O saxofonista/flautista azimutal de Hawkwind faleceu no dia 10 de novembro aos 82 anos, para se juntar ao seu amigo Lemmy. A oportunidade de evocar um dos discos emblemáticos dos mestres do universo da psique do rock espacial inglês.
O quarto álbum do Hawkwind será duplo e ao vivo.
A batalha vitoriosa em Doremi Fasol Latido foi épica, heróica, mas cansativa. Nosso sistema solar foi salvo graças à coragem dos membros do Hawkwind dopados com anfetaminas e outros LSD. Mas a guerra não está vencida. As forças do mal que se entrincheiraram na borda do cosmos estão planejando sua vingança. O sangue deve fluir.
O capitão guitarrista Dave Brock assim como seu segundo saxofonista/flautista Nik Turner e o baixista Lemmy sabem que a batalha final será vencida em concerto com o público e os fãs do Hawkwind. Para encorajar este último, virá a graciosa e generosa Stacia de seios nus, dançando, que servirá de conchas cósmicas contra o inimigo.
Para o golpe o grupo vai à guerra, conquista as multidões para a promoção de Doremi Fasol Latido . Tour psicodélico que passa pelo Liverpool Stadium em 22 de dezembro de 1972 e o Brixton Sundown em Londres em 30 de dezembro do mesmo ano. A gravação dessas duas performances serve de base para o vinil duplo ao vivo Space Ritual , também no United Artist. Além de dois títulos, é uma extensão desproporcional de Doremi Fasol Latidoque se propõe neste ritual espacial, mas não na mesma ordem para melhor enganar o inimigo. Novos lançamentos são adicionados como o hard blues boogie que é “Organe Accumulator” com os corrosivos solos acid space com grande reforço de wah-wah ou o heavy metallo “Upside Down”. Às vezes, entre certas canções, há encantamentos de ficção científica do poeta Robert Calvert em plena demência teatral. Este último participou da redação das 33 voltas anteriores de Hawkwind. Intervenções acompanhadas de efeitos eletrônicos para evitar qualquer tempo morto. Porque a batalha é dura, nenhuma trégua deve ser deixada para as forças do mal que não são páreo para um baixista furioso. Aqui Lemmy se destaca com seu baixo sonhador, pesado, groove, solto e frenético. Ajudado pelos riffs cativantes de Dave Brock,
Hawkwind tinha acabado de entregar um magnífico hard rock ao vivo dos anos 70, essencial todos os gêneros combinados, reeditado em CD duplo. Os primeiros lados serão gravados no CD 1. O último lado no CD 2 com bônus ao vivo gravados para alguns no Roundhouse em Londres em 13 de fevereiro de 1972.
Titulos : 1. Earth Calling 2. Born To Go 3. Down Through The Night 4. The Awakening 5. Lord Of Light 6. The Black Corridor 7. Space Is Deep 8. Electronic No. 1 9. Orgone Accumulator 10. Upside Down 11. 10 Seconds Of Forever 12. Brainstorm 13. 7 By 7 14. Sonic Attack 15. Time We Left This World Today 16. Master Of The Universe 17. Welcome To The Future
Musicos : Dave Brock : guitare, chant Robert Calvert : narration Nik Turner : saxophone, flûte, chant Lemmy Kilmister : basse, chant Dik Mik : synthétiseur Del Dettmar : synthétiseur Simon King : batterie
O nome de Rick DUFAY não deve evocar muito para a grande maioria dos fãs de Rock. Este músico nascido em Paris em 1952 tem como principal proeza o facto de ter feito parte do AEROSMITH entre 1981 e 1984, ou seja, numa altura em que o grupo de Steven Tyler atravessava um período difícil. Rick Dufay substituiu Brad Whitford como guitarrista a curto prazo em 1981.
Alguns anos antes, em 1980 para ser mais preciso, esse mesmo Rick DUFAY havia lançado seu primeiro álbum de estúdio solo com a Polydor. Este é intitulado Tender Loving Abuse e, detalhe interessante, foi produzido por um certo Jack Douglas (sim, o mesmo que produziu 4 dos 5 primeiros álbuns do AEROSMITH entre 1974 e 1977). Além disso, se Rick DUFAY se juntou ao AEROSMITH em 1981, foi porque ele foi sugerido a Dupont Volants por Jack Douglas. O mundo é pequeno, não é?
