Composições intensas e cheias de memórias. É assim que a artista sorocabana Giules resume seu primeiro EP, que foi lançado recentemente e conta com quatro potentes faixas acústicas. “Sleepyhead“, como foi intitulado o registro, é o primeiro trabalho solo da compositora, que toca desde os 12 anos e conta com passagens por diversas bandas do interior de São Paulo. O EP tem distribuição pela Handshake Label.
Transitando entre influências que vão do pop ao emo, “Sleepyhead” tem como principais características a poderosa voz de Giules e uma sensação de melancolia reconfortante.
As melodias e letras têm como referência a época em que a cantora morou na Hungria (entre 2016 e 2017), episódio que a marcou muito. “Foi o período mais conturbado e mais feliz da minha vida. A experiência de se sentir livre, porém sozinha, me fez escrever como forma de alívio, dando início a uma série de composições”, conta.
“Sleepyhead” começou a ser gravado em 2019, no meio do ano, embora as músicas já estivessem prontas desde 2017. De acordo com a artista, todas as faixas do EP tratam de momentos muito delicados que todos passamos na vida.
“Aquele amor que sabemos que não tem volta, mas insistimos em esperar; aquela conexão que sabemos que pro outro é apenas carnal, mas nos contentamos apenas com isso; o medo de ser machucado novamente. Todos esses sentimentos comprimidos num desabafo em forma de composição”.
Entre as influências citadas por Giules, estão nomes de peso como City and Colour, Ed Sheerane Neck Deep. A triste e intensa “Asteroid Waves“, faixa de abertura, deixa tais referências bem evidentes. “Available“, um blues ritmado e certeiro, remete a artistas brilhantes como Bruno Mars e Jeff Buckley.
Já a belíssima “Bittersweet Talk“, toda trabalhada em duas vozes, e “Move” são as responsáveis por encerrar o EP, mostrando toda a potência criativa da artista.
Após a publicação de As Your Mind Flies By , a segunda obra produzida pela Rare Bird em 1970, o tecladista inglês Graham Field deixou seus companheiros de banda, provavelmente por diferenças musicais, para criar um novo grupo. Para isso, ele se juntou ao ex-baterista do King Crimson, Andy McCulloch, e ao baixista/guitarrista/vocalista Alan Barry, que colaborou no álbum de estreia de Gordon Haskell. Em suma, um trio com um currículo impressionante e que no papel se compara ao ELP. Batizados de Campos (não confundir com a formação americana de mesmo nome que lançou um LP psicodélico em 1969), os músicos entraram em estúdio para lançar um álbum homônimo em 1971 por conta da CBS com a bela capa aterradora onde vemos o uma águia segurando um pobre coelho em suas garras.
Composto por 10 faixas por peças que oscilam entre 3 e 5 minutos, este LP vai destacar o toque de órgão de Graham Field sem cair na armadilha pomposa e grandiloquente de Keith Emerson. Além disso, o disco será muito variado para um prog longe de ser impressionante, mas acessível e sedutor. Começa esmagadoramente com "A Friend Of Mine", mas rapidamente esta música está galopando. A combinação nos oferece mais títulos pop de influência dos Beatles, "While The Sun Still Shines" e a balada melancólica "Not So Good" dando lugar ao rastejante falsamente medieval "Three Minstrels". A estranha instrumental "Slow Susan" chega assim como a épica e formidável "Over And Over Again" ambas desencantadas e ameaçadoras. De volta à balada com a despreocupada e boogie "Feeling Free", uma dica celestial que introduz o folk sonhador e outonal "Fair Haired Lady". Achamos o espírito Woodstock em "A Place To Lay My Head" um tanto blueseira onde Alan Barry nos mostra todo o seu talento na guitarra. O disco termina com “The Eagle” um instrumental que varia os ambientes e os andamentos, onde se passa da suavidade ao pesado, feito de uma boa combinação entre uma guitarra atmosférica e um órgão bucólico mas também aterrador.
Bela maneira de finalizar um vinil que infelizmente não teve o sucesso ocasionando a saída de Alan Barry que se tornou músico de estúdio. Os restantes membros vão tentar continuar a aventura recrutando o ex-baixista dos Supertramp, Frank Farrell para uma segunda obra que infelizmente ficará no armário por muito tempo. Essa decepção causa a separação de Fiels em 1972. Andy McCulloch sairá para ingressar no Greenslade e Graham Field encerrará sua carreira musical.
