Do Chile e graças ao neckwringer, trazemos mais um trabalho do Demonauta, puro Stoner rock ao estilo Los Natas. Uma experiência onde as canções selvagens acrescentam vivacidade extra ao que já conhecemos do Stoner, que por si só é uma experiência musical electrizante, mas esta gente sabe matizá-la com muito groove, climas, interlúdios que abrandam o ritmo ritmos de solo para voltar a esse monstro colossal de som que impulsiona o resto do álbum. Uma das bandas latino-americanas que eu não conhecia e aprendi a apreciar graças ao neckwringer, e espero que não seja o último álbum deles a aparecer no blog da cabeça. Um recorde para explodir suas cabeças em pedaços.
Artista: Demonauta Álbum: Caminando en la Luna Ano: 2012 Gênero: Stoner Rock Duração: 40:00 Referência: Discogs Nacionalidade: Chilena
Aqui um pouco do melhor Stoner Rock Sul Americano, com muito "fuzz". Demonauta nasceu em 2010 e até hoje lançou quatro álbuns de estúdio e um ao vivo: "Vol 1" (2011), "Caminando en la Luna" (este que nos interessa agora, de 2012), "Woodstaco" Live (2014 ), "Tierra del Fuego" (2016) e "Parte 2: Temaukel, The Spirit Before Time" de 2016 e já destaque no blog cabeza, também graças a neckwringer . Álbuns tremendos com uma sonoridade deserta e densa, áspera e poderosa, tendo como referência base bandas como Black Sabbath , Kyuss uma linha musical honesta, bem definida em seu estilo.
Neste álbum também podemos reviver aqueles riffs sombrios do rock dos anos setenta, que junto com suas letras (eles estão sempre dando sua opinião sobre o clima social em que estamos imersos, sobre como somos corrompidos, ambiciosos e escravizados) dão seu estilo e sua forma que determinam por que é uma das bandas de rock chilenas mais reconhecidas do mundo.
A banda tem o que uma banda de suas características tem que ter, não decepciona, talvez também seja pouco surpreendente, já que a banda não ousa se afastar muito do som arquetípico do stoner / fuzz rock, mesmo assim o grupo chileno ainda consegue adicionar seu próprio sabor para criar algumas passagens musicais únicas, e eles sempre têm mais prós do que contras, desde que você goste do estilo. O rugido de Demonauta neste, seu segundo álbum, é um tiro de fúria nas células do seu cérebro. Com uma mistura de riffs explosivos e jams escaldantes, seu som é a comparação mais próxima da cena sem soar como cópia de nada. De fato, o som fresco de Demonauta , com seus grooves descontraídos e profunda interação de seção rítmica, é inconfundível ao longo do álbum.
Muita energia, densidade, mas também dinamismo e alguma experimentação que conferem ao álbum um certo voo para além do transe hipnótico e lisérgico envolto naquela orgia de polenta que esbanjam a todo o momento. Mais uma grande contribuição do neckwringer que continua a percorrer as nossas terras para nos presentear com os melhores sons, pelo que espero que saibam agradecê-lo em conformidade.
*****DADOS TÉCNICOS***** Artista: Demonauta Álbum: Caminando en la Luna Ano: 2012 Gravadora: Planetario Fuzz Recs Catálogo: na País: Chile Lançamento: 2012 Faixas: 9 Código de barras: na Matrix: RFD80M-79234 80 UN [Mirrored] Master: na Mold: na ************************ ATIP Information: Disc ID: 97m15s17f Fabricante: Ritek Co. Start Time of LeadIn : 97m15s17f Último tempo de início possível de LeadOut: 79m59s70f ************************
Aqui você pode ouvir o álbum completo... Espero que gostem e obrigado neckwringer.
Da Noruega vem este álbum de estreia que beira o rock psicadélico, o stoner rock e o rock progressivo dos anos 70, onde o que os músicos fazem não é inventar nada de novo mas sim fazer o que fazem bem (muito bem!). Uma banda liderada por dois irmãos mais novos, que remetem para a psicodelia dos anos setenta como ponto de partida, acrescentando sonoridades mais modernas próximas do Stoner rock, e criando uma mistura entre Wishbone Ash e Mastodon (para terem uma ideia do som deles). Isso é uma novidade de uma banda desconhecida, mas não menos divertida por isso, de uma banda que não inventa nada de novo mas o que faz faz muito bem. Selvagem, vibrante e cheio de vigor, este é altamente recomendado para todos os amantes da música progressiva, e um começo brilhante para a carreira desta nova banda norueguesa.
