Città Frontale biografia A banda napolitana CITTA FRONTALE, que tinha laços estreitos com OSANNA, existiu em duas formas diferentes durante a década de 1970. A primeira versão foi formada em 1970 e incluía o tecladista Gianni Leone, que posteriormente saiu para ingressar no IL BALLETO DI BRONZO. O CITTA FRONTALE original teve vida curta e não fez nenhuma gravação; após um breve período de trabalho ao vivo, eles se separaram para formar o OSANNA, com a notável inclusão do sopro Elio D'Anna, que realmente ajudou a moldar seu som. OSANNA gravou quatro álbuns de estúdio antes de se separarem devido a conflitos internos em 1974; D'Anna e Danilo Rustici emigraram para a Inglaterra onde formaram o UNO. Após a separação do OSANNA, os membros originais Lino Vairetti e Massimo Guarino reformaram o CITTA FRONTALE com uma nova formação que incluía o ex-guitarrista do SAINT JUST, Gianni Guarracino.
O novo modelo CITTA FRONTALE manteve alguns elementos do som OSANNA, embora a música em "El Tor" seja menos complexa e um pouco mansa em comparação. O uso liberal da banda de piano elétrico e saxofone fornece um leve toque de fusão em alguns lugares, enquanto algumas influências de KING CRIMSON e FRANK ZAPPA aparecem intermitentemente. No entanto, o álbum é predominantemente acústico e é melódico quase ao ponto de ser comercial; As composições de CITTA FRONTALE parecem fundamentadas na música folclórica mediterrânea e, às vezes, até lembram CAT STEVENS.
"El Tor" é um álbum conceitual ou ópera rock inspirado na epidemia de cólera que se espalhou pela Itália em 1973; o título do álbum vem do nome popular de uma cepa da bactéria Vibrio cholerae. As letras aparentemente enfatizam a forte preocupação da banda com questões sociais e políticas e tratam do tema de uma sociedade dilacerada, não por doenças físicas, mas pela exploração e opressão. "El Tor" foi criticado em alguns setores porque a natureza leve da música não combina com o drama das letras, embora os vocais espirituosos de Vairetti ajudem a equilibrar essa crítica. Flauta e saxofone são os principais instrumentos principais, e embora as performances de Avitabile sejam boas, seu saxofone não é tão selvagem quanto D'Anna nos álbuns de OSANNA.
Desde que estourou na cena do hard rock, o Bon Jovi passou por várias fases. Porém, a banda ganhou importância muito cedo e soube trabalhar sua validade até hoje, pois ainda lotam estádios mundo afora com fãs incondicionais que entoam, a plenos pulmões, aquelas canções que iluminaram os anos 80 e que ignore a passagem do tempo. O fenómeno que o Bon Jovi provoca, em pleno século XXI, é um tesouro muito valioso que poucas bandas podem atribuir a si próprias, identificando o aparecimento do seu terceiro álbum como o ponto de partida para uma colheita tão generosa, parâmetro que permitiu eles para aumentar a aposta no meio da cena. Com capa censurada nos Estados Unidos e com faixas repletas de genuíno hard rock, os anos nos deram a perspectiva de apontar que "Slippery When Wet" foi gigante, em um ano de gigantes,
Em "Slippery When Wet" havia uma conjunção que não existia nos álbuns anteriores da banda: a fusão dos talentos de Jon Bon Jovi, Richie Sambora e Desmond Child refinou um estilo que esclareceu suas ideias musicais, o que os faria se destacar do resto. Refrões longos, sentimentalismo impecável, uma estrutura melódica que buscava a progressão por uma essência bem country; esta linha deu um valor acrescentado ao álbum e sublinhou o virtuosismo dos membros, especialmente Richie Sambora, um guitarrista contundente que aplicou tanto sentimento às canções que alcançou a sua própria transcendência.
"Let It Rock" é um ótimo gancho começando com aquela introdução barroca e teclados no estilo Deep Purple que dão lugar a um tema magnífico cheio de hard rock bem americano. E o que dizer de "You Give Love a Bad Name", uma música que sempre nos acompanhou e mostra cada vez mais energia. A sonoridade é marca registrada de Desmond Child, o gênio da época, e que lhe deu uma criatividade ímpar desde o início a capella, para explodir numa onda de loucura. A voz de Jon é implacável, perfeita para o estilo e a música não demorou muito para chegar ao número 1 da Billboard.
