Revisão do produto: Amplificador estéreo de rede Cyrus ONE Cast

 

Para os amantes da música em todos os lugares, existe um delicado equilíbrio entre um sistema que oferece o desempenho que você deseja no design que você prefere. Alguns procuram fones de ouvido para atender às suas necessidades, mas se você deseja construir um sistema para um espaço menor, o Cyrus ONE Cast pode ser digno de sua consideração. Hoje examinamos o ONE Cast para ver se ele pode atender ao desempenho que esperamos no tamanho incomum do chassi.

O Cyrus ONE Cast é um sistema 'basta adicionar alto-falantes' que inclui tudo o que você precisa para suas necessidades de audição modernas. O design é baseado nos populares amplificadores Cyrus ONE e Cyrus ONE HD, mas agora oferece recursos de streaming em cima de um design já líder de classe. Sob o capô está um amplificador híbrido de classe D que fornece até 100 W em alto-falantes de 6 ohm com 0,1% THD, um desempenho muito respeitável para um amplificador do tamanho de uma caixa de sapatos.

O tamanho do Cyrus será o recurso matador para alguns, o chassi tem metade da largura quando comparado a um componente de tamanho normal, o que significa que ele pode se espremer em lacunas que outros nunca poderiam. Isso o torna ótimo para a vida moderna, onde o espaço é escasso. O painel frontal é dominado por dois mostradores que controlam entradas e volume, cada um deles usa LEDs para indicar sua seleção e cria uma aparência elegante. A única outra característica da frente é um fone de ouvido de ¾ de polegada para aquelas sessões de audição noturnas.

Embora esse design seja familiar para aqueles que já gostaram da linha Cyrus ONE antes, as coisas começam a se desviar. O primeiro sinal de mudança são as duas antenas apontadas para a conectividade WiFi. Olhando mais de perto, agora há apenas um único conjunto de saídas de alto-falantes graças ao conjunto de recursos extras e também uma entrada HDMI para conectividade com uma televisão. Caso contrário, existem as entradas ópticas, coaxiais e USB usuais (32 bits/192kHz) para conectividade digital, enquanto a única entrada analógica é um estágio fono MM. Esta seleção indica que o espaço era escasso, então apenas as entradas necessárias foram consideradas e, honestamente, lutamos para pensar em algo que você pode querer conectar, mas não pode.

Claro que a estrela do show aqui é o novo módulo de streaming que Cyrus incluiu. Isso traz conectividade por meio do padrão Airplay da Apple e do ecossistema Google Chromecast, o que significa que, independentemente do telefone que você possui, você não deve ter problemas aqui. Também há compatibilidade com dispositivos Amazon Alexa, o que pode parecer estranho no início, mas Cyrus está comercializando o ONE Cast como um dispositivo pronto para assistente de voz. Sentados com um alto-falante do Google Home, realmente vimos o benefício de poder falar nossos comandos em vez de atender nossos telefones. Achamos que isso seria ótimo para qualquer outro membro da família, talvez não tão tecnicamente preocupado.

Usando a funcionalidade Airplay e Chromecast, há acesso a um suprimento quase ilimitado de aplicativos de áudio. Os notáveis ​​incluem Spotify, Tidal, Apple Music e Amazon Music, o que significa que qualquer serviço que você usa, você não deve se sentir deixado de fora aqui. Mesmo se você estiver em um dispositivo usando apenas Bluetooth, Cyrus incluiu a tecnologia aptX para uma melhor experiência de audição.

Depois de percorrer a extensa lista de recursos do Cyrus, sentamos para ouvir. O Cyrus ONE Cast continua a construção premium do restante da linha e parece pesado na mão, como qualquer bom amplificador deveria. Depois de conectar o ONE Cast ao KEF LS50s , ficamos bastante impressionados com a facilidade com que o Cyrus poderia alimentar os KEFs. Não houve esforço e não nos vimos aumentando o volume enquanto os graves eram mantidos sob controle, como você deseja em um apartamento pequeno.

Mudando para algo um pouco menos contido, experimentamos os alto- falantes DALI Rubicon 2, que são alguns dos nossos alto-falantes de montagem em pé favoritos. O Cyrus fez um ótimo trabalho desenhando o tipo de desempenho que nos fez apaixonar por esses alto-falantes quando os adquirimos. É uma apresentação madura, como seria de esperar de uma empresa de áudio tão lendária.

