sexta-feira, 20 de janeiro de 2023

15 músicas inspiradas em livros para turbinar a sua playlist

 

Quando as artes se conectam, o resultado é sempre grandioso. Dizem que a música faz bem para a alma. E quando ela é baseada na magia dos livros, o resultado pode ser ainda mais fantástico. Existem uma série de canções inspiradas em obras literárias e aqui neste post tem 15 exemplos.

Quer descobrir quais livros incentivaram a produção de canções pelo mundo? Leia em baixo e prepare-se para entrar num mundo musical cheio de referências literárias!

Lista de 15 músicas inspiradas em livros

1 – 1984 – David Bowie

A lista começa com um dos maiores ícones do rock mundial, e o nome da música já revela a inspiração: veio do livro 1984 de George Orwell. Inicialmente, o camaleão do rock queria fazer um musical baseado no livro, mas os direitos de uso não foram cedidos pela viúva de Orwell.

Cheio de ideias, como sempre, David Bowie usou suas inspirações para o musical e produziu o álbum “Diamond Dogs” que inclui a canção homónima à obra do escritor, com uma letra que fala sobre opressão e controle de pensamento. Uma homenagem digna!

2 – Paranoid Android – Radiohead

Quem é fã da série O Guia do Mochileiro das Galáxias de Douglas Adams, deve ter percebido a inspiração. O título da música da banda inglesa faz alusão ao personagem Marvin, O Andróide Paranóide, o robot que está constantemente deprimido e entediado por ser super inteligente, mas que precisa realizar tarefas que não exigem nem 1% do seu cérebro.

3 – Pet Sematary – The Ramones

Mais um título com referência direta ao livro. Originalmente, o livro “O Cemitério” de Stephen King se chama Pet Sematary. Os Ramones foram responsáveis pela trilha sonora do filme “Cemitério Maldito”, versão cinematográfica do livro de King lançada em 1989, e foi assim que a canção nasceu. Obviamente, assim como o livro e o filme, a música se tornou um grande hit.

4 – Rocket Man – Elton John

Um dos maiores sucessos do Sir Elton John foi baseado no conto “The Rocket Man” de Ray Bradbury, e que faz parte do livro “The Illustrated Man”. A música, que foi considerada uma das 500 melhores canções de todos os tempos, fala sobre um astronauta que precisou deixar sua vida na Terra para uma missão espacial.

Inclusive, esse ano será lançado o filme com o mesmo nome da canção em questão, e que será baseado na história de Elton John. Fica a dica!

5 – Admirável Chip Novo – Pitty

A baiana Pitty lançou a música e o álbum de mesmo nome em 2003, inspirados no livro Admirável Mundo Novo de Aldous Huxley.

Assim como a obra fala de um futuro distópico onde as pessoas são controladas por um regime totalitário, a canção é um protesto contra uma sociedade que atualmente encontra-se robotizada, apenas seguindo as regras que lhe são impostas.

6 – Monte Castelo – Legião Urbana

“O amor é o fogo que arde sem se ver, é ferida que dói e não se sente, é um contentamento descontente, é dor que desatina sem doer”. A epopeia Os Lusíadas de Luís Vaz de Camões é uma obra épica que inspirou Renato Russo ao escrever “Monte Castelo”.

O líder da banda Legião Urbana trouxe alguns recortes dos sonetos do livro na letra, que também tem referências da Bíblia Sagrada.

7 – The Sound of Silence – Simon & Garfunkel

A música da dupla, lançada em 1964, fala sobre a falta de amor e comunicação entre as pessoas. Porém, Paul Simon diz que a letra foi inspirada no livro Fahrenheit 451 de Ray Bradbury, mais uma distopia que fala sobre autoritarismo. Na obra, fala-se de um futuro onde tudo é controlado pela televisão e pessoas não têm mais acesso a leituras.

