Revisão do álbum de Papir - '7' (2022)

 Papir - '7'

(14 de janeiro de 2022, Stickman Records)

Tudo novo da sede do grupo dinamarquês PAPIRÉ uma boa notícia, então... Boa sorte, temos à nossa disposição o novo trabalho do estúdio PAPIR! O álbum em questão leva o título muito esparso de “7”, algo comum na história atual do trio formado por Nicklas Sørensen [guitarras], Christian Becher Clausen [baixo] e Christoffer Brøchmann Christensen [bateria]; o disco em questão foi publicado no dia 14 de janeiro passado. Apesar do título, este é na verdade o oitavo álbum de estúdio da banda. O álbum que agora analisamos foi editado em CD e vinil pelo selo alemão Stickman Records, algo também comum no modus vivendi do PAPIR. Em linhas gerais, este álbum aprofunda generosamente o fator pós-rock que o grupo vem explorando dentro de sua proposta histórica de amálgama space-rock, stoner e progressivo psicodélico tenor krautrock centrado na guitarra, por isso podemos dizer que este novo trabalho é o mais suave dentro de seu extenso catálogo iniciado em 2010, dois anos após sua fundação na cidade de Gladsaxe; assistimos a um momento de renovação dentro da estratégia criativa da banda. Bem, vejamos agora os detalhes do repertório contido em “7”.

Continuando com a tradição de seus álbuns intitulados com números (que são a maioria), o pessoal do PAPIR inicia o álbum com a peça intitulada '7.1', desta vez dividindo-a em três partes ao longo de seus quase 20 minutos de duração. Tudo começa com vibrações parcimoniosas que permitem que o fraseado gracioso e flutuante da guitarra preencha os espaços. A partir daqui, o conjunto cria momentos alternados de crescendo e autoconstrição que nos remetem aos paradigmas MONO e MOGWAI. Pouco depois do sexto minuto e meio, a bateria monta um balanço um tanto tribal que abre o campo para a exibição de um brilho sonoro convincente, embora ainda contido. Os efeitos de fundo cósmicos ajudam a melhorar essa ligeira mudança sônica, e até servem de impulso latente para uma nova exibição de atmosferas majestosas marcadas por um cenário cinematográfico envolvente, que acaba por tomar conta do esquema musical antes de ultrapassar a barreira do décimo minuto. Nos últimos quatro minutos e meio desenvolve-se um motivo marcado por uma imponente candura sonhadora, o mesmo que se enquadra numa graciosa engenharia persistentemente motivada pelo standard post-rock. Já faz um tempo que o pessoal do PAPIR está flertando com o chefe do GODSPEED YOU! BLACK IMPEROR e o faz com uma facilidade convincente, reforçada pelo fechamento calmo e majestoso da suíte de abertura do álbum. '7.2' entra em cena para acelerar um pouco as coisas, criando um exercício reflexivo de rock espacial em um esquema rítmico razoavelmente sofisticado. As pessoas do PAPIR estabelecem confluências com AUTOMATISMO e RED KITE. Este segundo tema herda parte do brilho da suíte e a remodela através de uma aura de aconchego elegante. Quando chega a vez do '7.3', o conjunto volta ao campo do cósmico e do onírico que marcou enfaticamente as duas últimas seções da suíte. É neste momento que nos ocorre que o presente álbum é, talvez, uma contrapartida ao seu trabalho anterior, “Jams”, que era mais consistentemente musculoso através da sua paleta sonora. '7.3' exibe um minimalismo amigável e acolhedor à maneira de um crepúsculo que traz um manto de escuridão para abrigarmos nosso refúgio. Quando chega a vez do '7.3', o conjunto volta ao campo do cósmico e do onírico que marcou enfaticamente as duas últimas seções da suíte. É neste momento que nos ocorre que o presente álbum é, talvez, uma contrapartida ao seu trabalho anterior, “Jams”, que era mais consistentemente musculoso através da sua paleta sonora. '7.3' exibe um minimalismo amigável e acolhedor à maneira de um crepúsculo que traz um manto de escuridão para abrigarmos nosso refúgio. Quando chega a vez do '7.3', o conjunto volta ao campo do cósmico e do onírico que marcou enfaticamente as duas últimas seções da suíte. É neste momento que nos ocorre que o presente álbum é, talvez, uma contrapartida ao seu trabalho anterior, “Jams”, que era mais consistentemente musculoso através da sua paleta sonora. '7.3' exibe um minimalismo amigável e acolhedor à maneira de um crepúsculo que traz um manto de escuridão para abrigarmos nosso refúgio.