"Vivendo em uma oração" é o estandarte. É aquela música que à primeira melodia traz à mente a imagem dos nova-jersey com seus cabelos compridos, calças de couro, rostos bonitos e seus vídeos de apresentações ao vivo. Radiável ad nauseam, mas nunca cansativo, destacava-se por aquele característico efeito talk-box de Sambora, pelos teclados precisos de Bryan e o baixo de Such, combinação que era sinônimo de solidez rítmica. Child, mais uma vez, fez seu nome ao criar o famoso refrão, que continuamos a cantar até hoje porque se tornou uma das melodias mais conhecidas dos anos 80. "Social Disease" é um disco mais clássico devido aos arranjos de metais, e ganha um certo ar jazzístico graças à colaboração de Tom Keenlyside. Naquela época era sugestivo começar uma música com os gemidos de uma mulher, mas depois dessa contribuição discutível, a faixa se torna pura energia, com um riff e instrumentos de sopro simplesmente luxuosos. É uma das canções mais bem conseguidas e é uma excelente antevisão de um clássico dos clássicos. "Wanted Dead or Alive" é único. Tem uma introdução acústica memorável, com doze cordas, que nos mostra a qualidade instrumental que a banda alcançou. Então eles eram mais do que apenas caras bonitos curtindo? Claro que sim, e esta faixa, como uma canção de estrada, foi a prova disso. Tem passagens bem avassaladoras e tem o melhor trabalho vocal do álbum, já que quase não tem coros. Conseguiu chegar ao topo e chamar a atenção da imprensa especializada. "Wanted Dead or Alive" é único. Tem uma introdução acústica memorável, com doze cordas, que nos mostra a qualidade instrumental que a banda alcançou. Então eles eram mais do que apenas caras bonitos curtindo? Claro que sim, e esta faixa, como uma canção de estrada, foi a prova disso. Tem passagens bem avassaladoras e tem o melhor trabalho vocal do álbum, já que quase não tem coros. Conseguiu chegar ao topo e chamar a atenção da imprensa especializada. "Wanted Dead or Alive" é único. Tem uma introdução acústica memorável, com doze cordas, que nos mostra a qualidade instrumental que a banda alcançou. Então eles eram mais do que apenas caras bonitos curtindo? Claro que sim, e esta faixa, como uma canção de estrada, foi a prova disso. Tem passagens bem avassaladoras e tem o melhor trabalho vocal do álbum, já que quase não tem coros. Conseguiu chegar ao topo e chamar a atenção da imprensa especializada.
"Raise Your Hands" é o típico hino de estádio, digerível e enérgico. «Without Love» é mais linear e até dispensável, enquanto os teclados radiofónicos dão lugar à balada «I'd Die for You», de estrutura simples mas ao gosto dos adolescentes, consumidor relevante da banda. "Never Say Goodbye" continua, uma balada poderosa com a qual eles conseguiram impressionar. O sucesso alcançado por essa música convenceu as gravadoras a apostar nesse formato de balada para chegar às paradas, então um grande número de bandas apostou nesse tipo de música. Por outro lado, "Never Say Goodbye" foi a prova de que Jon e Richie não precisavam de Desmond Child para compor canções que tocassem o coração e que se afastassem do gosto do rock clássico, mas impondo uma sonoridade igualmente impressionante. O encerramento é com «Wild in the Streets»,
A capa de "Slippery When Wet" tem sua história. Havia um original mostrando uma camisa de mulher, devidamente molhada, e com os seios aparecendo na luz. Mas, como fez a Geffen, nos Estados Unidos, com a primeira capa de "Appetite for Destruction", eles "descartaram" o desenho e o substituíram por um vidro que tem o nome do álbum escrito nele, com letras que simulam umidade.
Graças a este álbum, com muito peso e sucessos armados de inteligência e qualidade, o Bon Jovi se consolidou e estabeleceu um padrão no mercado, pois as gravadoras foram à caça de bandas com características como as suas; embora houvesse muitos clones, apenas eles dominaram a década e a tela da MTV até a ascensão do grunge. "Slippery When Wet" vendeu 28 milhões de cópias, das quais 12 milhões correspondem aos Estados Unidos e foi o autêntico trampolim que os catapultou para a validade que gozam até hoje. Deixando de lado os atrativos físicos de Jon e Richie, as canções revelam qualidade musical e composição, excelentes singles, alguns deles avassaladores, e um toque de distinção cortesia de Sambora, que foi totalmente iluminado em seus acordes.