Mas voltando ao Rick DUFAY, já que é ele quem está preocupado nesta coluna. Abuso amoroso é um álbum orientado para o Classic-Rock que se encaixa perfeitamente no contexto da época, está bem ancorado neste período de final dos anos 70/início dos anos 80. Assim, "Love Is The Only Way (I Go Down)", marcada pela presença de um piano, é uma música de Rock bem ao estilo de Ian HUNTER bastante simples, que não é desagradável mas não se destaca da multidão. ; o mid-tempo "Don't Wake Me Up" é o próprio arquétipo da canção multifacetada que não cativa as multidões, não retém. Quanto a "Tonight", é uma peça mais ou menos afinada com os tempos que tem um gosto muito brando, acaba por ser aborrecida. O futuro substituto de Brad Whitford dentro do AEROSMITH chegou até a ficar lado a lado com Hard Rock em "Don't Talk Back", mas este título lembra um KISS não muito inspirado e a renderização ainda não é terrível. Outros títulos contêm algumas boas ideias, mas não necessariamente foram usados com sabedoria: por exemplo, o mid-tempo disfarçado de balada melancólica "Tender Loving Abuse" tem essa coisinha que não o deixa totalmente insensível, com em particular a intervenção no piano cheia de precisão e se o resultado é adequado, deixa um gostinho de inacabado porque o refrão parece minimalista e poderia ter sido melhorado, mais trabalhado. Quanto ao mid-tempo Boogie-Rock/Classic-Rock "Fool No More", que está na veia ROLLING STONES/AEROSMITH, é um título médio que pode ser ouvido bem, mas não é tão sensacional. A mesma observação pode ser feita para "Up To You", uma peça em perfeita sintonia com os tempos (final dos anos 70/início dos anos 80, para relembrar) que é cheia de espírito, está muito bem embalada, destacando-se pela presença de coros entusiasmados que aparecem no final, bem como pela lúdica "Baby Now I" que pode fazer bater os pés, continua a ser um título na norma, nada mais. 2 faixas ainda se destacam neste álbum: primeiro há "10000 Bands", um mid-tempo ora calmo, ora nervoso com uma atmosfera desiludida (a letra traça uma declaração bastante lúcida e intransigente sobre a indústria da música) que é mais ou menos na linha de Ian HUNTER e que é bastante bem construído, não deixa indiferente principalmente porque o solo de guitarra é pungente, emocionante. E há especialmente "Straight Jacket" que considero a melhor composição do álbum: esta faixa de Hard-Boogie acaba por ser cativante com seus riffs ferozes, um piano que segura a drageia no alto das guitarras sem exagerar e surpreende no meio do título com a chegada de um break improvisado em um ritmo mais lento antes de recomeçar para concluir com um solo estridente de blues. Sem ser um hino que mata tudo em seu caminho, é um título muito bom que supera (e de longe) pelo menos 95% dos títulos que estão de cócoras nas rádios de Rock mainstream há 25 anos.
Este álbum de Rick DUFAY passou despercebido quando foi lançado. Com toda a honestidade, Tender Loving Abuse é um registro que está apenas dentro dos limites aceitáveis, mas não é essencial, certamente não. Comparado com os lançamentos da época, permanece até anedótico. Há alguns solos legais (mas também não inesquecíveis), um título ("Straight Jacket") que se destaca e merece ser redescoberto, mas é isso. No máximo, Tender Loving Abuse é uma curiosidade a ser testada de vez em quando.
Tracklist: 1. Love Is The Only Way (I Go Down) 2. Tonight 3. Don’t Talk Back 4. 10000 Bands 5. Up To You 6. Baby Now I 7. Straight Jacket 8. Don’t Wake Me Up 9. Fool No More 10. Tender Loving Abuse
Formação: Rick Dufay (vocal, guitarra) Gary Seitz (baixo) Tico (bateria) Eric Holland (teclados)
Novo trabalho da banda que já se tornou uma instituição do país de Ingmar Bergman e ABBA. Na verdade, a Siena Root é uma imensa família, hoje contabilizando, aproximadamente, 12 integrantes, quando em apresentações ao vivo, tendo como núcleo fixo Riffer, Forsberg e Borgström. E a bola da vez no gogó -e também pilotando as teclas do B3-, algumas vezes em dueto com a excelente Lisa Lystam, front woman da Heavy Feather que já havia sido responsável pelos vocais no single 'In The Fire', de 2019, éZubaida Solid. Não...é claro que não há como compará-las a Sanya. Mas cumprem seus papéis com muita desenvoltura e notável conhecimento da proposta musical da banda.
E o material à disposição do conceitual 'The Secret Of Our Time', lançado há poucos meses, é, simplesmente, fantástico. Um retorno às raízes musicais mais libertárias da banda, com jams e lisergia em profusão. Destaques? Muitos...da abertura com o hardão psicodélico 'Final Stand' à lindamente contemplativa e uriahheepiana 'Imaginary Boders', os suecos despejam um repertório que mais nos remete a uma curadoria atualizada do melhor que o rock já produziu.
Há, pelo menos, 10 anos, venho pensando em disponibilizar material desta banda natural de Estocolmo, Suécia, aqui nesta birosca brenfoetílicomusical. Mas o excesso de holofotes em cima de seus primeiros trabalhos, o que levava a uma enxurrada de postagens internet afora a cada lançamento, me criava a sensação de irrelevância. Junte a isto a quase completa ausência de informações sobre a banda, e o quadro de desperdício de tempo tomava conta.