'7.4' fecha o repertório com um novo toque às vibrações crepusculares da peça anterior, mas desta vez há palpitações mais severas no delicado equilíbrio criado pelos instrumentos de atuação, que se reúnem em torno de uma aura misteriosa que impõe um obscurantismo etéreo. Essa obstinação tem um certo parentesco com o paradigma histórico do maconheiro, mas de forma bastante sutil. No final das contas, “7” deve ser valorizado como um planejamento sistemático para a criação de texturas e tons variados de dominância acinzentada dentro da essência prog-psicodélica da banda. É um álbum muito interessante por si só e seu impacto futuro terá que ser ponderado contra a chegada de álbuns subsequentes do grupo. Sem igualar nossos álbuns favoritos do PAPIR (de “IIII” a “VI”, totalmente majestosos), Este novo álbum trazido a nós pelo já mencionado trio dinamarquês mereceu um balanço geral positivo. Afinal, esse grupo é veterano e ainda mantém grandes doses de criatividade e bom trabalho; Somos gratos pelos novos ventos sônicos que a abertura deste sétimo selo dos PAPIRs nos traz.

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- Amostras de '7':

A descoberta de Carly Simon para o estrelato: 'Você é tão vaidoso'

Este anúncio do álbum apareceu na edição de 16 de dezembro de 1972 da Record World

Foi um sucesso número 1 e impulsionou seu álbum, No Secrets , ao topo da parada de álbuns. E para Carly Simon , aparentemente aconteceu tão rápido.

Seus dois primeiros álbuns da Elektra Records, ambos de 1971, chegaram ao 30º lugar na parada de vendas. Carly Simon incluiu o hit #10 “É assim que eu sempre ouvi que deveria ser”; o título cortado do LP seguinte,  Antecipação , foi um single #13.

Com um par de sucessos em seu currículo, a cantora gravou  No Secrets  em Londres. Apenas algumas semanas depois de se casar com James Taylor em 3 de novembro de 1972, o álbum (com sua icônica foto de capa) foi lançado em 28 de novembro, com uma série de músicos de rock clássico convidados: Bonnie Bramlett, Nicky Hopkins, Jim Keltner, Bill Payne, entre eles. Jim Gordon, Klaus Voormann e um Mick Jagger não creditado (nos vocais de apoio) se apresentaram em "You're So Vain". Esse é Voormann no baixo na introdução logo antes de Simon murmurar “Sonofagun…”

O single, lançado em 8 de novembro, inclui a conhecida letra “Você provavelmente pensa que esta música é sobre você” e por décadas os fãs devotaram sobre quem Simon estava cantando. Anos depois, ela resolveu o mistério e revelou que era Warren Beatty. O sucesso do single – atingiu o primeiro lugar nos EUA em 6 de janeiro de 1973, onde permaneceu por três semanas – assim como seu sucessor, “The Right Thing To Do”, estabeleceu Simon como um verdadeiro superstar.

[Simon, nascida em 25 de junho de 1945, relatou em sua  página do Facebook que ela caiu e quebrou o quadril em 19 de junho de 2018. “De repente”, ela escreveu, “eu tenho um novo amigo: uma bola de titânio que estou vai ligar, seu filho da puta.”]

Simon em 2015 (Foto: Heidi Wild via AXS TV; usado com permissão)

Agora os fãs podem ouvi-la tocar um verso inédito de seu grande sucesso de 1972-73, “You're So Vain”.