Podemos ver o Cyrus ONE Cast sendo o ajuste perfeito para quem procura um sistema de áudio, mas precisa viver dentro dos limites de casas modernas. Este pequeno sistema pode caber perfeitamente sob a TV para substituir uma barra de som e, ao mesmo tempo, atender a todas as suas necessidades musicais, seja nas ondas do rádio ou em um toca-discos mais tradicional.

The Hives – Veni Vidi Vicious (2000)

 

Quando tudo parecia indicar o triunfo da mediocridade, havia pequenas aldeias gaulesas que nos ajudaram a resistir. Da Suiça para o mundo, os carregadores da tocha foram os Hives.

Nos últimos anos do século XX o mundo era um lugar estranho. Havia uma excitação nervosa por se estar a chegar ao ano mais mitigado de sempre e andava tudo meio perdido perante a espera de fim do mundo e outras profecias avassaladoras.

Na música, estava tudo ainda mais perdido. Já tinha passado as febres do grunge, da britpop , do trip-hop e a indústria estava a vir a ser invadida, com ataques certeiros aos primeiros lugares dos tops de vendas, por bandas que praticavam o (desde sempre e para sempre abominável) nu-metal. Claro que havia bandas que continuaram a existir e fazer acreditar num mundo melhor, não esquecer que Ok Computer saiu em 1997, em 98 os Air estreavam-se com Moon Safari e em 99 Beck lançou Midnite Vultures. Os REM, Red Hot Chili Peppers e Beastie Boys continuaram a existir, sim, mas quando falamos de rock, salvo algumas gloriosas exceções, a regra apontava para um cenário meio desolador graças ao já citado - e nunca muito enjoativo – nu metal.

Apesar de ter conseguido instalar-se bem instalado nas tabelas de vendas e nas camisetas de adolescentes, era mister impedir o avanço mundial galopante deste fenômeno que, decerto, não traria nada de bom ao mundo. Hoje, em 2021, sabemos o que nos salvou e, por isso, celebramos os 20 anos de Is This It , mas na altura ainda não sabíamos o que a vinha. Por isso, foi tão fundamental a existência de bandas que, se mais ninguém teve sorte, serviram de tampão e contribuíram para manter acesa a chama do rock e, assim, abrir espaço para a chegada de bandas como os Strokes , Franz Ferdinand , Interpol ou Arctic Monkeys , que fizeram o rock voltar a ser uma coisa sexy.

E aqui que encontramos, entre outros (Black Rebel Motorcycle Club ou The White Stripes, por exemplo) que foram fundamentais, os Hives . A banda sueca tinha lançado o álbum de estreia em 1997, onde era, basicamente, só punk hardcore de garagem, mas, ao segundo disco, já abandonou um pouco o ritmo e revestiu as músicas de mais alguma melodia .

A começar pelo título (apropriação do “cheguei, vi e venci” de Júlio César), os Hives surgem com uma confiança enorme, quase a roçar o excesso de ego, mas não o fazem com sobranceria e até acabam por ter alguma graça nisso. Veni Vidi Vicious , lançado em abril de 2000, um excelente prêmio do milênio. Para os Hives, é o disco que os leva para fora da Suécia; para o rock, um disco que vem lembrar que se pode continuar a ser cool de all-star e calças rasgadas nos flexionados a ouvir riffs de guitarra maiores que a vida.

O álbum tem 12 músicas então chega aos 28 minutos de duração, tem alguns singles que perduram (“Hate to Say I Told You So” e “Main Offender”) e teve sucesso comercial. E, mais que isso, apresentou ao mundo uma das melhores bandas ao vivo que tivemos na primeira década do século XXI - passamos por Portugal algumas vezes e pudemos comprovar esse estatuto.

Não é uma obra-prima, não é inventivo nem revolucionário, mas é um disco fulcral porque permitiu que não se deixasse o rock 'n roll resvalar para as franjas do underground. Abriu as portas do indie rock e, só por isso, merece o nosso carinho eterno. Além disso, os próprios Hives vieram beneficiários desse rejuvenescimento do rock e, durante um breve período na História, foram uma banda relevante e pertinente. É rito ainda porque, depois dos Abba e Roxette, anunciaram a abertura do canal de exportação de música vinda da Suácia (agradeço sou Mando Diao, I'm From Barcelona, ​​Lykke Li, Teddybears, Jens Lekman, Cabra, etc etc).