   

8 – Amor I Love You – Marisa Monte

Conhecida na voz de Marisa Monte, “Amor I Love You” foi escrita por Carlinhos Brown e contém uma passagem famosa do livro “O Primo Basílio”, de Eça de Queiroz, recitada por Arnaldo Antunes: “Tinha suspirado, tinha beijado o papel devotamente!

Era a primeira vez que lhe escreviam aquelas sentimentalidades, e o seu orgulho dilatava-se ao calor amoroso que saía delas, como um corpo ressequido que se estira num banho tépido; sentia um acréscimo de estima por si mesma, e parecia-lhe que entrava enfim numa existência superiormente interessante, onde cada hora tinha o seu encanto diferente, cada passo conduzia um êxtase, e a alma se cobria de um luxo radioso de sensações!”

9 – Hurricane – Bob Dylan

Bob Dylan escreveu um dos seus grandes êxitos baseado na autobiografia de Rubin “Hurricane” Carter, chamada The Sixteenth Round. A extensa letra, composta de 99 versos, conta a história da busca pela inocência do lutador de boxe, que queria fugir da prisão e da condenação por uma série de assassinatos que ele não cometeu.

10 – Bell Jar – The Bangles

A banda de pop rock formada por 4 mulheres e que fez muito sucesso durante os anos 80 lançou uma música baseada no livro A Redoma de Vidro, único romance escrito por Sylvia Plath (originalmente, chamado “Bell Jar”). O título do livro, assim como a letra da canção, traz uma metáfora sobre a angústia na vida de quem convive com a depressão.

11 – Firework – Katy Perry

Esta é bem surpreendente! Katy Perry revelou, numa entrevista feita em 2010, que a letra de Firework é inspirada no livro “On The Road – Pé na Estrada” de Jack Kerouac, mais exatamente no trecho que diz: “Para mim, pessoas mesmo são os loucos, os que estão loucos para viver, loucos para falar, loucos para serem salvos, que querem tudo ao mesmo tempo, aqueles que nunca bocejam e jamais dizem coisas comuns, mas queimam, queimam, queimam como fabulosos fogos de artifício”. Ponto para a cantora pop!

12 – Video Killed the Radio Star – The Buggles

O primeiro clipe a ser tocado na MTV foi esse hit dos The Buggles, que fala sobre o fim da “era de ouro” da rádio, quando a carreira do personagem da música é interrompida por conta da nova era do vídeo. Trevor Harn, membro da banda, escreveu a letra após ler o conto The Sound-Sweep de JG Ballard, que fala sobre uma cantora de ópera que vive uma decadência em sua carreira.

13 – Same Drugs – Chance the Rapper

Até mesmo Chance the Rapper escreveu músicas baseadas em livros! A letra de Same Drugs, que cabe aqui ressaltar que é sobre amores e não sobre drogas (!), traz uma referência clara ao conto Peter Pan de J. M. Barrie. Afinal, de onde mais poderia vir o trecho falando: “Quando você mudou? Wendy, você envelheceu. Pensei que você nunca iria crescer”?

14 – Caçador de Mim – Milton Nascimento

Milton Nascimento possui inúmeras grandes canções. Porém, “Caçador de Mim” tem um ponto especial: a letra foi baseada no livro O Apanhador no Campo de Centeio de J.D. Salinger, um clássico da literatura do século XX que retrata a vida de um adolescente e suas reflexões acerca dessa fase tão difícil, de adaptação entre a infância e a vida adulta.

15 – Don’t Stand So Close to Me – The Police

Fechando a lista com um pouco mais de rock, chegamos ao The Police. A letra de “Don’t Stand So Close To Me” traz um trecho que diz: “Ele começa a se mexer e tossir como aquele velho homem naquele livro do Nabokov”, uma menção ao célebre e polêmico romance Lolita de Vladimir Nabokov, que também teve uma versão adaptada para o cinema.