Uma série de TV chamada Classic Albums dedicou um episódio a  No Secrets , destacado por uma extensa olhada em “You're So Vain” de Simon e do produtor Richard Perry, enquanto os dois compartilham anedotas sobre a rigorosa sessão de gravação, os backing vocals de Mick Jagger e a revelação divertida de que o tema da música adorava saber que ele era a inspiração por trás do sucesso duradouro.

O programa foi encabeçado por Simon cantando um verso descartado que ela escreveu para a música pela primeira vez. No Secrets permaneceu no topo da parada de vendas do Record World por seis semanas.

Ouça o verso inédito de "You're So Vain"

Simon passou a ter outros três singles no Top 10 dos EUA: o dueto de 1974 com James Taylor em "Mockingbird" (#5), "Nobody Does it Better" de 1977 (a música tema de  The Spy Who Loved Me ) e "You Belong to" de 1978. Eu."

Simon publicou seu livro de memórias,  Boys in the Trees , em 2015. Depois de anos sendo elegível, ela finalmente foi introduzida na classe de 2022 do Rock and Roll Hall of Fame. 

'Devil With a Blue Dress On': a melhor música de festa

 

Se você está participando de uma festa e as coisas começam a ficar um pouco monótonas porque o Mister DJ está ficando muito auto-indulgente com suas mixagens master, aqui está uma sugestão infalível para começar a festa. Faça com que ele toque o medley de sucesso de Mitch Ryder & the Detroit Wheels, “Devil With a Blue Dress On” / “Good Golly, Miss Molly”. Aqueles presentes que têm pulso, rapidamente se levantam e começam a dançar.

Embora a gravação de 1966 de Ryder tenha sido um sucesso, na verdade era um cover. A música foi gravada pela primeira vez dois anos antes pelo cantor de soul “Shorty” Long, que a co-escreveu com o produtor da Motown “Mickey” Stevenson (o último dos quais também co-escreveu clássicos como “Dancing in the Street” e “It Leva Dois”).

A gravação de Long para o selo Soul da Motown, com um arranjo significativamente diferente, falhou nas paradas.

Alguns anos depois, o multi-instrumentista teve seu sucesso pop solitário com uma música inédita, “Here Comes the Judge”, de 1968, baseada na popularidade do sketch na série de comédia de TV Rowan & Martin's Laugh In . A gravação de Long [nome real: Frederick Long] alcançou o 8º lugar na parada pop. Um ano depois, ele foi vítima de afogamento com apenas 29 anos, quando um barco em que estava caiu no rio Detroit, em Michigan.

Quando adolescente em Michigan, Ryder (nascido William Levise Jr., em 26 de fevereiro de 1945) começou a se apresentar com um grupo de soul chamado The Peps. Em 1964, ele formou uma banda chamada Billy Lee & the Rivieras e eles começaram a desenvolver seguidores em Detroit. Um DJ local reconheceu que eles eram promissores e deu sua demo ao produtor e compositor do Four Seasons, Bob Crewe, que ficou impressionado.

Mitch Ryder em 2017

Enquanto estava em Nova York para gravar, Billy Lee / William Levise foi inspirado a mudar seu nome artístico para Mitch Ryder quando o viu em uma lista telefônica de Manhattan, e a banda se tornou o Detroit Wheels para homenagear o Motor City.

Dentro de um ano, o grupo estava a caminho com dois singles de sucesso, incluindo o top 10 “Jenny Take a Ride”.

Em 1966, com a produção de Crewe, eles gravaram o medley “Devil With a Blue Dress On” / “Good Golly, Miss Molly”, este último um arranjo espirituoso do clássico de Little Richard. Os gritos e apartes entusiasmados de Ryder, e sua enunciação no primeiro verso são algo para se ver.