Títulos: 1. A Friend Of Mine 2. While The Sun Still Shines 3. Not So Good 4. Three Minstrels 5. Slow Susan 6. Over And Over Again 7. Feeling Free 8. Fair-Haired Lady 9. A Place To Lay My Head 10. The Eagle
Músicos: Andrew McCulloch: Bateria Graham Field: Órgão, Piano Alan Barry: Guitarra, Baixo, Mellotron, Vocal + Dafne Downs: Clarinete
Todo mundo adora ouvir TV, certo? Às vezes, até aumentando os níveis de sangramento no ouvido para que você não perca um único segundo da narração nítida de David Attenborough, mas e se houver mais alguém por perto? Talvez não seja tão bom para eles e seu zumbido. Então, por que não dar a eles e a seus vizinhos uma pausa e dar uma olhada em alguns fones de ouvido sem fio para que você não perca nenhum detalhe e eles não percam uma porcentagem de sua audição.
Portanto, vou assumir que, neste ponto da história, estamos todos bastante familiarizados com a transmissão de dados sem fio e todas as diferentes variantes existentes. No entanto, não existe “muita informação”, então vamos começar a detalhar o Sennheiser RS120 II e exatamente o que eles fazem.
Em termos de conectividade, os 120s levam de volta a uma época em que configurar algo era tão fácil quanto conectá-lo e girar um botão! Utilizar a transmissão de som via radiofrequência em vez de Bluetooth significa que não é necessário configurá-lo por meio de um telefone ou tela. Tudo o que você deve fazer é conectar o transmissor ao conector de fone de ouvido de 3,5 mm da sua TV com o cabo fornecido, conectar o transmissor à rede elétrica com o plugue fornecido e, em seguida, sintonizar os fones de ouvido na frequência do transmissor girando suavemente o dial no lateral dos fones de ouvido. Como vai configurar, não fica muito mais simples do que isso!
Assim que você estiver pronto para usar seus novos fones de ouvido, por que não dar um passeio pela casa? Ser RF em vez de Bluetooth significa que os RS120s têm um alcance de cerca de 100 metros do transmissor ao receptor, para que você possa literalmente fazer a jardinagem enquanto ouve Match of the Day e até mesmo estar do lado oposto de uma parede e ainda ouvir exatamente o que está acontecendo .
Com toda essa mobilidade, é claro que você deve considerar a duração da bateria. Felizmente, a Sennheiser o cobriu, fornecendo baterias recarregáveis na caixa que serão recarregadas (nos fones de ouvido) quando forem colocadas de volta no prático suporte de metal dos módulos emissores. Isso significa que, se você comprar essas baterias, NUNCA USE BATERIAS PADRÃO! Isso derreteria as baterias e, se deixado por muito tempo, poderia iniciar um incêndio elétrico bastante sério.
Conselhos de segurança fora do caminho, vamos falar de forma e função. Os fones de ouvido são leves e permitem uma boa quantidade de fluxo de ar para que você possa passar horas sem precisar tirá-los, e eles oferecem um botão de volume na lateral para que você possa aumentá-los ou diminuí-los sem problemas. Por ser tão leve, imagino que você não esperaria muito em qualidade de som…mas é aí que você estaria errado! Com latas grandes e anos de know-how da Sennheiser no comando, o RS120s oferece uma quantidade impressionante de faixa de frequência e áudio claro e conciso.
Portanto, se você está tendo problemas para ouvir a TV ou apenas deseja passear pela casa ouvindo-a, o Sennheiser RS120 II pode ser o conjunto de fones de ouvido sem fio perfeito para você.
Começamos a semana a todo vapor. De terras galegas chega-nos Moura, sons com raízes profundas da terra natal projectados numa arqueologia musical diversificada e rica: rock progressivo muito ao estilo dos King Crimson, algo da cena de Canterbury, progressivo espanhol como Triana, Máquina ou Iceberg , folclore e música autóctone, psicodelia e krautrock (Amon Düül II, Tangerine Dream, Can) com um resultado surpreendente, sombrio e intenso, que homenageia a lisergia pangalaica num ritual sonoro onde dançam lendas mitológicas do folclore galego, canções pastorais e tribais ritmos envoltos num rock progressivo muito pessoal e cheio de ecos de tempos passados, cheio de emoções intensas e com um nível composicional riquíssimo, onde desfilam muitos instrumentos, tanto elétricos como tradicionais. Moura é uma experiência única, uma viagem única pela mitologia galega e pelo folk psicadélico usando a sua língua materna como voz ritual de um coven que persegue um transe colectivo, compondo um grande trabalho digno de começar mais uma semana no blog cabezón com ele. Altamente recomendado!