Resenha do álbum: FKA Twigs – MAGDELENE


Quatro anos depois de revisarmos seu álbum de estreia, FKA Twigs retorna com outro álbum pop alternativo que quebra as regras. Gostamos muito do último projeto dela e mal podíamos esperar para entrar no MAGDELENE …

O título do álbum foi tirado do Novo Testamento e, embora Maria Madalena seja mencionada algumas vezes, está longe de ser um álbum pop cristão. É provável que os temas tenham sido inspirados por sua educação, já que FKA Twigs foi ensinada em uma escola católica. Na faixa-título, ela canta ' I do it like Mary Magdalene ' (que poderia ser um pop nos tablóides britânicos), e em Fallen Alien, um título que sugere anjo caído, há mais sentimentos religiosos ' Nesta era de satanás/ Estou procurando uma luz para me levar para casa e me guiar para fora '. Preocupações com a saúde e desgosto podem ter inspirado grande parte das composições, mas esses temas costumam estar bem escondidos em sua requintada poesia.

Uma das primeiras coisas que notamos , antes mesmo de apertar o play, é a falta de maiúsculas e minúsculas para os nomes das faixas, algo de destaque na cena do rap do Soundcloud. Recentemente , analisamos o último álbum de DaBaby, onde optou pelo uso apenas de maiúsculas, algo que FKA Twigs fez para o título deste álbum. Essa visão criativa é aparente em todos os aspectos de sua arte, e sua inovação não conhece limites. Artistas pop alternativos que dobram gêneros, como Kate Bush e Björk, claramente causaram impacto em mais do que apenas na música de FKA Twigs; a influência visual deles também pode ter dado a ela a liberdade de ser tão estranhamente maravilhosa quanto ela. A influência deles é mais aparente na faixa de abertura do álbum, " Thousand Eyes ", que possui uma melodia de música sacra quase medieval, cânticos repetitivos e baixo descontroladamente corajoso; uma introdução incrivelmente ousada. MADALENAainda está cheio de inovação, no entanto, e é possivelmente ainda mais teatral do que seus trabalhos anteriores. Ela é uma verdadeira artista audiovisual e dançarina, com shows ao vivo autodirigidos e inspiradores e vídeos para combinar.

Muitas das faixas do álbum variam entre vários humores, geralmente do caos à calma, ou da raiva ao arrependimento em um instante. Por exemplo, as batidas de rock de vanguarda em “home with you” não duram muito, e quando a tempestade passa, a faixa explode em uma variedade celestial de sopros de madeira; você quase esquece que está ouvindo a mesma faixa. Isso acontece novamente em “mirrored hear” e em “sad day” , uma composição elegante e corajosa que se transforma em uma batida pronta para o clube logo no início, apenas para recuar em outra delicada obra-prima. Bem no meio do álbum ela opta por uma música mais convencional (pelos padrões dela), que provavelmente será MAGDALENEé o mais popular. Seu título tem ainda outra referência bíblica, “holy ground” é uma colaboração com Future e é a primeira peça de crossover r&b-rap do álbum.

Seu primeiro álbum teve muita influência da cena musical urbana, e aqui sua voz poderia se manter contra qualquer um dos líderes das paradas de R&B atuais (embora duvidemos que ela tenha considerado a viabilidade comercial das faixas), e Future não pode deixar de soar um pouco fraco e desnecessário em comparação. A semi-titular “maria madalena” do álbum segue com outro dos padrões de batida mais palatáveis ​​do álbum, mas nada é normal quando FKA Twigs está no controle.

Finalmente, “celofane” apresenta uma entrega vocal dolorosamente sincera e com cada respiração pesada você quase pode ouvir as lágrimas rolando pelo rosto dela. Os últimos segundos do álbum fecham com o que podemos supor ser uma referência ao envolvimento da mídia em seu relacionamento com o ator Robert Pattinson: ' Eu não quero ter que compartilhar nosso amor/Eu tento, mas fico sobrecarregado, quando você está ido eu não tenho ninguém para contar/eles estão esperando, eles estão assistindo, eles estão nos observando, eles estão odiando/eles estão esperando e esperando que eu não seja o suficiente '.