Interpol – Turn On The Bright Lights (2002)

 

Turn On The Bright Lights , dos Interpol, um produto da melancolia e desilusão, marcado por um timbre bartono e um estilo sofisticado.

De todas as formas de arte, amsica a nica capaz de nos transportar para um determinado lugar e para um tempo especfico da nossa vida que pode ter sido nascido, mau ou assim-assim. Basta carregar no play de uma canção fundamental para sentirmos instantaneamente o que enviamos quando a ouvimos e recordamos precisamente com quem a ouvimos. Como viajar e voltar sem sair do mesmo sítio, e sem os inconvenientes do luto e os abortos das despedidas. Basta carregar no stop que o transe acaba.

A Untitled uma dessas canções. Reparem: tem duas linhas de texto (e acredito duas variações sobre as mesmas), uma linha de baixo poderosa e uma bateria que a sustenta, uma guitarra em tons quase picos que duram quase quatro minutos – e no entanto sou imediatamente transposto para 2002 e 2003, para ops-9/11 e para um dos momentos mais extraordinários da história da música pop/rock. Obviamente, o indie rock.

O Turn on the Bright Lights , dos Interpol, é um grande álbum que tem a particularidade de arrancar em grande, com uma sequência de trísmicas (Untitled, Obstacle 1, NYC) que caracterizam o som desta banda. Ao contrário de outros da cena neo-punk rock nova-iorquina, os Interpol apresentaram-se com outra sofisticação que passaram da simples escolha de tons escuros da roupa que usavam (e ainda usam) ao ambiente melancólico com que carregavam as suas melodias.

Menos exuberantes e muito mais subliminares do que os The Strokes , os Interpol apareceram claramente próximos dos Joy Division – o registo bartono de Paul Banks bastante próximo do de Ian Curtis – e a mensagem que passou não era a da revolta contra sistemas injustos, mas de nostalgia, desolação, desilusão e desesperança cortadas por um otimismo moderado. ler "Eu sei que você me apoiou por muito tempo/ De alguma forma, não estou impressionado/ Mas New York Cares", da "NYC", e entender o que eles desejavam cantar.

O álbum Turn On The Bright Lights , embora tenha oscilações rútmicas, uma vezes mais punk outras mais rock outras ainda quase danível, um produto acabado do início dos anos 2000 que entra para a galeria dos notáveis ​​de uma era que produziu algumas das melhores canções que ouvi. Vale a pena carregar no play .

The Strokes – Is This It (2001)

 

O álbum de estreia dos Strokes, Is This It , garage na produção propositadamente tosca mas indie no charme e inteligência das canas. O disco-bandeira do renascimento do rock pós-2001.

Na entrada para o novo milênio, o rock andava num grande marasmo. Na América grassava o nu metal, rap rock pseudo-depressivo com muito na produção. No Reino Unido, bocejava-se opos-britpop: os mansos Travis e os sentimentais Coldplay embalando-nos com o seu rock de algodão. O pai ea av adoram. Zzzzz…

Quando chega uma demo de uns tais de Strokes o independente Rough Trade, sente-se uma lufada de ar fresco: o rock voltara a ser cool . A editora inglesa nem pensa duas vezes, assinando com os nova-iorquinos e lançando em Janeiro de 2001 o EP The Modern Age . Em Junho do mesmo ano – dois meses antes da publicação de Is This It no Reino Unido! -, já o New Musical Express coloca os Strokes na capa. A edição americana censura a fotografia lasciva e a incendiária “New York City Cops” (considerada ofensiva depois do 11 de Setembro). A edição original, porem, sera sempre o nosso Is This It .