Artista: Moura Álbum: Moura Ano: 2020 Gênero: Rock Psych / Folk Duração: 39:01 Referência: Discogs Nacionalidade: Espanha
O folclore galego tem inúmeras lendas com fascinantes seres mitológicos. A banda liga-se a esta tradição galega e rural em que os Mouras se destacam como grande figura inspiradora pelo seu papel de portadores de poderes sobrenaturais nas suas habitações junto a locais de culto, grutas, fontes, ribeiras e poços.
Já na capa do álbum é mostrada uma imagem de Penas de Rodas, no concelho de Outeiro de Rei retratando um antigo espaço natural de culto de milhares de anos atrás que continua a albergar inúmeros mistérios na sua elevada construção em pedra, localização e significado , com uma orientação precisa que faz com que um nascer e um pôr do sol exatos se materializem durante os solstícios de inverno e verão. Todas as crenças e lendas sobre o interior das pedras, o seu carácter sagrado e a sua razão simbólica inundam a literatura galega e também este disco em particular.
Oriundos da Corunha, na Galiza, os Moura estreiam-se a 1 de abril com o álbum homónimo dividido em quatro faixas que, juntas, totalizam cerca de quarenta minutos. O estilo que eles tocam é o rock psicodélico com muitas fontes folk nas quais eles se inspiram, com total ênfase em sua região natal. Embora o álbum tenha sido produzido e masterizado há um ano, eles não quiseram correr para a cena, agora eles estão aqui. Esse tipo de estilo está longe dos meus gostos preferidos, além de estar longe disso. Como não há ninguém neste site que se atreva a lidar com eles, eu queria dedicar meu tempo a eles e assim poder dar um empurrãozinho de promoção, mesmo sendo incapaz de falar objetivamente, por isso estou não vai avaliar. As sensações que esta banda me transmitiu é que preferem dar prioridade às influências culturais da sua terra, não só para interpretar as suas letras em galego, mas também pela temática lírica, bem como instrumental, muito próxima da sua tradição folclore de vários séculos. A Galiza é uma das regiões mais ricas em cultura e tradição em Espanha, apesar de ter sido incluída nos reinos muçulmanos, é verdade que durante um curto período de tempo (cultura que transcendeu nas regiões onde estiveram), as antigas crenças celtas foram capaz de sobreviver. Os antigos povos ibéricos e celtiberos não têm essa sorte com tanta profundidade como foi transmitido na Galiza e arredores por gerações. A partir daí eles obtêm um verdadeiro potencial sonoro, que transmitem de uma forma que eu nunca tinha ouvido antes. Me lembra o rock dos anos 70, como se quisessem resgatá-lo de seu clássico som hammond analógico, mas também adicionam riffs de guitarra junto com teclados para mergulhar naqueles rituais ancestrais com druidas como se estivéssemos olhando para um diorama. É sem dúvida uma mistura muito diversificada de estilos em que praticamente qualquer instrumento tem seu momento de destaque.
está muito presente no som da banda, com lareira, timbales e sanfonas marcam o som dos riffs, o progressivo andaluz dos anos setenta misturado com mitos antigos entre seus ritmos e melodias para completar um álbum diferente e surpreendente, assim como para começar mais uma semana no blog da cabeça!
Assim apresentamos oficialmente os Moura , um grande grupo com um grande futuro. Convido-vos a conhecê-los e a mergulhar no mundo sombrio e excitante do progressivo galego e das suas raízes longínquas, cravadas tanto na sua terra como no coração de rock progressivo.