No entanto, ultimamente, percebe-se, claramente, que muito dos materiais há poucos anos compartilhados efusivamente via blogs vêm perdendo espaço na grande rede. E a Siena Root está entre estas. É verdade que a instabilidade na formação da banda, notadamente entre vocalistas e que muitos afirmam ser proposital, ao longo dos anos tornou um tanto difícil a produção de uma resenha confiável; hoje, apenas o baixista Sam Riffer e o baterista, Love Forsberg, são remanescentes da formação original, que contava ainda com Oskar Lundström nos vocais e teclados e KG West nas guitarras, cítaras e vocais. E foi com esta formação que lançaram o duplo 'A New Day Dawning' em 2004, já chamando atenção pela fina mistura de blues, hard rock e psicodelia, devidamente emoldurados por tecnologia integralmente lo-fi, dos instrumentos aos equipamentos de gravação.
Já no ano seguinte, Lundström sairia para a entrada de Sanya nos vocais, com West acumulando os teclados. Com esta formação, considerada, de forma unânime, a melhor da banda, lançaram o fantástico EP 'Mountain Songs'(2005), o sublime 'Kaleidoscope'(2006) e correram toda a Europa, tornando-se arroz de festa nos melhores festivais do continente, além de uma apresentação histórica no conceituadíssimo Rockpalast.
Em 2008, a cultuada Sanya é substituída pelo veterano da cena sueca, Sartez Faraj, que trazia também alguma intimidade com a guitarra, deixando West um pouco mais livre para os teclados e, também, a cítara, que vinha negligenciando devido ao excesso de atribuições. Apesar de correto, 'Far From The Sun', lançado em 2008, não correspondeu à expectativa. Na verdade, ocorreu uma certa rejeição a Faraj, visto que Sanya -de quem não encontrei mais notícias- era (e ainda é!) idolatrada pelos fãs da banda. O resultado foi a sua saída para a formação do irregular power trioThree Seasons.
E 2009 traz não somente uma nova formação, agora com Janet Jones Simmonds nos vocais, mas também um conceito ainda mais psicodélico e fortes nuances progressivas, incorporando ainda mais flautas, esquisitices sonoras e forte instrumentação indiana. O resultado é 'Different Realities', um trabalho ímpar na discografia da banda. E um de seus melhores, sem dúvida alguma.
Em sequência, já com o prestígio em altíssima conta, rodam o planeta em uma desgastante jornada. E a primeira baixa na formação, fora da esfera dos microfones, dá-se ao final de 2011, com a saída de um de seus nomes mais importantes, KG West, desgastado após quase 15 anos na liderança de projeto tão ambicioso e difícil de carregar. Após um pequeno período dedicado a recarregar energias, Riffer e Forsberg recrutam o veterano Jonas Åhlen (aka Joe Nash) para segurar o gogó e incorporam os antigos amigos Matte Gustavsson para as 6 cordas e Erik Pettersson para as teclas. E o resultado desta formação, foram o fraco single 'Conveniently Blind' e o apenas correto álbum-tributo 'Pioneers'. Mas a verdade é que a banda parecia haver perdido o rumo com a saída de West.
Mas uma banda já tão acostumada a adversidades, acaba por adquirir um altíssimo nível de resiliência e, em 2017, quando já não se esperava por mais notícias vindas do norte, finalmente encontram em Samuel Björö um responsável pelos microfones à altura de Sanya. E parece que isto foi percebido por toda a banda pois 'A Dream Of Lasting Peace', apesar de trilhar um caminho nunca antes seguido pela banda -a busca de uma roupagem mais pop e com fortes incursões no blues rock-, figura tranquilamente entre os melhores trabalhos da banda e um dos melhores álbuns do ano que passou. E tudo mantendo ainda a mesma proposta lo-fi do início de tudo. Na boa...Siena Root é totalmente excelente demais!!!
ANTON BARBEAU WITH THE BEVIS FROND ''KING OF MISSOURI'' 2003 44:52 ********** 01 - King Of Missouri 02:22 02 - Sweet Creature, What's Your Name? 03:13 03 - Octagon 03:25 04 - The Clothes I Want To Wear 03:37 05 - I Remember Everything 03:01 06 - It's Okay, Maybe 02:57 07 - I'm Always Offending My Sensitive Friends 03:10 08 - Cheque's In The Mail 05:10 09 - I Don't Like You 03:25 10 - Sylvia Something 06:45 11 - Retabulation 03:44 12 - Intro (Motor) 00:17 13 - Motor 03:41 All Tracks By Anton Barbeau ********** Adrian Shaw - Bass Guitar Andy Ward - Drums Nick Saloman - Guitar, Keyboards, Bass, Organ On 12 Anton Barbeau - Organ On 12, Vocals, Guitar, Piano
Anton Barbeau soa um pouco como David Bowie do início dos anos 70 indo para o power pop em King of Missouri, com Nick Saloman de Bevis Frond, como dizem as notas do encarte, fornecendo "muitas guitarras, teclados, belo borrão". Não é a combinação mais orgânica, mas funciona bem. Poderia ter sido melhor, por vários motivos. Embora a voz de Barbeau seja estilo Bowie, é trêmula e um pouco tímida. Também é difícil imaginar Bowie escrevendo algo intitulado "Estou sempre ofendendo meus amigos sensíveis". Além das comparações de Bowie (ou daquelas que ele convida para John Lennon, como quando os vocais sobem para um registro agudo em "Retabulation"), há um pouco de palavra e qualidade em algumas das letras. Ele às vezes te lembra daquele espertinho insistente que não Não sei quando calar a boca antes de colocar o pé na boca. Algumas das pessoas e situações que o incomodam podem merecer críticas, mas ele também não é o cara mais simpático, principalmente quando está cantando "I Don't Like You". Ainda assim, as melodias são razoavelmente cativantes e os arranjos confiantes, para quem gosta de ouvir ecos dos melhores aspectos do pop/rock do início dos anos 70, 30 anos depois.
