“Where We Come From, Vol. 1” reúne talentos de toda a África em músicas envolventes. Um dos destaques é “Cough (Odo)”, do nigeriano Kizz Daniel, que acaba de ganhar clipe.
sábado, 7 de janeiro de 2023
Billie Eilish lança cover de “Still”, do Ben Folds
Billie Eilish deu a largada em 2023 no TikTok com um vídeo fazendo um cover de “Still”, canção de Ben Folds. Confira!
Aproveitando, vale lembrar que a cantora foi anunciada como destaque no Lollapalooza Brasil 2023!!
Artistas franceses se inspiram no Brasil para novos lançamentos
As belezas naturais e riqueza cultural de nosso país são forças inspiradoras por todo o mundo e dois jovens artistas franceses são um exemplo recente da força e influência da MPB. O cantor e compositor Oscar Anton lançou o clipe de “saudade”, parceria com a cantora e compositora Ana Gabriela como parte do single duplo “postcard from Rio”, o novo capítulo de um projeto especial de Anton que tem sido construído ao redor do mundo. Já Laure Briard antecipa seu novo disco “Ne Pas Trop Rester Bleu” (PWR Records) com uma declaração de amor ao Brasil no single “Ciel mer et azur”.
Deixando seu quarto depois de dois anos em isolamento pandêmico com um álbum chamado “Home of Sanity”, Oscar Anton tem feito canções com artistas de todo o mundo, dentro deste projeto de “postcards”. A ideia é sempre buscar uma sonoridade que transmita a cidade onde está. Depois de Milão, Berlim, Madri, Istambul, Amsterdã, Paris, Los Angeles e Nova York, ele chegou ao Brasil com uma parceria com Ana Gabriela. O single feito na Alemanha (“grapejuice ft FIL BO RIVA”) tem mais de 3 milhões de streams; o da Itália (“Cheerios ft VV”), mais de 1 milhão. A série completa tem mais de 7,7 milhões de audições.
Apaixonada pela cultura e arte de nosso país, Laure Briard tem na MPB e na bossa uma grande influência e no ano passado lançou um EP inteiramente em português chamado “Eu Voo”, produzido por Benke Ferraz (Boogarins). Seu novo single foi composto nas estradas entre o Rio de Janeiro e Vitória, num ônibus de turnê, inspirada nas paisagens e nas pessoas. A faixa estará em seu novo álbum, previsto para o começo de 2023.
Peter Gabriel lança "Panopticom", single de seu novo álbum
Trabalho traz a participação de Brian Eno.
Peter Gabriel revelou a primeira música nova de seu próximo álbum "i/o". Escrito e produzido por Gabriel, ‘Panopticom’ foi gravado no Real World Studios em Wiltshire e no The Beehive em Londres.
“A primeira música é baseada em uma ideia na qual venho trabalhando para iniciar a criação de um globo de dados acessível e infinitamente expansível: o Panopticom”, diz Gabriel. “Estamos começando a conectar um grupo de pessoas com ideias semelhantes que podem dar vida a isso, para permitir que o mundo se veja melhor e entenda mais o que realmente está acontecendo”.
‘Panopticom’ apresenta os colaboradores de longa data Tony Levin, David Rhodes e Manu Katché, com “eletrônica” de Brian Eno. Os backing vocals adicionais são de Ríoghnach Connolly do The Breath.
A música foi lançada na primeira lua cheia de 2023 e as fases lunares guiarão o plano de lançamento em 2023, com uma nova música revelada a cada lua cheia!
“Parte do que estou escrevendo desta vez é a ideia de que parecemos incrivelmente capazes de destruir o planeta que nos deu origem e que, a menos que encontremos maneiras de nos reconectar à natureza e ao mundo natural, perderemos muito. Uma maneira simples de pensar onde nos encaixamos em tudo isso é olhar para o céu... e a lua sempre me atraiu para ela."