O olhar do tempo nos permitiu analisar a contribuição instrumental em uma era de sexo, MTV e drogas, mas na qual Bon Jovi vestiu suas melhores armas (e cara, eles as tinham) para começar a percorrer um caminho que os levaria a patamares ainda mais criativos, consolidando uma marca indelével nos álbuns essenciais "New Jersey" e "Keep the Faith".
O grande “Blackwater Park” está no centro de uma época em que a discografia do Opeth se tornava cada vez mais contundente: após o imenso e visionário “Still Life”, parece que o Opeth havia chegado a uma grande virada em sua carreira que estabeleceria uma divisão entre os álbuns que o precederam e o sucederam. Blackwater Park é um exemplo perfeito de uma banda incrível lançando um álbum meio mainstream, mas sem deixar aquele jeito sutil e comovente que assola sua essência desde o primeiro passo. Blackwater soa tão abrasivo, escuro e magnífico que é considerado por muitos como o "Mestre das Marionetes" do Opeth.
Os suecos estavam em pé firme em 2001, o Opeth praticamente eliminou suas raízes enquadradas no NWOBHM que atormentavam os primeiros álbuns com algumas "manchas", mas ainda eram absolutamente impressionantes como "Orchid", onde Mikael Akerfeldt usou harmonias emocionantes e letras sensíveis repetido sobre uma linha de baixo, e aqui ele substituiu complexos acordes de jazz que se tornam uma parede maciça e impenetrável de som quando distorcidos. O fator bombástico é o que o faz apaixonar-se por este álbum, que aliás inclui várias das mais longas composições de europeus.
Até porque foi produzido pela primeira vez pelo -naquela época- não muito conhecido ou aclamado Steven Wilson (ele também colaborou em mellotrons, guitarra e vocais) ele nos dá alguns momentos avassaladores de inspiração do metal progressivo: 'The Drapery Falls' até hoje em uma de suas peças de culto, 'The Leper Affinity' bate forte desde o início. É uma pista sensacional. A formação instrumental entre Mikael Åkerfeldt, Peter Lindgren, o uruguaio Martín Méndez e Martín López na bateria é incrível, o que eles conseguiram com este álbum foi extremamente difícil em termos de técnica e coordenação, e conseguiram levá-lo "ao vivo" mais tarde. a mesma forma mestre. Em “Bleak” contemplamos uma potência gutural que coexiste ao mesmo tempo com acordes acústicos e uma harmonia cativante. “Bleak” dá um passo gracioso em direção a vocais limpos e uma atmosfera musical diferente. Uma obra que com estas características rapidamente se torna uma agradável surpresa aos nossos ouvidos. Como se fôssemos transportados para uma música totalmente diferente.
Lembremos que neste período Åkerfeldt fez brilhar os guturais. No entanto, ele os deixou às vezes. A bela balada que não saía daquela escuridão penetrante de 'Harvest' mostrava-nos novamente como eram imensos com a acústica e as melodias, que contrastavam com a presente brutalidade de outras canções. O que lhe deu finalmente a identidade que todos o conhecemos, e a voz do líder descansou as suas cordas vocais para interpretar uma das canções mais comoventes da chapa. De um lado você tem os grunhidos pesados e do outro você tem o tom suave, limpo e melódico de sua voz cantada e é essa ambivalência que impressiona.
«Blackwater Park», o tema, é épico puro, um encerramento magistral para um álbum que passeia pelas influências dos Maiden e pelo death metal técnico do Death e o prog épico dos anos setenta, mas que consegue fazer a sua própria simbiose de tudo .isso levando-o ao topo. É difícil decidir qual álbum é o mais "imortal" do Opeth, já que em "Damnation" ou "Still Life" também temos joias preciosas, mas este no seu conjunto soa verdadeiramente avassalador, registando-se, aliás, no pódio de honra nos melhores discos de metal progressivo de todos os tempos.