Kosmodome , outra banda no firmamento da florescente cena musical progressiva da Noruega, com seu som psicodélico pesado, entrega seu primeiro disco, com sua atmosfera dos anos sessenta. A música do Kosmodome é o rock dos anos setenta baseado em riffs pesados com elementos stoner. Como eu disse antes, eles não inventam nada, mas o que eles fazem, eles fazem muito bem.
Banda liderada pelos irmãos Sandvik, Sturle na guitarra e vocal, e Severin na bateria, Focada no melódico e no groove; com uma base poderosa para alcançar mergulhos profundos em paisagens sonoras densas e pesadas e atmosferas espaciais. As secções instrumentais são fundamentais para a sua narrativa musical, apoiadas por alguns temas líricos; falando de introspecção e admiração, reflexões sobre a condição humana e frustrações com a sociedade contemporânea.
O cenário é o seguinte: são os anos 60, você chega em casa depois de um longo dia de trabalho, tira o casaco, coloca um disco de uma das muitas bandas de rock psicodélico da época enquanto curte os efeitos de uma certa erva polêmica (sem se desculpar pelo uso de substâncias nocivas, meus filhos), você se deixa levar pela atmosfera criada por tal combinação e desfruta de um momento perdido além do aqui e agora. É exatamente assim que se sente ao ouvir o álbum de estreia dos KOSMODOME, a dupla dos irmãos noruegueses Sturle e Sverin Sandvik, portando vozes, guitarras e percussão respectivamente, que nos oferecem uma viagem repleta de música psicodélica que flerta com o rock progressivo, tudo levando cuidando bem do aspecto melódico e deixando aquela sensação "groovy" da época. Começamos com "Enter the Dome", uma música que não ultrapassa os dois minutos de duração e, como o nome indica, serve de introdução ao álbum e directamente à segunda faixa "Retrograde", que nos envolve totalmente nessa psicodélica ambiente de que temos vindo a falar, com riffs deliciosos e melódicos, carregados de uma aura dos anos sessenta, mas, estranhamente, revelando-se mais composto pela fibra do post-rock do que por qualquer outro elemento em geral. “Hypersonic” apresenta-se como uma música de vertente alternativa com toques psicadélicos, com a bateria a marcar um ritmo difícil de ignorar e difícil de não expressar através da linguagem corporal. “Deadbeat” novamente evoca aquela vibração dos velhos tempos com percussão groovy e riffs cativantes. De notar que as vozes também se sentem tiradas do tempo e chega um ponto em que pensas que estás mesmo a ouvir uma obra daqueles anos. Da mesma forma, esta é uma daquelas canções que mostra as influências gerais que os Sandviks têm permeado em seu trabalho. Fazem-me lembrar alguns trabalhos dos My Morning Jacket, Racing Glaciers, The Who e até do primeiro álbum dos Verve, mas com um certo espírito próprio. “Waver I” é introduzida vigorosamente com bateria poderosa e guitarra estrondosa, marcando aqui um dos momentos mais “pesados” do álbum, tendo “Waver II” como resposta direta, continuando com aquele discurso mais agressivo por parte das guitarras. , mas sendo mais atmosférico que a parte anterior. "The 1%" funciona como uma ponte entre o final da parte central do álbum e sua conclusão, continuando com a parte ambiental, sobretudo. E agora para fechar temos “Orbit”, a música com maior duração do álbum e onde todas as componentes do álbum colidem para nos dar quase nove minutos de pura genialidade espacial, proporcionando assim um encerramento adequado para tal digressão. Embora eu costumo tentar dissecar o que ouço com mais cautela e, apesar de o álbum ter uma excelente qualidade de produção, a verdade é que não há muito material para cortar daqui. E não vejo necessariamente isso como um problema, porque as intenções do álbum são mais do que claras e não encontro neles delírios de grandeza ou ares de pretensão. É um trabalho humilde nesse sentido. É apresentado como um álbum de rock psicodélico, divertido, fácil de ouvir e, sinceramente, é bom encontrar algo como KOSMODOME de vez em quando. Vou me permitir relaxar logo nesta parte da resenha e exorto você, caro leitor, a relaxar ao ouvir esta estreia. Não espere encontrar algo que quebre os moldes, um candidato a álbum do ano ou algo que venha mudar os esquemas na seção de inovação. Em vez disso, ele espera encontrar um disco que o divirta e procure fazer você se divertir também. Cumpre perfeitamente seu objetivo de criar e executar momentos atmosféricos e até Stoner, com letras que tratam da introspecção, maravilhas e até mesmo das frustrações da sociedade contemporânea. KOSMODOME é um merecido respiro entre tantas demonstrações de força. Um doce suspiro no ouvido, agradando a todos os gostos, públicos e idades, Pouco mais resta a dizer, exceto talvez fazer um convite para que, como disse no início, se deixe levar. Se por acaso procuraste uma pausa na monotonia que ocasionalmente te aprisiona nesta música extrema, mas sem sair da zona do rock, o KOSMODOME é uma escuta informal, perfeita para te dar aqueles "cinco minutos". Nem mais nem menos.