‘Panopticom’ vem com uma obra de arte específica de David Spriggs, e cada novo lançamento de música virá com uma obra de arte específica, “temos observado o trabalho de muitas centenas de artistas”, diz Gabriel. “Foi o tema da vigilância que me conectou com o trabalho de David Spriggs porque ele fez um artigo relacionado a isso. David faz essas coisas incríveis usando muitas camadas de transparências para que você obtenha essas criações estranhas com uma intensidade real. Parte do que ele faz é imaginar como a arte pode parecer alguns anos no futuro e então tentar criar de acordo e acho que ele fez isso com muito sucesso nesta peça em particular”.
Mais detalhes sobre os planos de lançamento do álbum completo serão divulgados em breve.
'Frampton Comes Alive': a epifania ao vivo de Peter Frampton
Álbum ao vivo tornou-se a sensação multi-platina de 1976 e produziu três grandes sucessos em 'Show Me The Way', 'Baby I Love Your Way' e 'Do You Feel Like We Do'.
No verão de 1975, Peter Frampton tinha quatro álbuns de estúdio em sua carreira solo. Sete anos se passaram desde que, aos 18 anos, ele foi nomeado pela revista Rave como o “rosto de 68”, no final de sua primeira fase de sucesso pop como membro do The Herd.
Respeitado em toda a indústria como cantor, compositor e especialmente como guitarrista, Frampton poderia chamar nomes como Ringo Starr, Billy Preston e acompanhantes como Klaus Voorman, Andy Bown, Rick Wills e Nicky Hopkins para contribuir com seus discos, de "Wind Of Change" de 1972 em diante. Ele viajou extensivamente, e os álbuns rotineiramente chegaram à metade inferior da parada Top 200 da Billboard. Mal sabia ele o que viria a seguir. Tudo começou em 13 de junho de 1975 em um show em São Francisco e culminou em uma corrida épica no primeiro lugar depois que ele lançou o histórico álbum ao vivo "Frampton Comes Alive!" em 16 de janeiro de 1976.
Naquele verão quente, Frampton estava na estrada, em turnê com o álbum "A&M" que havia lançado em março daquele ano, chamado simplesmente de Frampton. Produzido pelo guitarrista com Chris Kimsey, incluiu as versões de estúdio de "Baby, I Love Your Way" e "Show Me The Way". A última música apresentava um efeito talkbox distinto e inovador na voz de Peter que se tornaria uma de suas marcas registradas.
Naquela noite de junho, Frampton e sua banda tocaram no Winterland Ballroom em San Francisco. “Nós éramos os donos das ondas do rádio em São Francisco”, disse ele em 2003. “Depois do disco de Frampton, eu não poderia errar lá, e esta foi minha primeira vez como atração principal.
Queria que tivéssemos gravado…
Bem, assim que entramos no palco, havia cerca de 7.500 pessoas lá fora e eu fiquei tipo 'Oh meu Deus'. desligar e dizer 'Oh, gostaria de ter gravado isso' - bem, nós fizemos. Então foi muito especial.”
Juntamente com outros shows no Marin Civic Center em San Rafael, Califórnia, no Island Music Center em Commack, Nova York, e no campus da State University of New York em Plattsburgh, Nova York, essas foram as gravações que constituíram um dos mais álbuns ao vivo de sucesso de todos os tempos, "Frampton Comes Alive".
O álbum duplo fez uma tentativa de primeira aparição nas paradas em No.191 na parada da Billboard duas semanas depois. Alimentado por "Show Me The Way", que se tornou um sucesso de rádio e subiu para o Top 10 nos Estados Unidos, Reino Unido e além, o álbum cresceu implacavelmente. Em 10 de abril, de forma sensacional, o guitarrista inglês se viu no primeiro lugar. "Frampton Comes Alive" conquistou o primeiro lugar da compilação dos Eagles 'Greatest Hits 1971-1975' para passar um total de dez semanas no cume, saltando no topo com Wings 'At The Speed Of Sound'.
O primeiro milhão.