6 - CORKY LAING, IAN HUNTER, MICKONSON & FELIX PAPPALARDI -THE SECRET SESSIONS (1979) (REPOST)
CORKY LAING, IAN HUNTER, MICK RONSON, FELIX PAPPALARDI ''THE SECRET SESSIONS'' JANUARY 19 1999 38:49 ********** 1/Easy Money 02:50 (Ian Hunter, Corky Laing) 2/Silent Movie 03:20 (Ian Hunter, Corky Laing) 3/I Ain't No Angel 03:19 (Ian Hunter, Corky Laing) 4/The Best Thing 03:29 (Corky Laing) 5/I Hate Dancin' 02:40 (Corky Laing) 6/The Outsider 07:46 (Ian Hunter) 7/Just When I Needed You Most 03:06 (Van Warmer) 8/Lowdown Freedom 04:12 (Billy Joe Shaver) 9/On My Way To Georgia 03:42 (Mick Jones, Corky Laing, Leslie West) 10/Growing Old With Rock'n'Roll 04:25 (Corky Laing) ********** Dickey Betts/Guitar Eric Clapton/Guitar Ian Hunter/Keyboards, Vocals, Vocals (Background) Corky Laing/Drums, Vocals, Vocals (Background) Felix Pappalardi/Bass, Vocals (Background) Mick Ronson/Guitars, Vocals (Background) Todd Rundgren/Organ (Hammond), Vocals (Background) John Sebastian/Harp Leslie West/Guitars
Ouvir este álbum é ouvir uma verdadeira tragédia para o rock & roll - uma tragédia que este supergrupo, ao contrário de grupos tão exagerados como Blind Faith e Ginger Baker's Air Force, nunca conseguiu seu trabalho em seu próprio tempo, e que Pappalardi e Ronson não estão mais conosco. Das notas de abertura de "Easy Money" à irônica faixa final, "Growing Old With Rock 'n Roll", irradia inspiração, poder e autoridade na composição e execução, e ousadia extraordinária. Tão bom quanto o toque de Ronson é - e ele faz ótimos riffs no estilo bandolim, além de alguns de seus leads de rock mais inspirados e fluidos (em conjunto com Leslie West em três faixas) - os músicos dominantes são Laing na bateria e Pappalardi no baixo, que aparentemente continua exatamente de onde Mountain parou. Juntamente com Hunter' s composições e o canto dele e de Laing, todo o efeito é de uma banda de hard rock de primeira linha correndo em todos os cilindros desde o início, uma que poderia ter levado qualquer rival para fora do palco. Como bônus, dois outtakes do álbum solo de Laing de 1977, Makin' It On the Street, estão incluídos, gravados em Macon, Geórgia, com Dickey Betts e Eric Clapton. Estes são apêndices mais para o trabalho de Laing, ou para a história dos Allman Brothers, do que para o trabalho deste quarteto, mas eles não prejudicam o resto - na verdade, "Growing Old With Rock 'N Roll" pode ser o melhor coisa que Laing já fez. O álbum solo de 1977, Makin' It On the Street, está incluído, gravado em Macon, Geórgia, com Dickey Betts e Eric Clapton. Estes são apêndices mais para o trabalho de Laing, ou para a história dos Allman Brothers, do que para o trabalho deste quarteto, mas eles não prejudicam o resto - na verdade, "Growing Old With Rock 'N Roll" pode ser o melhor coisa que Laing já fez. O álbum solo de 1977, Makin' It On the Street, está incluído, gravado em Macon, Geórgia, com Dickey Betts e Eric Clapton. Estes são apêndices mais para o trabalho de Laing, ou para a história dos Allman Brothers, do que para o trabalho deste quarteto, mas eles não prejudicam o resto - na verdade, "Growing Old With Rock 'N Roll" pode ser o melhor coisa que Laing já fez. ********** Em 1978 Corky Laing (of Mountain), agindo por sugestão de sua gravadora, montou um "supergrupo" com ele mesmo (bateria/vocal), Ian Hunter (ex Mott The Hoople) nos teclados/vocais, Mick Ronson na guitarra e Felix Peppalardi (Mountain) no baixo. Eles começaram a gravar, mas logo depois a gravadora perdeu o interesse e o financiamento parou. As sessões foram concluídas em um estúdio diferente, mas permaneceram na lata, até agora.