MAGDALENE mais uma vez mostra composição e produção como ninguém, consolidando o lugar de FKA Twigs no topo do pop moderno. Ela é uma joia rara e temos a sorte de ver uma artista desse calibre a cada poucas décadas. O álbum pode nem sempre ser o mais fácil de ouvir, mas não é por isso que você coloca um dos discos dela.

ALBUNS DE ROCK PROGRESSIVO

 

PMI - Assorted Madness Layers (2021)


 Continuando com nossa cruzada pelos discos chilenos hoje, ontem e sempre, aí aparece o FMI... não... quer dizer... PMI, uma banda chilena com um álbum muito bom desse ano: "Assorted Madness Layers", obviamente Trabalho cantado em inglês e integralmente importado por uma banda jovem que não tem medo da experimentação e da procura do seu próprio som, e é assim que no seu estilo encontramos muita psicodelia. Gravado por um exército de uma só pessoa durante a quarentena da pandemia, é mais uma das obras que sai do tempo que algumas pessoas tiveram de repente para desenvolver as suas inquietações. Quem sabe por que ele pintou em inglês... mas enfim, um belo álbum de um projeto solo que convido você a descobrir e curtir...

Artista: PMI
Álbum:Assorted Madness Layers
Ano: 2021
Gênero: Rock psicodélico / Crossover prog
Duração: 42:16
Referência: Spotify
Nacionalidade: Chile


Este é o trabalho a solo de José Moreno Isla, no âmbito do projeto 
PMI , no seu primeiro trabalho discográfico. Não ouvi o álbum com dedicação, não tenho tempo para escrever longos discursos, nem me apetece fazê-lo, por isso apresento este trabalho, simpático, fresco, honesto, como todos ou quase todos os trabalhos artísticos que são feito apenas pela alegria de fazê-lo e por nenhum outro propósito além disso. Talvez não muito homogêneos e com alguns detalhes que bem podemos deixar passar como mínimos e não afetar o espírito comum que se respira ao longo de todo o álbum.

Este álbum foi criado durante a quarentena do Covid-19 de 2020, sendo minha primeira apresentação multi-instrumento, canto, gravação e também composição. A bateria foi tocada por Blair Sinta. Mixagem e masterização por Jose Ignacio Jaras.
Espero que você também tenha descoberto nesta época como a loucura pode empurrar sua vida para o que você ama.
Com carinho,

PMI

Como ia dizendo, esta é uma diso agradável, que decanta de uma simbiose entre o psicadélico e o pop, misturada com a canção do autor em inglês (gostava de saber como teria ficado o resultado disto se tivesse sido cantada em espanhol), direto, simples, sem muita parafernália que aqui pareceria um condimento que não gelifica, não gruda, isso é parecido com aqueles discos solo de Peter Hammill , bom, com bem menos volume de voz, mas respeitando o diferenças, é algo direto, emocional, que não precisa de apetrechos extras. Parte do estilo do primeiro solista de Peter Gabriel está aqui, e também me lembrou Bob Dylan , embora não me perguntem o porquê.

Convido-vos agora a ouvir parte da música deste álbum, que, como disse, não é totalmente homogéneo e peca por ser um pouco desigual, mas tem momentos muito agradáveis ​​e uma perspectiva muito interessante sobre a música e o desenvolvimento do próprio estilo, tanto para compor quanto para interpretar o que se quer transmitir aqui. Daqui, os nossos parabéns a José Moreno Isla pelo seu trabalho.

José Moreno Isla mandou tudo aos pulmões, com toda a capacidade que vem de ter tempo livre para fazer o que queremos, o que queremos, o que há tanto adiamos, e o disco talvez venha a significar o que todos acreditamos, embora seja um pouco, desenvolvemos na pandemia, aquela necessidade vital que, em consequência de um acontecimento infeliz, nos permite desenvolver parte do nosso potencial adormecido.
E este álbum é a prova disso, e o resultado é muito bom!
 