Naquela mesma semana, Comes Alive ganhou sua primeira certificação de platina na América por um milhão de remessas. Em junho, Frampton tinha outro single de sucesso do álbum em suas mãos com "Baby, I Love Your Way"; em setembro, outra ainda com "Do You Feel Like We Do", que alcançou a 10ª posição nas paradas Hot 100 de 13 e 20 de novembro.
Frampton lembrou que quando o álbum foi lançado, “pensamos, isso pode ser um disco de ouro, 500.000. E é claro que praticamente fez isso nas primeiras duas semanas. Em seis semanas, acho, era o número 1 e foi 1-2-1-2 durante todo o verão, foi inacreditável."
A evolução de Peter Frampton
Chris Welch no Melody Maker escreveu que o álbum "marca a evolução de Peter Frampton em uma grande figura do rock, armado com anos de experiência." Comes Alive tornou-se o álbum mais vendido da América em 1976 e nunca parou de vender. No verão de 2011, a RIAA certificou-o oito vezes como platina, e as vendas mundiais foram relatadas com o dobro desse total.
Frampton nunca mais alcançaria patamares de vendas tão estonteantes, mas no verão de 1977, ele estava pronto com seu próximo álbum de estúdio, "I'm In You". That passou um mês em segundo lugar nos Estados Unidos, o single principal da faixa-título também alcançando o segundo lugar no Hot 100. Daquela histórica noite de 1975 em San Francisco em diante, a carreira de Peter Frampton teve uma nova distinção e um multi-brilho de platina estava logo acima do horizonte.
BIOGRAFIA DE Samuel Úria
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Samuel Úria (Tondela, 18 de Setembro de 1979) é um músico português[1][2], membro do movimento FlorCaveira (que teve a sua origem em 1999) fundado por Tiago Guillul.
Líder dos Samuel Úria & As Velhas Glórias, embora se tenha celebrizado nos últimos anos pelos seus trabalhos a solo. Participa ainda no supergrupo da FlorCaveira "Os Ninivitas" e supõe-se ter integrado, com um alter-ego, o projecto Maria Clementina. Desde 2013, é também um dos rostos e vozes do colectivo XNC, com Tiago Guillul, Alex D'Alva Teixeira, Martim Torres e outros.
O EP Em Bruto e o álbum Nem Lhe Tocava captaram a atenção da imprensa portuguesa, com a crítica a ser consensual na consideração de Samuel Úria como um dos mais importantes escritores de canções da actualidade.
No dia 10 de Junho de 2009, Úria escreveu e gravou, num só dia, um disco inteiro em sua casa. A composição e registo das músicas foi filmada e transmitida em directo pela internet, enquanto os espectadores forneciam sugestões via email. O resultado foi o disco "A Descondecoração de Samuel Úria", lançado um ano depois.
Surge na longa-metragem O Que Há De Novo No Amor? representando-se a si próprio, dando um concerto onde toca duas canções suas Barbarella e Barba Rala e Não Arrastes o Meu Caixão.
Edita em 2013 o seu 3º LP, intitulado "Grande Medo do Pequeno Mundo", um disco imediatamente acolhido pela crítica e pelo público. Destacam-se neste disco as participações de cantores como Manel Cruz, Márcia, António Zambujo ou Gonçalo Gonçalves.
Ganhou, em 2014, o prémio para a melhor canção do ano da SPA, como o tema "Lenço Enxuto".
Apesar de ainda ser conotado à música alternativa e um fenómeno emergente das editoras indie portuguesas, a carreira de Samuel Uria passa pela escrita de canções e letras para nomes de primeira água da música lusa, como Ana Moura, António Zambujo, Clã ou Kátia Guerreiro.
Lança em 2016 o álbum "Carga de Ombro", produzido por Miguel Ferreira e novamente aclamado pela crítica.