O CD abre com força suficiente, com a soberba Easy Money, mas logo desce à banalidade. Embora todas as faixas sejam versões completas, elas soam apressadas ou parecidas com demos, com pouco destaque, além de uma versão brilhante e longa de The Outsider, que é claro que Ian gravou para seu álbum Schizophrenic.
O CD é preenchido com duas faixas do álbum solo de Corky de 1978, talvez porque originalmente, uma vez que o financiamento parou, não havia tempo ou dinheiro para gravar o material de um álbum completo.
Em resumo, um CD principalmente de interesse histórico. Os completistas de Ian Hunter vão querer, idem os fãs de Corky Laing/Mountain, mas duvido que o fã casual seja persuadido a abrir mão de seu dinheiro.
Mais uma canção que faz parte da banda sonora do filme "Black Panther: Wakanda Forever" ("Black Panther: Wakanda Para Sempre").
'Born Again' é o segundo single lançado pela cantora Rihanna no espaço de seis anos. A canção chega depois de 'Lift Me Up' - que saiu em outubro - e é mais uma faixa da banda sonora do filme "Black Panther: Wakanda Forever" ("Black Panther: Wakanda Para Sempre"), da Marvel, que estreou ontem em Portugal.
"Black Panther: Wakanda Forever", realizado por Ryan Coogler, conta com Angela Bassett, Martin Freeman, Danai Gurira, Daniel Kaluuya e Lupita Nyong'o no elenco.
"Songs for Shakespeare" combina sonoridade clássica com eletrónicas.
A cantora Maria João edita , com o projeto Ogre electric, "Songs for Shakespeare", que junta um som “profundamente eletrónico” e um ensemble clássico a escritos do poeta e dramaturgo inglês William Shakespeare.
Maria João e o músico João Farinha são o "centro", a partir do qual criaram "várias componentes" do Ogre. Em declarações à Lusa, a cantora lembrou que o primeiro álbum do projeto, "Eletrodoméstico" (2012), apresentava um som "mais híbrido", que misturava instrumentos acústicos, como o piano de Júlio Resende e a bateria de Joel Silva, com o computador de André Nascimento e os teclados de João Farinha.
O caminho numa direção "mais eletrónica" começou "um pouquinho" em "Plástico" (2015), cresceu em "Open your mouth" (2020) e continuou no novo "Songs for Shakespeare".
Neste álbum, o Ogre electric inclui, além de Maria João, João Farinha, André Nascimento e o baterista alemão de hip-hop Silvan Strauss, "um ensemble clássico, que cria uma mistura incrível".
"Acho que estamos a caminhar para outro sentido, para outro lado, mais profundamente eletrónico. Casámos estes dois ambientes que à partida seriam tão longínquos um do outro", referiu Maria João.
A ideia de criarem um álbum a partir de sonetos e peças de teatro de William Shakespeare começou na Hungria: “Fomos tocar a um festival e o organizador também organiza festivais sobre Shakespeare, sobretudo de teatro. Desafiei-o a convidar-nos a participar com música e passado uma semana tínhamos a encomenda, a proposta, o pedido, para fazermos música com os sonetos, as peças de teatro, etc.”.
Na altura, Maria João, João Farinha e André Nascimento criaram alguns temas, tocaram-nos ao vivo. “Depois ficou fechado numa gaveta, cerca de seis anos. Eu andava sempre a chatear o João que tínhamos que fazer e que ficava incrível com orquestra. E com um dos apoios que apareceram no ano passado para a Cultura foi-nos possível fazer uma parte com ensemble, encomendar arranjos à Sara Ross, que é incrível, e foi assim que conseguimos fazer”, contou.
E assim o Ogre ganha outra dimensão: "Ogre large ensemble, porque somos 14, com o [ator] André Gago, que se junta a nós ao vivo".
O álbum é editado hoje, mas só começa a ser apresentado ao vivo 2023, e poderá ser no formato large ensemble ou com orquestra, porque "entretanto já surgiram pedidos de orquestras".
"A Sara [Ross] também fará os arranjos para orquestras maiores, sinfónicas, e isso já vai levar este 'Songs for Shakespeare' para outro caminho", disse Maria João.
Os 4 integrantes egressos devem se reunir com os 3 remanescentes para celebrar os 40 anos da banda.
Conforme rapidamente adiantou o IGORMIRANDASITE.COM , ainda sem muitos detalhes precisos, os Titãs apontam na direção de uma reunião da banda para shows comemorativos das 4 décadas de existência da banda, que começou com 9 integrantes, se popularizou com 8 e hoje segue com 3 (Tony Belotto, Branco Mello e Sérgio Britto), após 4 saídas: Arnaldo Antunes (em 1992), Nando Reis (em 2002), Carles Gavin (em 2010) e Paulo Miklos (em 2016), além do falecimento de Marcelo Fromer em 2001.
Todos os integrantes e ex-integrantes alteraram as suas fotos de perfil para imagens do mesmo tema, sugerindo uma convergência na direção de um mesmo projeto, muito provavelmente uma turnê dos 40 anos de banda em 2023, com todos juntos nos palcos pelo Brasil.