Vocalista do Autoramas, Gabriel Thomaz lançou nesta sexta-feira (13) o álbum solo Multi-Homem. O disco é composto por dez faixas e tem como single principal Carambola, cantada em dueto com a cantora baiana Marcia Castro.
Neste álbum Gabriel mistura seu estilo habitual com influências carnavalescas e tropicais: Tecnobrega, Chicha, Frevo, Brega e muito mais. Sempre com seu jeitinho de tocar.
Serão dois shows de lançamento: Em São Paulo, neste sábado (14), na Associação Cultural Cecília (Rua Vitorino Carmilo, 449) às 20h. No Rio de Janeiro é no dia 21, na Audio Rebel (Rua Visconde Silva, 55, Botafogo) às 21h.
Felipe S (Mombojó) lançou a músicaCinco Tonspela Toca Discos, em parceria com Lucas Afonso. Aliás, o Felipe é um dos selecionados do Aceleração LabSonica 2.0 Toca do Bandido, um projeto da Oi Futuro em parceria com o estúdio Toca do Bandido.
Cinco Tons é dançante, influenciada pela batida do samba reggae que dita o refrão da música. Apresenta ainda um solo de guitarra com viradas de quebradeira que constroem o passeio musical por elementos da música baiana.
A letra fala sobre o prazer de tomar um bom banho de mar e tem a intenção de criar um refúgio para a nossa sociedade do cansaço.
“Como musicalmente as referências vem muito da Bahia, quis citar uma viagem pelo litoral de Itacaré na letra da música, descrevendo um trajeto entre praias da região”, revela Felipe.
O músico aponta que foi durante a imersão, na Toca do Bandido, com Rodarte e Constança, que foram criados vocais para engordar o refrão da música.
“O resultado da qualidade da gravação me impressionou muito. O estúdio Toca do Bandido era um lugar que eu almejava trabalhar desde o começo da minha carreira em 2001, sempre entregava fitas demos para Tom Capone quando ele ia para o festival Abril pro Rock em Recife. Agora consegui realizar esse sonho e o resultado das músicas foi muito surpreendente de forma positiva. O trabalho de produção do Felipe Rodarte se encaixou muito bem e tirou um ótimo resultado, assim como a direção artística e musical da Constança Scofield”, enfatiza Felipe.
Cinco Tons, composição de Felipe e Lucas ao lado de Zé Manoel (indicado ao Grammy Latino em 2021 e vencedor do Prêmio da Música Brasileira), foi produzida por Iran Ribas, mixada por China e masterizada por Estevan Sinkovitz (István).
A banda que gravou esta faixa ao lado de Felip S é Arquétipo Rafa e Habacuque (do Ludov). Foi gravada nos estúdios Trampolim e Veredas.
Após o estrondoso sucesso do primeiro single, a banda Supernoise volta à cena com o singleRising Sun, uma faixa memorável, com melodia e energia que mostram a força do hard rock.
A música, lançada através da parceria Outono Music/Universal Music, está disponível nas principais plataformas de streaming. O videoclipe pode ser conferido no canal oficial da banda no YouTube.
Apesar de ser um nome emergente do cenário do rock nacional, a Supernoise é formada por músicos do mais alto gabarito. Preparando os fãs para o lançamento de seu primeiro álbum completo, o grupo disponibilizou em novembro o single Seven Desires, e agora, Rising Sun.
Antes do lançamento do álbum de estreia, que deve ser disponibilizado ao público no primeiro semestre, a Supernoise lançará outros singles para divulgar o trabalho. O disco vai contar com onze músicas autorais.
O vocalista Cristopher Clark ganhou destaque no cenário nacional a partir do concurso televisivo X Factor Brasil. Como vencedor da primeira edição, ganhou um contrato com a Sony Music Brasil para um álbum solo. Mas desenvolveu uma carreira muito mais abrangente e longeva.
Além de Christopher, integram o grupo os músicos Fernando Prado (guitarra), Helio Leite Cosmo (baixo) e Ricky Machado (bateria). Junto com o vocalista, eles formavam a Father Milk Reunion, grupo que era referência na noite paulistana.
Com o advento da pandemia, os amigos de estrada buscaram esperança na música e se uniram de forma virtual. Começaram a compor músicas autorais, e assim surgiu o Supernoise, que aposta no hard rock com peso, melodia e técnica.