Fee, fee, fi, fi, fo-fo, fum
Olhe para Molly agora, lá vem ela
Usando seu chapéu de peruca e óculos escuros para combinar
Seus sapatos de salto alto e um chapéu
de crocodilo Usando suas pérolas e um anel de diamantes
Tem pulseiras em seu dedo, agora, e tudo

Crewe fez com que Ryder apimentasse o refrão com um perfeito “Lord, tenha misericórdia”. A jovem cantora tinha apenas 21 anos quando o single foi lançado em setembro pelo selo New Voice. Quando o single alcançou a posição #4 no Hot 100 em 3 de dezembro, foi bloqueado no topo pelos colegas de Detroit, os Supremes.

Uma década depois, as músicas se tornaram parte integrante do set ao vivo de Bruce Springsteen e da E Street Band, como parte de um extenso “Detroit Medley”.

Assista ao vídeo oficial ao vivo de 1978

Quanto a Ryder, em 2017 ele foi introduzido no Rhythm and Blues Hall of Fame. Na época, ele disse: “Olhei para os nomes de alguns dos que vieram antes de mim e isso se tornou uma celebração de alegria para mim. Quero dizer, Aretha Franklin, David Ruffin, Marvin Gaye, Otis Redding, Jackie Wilson, Sam Cooke e tantas outras vozes que me trouxeram grande prazer ao longo da minha vida e carreira. Ainda está me emocionando e tenho medo de acordar do sonho!”

'American Girl' de Tom Petty: vá com calma, baby

A capa da capa da foto do single

Foi o segundo single da estréia auto-intitulada de Tom Petty and the Heartbreakers em 1976. Quando "American Girl" foi lançado em 4 de fevereiro de 1977 pela Shelter Records, mal recebeu qualquer aviso dos 40 melhores programadores de rádio e não conseguiu entrar nas paradas nesse formato.

Ao longo dos anos, à medida que o público da música de Petty aumentou exponencialmente, a apreciação por “American Girl”, com seu agora familiar riff de guitarra, cortesia de Petty e Mike Campbell da banda, tornou-se enorme e há muito tempo é uma favorita do rock clássico. De todas as grandes músicas do cânone Petty, décadas depois, “American Girl” pode ser vista como uma música perfeita.

O protagonista da música não tem nome, simplesmente referido várias vezes como “ela”. No segundo verso, Petty escreve:

Estava meio frio naquela noite
Ela ficou sozinha na varanda
Ela podia ouvir os carros passando Lá
fora na 441
Como ondas quebrando na praia

Assista Tom Petty and the Heartbreakers tocar a música no  The Midnight Special em 1978

“441” refere-se a uma parte da US Route 441 que passa por Gainesville, Flórida, cidade natal de Petty. Em 30 de outubro de 2017, menos de quatro semanas após a morte de Petty, o senador do estado da Flórida Keith Perry apresentou um projeto de lei para que uma parte da US 441 - conhecida localmente como NW 13th Street - fosse renomeada para Tom Petty Memorial Highway em homenagem ao filho nativo da cidade . Enquanto o coração de Perry estava no lugar certo, parece que ele não fez sua pesquisa. A estrada já tem um nome em homenagem ao Dr. Martin Luther King Jr., designação concedida em 1998.

A reação foi rápida e Perry esperava alterar seu projeto original para renomear uma seção da Southwest 34th Street que apresenta um agora proeminente memorial Petty que os fãs pintaram em uma parede com vista para um trecho daquela estrada.

A afiliada local da ABC TV, WCJB, informou em 23 de fevereiro de 2018, que o projeto havia sido suspenso. A estação observou: “enquanto esperamos para descobrir se 'Tom Petty Memorial Highway' se tornará realidade em algum momento, Perry ainda está aberto a ideias sobre maneiras de tornar esse tributo maior e melhor”.

Os departamentos de Parques, Recreação e Assuntos Culturais de Gainesville organizaram uma pesquisa para que os moradores votassem em formas alternativas de homenagear o filho nativo da cidade. Em 21 de abril de 2018, as principais escolhas do público foram um concerto anual, estátua ou parque.

Finalmente, em agosto de 2019, o Conselho de Marcadores Históricos da Flórida anunciou que um marcador de dois lados seria erguido no bairro “Duckpond”, onde Petty cresceu.