Tal possibilidade é real e dada como certa, uma vez que anteriormente já fora indicada e corroborada por declarações do guitarrista Tony Belotto:
“Esta ideia de fazer a reunião existe sim, existe uma conversa. Talvez seja no ano que vem, a gente não sabe ainda, mas essa possibilidade existe sim.
A gente tem uma relação muito boa, nunca houve uma briga. Claro, a gente teve divergências, mas jamais uma ruptura.”
A história definitiva do álbum de estreia mais vendido do século 21, contada por Chester Bennington e Mike Shinoda.
Em 24 de outubro de 2000, uma banda pouco conhecida da Califórnia chamada Linkin Park lançou seu primeiro álbum, "Hybrid Theory". E enquanto o sexteto desavisado não percebeu na época, esse álbum se tornaria não apenas o disco mais vendido do mundo no ano seguinte, mas também, mais importante, um clássico do rock moderno que definiria uma geração.
Sua fusão de riffs de metal afiados, batidas eletrônicas escorregadias, raps tortuosos, gritos de arregalar os olhos e sensibilidade pop sem esforço o levaram a catapultar os seis ninguém de lugar nenhum para o estrelato do rock de uma maneira que provavelmente nunca será igualada. Um recorde absoluto de dreadnought, chamar a "Hybrid Theory" de um fenômeno seria quase vendê-la a menos.
No entanto, como um homem sábio disse uma vez, mesmo a maior das jornadas começa com o menor dos passos, e a história da estreia mundial do Linkin Park começa da mesma forma que os contos da maioria das bandas – no quarto de uma criança.
“As primeiras encarnações das músicas do "Hybrid Theory" foram escritas na casa dos meus pais quando eu tinha acabado de terminar o ensino médio”, lembrou o rapper, tecladista e mentor criativo Mike Shinoda para nós em 2014. “"A Place For My Head" foi uma daquelas primeiras músicas, mas eu não estava pensando em escrever um álbum – eu mal estava pensando em começar uma banda!"
O 'estúdio' do jovem Shinoda era, na melhor das hipóteses, rudimentar. “Eu tinha um gravador de quatro canais, uma guitarra que conectamos diretamente em um pequeno amplificador e um microfone vocal”, ele riu. “Todo o set-up valeu talvez US$ 300. Na verdade, enviamos um monte de fitas dessas gravações, inclusive para um cara que sabíamos que havia assinado com o Incubus e o Korn. Surpreendentemente, ele nos chamou de volta! Quando contei a ele sobre meu set-up, ele disse: 'Isso não faz nenhum sentido - essas músicas soam muito bem!' .”
Com sua criatividade ambiciosa e práticas de trabalho espartanas já ganhando elogios, Shinoda começou a formar o núcleo do que se tornaria o Linkin Park. Um carrossel de demos intermináveis se seguiu, mas algo estava faltando na formação incipiente. A resposta, descobriu-se, seria encontrada na forma de um vocalista ruivo do Arizona.
“Eu basicamente decidi me aposentar da música”, disse Chester Bennington, refletindo sobre seus frustrantes primeiros anos tentando fazer isso em uma banda. “Consegui um emprego no setor imobiliário e pensei que, embora provavelmente ainda fizesse músicas por diversão, precisaria encontrar outra coisa para fazer em tempo integral”.
Essa é uma afirmação bastante notável para alguém que tinha acabado de completar 21 anos na época, mas para Bennington bastou, não era um homem para fazer as coisas pela metade.
“Um cara que estava trabalhando com minha antiga banda me ligou, dizendo: 'Eu tenho esses caras e eles estão escrevendo essa ótima música, mas eles realmente precisam de um cantor'. Eu imediatamente estava fazendo todo tipo de perguntas, como, 'Quantos anos eles têm? Há quanto tempo eles estão fazendo isso?” porque eu não queria perder a porra do meu tempo. Ele disse: 'Bem, vou enviar-lhe esta demo', que acabou por ter duas faixas de um lado e instrumentais do outro. Eu escutei o lado instrumental primeiro e imediatamente pensei: 'É isso, esses são os únicos'. Faixa do por do sol."
Esse movimento rápido, porém, significava que, nesta fase, Chester ainda não tinha visto os homens que se tornariam seus novos companheiros de banda. “Quando finalmente conheci os caras, lembro que eles pareciam muito legais, muito inteligentes, muito sérios e, o mais importante, eles tinham um plano, o que foi bastante revigorante.”
Se conhecer seu cantor por meio de equipes de A&R e ternos de gravadora parece um pouco, ou talvez até muito, profissional para você, então você não está sozinho em seu pensamento. Quando o 'Hybrid Theory' acabou explodindo de maneira espetacular, a banda teve que se defender das acusações de serem marionetes corporativas de todos os quadrantes.