O hype pode ser histórico mas merecido: Is This It o Nevermind do século XXI, uma sensação perfeita entre vitalidade rock e melodismo pop. Os valores de produção retrô : o som sujo e roufenho como as bandas de garagem dos anos 60; o microfone de Casablancas – entre o megafone e o intercomunicador – foi comprado por um dolar ao Iggy Pop (“Lust for Life”  Strokes antes de eles nascerem). Quase tudo foi gravado ao primeiro take numa caverna esconsa. Por isso tudo é tão cru e visceral, com um calor analítico. Uma reação à polidez digital da pop moderna. A antítese absoluta do auto-tune .

Suas evocações do passado rock'n'roll de Nova Iorque (dos Velvet Underground aos New York Dolls , de Richard Hell aos Television ), não são na estética como no imaginário boêmio e decadente (às calças de ganga justas e casacos de cabedal os Ramones são recuperados). Is This It a tensa Nova Iorque. A tensa Nova Iorque Is This It .

Não pode haver nos Strokes uma ruptura futurista (como no psicadelismo e no pês-punk) mas há uma frescura no seu revivalismo (como no glam e na britpop ). Ao contrário dos White Stripes – com os seus pastiches descarados de blues e Led Zeppelin -, há uma identidade nos Strokes não redutível a nenhuma das suas influências (exceção para “The Modern Age” , : tresanda a “I’m Waiting for the Man” dos Velvet).

A sua mistura de sujidade e rigor é curiosa e original. A culpa do perfeccionista Casablancas, que nós escrevemos todas as canções, como disse, nota a nota, as partes instrumentais, até o mecanismo rolar com a precisão de uma religião. Nunca o garage rock teve antes tal exatidão matemática.

Julian finge-se inexpressivo para parecer cool mas, na verdade, um imenso vocalista, versátil e convincente como poucos. O seu modo natural e enfastiado e blass , como se tivesse acabado de sair da cama. Mas Casablancas vai sempre atras da verdade da canção, as vezes, deitando ca para fora a raiva reprimida ("Take It Or Leave It"), outras, exprimindo apenas uma melancolia conformada ("The Modern Age" ). Por debaixo de toda a arrogância misantropa, quase juramos que se escondem sentimentos.

Is This It tem outra particularidade: É surpreendentemente dançavel. “Last Nite” e “Someday” explodem a pista da disco com a sua euforia rútmica  Katrina and the Waves . O indie do novo milênio gosta de dançar.

A concisão de Is This It é admirável: trinta e sete minutos sem vitaminas. Uma simplicidade despretensiosa mas meticulosamente trabalhada. As guitarras têm texturas antigas e saborosas, como bons vinhos amadurecendo em pipas do melhor carvalho. Os solos de Nick Valensi são breves mas imaginativos. A bateria tem uma simplicidade bárbara, impiedosamente eficaz. O baixo faz lindas contra-melodias Motown . Os Strokes não são bem uma banda, são mais uma máquina esmagadora de “rock'n'rollar”.

O sucesso comercial e aclamação crítica de Is This It mudou profundamente o panorama musical (na América e no mundo). A movida indie liderada pelos Strokes tenta recuperar o romantismo da Nova York perigoso mas efervescente dos anos 70, que Giuliani em grande parte terraplanara. Mas o espírito de rebeldia não se quebra tão facilmente: o East Village de início do novo milênio (quartel-general dos Strokes) – o último “lado selvagem” de Manhattan. E onde há sexo e drogas há rock'n'roll. Que meninos ricos e bonitos, saúdos dos mais selectos colégios privados, se sentem atraídos pelos antros mais decadentes da cidade, não surpreendem alguma: opès-materialismo sempre um luxo dos privilegiados.

Uma miragem de bandas indie nova-iorquinas ( Interpol , The Yeah Yeah Yeahs , The Rapture …) florescem na sua peugada. O que Seattle fora nos anos 90, Nova Iorque -o nos anos 2000: a capital do rock; e um farol do gosto para todo o mundo. Os revivalistas White Stripes já lançaram discos em Detroit desde '99 mas só agora, depois do sismo de Is This It , que se tornou conhecido. Os Killers (em Las Vegas) e os Kings of Leon (em Nashville) aproveitam também a boleia para lançar suas carreiras bem sucedidas.

Tendo sido descoberto na Inglaterra, onde sempre teve mais sucesso comercial e clamor médico, uma influência de Is This It sobre o indie britânico – incalculável. Os Libertines , os Franz Ferdinand e os Arctic Monkeys , no seu triplo ataque vocalistas do cacete/ sétimas rútmicas demolidoras/ microfone escangalhado, seguiriam a receita de Julian. “Eu só queria ser um dos Strokes”, desabafaria Alex Turner em Tranquility Base Hotel & Casino .