 
Track List:
01. Assorted Madness Layers, Pt. 1
02. Flying Eyes
03. Find My Mood
04. Human Atrophy
05. Troubadours
06. No Way To Run Away
07. The Hardest Fight
08. The Unknown Revelation
09. Assorted Madness Layers , Pt. 2

Formação:
- José Moreno Isla / Todos os instrumentos

ALBUNS DE ROCK PROGRESSIVO


Erkin Koray - Elektronik Türküler (1974)


 E apresentamos a vocês Jimi Hendrix da Turquia, folk psicodélico turco experimental.   Erkin Koray é considerado uma das lendas do rock psicodélico turco, seu estilo musical não é complexo, mas é cheio de etnia, tribalismo e fusão tanto da essência ocidental quanto da música tradicional de seu país, gerando um estilo próprio que é uma mistura entre o Oriente Médio e o Ocidente e essa é sua originalidade e sua mística, que foi um combustível energético em sua carreira como um músico respeitado, sempre embebido em uma textura misteriosa com uma certa familiaridade rock bem definida. Uma viagem incrível através de covers de canções populares e folclóricas turcas de uma perspectiva psicodélica e rock and roll, com belos sons de cítara, percussão surreal e vocais suaves e melodiosos, criando uma mistura que não pode ser ouvida em nenhum outro lugar, enquanto poucos álbuns vindos da Turquia conseguiram chegar a esse nível. primeiro álbum no blog do estilo particular "anatolian rock" que foi uma fusão entre o rock psicodélico e a música tradicional turca

Artista: Erkin Koray
Álbum: Elektronik Türküler
Ano: 1974
Gênero: Rock psicodélico / Rock da Anatólia
Duração: 37:33
Nacionalidade: Turquia

Erkin Koray é considerado um dos melhores músicos turcos. Ele contribuiu para o rock, para a música psicodélica, o que lhe valeu o apelido de Jimi Hendrix turco. "Elektronik Türküler" é o segundo álbum do astro do rock turco Erkin Koray. Estilisticamente, combina influências psicodélicas e de rock progressivo com elementos tradicionais turcos. Este álbum é um dos exemplos mais reconhecidos internacionalmente do "rock da Anatólia".
Convenhamos que em todos os lugares a música tradicional é levada e "reinventada" com instrumentos ocidentais, mas sem mudar muito o que já existia. Koray fez outra coisa neste álbum, ele mudou o núcleo composicional da música folclórica turca. Tal como outros roqueiros de todo o mundo fizeram com a sua música, este turco tomou como base a música autóctone que tão bem conhece, mas teve a originalidade de reescrever aquelas melodias folclóricas locais, não só reinterpretando-as com novos instrumentos, como também mudou a estrutura da música.Todas as canções são interpretações folclóricas, exceto "Yalnızlar Rıhtımı" (um bom hit do rock and roll) e "Türkü" (composta por Koray). A última música é outra jornada, traz um poema do famoso poeta socialista turco Nazim Hikmet. Oito minutos de palavra falada, instrumentação, humor e efeitos psicodélicos, com uso intenso de flautas e do instrumento "bağlama", que é basicamente uma guitarra turca.