“Conseguimos a reputação de ser um negócio ao invés de uma banda,” admitiu Shinoda. “Mas isso foi porque estávamos tão focados em fazer nossas coisas. Não foi em nome dos negócios, foi em nome da construção dessa coisa que trabalhamos tanto para criar. Estávamos preparados para fazer tudo ao nosso alcance para ter sucesso em todos os níveis.”
A prova da dedicação inabalável e singular de Shinoda, Bennington e companhia? Considere a fé inabalável que eles tiveram que demonstrar enquanto tentavam conseguir o contrato de gravação que transformaria o "Hybrid Theory" em realidade. “Nós apresentamos para todas as gravadoras que existiam”, suspirou Shinoda, “e todos elas nos recusaram.”
“Ninguém nos queria, mas sabíamos que tínhamos algo especial pra caralho”, ofereceu um desafiador Bennington. “Nós apenas continuamos pressionando. A maioria das bandas provavelmente tenta na frente de três gravadoras, é rejeitada e desiste. Tocamos na frente de 45, mas nossa atitude era: 'Esses caras são estúpidos se não podem ver o que temos.' Sabíamos o que tínhamos e nunca duvidamos disso."
Felizmente, a fé da banda em si mesma seria recompensada, pois o empresário de A&R que os conduziu por aquela série aparentemente infinita de shows de pônei sem alma em uma tentativa de conseguir um contrato com uma gravadora conseguiu um emprego na Warner Bros. multinacional, foi acordado que ele assinaria o Linkin Park como sua primeira banda. “Tivemos sorte”, refletiu Bennington.
Ou assim pensavam. Na verdade, a batalha para colocar o "Hybrid Theory" da maneira que eles pretendiam estava apenas começando. Para Shinoda em particular, foi um momento difícil. “Tivemos que lutar com unhas e dentes para manter a visão do disco até o fim. A atitude da gravadora foi: 'Impressione-nos, e você poderá fazer um álbum completo.'”
A jovem banda recusou-se a ser intimidada mesmo diante de tal sacanagem da sala de reuniões, continuando a travar uma guerra silenciosa para garantir que sua música fosse ouvida da maneira que eles sabiam que deveria ser.
A gota d'água viria quando a gravadora, em um movimento que agora parece inimaginavelmente descarado, tentou expulsar Shinoda da banda. “Esses caras me sentaram e ficaram tipo, ‘Oh, você tem uma voz tão incrível, você poderia ser uma estrela tão brilhante'”, disse Bennington, ainda com raiva do encontro mais de uma década depois. “Eles queriam ver se eu daria um golpe para tirar Mike de lá. Esses caras eram tão estúpidos, cara. Eles me disseram que eu seria o rosto da banda e que Mike não tinha história porque ele era apenas um garoto de Agoura, todas essas coisas idiotas e superficiais.
“Eles queriam algum maldito rapper de Nova York que ninguém conhecia para fazer os vocais no disco. Eu só queria dar um soco na cara daqueles idiotas porque eles não podiam ver aquela porra de teta dourada de grandiosidade que estava bem na frente deles. Mike é um dos compositores mais produtivos da nossa era, eu acho. Deus sabe quantos Number Ones tivemos, mas se ele não estivesse na banda, não teríamos nenhum desses!”
É o tipo de demonstração de lealdade com a qual muitas bandas de hardcore irmãos de armas podem aprender muito, e que joga água fria na noção de que o Linkin Park é apenas um bando de mercenários reunidos para alcançar o sucesso global. No entanto, quando o "Hybrid Theory" explodiu, se infiltrando nas ondas de rádio com seu salto infeccioso, certos setores da imprensa foram rápidos em marcá-los como nada mais do que uma boy band de nu metal. Tendo trabalhado tão incessantemente para chegar onde estavam, foi uma etiqueta que ficou um pouco presa na garganta.
“Sim, esse foi um momento real por um tempo, hein!” comentou Shinoda ironicamente. “Tivemos que nos defender dessa merda absurda para sempre, mas foi totalmente fora do campo esquerdo. Nunca pensamos que alguém pensaria algo tão ridículo, mas de repente as pessoas estavam falando sobre isso!”
Isso os irritou? É melhor você acreditar. “Isso nos deu algo para provar e nos impulsionou, com certeza”, observou Bennington. “Havia muita percepção falsa sobre nós, mas o que fizemos, em vez de falar sobre isso, foi tornar nossa missão que, quando tocássemos, queríamos que todos que tocassem depois de nós dissessem 'Foda-se!' banda com a qual ninguém queria fazer turnê porque a gente aparecia, esmagava a porra da multidão e então todo mundo queria sair depois de nós. Queríamos chutar as pessoas na cara.”
O sexteto teria a chance de provar sua reputação em escala internacional ao longo de 2001, acumulando centenas de shows em todos os cantos de um mundo cada vez mais obcecado pelo Linkin Park em apoio a um disco que agora estava invadindo as paradas.
Essa determinação de roubar os holofotes não caiu tão bem com todos com quem eles pegaram a estrada, no entanto. Uma corrida malfadada no Reino Unido com os já estabelecidos Deftones veio enquanto eles surfavam uma onda de sucesso, mas longos períodos de turnê já estavam cobrando seu preço.