Discografia
- 2003 - O Caminho Ferroviário Estreito
- 2005 - Samuel Úria & As Velhas Glórias
- 2008 - Samuel Úria em Bruto
- 2009 - Nem Lhe Tocava[1]
- 2010 - A Descondecoração
- 2013 - Grande Medo do Pequeno Mundo
- 2016 - Carga de Ombro
- 2018 - Marcha Atroz
- 2020 - Canções do Pós-Guerra
- 2021 - Canções do Pós-Guerra - Solo
- Ninivitas
- 2005 - A Sessão de Água de Madeiros
- Colectâneas
- 2006 - 5 Subsídios para o Panque-Roque do Senhor
- 2007 - A FlorCaveira em Frequência Modulada
- 2008 - Novos Talentos Fnac
- 2008 - A FlorCaveira Apresenta O Advento
- 2009 – Novos Talentos FNAC 2009
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Bâmos Q Bânia: a força do rock progressivo sul-americano
Depois da ótima repercussão com “Eletrolux”, seu single de estreia, a banda sorocabana Bâmos Q Bânia retorna com sua segunda faixa, intitulada “Revolução Estelar”. A música, que veio acompanhada de mais um belo clipe produzido pela própria banda, estará no disco de estreia do quarteto de rock progressivo. Assista ao clipe abaixo.
“Revolução Estelar” teve como cenário a Mata da Câmara, em São Roque-SP. Assim como o single de estreia, a música aborda temas diversos que causam reflexão, como a ciência e a natureza. “O clipe faz uma metáfora ao som da banda, ao momento que estamos vivendo de inúmeras mudanças, quebra de preconceitos e principalmente de dar voz a todos que podem falar”, explica a banda.
Diferentemente da metafórica “Eletrolux”, em “Revolução Estelar” a Bâmos Q Bânia optou por passar a mensagem da forma mais simples possível. “Ela tem uma estética mais simples e de fácil absorção e entendimento.
A banda tocando em um “mundo real”, toda a beleza da vida, natureza, fauna e flora que devemos preservar, respeitar e desfrutar de forma sustentável. É com certeza um clipe mais fácil de assistir, refletir e se encantar com tudo o que temos”.
A Bâmos Q Bânia se consolidou em 2018 e é formada por Giovanni Guazzelli (guitarra/teclado/voz), Rafael Guazzelli (guitarra/voz), César Guazzelli (baixo/voz) e André Luckner (bateria/percussão).
Além de resgatar o rock progressivo, a banda conta com influências que vão do jazz ao rock clássico, passando pela MPB em geral e jazz brasileiro. Entre as referências estão nomes como Pink Floyd, Emerson Lake Palmer, Camel, Genesis, Yes, King Crimson, Dream Theater e Os Mutantes.
As duas faixas lançadas pela banda até o momento estarão no disco de estreia da banda. Assista também ao clipe de “Eletrolux”.
Yaybahar: um instrumento que desafia a realidade
Yaybahar: um instrumento que desafia a realidade
Um músico turco, residente em Istambul, teve há uns anos uma ideia: criar um instrumento que desafiasse todas as barreiras da imaginação, capaz de produzir um som único, digno da banda sonora de filmes de ficção científica. Assim, arregaçou as mangas e pôs mãos à obra para criar o yaybahar.
O formato do yaybahar é tão estranho como o seu nome e não é nada daquilo a que estamos habituados. Pegando em alguns instrumentos clássicos e ainda em alguns conceitos mais modernos, o turco Görkem Şen juntou o melhor de dois mundos para criar um bastardo musical.
O yaybahar é assim composto por uma grande estrutura de madeira da qual faz parte uma extensão, semelhante a qualquer instrumento de cordas. As cordas, no entanto, estão ligadas a dois tambores, através de molas finas em espiral. Para que perceba melhor como é o instrumento, deixamos que as imagens falem por si mesmas.
Como se toca o yaybahar?
Nós bem avisamos que o yaybahar não era nada como os instrumentos a que estamos habituados a ver, ouvir e até tocar. Mas significa isso que não é fácil de tocar? Não propriamente. De acordo com Görkem Şen, o yaybahar é muito parecido com o violoncelo e o contrabaixo na forma como se toca. Basta passar sobre as cordas horizontais um arco enquanto dedilha as cordas verticais e toca nos tambores com os pés.