A filha de Petty, AnnaKim, posa na placa no Tom Petty Park na cerimônia de 2018

A cidade de Gainesville celebrou seu filho nativo com uma festa de aniversário em outubro de 2018, com uma variedade de artistas que incluíam Tom Leadon, que tocou com Petty em sua banda inicial, Mudcrutch, bem como na edição reformada. (O evento foi repetido um ano depois.)

“Sou realmente abençoado por ser adolescente quando Gainesville estava cheio de músicos talentosos”, disse Leadon ao Gainesville Sun. “Don Felder me ensinou minhas primeiras escalas solo. Ele e meu irmão Bernie me ensinaram a tocar guitarra. Tom Petty foi o amigo mais próximo que já tive. Ele era um irmão para mim.”

Os fãs analisaram a música e tentaram conectar as letras “se ela tivesse que morrer” e “um momento desesperado” com a garota na varanda. Ao longo dos anos, a vizinha Universidade da Flórida teve uma série de suicídios. Petty negou repetidamente qualquer conexão.

Este anúncio do álbum apareceu 15 meses após seu lançamento em 1976

A letra da música inclui as letras obscenas:

Vá com calma baby
Faça durar a noite toda

Embora "American Girl" não tenha conseguido se conectar com os 40 melhores programadores de rádio, Petty acabaria ganhando 11 canções pop dos 20 melhores dos EUA. (Don't Do Me Like That, de 1979, foi o primeiro, alcançando o 10º lugar; “You Don't Know How it Feels”, de 1994, foi o último, no 13º lugar. que alcançou o Top 10 do formato.)

Demorou um pouco, mas o álbum de estreia dos Heartbreakers, lançado em 9 de novembro de 1976, acabou alcançando o 55º lugar na parada da Billboard em 1978 e, finalmente, foi certificado Ouro.

Não surpreendentemente, Petty and the Heartbreakers escolheu tocar “American Girl” em sua indução ao Rock and Roll Hall of Fame de 2002.

Calma, querida...

Feist na Dança do Som

 

Ela vem lá da outra terra. Do outro mundo. Mas daquele mais lá para cima. Aquela terra onde a criminalidade não faz parte do pão nosso e onde toda a gente é bilingue quer queira quer não. E com ela trouxe uma guitarra de seis cordas, umas pernas esguias, uma franja longuíssima e uma voz tão doce e extasiante que leva até o mais durão a um sentimento de pura locomoção. Já lançou quatro álbuns, sendo que o último, ainda que não seja feito dessa matéria, traz no nome todo um poderosíssimo magnetismo envolvente. Feist é o seu nome.

 Leslie Feist pode bem dizer que já viveu bem a vida e que a mesma lhe sorriu constantemente. Começou a sua carreira, nada mais nada menos do que a pertencer a uma banda chamada – admire-se! – Placebo. Garantimos que a mesma nada tinha a ver com a presentemente reconhecida banda de Brian Molko, ainda que isso lhe suscite alguma dúvida.

Corria o ano de 1999, quando a menina do Canadá, pegou na guitarra e assumiu a liderança num grupo musical chamado By Divine Right. Como se isso não bastasse, ainda teve a sorte de dividir apartamento com Peaches que – já naquela altura saudavelmente tresloucada cantora electro-punk – a convida para um excêntrico concerto ao vivo, a apresenta ao produtor Gonzales e a ajuda a dar um pulinho até pertencer à banda Broken Social Scene.

Gonzales e Feist começam a trabalhar juntos em originais e em covers de Bee Gees ou mesmo Ron Sexsmith. Os primeiros originais levaram a “Let It Die”, lançado pela primeira vez em 2004, que só ganha bom nome graças ao single “Mushaboom”. O álbum não foi nenhum “blockbuster” da música, mas foi vendendo bem ao longo do seu crescimento. “The Reminder”, esse álbum de chumbo que, em 2007 se tornou um hit graças a “1234” e ao seu colorido vídeo.