“Aquela turnê foi uma das mais estressantes que já fizemos”, confidenciou Shinoda. “Nós basicamente seguimos o inverno ao redor do mundo por seis meses e estávamos todos sempre doentes. E para completar, os caras do Deftones começaram a ficar com um pouco de inveja e começaram a nos tratar muito mal. Steph e Chino disseram algumas coisas bem desagradáveis em entrevistas. Tentamos não dizer nada de volta porque não queríamos mais tensão na turnê, mas foi muito miserável.”
O sucesso que a banda se esforçou tanto para alcançar não estava provando ser o mar de rosas que eles esperavam. “Eu até vi alguns fãs usando heroína fora de um desses shows. Uma merda totalmente horrível, cara. Foi um período sombrio no geral, embora as coisas estivessem, ostensivamente, indo tão bem.”
Então, o que levaria tanto a imprensa quanto os colegas do Linkin Park a ficarem tão irritados com seis caras que estavam, para todos os efeitos, apenas perseguindo seu sonho? Talvez fosse o consenso de que eles eram bons, trabalhadores, garotos de classe média que não tinham nada para se zangar. Ou talvez que, em comparação com figuras maiores que a vida, como Jonathan Davis e Fred Durst, eles parecessem, francamente, um pouco maçantes.
“As pessoas não nos conhecem. Ninguém me conhece. Você não pode olhar para uma foto da nossa banda e chegar a uma conclusão sobre o que é nossa vida”, rosnou Bennington. “Queríamos criar uma arte que falasse por si: nada mais, nada menos. Sabemos que muitas pessoas não gostaram, mas isso conseguiu outra coisa que eu amo, quando as pessoas te odeiam tanto que não conseguem parar de falar sobre você.”
Shinoda tinha sua própria visão sobre a forma como sua banda era percebida. “Acho que a diferença entre nós e alguém como Korn ou Limp Bizkit é que, para mim, muito daquela música foi feita para uma festa de fraternidade, uma briga de bêbados, caras sacanas tirando suas blusas e se alimentando de sua própria testosterona. O que não nos conectamos nessa cena foi que não havia muito espaço para emoções mais introspectivas. As pessoas nos perguntavam: ‘Bem, Jonathan Davis praticamente cresceu em um necrotério e foi molestado e todas essas coisas horríveis. O que te dá o direito de ficar com raiva?” Mas você não precisa ter passado pelas piores coisas do mundo para ficar triste. Acho que isso é algo que realmente se conectou com nossos fãs: que você não precisa ser um pária e um fodido para tirar algo dessa música em um nível emocional. Se isso nos torna chatos, então tudo bem.”
Deve-se dizer, porém, que enquanto seu álbum de estreia estava quebrando recordes de vendas e ao mesmo tempo convertendo uma geração de crianças ao rock, o Linkin Park não estava exatamente se entregando às fantasias de rockstar que você pode imaginar. Mesmo quando eles receberam as chaves do castelo como a maior banda do mundo, ainda era um caso de 'trabalho duro' em vez de 'festa dura'.
“Eu acho que pela maioria dos padrões nós éramos bastante reservados. Estávamos fazendo tanto que não sobrava muito tempo para enlouquecer”, brincou Shinoda. “Quero dizer, houve uma vez em Minnesota que, no final da noite, jogamos um barril de cerveja pela janela de um hotel e tivemos uma guerra de bolas de neve no saguão, então não estávamos totalmente chatos, mas estávamos tão focado em alcançar o próximo objetivo.”
Eles gostariam de ter sido um pouco mais loucos na época de seu pico? “Fizemos do nosso jeito e eu não mudaria nada”, raciocinou Bennington. "Não é uma coisa."
Todo o enxerto, indiscutivelmente, valeu a pena. "Hybrid Theory" continua sendo o álbum de estreia mais vendido do século 21 e a influência do Linkin Park pode ser sentida de forma palpável em toda uma nova onda de artistas emergentes.
“Ainda estou muito orgulhoso desse álbum”, disse Bennington. “De vez em quando eu ouço tudo o que fizemos e ainda gosto desse disco.”
Para o perfeccionista Shinoda, ainda há momentos específicos que fazem seu pulso acelerar. “"Papercut" é uma daquelas músicas que combina alguns dos meus tipos favoritos de rock e alguns dos meus tipos favoritos de dance music”, ele se entusiasmou. “Chester e eu estamos fazendo rap, ambos cantando, e isso realmente resume o que nossa banda era. É por isso que colocamos no início do álbum, porque foi uma ótima introdução a quem éramos e quem somos. Eu ainda amo isso até hoje.”
"Hybrid Theory" é a mais rara das coisas: um registro único em uma geração tão definitivo de um lugar e tempo quanto um mosquito preso em âmbar. “O que aconteceu com o "Hybrid Theory" foi como se alguém tivesse me enfiado em um buraco de minhoca e me lançado em uma nova dimensão”, disse Chester. "E sabe de uma coisa? Nada nunca mais foi o mesmo.”
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