Oito canções habilmente elaboradas que se sobrepõem e contêm reviravoltas e substância suficientes para garantir a satisfação do público de cabeça grande. Não que "Kosmodome" seja incrivelmente experimental como tal, mas ouvi-la parece uma aventura musical vertiginosa. O que eu acho que faz esse sentimento se destacar é que em cada música você pode ver o entusiasmo e a paixão desses caras em desenvolver seu material, que eles gostam imensamente de tocá-lo e interpretá-lo.
Sua grande mistura de prog rock, stoner rock e psicodelia dos anos 60 é eficaz e funciona magnificamente, com linhas melódicas às vezes suaves e melancólicas que se distorcem e se transformam, acabando por fazer um disco divertido e eclético, e você pode dizer que eles estão gastando em grandes ao tocar nesses temas que vão desde o edificante e quase despreocupado até um tanto comovente e sombrio. Nenhuma das composições vacila e, no geral, este é um disco sólido e profissional em termos de qualidade, coesão, resistência e musicalidade.
Esta é definitivamente uma experiência de audição interessante, atraente e recomendável.
Tracklist: 01. Enter the Dome 02. Retrograde 03. Hypersonic 04. Deadbeat 05. Waver I 06. Waver II 07. The 1% 08. Orbit
Lineup: - Sturle Sandvik / guitarras e vocais - Severin Sandvik / bateria With Ole-Andreas Jensen (Shaman Elephant) - baixo Jonas Særsten - teclas, efeitos Morten E. Olsen - solo de guitarra
Lançado pela Robinsongs, a gravadora do Reino Unido que anteriormente relançou cinco álbuns de Jimmy Castor em um par de conjuntos de dois discos, The Definitive Collection dá uma olhada mais ampla na discografia de Castor em três discos. Começa com a joia boogaloo "Hey Leroy, Your Mama's Callin' You", um single do Top 40 em 1966, e termina com seleções do álbum autointitulado Jimmy Castor Bunch de 1979, quando Castor estava fundindo funk e disco. Não foi à toa que ele foi apelidado de “o homem de tudo” pelo parceiro de composição e produção John Pruitt. Além de escrever, fazer arranjos, produzir e cantar - alternando friamente entre o suave e o áspero, enraizado no doo wop e inclinado ao funk - Castor também demonstrou domínio do saxofone,…
…percussão latina e teclados. Essa flexibilidade se prestava a uma fluidez estilística que ele demonstrou ao longo desses anos.
Castor é mais conhecido por clássicos do funk altamente animados, como o B-boy bolt “It's Just Begun”, o baque inspirado em Sly & the Family Stone “Troglodyte” e o violento “Bertha Butt Boogie”, os dois últimos dos quais foram respectivos número seis e 16 sucessos pop. A marca de novidade com que Castor foi conseqüentemente esbofeteado é anulada aqui por uma seleção que também demonstra a amplitude de sua obra. Bastante variados são os próprios singles das paradas, desde um instrumental de groove fácil no qual Castor faz um solo de sax agradavelmente azedo ("Soul Serenade", 1973) até o excêntrico disco-funk com sintetizador entrelaçado e Clavinet ("Space Age", apenas quatro anos mais tarde).