Algo de bom deve estar acontecendo quando não cansamos de apontar que o nível de muitas bandas daqui está no mesmo nível de quem vem de fora. Não só porque encontramos formações que começam a ser uma referência para o resto dentro das nossas fronteiras, mas porque observamos que não são poucos os que começam a olhar para as influências da sua terra para moldar algo único e intransmissível. Berri Txarrak levou o rock em basco mais longe do que qualquer um poderia imaginar, enquanto outros como Atavismo ou Ella La Rabia souberam se inspirar nas raízes de sua terra para construir seu discurso. Moura parece encontrar-se nessa mesma mentalidade musical. Apesar de já estarem ativos há alguns anos, é agora que este grupo corunhoso se prepara para se apresentar à sociedade pela porta da frente. Muito e para sempre esse período de tempo usado para amadurecer um álbum de estreia que cheira a um dos sucessos da época para a freguesia que adora sonoridades psicadélicas e lisérgicas terá pesado. Como se fosse um ritual ancestral perpetrado por antigos druidas, estes galegos convidam-nos à sua particular congregação musical. Há grandes riffs de guitarra e teclados sugestivos, mas é a influência da sua terra através das canções, da percussão tradicional e do uso do galego que acaba por moldar a sua personalidade. Destacar um dos quatro movimentos longos incluídos aqui acima dos demais seria injusto, pois todos formam uma unidade indivisível para compreender a experiência em sua totalidade. Embora talvez seja aquela 'Ronda Das Mafarricas' que melhor consegue unir os dois universos por onde viajam. Estou ansioso para testemunhar o coven elétrico ao vivo.
Já se falou bastante sobre este álbum e dou conta dele copiando os comentários de terceiros, refiro-me aos factos. Um baita álbum de estreia de uma banda super interessante que vamos ficar de olho.
Moura é uma das bandas mais interessantes que surgiram na Galiza nos últimos anos, diria que juntamente com Balmog são as bandas que têm uma clara projeção internacional. Esta banda da Corunha faz eco da tradição druídica celta galega, e misturam o Folk com o Rock Progressivo numa mistura explosiva, lançam o seu primeiro full lenght com o mesmo título. A banda é formada por Diego Veiga que toca violão, gaita e voz; Hugo Santeiro, guitarra eléctrica, guitarra acústica; Fernando Vilaboi el Hammond e os sintetizadores; Pedro Alberte no baixo e Luís Casanova na bateria. Têm a colaboração de A Irmandade Ártabra que costumam tocar juntos, que são eles que introduzem o Folk na sua música: Pandeiro, sanfona, sanfona, clarinete, pandeiro, apito…. Eira é o primeiro tema, surpreendente ao que tudo indica. Um canto druídico que se pode pensar em Ambient Rock, Occult Rock ou mesmo Pagan vai nos surpreender muito com uma mudança de ritmo onde entra o Rock dos anos 70, graças ao órgão Hammond conseguem dar-lhe um ponto de vista clássico e psicodélico e quando a guitarra elétrica entra a magia é ainda maior. É como um cruzamento entre Jethro Tull e Deep Purple mas com um ar neofolk e cantado em galego. Da Interzona a Annexia é uma música de cerca de oito minutos onde eles se deixam levar novamente por um lento intervalo e introduzem um novo fator que é novo, impressionante e eu diria definitivo, eles puxam do rock sinfônico progressivo espanhol dos anos setenta . O que Moura faz pode parecer genial para você, mas na verdade não é, o que é uma mistura muito engenhosa: Triana, Crack, Bloque, Atila, Mezquita, Fusioon, Tableton…. mágico. A parte acústica entra em pleno em O Curioso caso de Mademoiselle X onde interpretam um Neofolk inteligente, medieval, muito celta e de qualidade. Fecho os olhos e sinto de novo o apelo da terra como senti nos anos 70 quando ouvia Fuxan os Ventos, eles souberam revolucionar a mensagem de Fuxan e torná-la sua, ligam-se à terra mas dão-lhe uma espessa camada de rock progressivo e psicodélico que é o que faz a diferença. Quando pensamos no Folk, sempre nos vem à cabeça os Gnus, mas estes Moura não têm nada a ver com isso. Eles se comunicam diretamente com: Aguaviva, Almas Humildes, Oskorri, Jarcha, Suburbano…. etc. Chega a vez do tema mais galego de todo o álbum, Ronda das Mafarricas, aqui A Irmandade Ártabra entra em pleno e sem nunca esquecer o Rock, é a vez do tema mais galego e Folk de todo o