O legado principal de Is This It , contudo, simblico. Com o advento do hip-hop e da música de dança eletrónica, muitos apressaram-se – o que García Márquez da feira do Religião – em anunciar a morte do rock. Ora todo o bulício volta dos Strokes, e suas férteis descendências, devolveu ao gênero a vitalidade e o apelo que se julgavam perdidos.

Nada d'cada em que não matem o desgraçado do rock, nada d'cada em que este não renasça outra vez. Há qualquer coisa no rock – a combustão? uma raiva? – que nenhum outro gênero consegue replicar inteiramente. Os Strokes foram a acendalha. O rock and roll nunca pode morrer…

CRONICA - STEPPENWOLF | Hour Of The Wolf (1975)

Não podemos dizer que o retorno do lobo da estepe em 1974 foi notado, Slow Flux soando peculiar diante da armada de metal que inunda as lixeiras. A culpa é de um disco que não oferece nada de novo, recordando mesmo assim um passado lendário mas sobretudo instrumentos de sopro que estragam um pouco a festa. No entanto, Steppenwolf com seus metais persiste e assina (com um sax para ser mais preciso). E isso desde o início com "Caroline (Are You Ready for the Outlaw World?)", composição de rytnm & blues de Mars Bonfire (autor do mítico "Born To Be Wild") abrindo Hour Of The Wolf , segundo opus da Rótulo épico.

A hora da besta finalmente chegou? Nada é menos certo. Até porque notamos a ausência do organista e membro fundador Goldy McJohn. Insatisfeito com seu órgão retrô, John Kay o despede para substituí-lo por Andy Chapin. Este último, além do cantor canadiano, junta-se ao guitarrista Bobby Cochran, ao baixista George Biondo e ao baterista Jerry Edmonton que assume a direção artística. Outro fato notável, John Kay com a voz rouca e nervosa é creditado em apenas uma música.

Para terminar com o sax, encontramo-lo paradoxalmente em "Hard Rock Road" no registo boogie e gospel.

A chegada de Andy Chapin vai redirecionar a música de Steppenwolf, pois o tecladista não vem só com órgão e piano, chega também com sintetizador. Na verdade, a operação deste dispositivo puxa para o prog. Blatant na épica “Mr. Penny Pincher” na conclusão, 6 minutos de duração que só falta a flauta de Andrew Latimer para soar como Camel. Menos trabalhosa, encontramos esse espírito na nostálgica e melancólica “Just For Tonight” feita de coros sumptuosos assim como na heavy prog soul “Someone Told A Lie” onde o órgão lembra o Atomic Rooster.

De resto encontramos canções que lembram os primórdios de um rock selvagem, áspero e empenhado onde Bobby Cochran brilha com as suas elétricas seis cordas na groovy “Annie, Annie Over”, a viciosa “Two For The Love Of One” sem esquecer "Another's Lifetime", uma linda balada country e celestial que cheira a grandes espaços abertos.

Obviamente, Steppenwolf tenta se livrar de seu passado sem correr riscos, mas o molho não leva, provavelmente ligado à falta de direção musical.

Não gostando de turnês, Andy Chapin deixou Steppenwolf logo depois para se juntar à banda de Ricky Nelson. Ele morreu em 31 de dezembro de 1985 no Texas ao mesmo tempo que Ricky Nelson e seus músicos em um acidente de avião. Ele tinha 33 anos.