Os cortes do álbum são escolhidos de forma inteligente com forte representação de todos, exceto um dos dez LPs que Castor lançou nos anos 70. ( deixa sair, um lançamento único de 1978 para uma subsidiária da TK, é deixado de fora, mas não realmente perdido.) Junto com uma grande recompensa de funk que move o corpo, há uma boa porção de Santana-encontra-Sly funk-rock (como “Psych” ), baladas de soul doces e musculosas (“Paradise”) e até mesmo peças de cordas (como “Creation [Prologue]”, a configuração de “It's Just Begun”). Complementando os originais estão interpretações vivas de “Purple Haze” e “Foxy Lady” de Jimi Hendrix (feito como um medley), “The First Time Ever I Saw Your Face” de Ewan McColl (inspirado na tomada de Roberta Flack), os O'Jays “Love Train” e “Daniel” de Elton John, além de “I Just Wanna Stop” de Gino Vannelli, com o falsete de Castor transportando a música de Montreal para a Filadélfia
A obra-prima psicodélica clássica Legendary Pink Dots de 1991 é lançada agora com todas as faixas bônus anteriormente disponíveis na caixa extremamente limitada de 5 LPs de 2015. Além do álbum original, remasterizado por Edward Ka-Spel, dois CDs adicionais de material do mesmas sessões de gravações são apresentadas aqui. Para os não iniciados, os Legendary Pink Dots criam canções psicodélicas que misturam religião, ciência e mitologia em seu próprio mundo denso e claustrofóbico. Como uma banda que viveu a maior parte de sua vida à beira da obscuridade, eles conseguiram montar uma das visões musicais mais ferozmente independentes deste lado do Hawkwind. The Maria Dimension , que saiu em 1991 no Play It Again Sam (PIAS), é como a vida…
…alterando um registro conforme eles vêm. Parte ficção científica cerebral, parte história de terror, pontuada por uma beleza narcótica, o disco gira como um satélite desonesto girando em direção a mundos desconhecidos. É um disco com uma tensão femoral pulsante que o suga para seu vórtice sombrio.
CD1
1. Disturbance [05:21] 2. Pennies for Heaven [04:16] 3. Third Secret [04:23] 4. The Grain Kings [08:11] 5. The Ocean Cried ‘Blue Murder’ [03:58] 6. Bella Donna [04:04] 7. A Space Between [06:26] 8. Evolution [08:51] 9. Cheraderama [04:56] 10. Lilith [04:10] 11. Fourth Secret [02:57] 12. Expresso Noir [03:35] 13. Home [05:27] 14. Crushed Velvet [06:42]
CD2 1. I Dream of Jeannie [03:51] 2. Little Oyster [03:55] 3. She Gave Me An Apple [03:01] 4. Stirred But Not Shaken [02:10] 5. Where No Man [06:34] 6. Maria Session 1 [18:32] 7. Maria Session 2 [06:52] 8. Maria Session 3 [05:11] 9. Maria Session 4 [08:09]
CD3 1. Evolution Live (Space Daze) [07:53] 2. Maria Session 5 – Lysverket [13:45] 3. Maria Session 6 – Yogi Talks To Betty[04:43] 4. Maria Session 7 – 1001 Strings[06:05] 5. Maria Session 8 – The Right Setting[17:08] 6. Maria Snapshots (Slight Return)[14:04]
Hoje é a vez de um dos países mais prolíficos do gênero progressivo. Um país com grandes expoentes nos diferentes subgêneros e que sempre foram referências. Como de costume, nestas entradas vamos nos dedicar a bandas mais atuais e não tão conhecidas.
Yuri Gagarin
Cultivando gêneros de baixo ritmo como doom, stoner e space rock, Yuri Gagarin traz para você um mundo de peso e psicodelia. Notável é a naturalidade com que envolvem seus ambientes e arranjos oferecendo uma experiência única ao ouvinte. Se você precisa de música instrumental com alto senso estético, isso pode ser uma revelação.
Andrômeda
Com uma boa mistura de riffs melódicos e técnica , Andromeda nos dá um prog pesado de excelente qualidade. O som também foi mudando para um rock mais pesado em seus últimos trabalhos. Não perca uma banda com uma grande carreira.
Diablo Swing Orquestra
Com inúmeras influências dos subgéneros metal, clássico e jazz, a "inclassificável" Diablo Swing Orchestra vai cativar-te com o melhor da vanguarda sinfónica, se és daqueles que procura música realmente nova esta pode ser uma banda que vai ganhar um coloque no seu coração. .
In Mourning
Com um Death Metal progressivo de ponta, In Mourning de alguma forma preenche o vazio deixado pelo Opeth . Música direta e contundente acompanhada de atmosferas e riffs melancólicos.