álbum, como disse, sem esquecer nunca soar progressivo. Este tema é definitivo e é impossível não fechar os olhos e deixar-se levar pelos ritmos do pandeiro, o cantar galego da sua voz principal e sentir de novo a velha chama, o orgulho de se sentir parte de algo e é algo muito difícil de explicar mas ser galego não tem nada a ver com ser de qualquer outro lugar, é uma sensação única e especial, é uma terra maravilhosa para onde quer que se olhe. Rock progressivo à la Jethro Tull e Deep Purple, rock progressivo e sinfônico espanhol dos anos 70 e Folk galego em termos musicais, mas por favor, permita-me falar desta grande obra do ponto de vista intelectual porque também tem muito Migas. Mencionei Fuxan os Ventos que não tem nada a fazer instrumentalmente a não ser compartilhar sentimento e bandeira e não posso deixar de citar Voces Ceibes. Este foi um colectivo musical que desenvolveu a sua actividade nos tempos difíceis de Franco de 1968 a 1974, um grupo formado por cantores que cantavam canções sociais e de protesto em galego: Benedicto, Vicente Araguas…. e tantos outros. Instrumentalmente, intelectualmente, Moura alcançou um dos sons mais envolventes e inteligentes que ouvi em muito tempo. Pontuação: 8,75/10
Track List: 1. Eira 2. Da Interzona A Annexia 3. O Curioso Caso De Mademoiselle X 4. Ronda Das Mafarricas
Line-up: - Diego Veiga / Violão, gaita e voz - Hugo Santeiro / Elétrico, clássico e acústico guitarra 12 cordas - Fernando Vilaboi / hammond e sintetizadores - Pedro Alberte / baixo - Luis Casanova / bateria
Convidados:
Belém Tajes / Voz Pedro Villarino / Bombo, Tarrañolas, Tin Whistle Miguel Vázquez / Pandeiro, pandeiro, pandeiro Antonio Prado / Lata, pandeiro, tfectos Pablo Reboiras / Hurdy-gurdy Susana Pérez / Clarinete Brais Maceiras / Acordeão
Ainda que ensombrado pelo sucesso de Is This It, Room On Fire é um disco incontornável, repleto de canções maiores do que a vida que ombreiam facilmente com os tops de qualquer lista das melhores canções do Indie Rock.
Desde tempos imemoráveis que, após uma estreia incendiária e bem sucedida, tanto junto dos fãs como dos críticos, o segundo álbum põe um desafio interessante a qualquer banda. Para alguns será uma oportunidade de amadurecer o trabalho começado, crescer musicalmente e, quiçá, gravar com um orçamento mais confortável. Para outros será o momento de se reinventarem e de explorarem novos territórios, eventualmente piscando o olho ao mainstream e ao sucesso comercial. Independentemente do caminho escolhido, o que é certo é que as expectativas são altas e que o segundo álbum pode ser um fiel indicador do futuro de uma banda.
Ora foi exatamente perante este desafio que os Strokes se viram colocados em 2003. A fasquia era elevadíssima para os cinco miúdos de Nova Iorque que deram por si a serem apelidados de salvadores do rock’n’roll com pouco mais que vinte anos, graças aos seu estrondoso álbum de estreia Is This It, de 2001. Já aí no centro de um furacão mediático que haveria de dar origem à grande maioria das melhores bandas do início do novo milénio, punha-se a questão de o que fazer a seguir.
A escolha foi claramente a de resistir à tentação de mexer numa fórmula vencedora. Sem grandes pretensões messiânicas de liderar o futuro da música, Room on Fire sai em Outubro de 2003 e é um disco curto e direto ao assunto, cheio de canções rápidas que parecem ter sido gravadas todas num só take, tal é a energia vital que carregam. Julian Casablancas, com a voz disfarçada por detrás de microfones cheios de efeitos, canta-nos sobre relações falhadas enquanto as guitarras brilhantes de Albert Hammond Jr. e Nick Valensi, e o baixo certeiro de Nikolai Fraiture não nos deixam ficar quietos. Estão cá todos os elementos que nos fizeram gostar de Is This It, ou melhor dizendo, é um disco de Strokes. Para continuar a não fugir à tradição, chamaram os amigos do álbum anterior para ajudar: a produção ficou mais uma vez a cargo de Gordon Raphael (após uma tentativa falhada de colaboração com Nigel Godrich, produtor dos Radiohead), e Roman Coppola realizou o videoclip de “12:51”, o primeiro single do novo disco, à semelhança do que já tinha feito no passado. Não será por acaso que Room On Fire foi declarado pela crítica como o gémeo idêntico de Is This It. Resta saber se isso se trata de uma coisa má.
