou instrumentos de percussão idiossincráticos, e não é uma constante; há muitas músicas com longas introduções instrumentais, interlúdios e finais.
Essa sensação menos fluida tornou o Vanishing Twin uma proposta mais interessante. O Vanishing Twin – na época um quinteto – surgiu em 2015 com excelentes credenciais de psych-pop. Eles soavam como Stereolab, Sun Ra e a faixa mais pesada da sua coletânea de música eletrônica favorita. Para completar, eles contavam até com um ex-membro do Broadcast em suas fileiras. Mas será que faltava um pouco de ousadia? Parecia um pouco fluido demais, pelo menos no começo. Talvez eles tenham venerado Laetitia Sadier com fervor excessivo. O Vanishing Twin já gravou algo assim antes – Choose Your Own Adventure contou com eletrônicos caseiros, enquanto The Age of Immunology apresentou material gravado com um iPhone – mas Archives é mais descaradamente cru. Este som é único.
Durante a cerimônia de entrada do OutKast para o Hall da Fama do Rock and Roll, André 3000 citou uma frase de Jack White sobre como “grandes coisas começam em pequenos cômodos”. Existem milhares de álbuns clássicos feitos por grupos de pessoas que compunham, ensaiavam e gravavam músicas juntos em pequenos cômodos, onde podiam ver o branco dos olhos de seus companheiros de banda, mas os tempos mudaram. Agora você pode ver um cursor piscando ou um link do WeTransfer. O que Archives demonstra é que os colaboradores ainda podem entrar em um estado de fluxo criativo, seja em um barco, um estúdio caseiro ou um espaço de estúdio virtual. A música encontra um caminho. O resultado é diferente, mas não menos especial