Soen
Por fim, deixamos-te uma banda que provavelmente já conheces. Com uma clara veia melódica e cheia de groove, Soen deu-se a conhecer com Cognitive. A partir daí encheram-se de elogios, porém foram vistos sem encontrar ou amadurecer seu som. Com o seu mais recente trabalho cobriram bocas, afirmando-se como um dos melhores álbuns de 2017.
Living Colour é uma banda de rockestadunidense formada pelo guitarrista Vernon Reid, pelo vocalista Corey Glover, pelo baixista Doug Wimbish e pelo baterista William Calhoun. A banda, formada em 1984, teve Muzz Skillings no baixo até 1991. O nome "Living Colour", ao contrário do que muitos pensam, não foi escolhido por causa da etnia de seus integrantes; foi inspirado em uma "vinheta" da rede de TV NBC: "The following program is brought to you in living colour" (parecido com "O programa seguinte é trazido até você em cores vivas").
História
O início
Os três instrumentistas, todos eles já concluindo seus estudos de música, conhecem Corey e resolvem formar uma banda por volta de 1985, tendo Reid como líder. O grupo começa a se apresentar em clubes e bares underground de Nova Iorque. Desde o começo, apresentam uma música com muitas influências: entre elas, o Hard Rock, Heavy Metal, Punk, Funk e o Jazz. A banda causava muito impacto nas suas apresentações, principalmente por serem todos negros, por sua música "misturada" e pelos solos de guitarra altamente técnicos e velozes de Reid. Em um de seus shows, o vocalista Mick Jagger, dos Rolling Stones, estava entre a plateia. Ficou tão impressionado que ajudou que eles conseguissem um contrato com a Epic Records.[carece de fontes]
O primeiro álbum
Esse contrato resultou no lançamento do aclamado Vivid, em 1988, que atingiu a sexta colocação nas paradas norte-americanas (Jagger, além de ter conseguido o contrato com a gravadora, também produziu a música Glamour Boys desse álbum). Os destaques desse álbum são as faixas Cult of Personality, Glamour Boys e Open Letter (to a Landlord), que ganharam videoclipes bastante exibidos na MTV americana. Além do clipe, Cult of Personality ganhou um Grammy. Depois do lançamento, os Living Colour saíram em uma turnê internacional como banda de abertura dos Rolling Stones, o que fez com que eles ficassem mais conhecidos no exterior.
Crescimento e a saída de Skillings
Em 1990, a banda foi para o estúdio gravar Time's Up, que tem a conhecida faixa Love Rears Its Ugly Head, e ganhou mais um Grammy. Já animados pela boa aceitação do disco e pela premiação, os Living Colour dão início a uma turnê, o que aumenta a sua popularidade nos Estados Unidos. Um ano depois, é lançado o EP: o ótimo Biscuits, também com ótima aceitação pelos fãs, apesar de alguns reviews "desanimados". Logo depois desse lançamento, uma decepção para os fãs: Skillings decide deixar o grupo. Para assumir o baixo, os três chamam o grande Doug Wimbish, velho amigo deles.
Ápice do sucesso e novo álbum
Em 1993, é gravado o Stain, que tinha a faixa Sunshine of Your Love, cover da música homônima do Cream. Essa faixa deu origem a um videoclipe e foi usada como trilha sonora do filme True Lies. A banda estava experimentando um crescimento intenso nos Estados Unidos e até mesmo no exterior. Para se ter uma ideia, somadas todas as vendas, obteve-se um total de 4 milhões de cópias vendidas: 1 milhão para cada álbum. Esse período de 1993 até o início de 1994 foi o mais bem-sucedido do grupo, com fãs "aparecendo" em muitos lugares e as vendas no máximo.
O fim (?)
Já em 1994, milhares (senão milhões) de fãs esperavam ansiosamente que a banda terminasse seu quarto trabalho de estúdio. Mas, durante essas gravações, acontece uma verdadeira tragédia para seus fãs: o guitarrista Vernon Reid, líder da banda e seu principal ícone, anuncia que vai deixar o grupo. Foi um choque para todos, inclusive para Corey, Calhoun e Wimbish (e, porque não, para Skillings), que decidiram não continuar tocando sem Reid. Era o início de uma nova fase para todos do extinto Living Colour.