A verdade é que é ingrata a posição de Room On Fire nos anais da história. Tirado do contexto da discografia de Casablancas e companhia, estamos perante um grande álbum, coeso sem nunca ser aborrecido, recheado de clássicos instantâneos. Um verdadeiro exemplo de como uma banda pode encontrar a sua sonoridade e aprimorá-la. Onde “Whatever Happened” se lamenta (“I wanna be forgotten and I don’t wanna be reminded”), “Reptilia” ou “12:51” são explosivas e dançáveis. Seguem-se “You Talk Way Too Much”, “Between Love and Hate” , a decadente “Meet Me In The Bathroom”, que deu o nome ao livro de Lizzy Goodman sobre a cena musical em Nova Iorque nestes anos e “The End Has no End”, todas exemplos de como Casablancas consegue expurgar na música as suas dores de crescimento e ainda assim fazer boas malhas catchy.
Room On Fire é, portanto, um disco incontornável, pelo menos para alguém que o descobriu, como eu, na sua adolescência (uns anos passados desde o seu lançamento) e ali encontrou um novo mundo musical que fez a vida fazer um pouco mais sentido. Pode não ter tido o mesmo sucesso junto da crítica que Is This It mas não deixa de ser um álbum repleto de canções maiores do que a vida que ombreiam facilmente com os tops de qualquer lista das melhores canções do Indie Rock. Acima de tudo, é um álbum que cimentou definitivamente o estatuto dos Strokes enquanto realeza da música e que nunca deixará de entusiasmar uma pista de dança onde seja posto a rodar.
Já se passaram três anos desde que Bait , o filme de estreia de Mark Jenkin , se tornou um sucesso de boca a boca. Filmado em uma câmera de filme mudo acionado manualmente, com o som e o diálogo totalmente dobrados, parecia emocionantemente deslocado no tempo. O filme bruxuleante e com marcas de varíola e os cortes rígidos gritavam que isso era algo do passado, enquanto seus temas eram prementemente modernos. Enquanto isso, a partitura, composta pelo próprio diretor em uma série de sintetizadores baratos, gravadores e um punhado de pedais, gemia com uma profunda sensação de mau presságio. Jenkin repete o truque com sua trilha sonora para Enys Men , um filme muito mais complicado, disfarçado de horror popular baseado em uma ilha. Mas se as sequências (agora em glorioso tecnicolor!) de…
…faces de penhascos escarpados, flores esbofeteadas pelo vento e pássaros marinhos rodopiantes, ocasionalmente parece que ele acabou de sair e fazer Boards of Canada: The Movie , a música de Jenkin é muito menos benevolente do que qualquer coisa que os irmãos Sandison já lançaram.
Na verdade , este é um trabalho ainda mais minimalista do que a trilha sonora de Bait , talvez refletindo Enys Mené uma primeira hora quase sem enredo. A maioria das peças aqui são montadas a partir de apenas alguns elementos: um simples zumbido repetitivo, alguns sons encontrados e talvez um pequeno fragmento de fala. E assim a abertura 'Enys Pt. 1' é um drift ambiental de dez minutos que é sinistro e sereno. O ar frio do litoral parece se mover pela peça, tanto em um motivo recorrente de quatro notas quanto nos ecos cavernosos que uivam ao fundo. As ondas quebram ao longe em 'Menhir Pt. 1', uma faixa mais curta e doce que captura um momento de calma inquieta. Em contraste, 'Hunros Pt. 2 ', abre com uma melodia divertida e borbulhante que lembra o início do Aphex, antes do que soa como um coro de vans de sorvete abandonadas se juntando à diversão.
É um registro meditativo e, à sua maneira estranha, reconfortante, mas Jenkin o sequenciou para impedir que você fique confortável demais . Alguns dos momentos mais barulhentos, 'Hunros' e 'Bleujen', particularmente, lembram o áudio assombrado dos álbuns de Drew Mulholland para o selo Castles In Space, todos os loops de fita em rápida decomposição e fragmentos de rádio AM interceptado. Uma explosão repentina de estática e um pedido de ajuda MAYDAY no final de 'Menhir Pt. 1 'é chocante o suficiente para fazer você pular da cadeira, enquanto as duas faixas de 'Jynnji' alternadamente ressoam com as ferramentas de mineiros mortos há muito tempo e reverberam com o bater de algo maciço trabalhando sob seus pés.