2008 foi o ano guerreiro de Feist já que foi nomeada para quatro Grammy e ganhou cinco prémios Juno.

Clara de Asís & Ryoko Akama – sisbiosis (2022)

 

Uma das especialidades do selo Erstwhile é encomendar encontros entre produtores de som singulares. Alguns, como seus esplêndidos lançamentos dos já conhecidos John Tilbury e Keith Rowe ou Burkhard Stangl e Christof Kurzmann, provaram-se tão seguramente compatíveis que seria de se perguntar por que ninguém o fez antes. Os resultados de outros, como Rowe e Graham Lambkin ou Jérôme Noetinger e Will Guthrie, foram mais difíceis de prever, mas a falta de obviedade de cada dupla valeu a pena.
Esta gravação de Clara de Asís , uma compositora e multi-instrumentista espanhola e radicada na França, e Ryoko Akama, uma artista de som e instalação nascida no Japão, radicada em inglês, se enquadra nesta última categoria. A discografia de cada mulher é um feito…

MUSICA&SOM

…de diversificação contínua. E o conhecimento de suas apresentações ao vivo pode apenas destacar suas diferenças.

…Acontece que apenas partes do álbum envolvem ação conjunta. Três das seis faixas foram feitas a partir de sons gravados pela dupla, e depois montados e mixados por Akama. De Asís montou mais um desse acervo sonoro coletivo e fez mais dois inteiramente por conta própria após as sessões conjuntas, mas tudo se encaixa. As duas mulheres compartilham o respeito pela integridade dos pequenos sons, que apresentam em sortimentos organizados. Uma onda eletrônica pode fluir para outra; duas variedades diferentes de percussão de metal são tocadas em ritmos diferentes; alguma estática crepitante fica próxima a um ruído suave e amadeirado dentro de um vasto campo de silêncio. As coisas acontecem sem muita ênfase, e se você está procurando por emoção, sisbiosevai te negar. Mas se você estiver disposto a ouvir atentamente o surgimento e a decadência dos sons, apresentados com a qualidade transitória da garoa caindo sobre um jardim zen, sua paciência será recompensada por arranjos sonoros que parecem completos em si mesmos. Outra qualidade que Akama e de Asís compartilham é a disposição de deixar os sons serem eles mesmos; eles não os forçam a ser música, mas os apresentam sob uma luz que permitirá que você aprecie sua musicalidade inerente.

GYPSY QUEEN - PSYCHO CINEMA (2022)

Os melódico hard rockers liderados por mulheres, GYPSY QUEEN , lançaram o seu novo álbum “ Psycho Cinema ”. Originalmente formados nos anos 80, os GYPSY QUEEN não tinham uma, mas duas vocalistas femininas, as irmãs gêmeas Paula e Pamela Mattioli.
Embora a banda tenha se apresentado algumas vezes durante as últimas duas décadas em eventos de reunião, foi a súbita morte de Pamela de um problema cardíaco não diagnosticado em 2014 que se tornou o catalisador para a reunião formal da banda, culminando em um álbum autointitulado lançado em 2018. O estilo e o som dos “Psycho Cinema” é, claro, um melódico hard rock clássico do final dos anos 80, liderado por mulheres, dominado pelo tom de uísque, grosa sensual e alcance vocal poderoso de Paula, riffs fumegantes e uma dose melódica de teclados.
É uma pena que GYPSY QUEEN tenha escolhido uma capa de álbum tão pouco atraente que não reflete a música dentro, mas posso recomendar “Psycho Cinema” a todos os fãs deste género musical tão amado.

01. The Unhealer (03:25)
02. Psycho Cinema (05:13)
03. Crazy Crazy Girl (05:36)
04. Victim (05:07)
05. Why (05:15)
06. Master (05:08)
07. You Don't Own Me (04:50)
08. Red White and Blue (04:55)
09. We Live (04:23)
10. Legacy (04:42)

Paula Mattioli - Vocals
Scotty Migone - Guitars
Kenny Wendland - Drums, Backing Vocals
Joey Ojeda - Bass, Keyboards

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