Dar De Beber Al Dolor - Paresito Faraón - Fallaste Corazón - La Salvaora - Aceitunera - Si, Si, Si - El Negro Zumbón - No Me Tires Indiré - Por Un Amor - La Zarzamora - Lerele - Tani - Mi Sardinita - Doce Cascabeles - El Porompompero - La, La, La - Lerele (bonus)
Em tempos de empulhações do porte de uma Greta Van Fleet, chega a bater-me uma tremenda nostalgia de bandas que conheci neste século -algumas já com carreira bem estruturada em finais do século anterior- que já desbravavam o universo do que convencionou chamar-se, mesmo que equivocadamente, classic rock. Entre estas, destacaria a sueca Lotus e a estadunidense Laidlaw. Em comum, além de abraçarem o mesmo gênero musical, o fato de já não mais existirem. Enquanto a primeira tornou-se uma das postagens mais emblemáticas desta birosca brenfoetílicomusical ainda engatinhando, a Laidlaw fez bela carreira em todos os blogs antenados da época, e, muito por conta disso, não disponibilizei sua discog por aqui. Grande parte deste destaque deveu-se ao sucesso underground de 'Swan Song', faixa de seu quarto, e derradeiro, álbum, 'The Foam Box Sessions' (2006). Um merecido sucesso, diga-se de passagem, em que valeram-se de títulos e trechos de letras de diversas canções da Led Zeppelin para construir um emocionante -e premonitório?- tributo.
Criada por Craig DeFalco (guitarras/vocais) e Buzzy James (guitarras/slide/vocais) em 1990, passaram por diversas formações desde quando ainda chamavam-se Moonshine e tinham apenas uma boa demo nas mãos e uma reputação ainda em construção na cena californiana. Com o nome alterado por Nikki Sixx, que não só os apadrinhou, produziu e contratou para inaugurar seu recém-criado selo Americoma, como os levou como banda de abertura daquele tour da Motley Crüe, a Laidlaw logo regravou todo aquele material e ainda um bom cover para 'Rock'n'Roll Hoochie Coo' e as inéditas 'Stoned' e 'Just Might Do Me In', agora com Tommy Roberts nos vocais, Michael Norton no baixo e o canadense Darrell Millar na bateria. Mesmo assim, e já com o excelente 'First Big Picnic' lançado e recheado do melhor do hard southern rock, apesar de conseguirem firmar seu nome, as coisas não tomavam o rumo desejado por DeFalco.
Rompidos com Sixx e sua Americoma, DeFalco, James e Millar convocam um antigo colaborador da época de Moonshine, Joey Pantera, para o posto de vocalista e ainda Gary Nutt para as 4 cordas. Com esta formação lançam outro petardo, auto-intitulado, em 2003, com destaque para 'Ode To Ronnie', uma clara homenagem a Ronnie Van Zant e toda nação Lynyrd Skynyrd. Mas nada de mais relevante acontecia. Inexplicavelmente...
Segue-se mais um período de hiato, que culminou com DeFalco como único remanescente, e o lançamento, quase 4 anos após, do trabalho que poderia ser a redenção para a banda e uma vitória pessoal de seu incansável fundador e líder, o já citado 'The Foam Box Sessions'. Só que não...
Mas, ao menos agora, faço justiça, mesmo que tardia, a esta banda que poderia -e deveria!- ter ido muito mais longe.
Remasterização do debut do projeto do líder do Candlemass inclui 3 faixas bônus!
A ideia do líder do Candlemass, Leif Edling, teria, em qualquer outra época, conquistado o mundo, mas com a imprensa musical e o rádio obcecados por coisas como Nirvana e sua turma, era quase impossível obter cobertura para um álbum, mesmo que forte como esta estreia. Leif criou uma coleção de canções que, embora tivessem uma ligação inegável com sua banda principal, Candlemass, também seguiram uma direção mais moderna. Difícil de classificar e comparar com outros lançamentos da época, Abstrakt Algebra teve uma produção brilhante e riffs incríveis que estavam muito à frente de seu tempo. Apresentando Mats Levén nos vocais e o próprio Leif no baixo, a formação da banda foi completada pelos guitarristas Mike Wead (King Diamond) e Simon Johansson (Wolf) e pelo baterista Jejo Perkovic.
A reedição foi remasterizada por Patrick W. Engel e embalada em um Digipack.
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