Sem a catártica faixa Gwenno que acompanha os créditos finais, esta trilha sonora é uma experiência fria e totalmente envolvente. Às vezes parece denso de significado e emoção; em outros, quase não existe. Como o antigo monólito da ilha - e o voluntário sem nome de Mary Woodvine - ele continua sendo um enigma inescrutável e castigado pelo vento
Duas raridades de Neil Young são relançadas como lançamentos físicos independentes, com o indescritível álbum ao vivo Time Fades Away de 1973 em CD e o Eldorado EP de 1989 . Time Fades Away foi gravado em turnê com os Stray Gators, após o sucesso do álbum Harvest de 1972. Consiste no que era material inédito na época e foi lançado em vinil em outubro de 73. Ele mais ou menos desapareceu do catálogo de Young por décadas devido à sua insatisfação geral com a turnê bastante errática. Muito pirateado, mas não oficialmente reeditado até a série de lançamento oficial, caixa de vinil dos discos 5-8 definida em RSD 2014, levou 43 anos para sair em CD quando a mesma caixa foi lançada como um 4CD definido em 2017 .
No entanto, essa caixa de CD já está esgotada, o que significa que, mais uma vez, Time Fades Away é um álbum complicado de pegar em CD! Sem dúvida, este será o motivo do lançamento deste CD autônomo, que utiliza a mesma masterização do CD de 2017. O Eldorado EP de cinco faixas foi originalmente lançado apenas no Japão e na Austrália, e vê Neil Young apoiado por The Restless, que consistia em Chad Cromwell e Rick Rosas. Ele contém diferentes misturas de três canções que apareceram posteriormente no álbum Freedom de Young de 1989: 'Don't Cry', 'On Broadway' e 'Eldorado' e duas faixas não disponíveis em nenhuma outra gravação, 'Cocaine Eyes' e 'Heavy Love' . A faixa 'Don't Cry' no Eldorado é mais longa do que a versão posterior publicada no Freedom, para a qual alguns dos trabalhos de guitarra de forma mais livre foram editados (por insistência dos co-produtores Niko Bolas e Frank Sampedro). Ambos Eldorado e Time Fades Away são relançados em 12 de agosto de 2022, via Reprise Records
É a banda progressiva polonesa mais conhecida e bem-sucedida em todo o mundo, fundada em Varsóvia em 2001 por Mariusz e os dois Piotrs. Possui um rico e excelente Rock Progressivo de vanguarda, mesclado com sonoridades eletrônicas, ambientais e experimentais. Fortemente influenciado por Porcupine Tree, Pink Floyd, Tool, Radiohead, Dream Theater e Tangerine Dream. Possuem 6 álbuns de estúdio, todos com excelentes críticas, pois possuem um bom conceito em música e composição.
Votum
Banda de Rock e Metal Prog fundada em 2002. Tem folk progressivo, avant garde, um pouco de Djent, são muito variados para os seus ouvidos. Influências de Opeth, Riverside e Tool.
K3
Grupo instrumental de metal progressivo polonês, ocupa muita técnica e groove. Eles são influenciados por Dream Theater, Liquid Tension Experiment, Joe Satriani e Steve Vai. Seu álbum "Under a Spell" conta com a participação de Jordan Rudess, coisinha,
Newbreed
Banda de Death Metal Progressivo Melódico com toques de avant garde metal e psicodelia. Muitas vozes guturais e limpas, momentos e passagens de muita distorção e paz. Sua influência mais clara é Opeth, também Alice In Chains, Tool, Gojira e Mastodon.
xanadu
Formada em 2008, a banda polonesa XANADU vem cultivando uma forma muito atraente de rock progressivo pesado, como mostra o lançamento da demo "Violent Dream" em 2010 e, posteriormente, no álbum de estreia oficial "The Last Sunrise". A presença de guitarras duplas no tecido sonoro da banda é vital para permitir que este quinteto expresse seu objetivo, declarado na página do MySpace do XANADU: "unir nossas fascinações musicais pessoais, uni-las para criar uma mensagem universal". O álbum de estréia mencionado acima foi bem recebido em vários círculos do Internet Prog, a música de XANADU foi identificada como sendo relacionada a RIVERSIDE e ao lado mais pesado de PORCUPINE TREE em muitas críticas.
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