No entanto, ao contrário dos instrumentos habituais de corda, as vibrações produzidas pelo arco do yaybahar viajam através das molas e ressoam repetidamente nos tambores. É produzido assim um som complexo, onde a música folclórica se parece cruzar com os tons mais futuristas num encontro decididamente hipnotizante. Efeitos ou distorção não são para aqui chamados, tratando-se o yaybahar de um instrumento cem por cento acústico.
Ainda não há muita informação disponível sobre o yaybahar. Para quem perceber o idioma turco, existe uma conferência TED (disponível AQUI) onde Görkem Şen fala do instrumento, de como surgiu a sua ideia e onde chega mesmo a fazer uma belíssima demonstração sobre como tocar o yaybahar. Mas como a música é uma língua sem fronteiras, deixamos também a playlist do Soundcloud do artista, com 4 faixas tocadas exclusivamente com este instrumento.
Crítica do álbum: Bombay Bicycle Club – Everything Else Has Gone Wrong
Os fãs do Bombay Bicycle Club tiveram que esperar três anos pelo retorno da banda, enquanto dois de seus membros seguiram seus projetos solo. Como esse tempo separado afetou seu som e sua capacidade de criar música juntos?
Originalmente baseado em Crouch End, Londres, sua primeira grande chance veio de uma competição para tocar na abertura do V Festival em 2006. Desde então, eles lançaram dois EPs e quatro álbuns, sendo o de maior sucesso So Long, See You Tomorrow, que alcançou o primeiro lugar nas paradas do Reino Unido em 2014 e levou a uma turnê mundial. A formação original da banda incluía Jack Steadman (vocais, guitarra e piano), Jamie MacColl (guitarra), Suren De Saram (bateria), Ed Nash (baixo). Em 2016, após alguns anos de enorme sucesso, Ed Nash e o vocalista Jack Steadman lançaram músicas por conta própria, após esse breve hiato o grupo voltou com Everything Else Has Gone Wrong.
Everything Else Has Gone Wrong é o quinto álbum de estúdio da banda britânica de indie rock Bombay Bicycle Club.
Seu estilo sempre foi bastante difícil de definir, mas muitos os descreveriam como indie-rockers. Eles são um grupo que não tem medo de misturar as coisas, muitas vezes mostrando seu amor por folk mais suave ou eletrônica afiada. No geral, Everything Else Has Gone Wrong aparece como um projeto bastante alegre, com a maioria de suas faixas compartilhando uma vibração doce e importante. Essas canções divertidas funcionam bem juntas e parecem retratar um grupo revigorado por seu intervalo. O álbum apresenta alguns refrões maciços, cada um perfeito para uma boa e velha cantoria de festival; frequentemente optando por manter as coisas simples para que os ouvintes possam acompanhar.
Começamos com Get Up, com sua introdução curta e marcante que promete muito e cumpre. Eles mantêm as coisas simples, mas eficazes em Is It Real, com os rápidos rolos de caixa de Saram e os tons de guitarra reconhecíveis de MacColl. A peça titular do álbum, Everything Else Has Gone Wrong, é como muitas outras, uma faixa feliz com letras melancólicas contrastantes e bem escondidas. Esse lirismo mais profundo, pessoal e significativo continua na despojada Good Day “me fez parar e pensar no tempo se esgotando”. O terceiro single do álbum, Racing Stripes, é de longe o mais emocionante, apresentando vocais quebrados, tensos e crus; com um instrumento tipo sanfona que segue sua melodia com precisão. A seção principal desta faixa é uma beleza, onde o contrabaixo descendente em staccato encontra cordas de sintetizador, drones e muitas vozes em camadas.