A era das coletâneas e projetos paralelos
Depois do baque, os fãs viram um Vernon Reid trabalhando em seus projetos solos. Enquanto isso, foram lançadas três coletâneas do Living Colour: Pride, em 1995; Super Hits, em 1998; e Play It Loud!, em 1999. Durante esse período, William Calhoun participou de algumas bandas, inclusive em alguns projetos com seu amigo Doug Wimbish, como a gravação de uma videoaula para Baixo. Em 1998, Glover lançou seu CD solo, o Hymns, com um vocal "puxado" para uma mistura de Funk, Rock e Soul music.
A ressurreição
Em 2000, depois de cinco anos sem Living Colour, vem uma nova surpresa, dessa vez agradável: Vernon Reid, aos 43 anos de idade, anuncia que o Living Colour está de volta, para alegria de seus fãs. A volta foi pacífica, sem ressentimentos aparentes entre os músicos. O grupo assina contrato com a Sanctuary Records, e promete novos álbuns e turnês. O primeiro trabalho lançado é uma versão remasterizada de Vivid, lançada em 2002. Em 2003, depois de dez anos sem novos trabalhos, é lançado o ótimo Collideøscope, com destaque para as faixas Back in Black e Tomorrow Never Knows, covers do AC/DC e Beatles, respectivamente. Depois do lançamento do novo disco, a banda fez uma série de apresentações, tendo inclusive vindo ao Brasil em 2004. O Living Colour voltou mais uma vez ao Brasil para três shows em outubro de 2009, passando por Belo Horizonte, São Paulo e Rio de Janeiro. Em 2010, a banda se apresentou na Virada Cultural de São Paulo. Em 2013, se apresentou no Palco Sunset do festival Rock in Rio, tendo, como convidada, a cantora beninenseAngélique Kidjo.[5][6]
No início de 2009, a World Wrestling Entertainment Inc. utilizou Cult of Personality no vídeo de introdução de Stone Cold Steve Austin no WWE Hall of Fame. O wrestlerCM Punk utilizou, por um tempo, Cult of Personality como sua música de entrada no Ring of Honor. CM Punk, enquanto trabalhava para a WWE, usou outras músicas licenciadas, mas, em Julho de 2011, depois de sair por um breve período de tempo da WWE, ele voltou com Cult of Personality como sua música de entrada.
Dia de chuva intensa,talvez este um dos motivos para a fraca afluência de público, o que no entanto não impediu o excelente concerto do trio holandêsDeWolff e dos norte-americanosThe Black Crowes.
O palco do Campo Pequeno foi paradoxalmente demasiado grande tendo em conta o pouco público mas os valorosos que tiveram a sorte de presenciar o espetáculo mostraram-se claramente agradados.
Os Black Crowes tocaram logo no início e integralmente o seu álbum de estreia, Shake You Money Maker, editado em 1990. Depois vieram outros temas clássicos da banda como Wiser Time, Remedy, Thorn in My Pride e uma ótima versão de Easy to Slip, originalmente editada pelos Little Feat em 1972 e aqui cantada por Rich Robinson.
A qualidade do som foi mediocre, demasiado estridente por vezes, com bastante reverberação que possivelmente não se notaria se o espaço estivesse cheio, as vozes das duas cantoras de backing vocals bastante sumidas, no geral pouca definição e algum empastelamento.
Fica o video com gravação de parte de Easy to Slip.
Antes, às 20 horas como marcado, estiveram em palco os DeWolff que tocaram cerca de quarenta minutos que pareceram passar demasiado depressa, e deixaram na ideia que, quando e se cá voltarem, será um evento a não perder pois já não há muitas bandas a fazer música deste calibre atualmente.
O trio, formado em 2007 em Geleen, beneficiou de um som mais equilibrado, talvez por estar também com níveis de volume mais baixos que os Crowes.
Aqui fica a parte final da sua atuação, onde até incluíram os acordes de uma tal de Radar Love (dos seus compatriotas Golden Earring).
Do Chile e graças ao neckwringer, trazemos mais um trabalho do Demonauta, puro Stoner rock ao estilo Los Natas. Uma experiência onde as canções selvagens acrescentam vivacidade extra ao que já conhecemos do Stoner, que por si só é uma experiência musical electrizante, mas esta gente sabe matizá-la com muito groove, climas, interlúdios que abrandam o ritmo ritmos de solo para voltar a esse monstro colossal de som que impulsiona o resto do álbum. Uma das bandas latino-americanas que eu não conhecia e aprendi a apreciar graças ao neckwringer, e espero que não seja o último álbum deles a aparecer no blog da cabeça. Um recorde para explodir suas cabeças em pedaços.
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