Títulos:
1. Caroline
2. Annie, Annie Over
3. Two For The Love Of One
4. Just For Tonight
5. Hard Rock Road
6. Someone Told A Lie
7. Another’s Lifetime
8. Mr. Penny Pincher

Músicos:
John Kay: Vocais, Guitarra
Jerry Edmonton: Bateria
George Biondo: Baixo, Vocais
Bobby Cochran: Guitarra
Andy Chapin: Teclados
+
Tom Scott: Saxofone

CRONICA - ASH RA TEMPEL / MANUEL GÖTTSCHING | Ash Ra Tempel VI / Inventions For Electric Guitar (1975)

 

1975 é um ano importante para a música alemã e especialmente para Berlim. Após os experimentos de krautrock, Tangerine Dream coloca os fabulosos Rubycon e Richochet um após o outro . Por sua vez, Klaus Schulze publica o excessivo Timewind . Sem mencionar Edgar Froese, que imprimiu o fantástico Epsilon In Malaysian Pale à margem do Mandarin Dream . Discos que marcam um novo gênero, certamente em gestação anterior, a música eletrônica e seus loops sem fim. Assim nasceu o que seria chamado de escola de Berlim. Na mira, no mesmo ano mostra Ash Ra Tempel VI / Inventions For Electric Guitar ^, o 6ºÁlbum de Ash Ra Tempel. A menos que este seja o primeiro LP de Manuel Göttsching. Deve-se dizer que a capa é confusa. Lemos o título do álbum, no topo o nome de Ash Ra Tempel, no meio o do guitarrista que observamos em close, cabelos longos, lenço azul turquesa no pescoço mas acima de tudo um simples sorriso.

Para explicação, todos os membros do Ash Ra Tempel foram para outros projetos ou foram esquecidos. No final de 1973, Manuel Göttsching estava sozinho nos comandos. Auxiliado por sua parceira Rosi Mûller e pelo baterista Harald Großkopf, publica ^Starring Rosi , 5ª obra do templo do deus Ash Ra. Um disco muito agradável mas longe das ilusões cósmicas sob os ácidos dos primórdios. Um disco, no entanto, que diz que é hora de seguir em frente para Manuel Göttsching, que finalmente se lança a solo, mantendo o rótulo Ash Ra Tempel. Talvez mais de um vendedor.

Se Inventions For Electric Guitar segue os moldes da escola berlinense, difere de Rubycon , Timewind , Ricochet e Epsilon In Malaysian Pale por vários motivos. Primeiro, os álbuns de Tangerine Dream e Klaus Schulze são distribuídos pela Virgin, enquanto Manuel Göttsching ainda está preso ao selo Ohr.

Depois, há a música. Se Tangerine Dream e Klaus Schulze usam quase exclusivamente os sintetizadores de última geração, Manuel Göttsching, também fascinado pela eletrónica, está sozinho com a sua guitarra elétrica. O que parece surpreendente porque realmente temos a impressão de uma onipresença de sintetizadores. O efeito é impressionante. Mas não ! De fato, Manuel Göttsching explorará ao máximo as possibilidades de seu violão elétrico de seis cordas no estúdio com loops sequenciados e vários efeitos.

A aventura eletrónica para guitarra começa com os 17 mn de “Echo Waves”, faixa galopante e fascinante com este loop inebriante, vestido de ecos, com sonoridades cristalinas, subtilmente modificadas e que se aproximam dos 120 batimentos por minuto. Falhando em inventar o techno, Manuel Göttsching cria o trance. Claro que neste título fluvial que nos mantém em suspense, improvisa-nos um solo sob ácido e corrosivo para uma viagem intergaláctica à velocidade da luz. O lado A termina com os 6 mn de “Quasarsphere” uma faixa flutuante, comatosa, convidativa à mediação, composta por camadas de guitarras com melodias geladas e desencantadas. Uma peça que serve de interlúdio entre "Echo Waves" e o próximo bloco.

Com efeito, “Pluralis” de mais de 21 min ocupa todo o lado B. Reaproveitamos os loops mas num andamento mais lento e numa atmosfera monótona. Loops que se sobrepõem entre si, acelerando de forma a vestir camadas de guitarras frias e vagamente perturbadoras mas também um solo de space rock. Uma excelente faixa elástica que tem apenas uma falha, arrastando no comprimento.

É assim que os anos Ohr terminam para Ash Ra Tempel e seu líder. Terminada a casa alemã, Manuel Göttsching vai refugiar-se na editora francesa Isadora para acabar pouco depois na Virgin. Seguindo os passos de Tangerine Dream e Klaus Schulze, ele continuou sua discografia sob Ashra e em seu próprio nome antes de nos deixar em 4 de dezembro de 2022.

Títulos:
Echo Waves 
Quasarsphere 
Pluralis

Músico/Produtor:
Manuel Göttsching