Indiscutivelmente, a banda soa mais impressionante quando começa a ultrapassar os limites do indie-rock, experimentando vários gêneros. Como em Let You Go, onde os vocais femininos são cortados e cortados antes de emergir em uma peça incrivelmente inteligente que utiliza a repetição. Tem uma energia notavelmente moderna, combinando arpejos sintetizados com bateria eletrônica estilo anos 80. I Worry About You é bem diferente ritmicamente, com um padrão levemente afro-beat, então em Do You Feel Loved a introdução também tem uma batida menos óbvia; bem como um instrumento de sopro de outro mundo muito eficaz. Eat, Sleep, Wake (Nothing But You) é, sem dúvida, a faixa mais memorável do álbum, com outra excelente introdução onde tanto o sintetizador principal quanto o riff de guitarra deslizante brilham intensamente. A maioria das faixas são curtas e doces,
Everything Else Has Gone Wrong é, em sua maior parte, uma audição atrevida e edificante, com emoção suficiente para domar sua energia positiva. Eles decidiram se ater ao que sabem, em vez de reinventar seu som para a reunião da banda, e o resultado é decente. Pode não ser tão empolgante quanto Adeus, até amanhã, mas ainda assim vale a pena conferir.
ALBUNS DE ROCK PROGRESSIVO
Steve Howe - Mothballs (1994)
E agora é a vez de uma raridade, um álbum de compilações de músicas dos primeiros grupos dos quais Howe participou: Syndicats, In Crowd, Keith West, Tomorrow, Canto e Bodast, além de algumas músicas de Howe pre Yes , com um total de 25 canções curtas que variam de rhythm and blues, rock psicodélico, blues rock e fragmentos do que poderia ser chamado de semente do rock progressivo. E como estamos numa saga do puro Steve Howe, não poderíamos deixar de fora essa raridade.
Artista: Steve Howe
Álbum: Mothballs
Ano: 1994
Gênero: Crossover prog
Referência: Discogs .
Nacionalidade: Inglaterra
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Talvez essa raridade seja considerada um álbum menor na discografia solo de Howe. Vejamos o que nos dizem as informações recolhidas pela rede:
Antes de ganhar notoriedade com The Yes Album, Steve Howe seguiu o caminho típico de muitos músicos de sua geração, passando por diferentes formações, começando pelo r&b de seu primeiro grupo The Syndicats, depois passando pelo soul e mod de The In Crown e o subsequente psicodelia de Tomorrow terminando com os toques progressivos de Bodast. Desde o início e apesar de ainda adolescente, a qualidade de Howe na guitarra já é perceptível, embora além de algumas boas canções como "Howlin' For My Baby" e "What To Do" fica claro porque essas bandas não teve um impacto.
"So Bad" e "You Never Can Stay In One Place", duas peças instrumentais gravadas em 1967 foram planejadas como single solo mas nunca lançadas e já apresentam um estilo muito mais original e psicodélico. Vale a pena rever a também psicodélica “Come Over Stranger” com seu grupo Canto (que viria a se tornar Bodast). As canções de Tomorrow e Bodast, bem como sua colaboração com Keith West, estão disponíveis em outros álbuns e apenas justificam sua inclusão para obter uma imagem completa do trabalho pouco conhecido de Howe nos anos 1960.
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Mais um disco para a coleção dos fãs do Howe!
Lista de faixas:
1. Maybellene (2:09)
2. True to Me (1:56)
3. Howlin' for My Baby (2:52)
4. What to Do (2:40)
5. Leave My Kitten Alone (2:53)
6. Don't Know What To Do (3:10)
7. On the Horizon (2:50)
8. Stop Wait a Minute (2:08)
9. You're On Your Own (2:19)
10. Why Must They Criticise (2:29)
11. I Don't Mind (3:17)
12. Finger Poppin' (2:03)
13. So Bad (2:30)
14. You Never Can Stay In One Place (2:39)
15. Real Life Permanent Dream (3:16)
16. Am I Glad To See You (3:01)
17. Blow Up (4:04)
18. Three Jolly Little Dwarfs (2:38)
19. Revolution (2:27)
20. My White Bicycle (3:17)
21. The Kid Was a Killer (2:30)
22. Come Over Stranger (3:06)
23.Beyond Winter (2:52)
24. Nothing to Cry For (4:07)
25. Nether Street (3:00)
Line up:
- Vários músicos + Steve Howe
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