Um álbum exótico onde "o tradicional, o popular" e o moderno são reelaborados -neste caso, a psicodelia- resultando em um trabalho rico em nuances, texturas e arranjos. Em 1974, Erkin Koray (pioneiro da cena "Under-Rock" na Turquia) lança um álbum maravilhoso e inovador chamado "Elektronik Türküle". Dicho álbum es una llamativa muestra del denominado "Anatolian Rock" (Fusión entre el Rock Psicodélico y la música tradicional turca) por lo tanto nos encontramos con un trabajo mas que interesante pues podemos apreciar un concepto muy "vanguardista", diferente, original y lleno de cor. Em si, um trabalho distante do “tradicional”. O conceito aqui está muito à frente de seu tempo, pois Koray foi um músico que ultrapassou a barreira da fronteira para recriar um novo som, portanto, com este segundo álbum sua visão foi totalmente incorporada e embora o álbum em si não supere as expectativas quanto a questões de arranjos e estruturas musicais, é um álbum arrebatador e CULT. A visão aqui é excepcional, limpa e mágica. A performance é óptima, as fusões conseguem recriar passagens sugestivas, a execução instrumental destaca-se muito bem, "as guitarras étnicas" conseguem recriar o ponto mágico, enquanto os efeitos psicadélicos e as canções completam a ilusão total, resultando numa obra imortal . A visão aqui é excepcional, limpa e mágica. A performance é óptima, as fusões conseguem recriar passagens sugestivas, a execução instrumental destaca-se muito bem, "as guitarras étnicas" conseguem recriar o ponto mágico, enquanto os efeitos psicadélicos e as canções completam a ilusão total, resultando numa obra imortal . A visão aqui é excepcional, limpa e mágica. A performance é óptima, as fusões conseguem recriar passagens sugestivas, a execução instrumental destaca-se muito bem, "as guitarras étnicas" conseguem recriar o ponto mágico, enquanto os efeitos psicadélicos e as canções completam a ilusão total, resultando numa obra imortal .
Na minha opinião, um álbum inovador, ousado e revolucionário onde as raízes tradicionais não podem ser distorcidas pelos novos conceitos ocidentais, mas a fusão entre os dois mundos consegue ser uma alquimia perfeita e equilibrada. Um álbum que percorre o clássico rumo ao novo conceito, ou seja, um álbum experimental de folk turco. O que posso dizer se você quiser experimentar o som de Anatolian Rock ou Psych-Turkish.

o homem mariposa 

A sua parte rítmica é bastante simples mas não menos excitante (ou dançante) mas as linhas melódicas são... inovadoras apesar de terem sido gravadas há muitas décadas, e cada combinação de timbres e estruturas são impressionantes.

Um álbum cheio de paisagens sonoras intensas, com paixão, com ritmo, com imaginação e coragem.O álbum contém oito faixas, sendo a mais longa a mais inspirada no folk e) conectadas umas às outras com canções de hard rock psicodélico mais curtas e diretas, mas ambos os estilos contêm algum tipo de união conforme os humores mudam constantemente. Koray quebra a abordagem folk e volta às suas raízes, mas através do psicodélico. O cara pega todos os tipos de instrumentos musicais e ideias e os compõe e os casa com instrumentos ocidentais de uma forma que eu nunca ouvi antes, com algumas mudanças de tempo fascinantes. aqui e lá, jams psicodélicas, bons arranjos, enquanto o disco contém um trabalho de guitarra magistral, constituindo uma verdadeira obra-prima, mas infelizmente é bastante desconhecido, parece até na Turquia também.




Volto a repetir: as músicas tradicionais são executadas tão bem que recomendo ouvir com muita atenção e mente aberta, pois com certeza você vai curtir essa psicodelia tão especial que é apresentada aqui.
A instrumentação é geralmente boa, com os instrumentos de rock clássico e aqueles instrumentos turcos tão envolvidos entre si, implantados por músicos muito talentosos. Com a grande mente musical de Erkin Koray e de mãos dadas com seu maravilhoso improviso, eles geraram um álbum maravilhoso cheio de viagens e luzes.
 
E para quem quiser, investiguei um pouco de sua história e vou contar: nascido em Istambul em 1941, Erkin Koray formou sua primeira banda de rock em 1957, tocando Elvis Presley e Fats Domino. Em 1959 começou a gravar os primeiros singles, e gravou EP após EP, acompanhando instrumentos elétricos com objetos musicais típicos conforme seu nome foi se espalhando e seus shows atraíram cada vez mais público.
Nos anos 70 produziu outros dois sucessos: "Erkin Koray 2" (1976) e "Tutkusu" (1977). O primeiro, relançado em 2005 com 5 faixas bônus, dá muito espaço ao som étnico. O segundo álbum, remasterizado em 2006, é um hino ao rock e contém duas faixas em inglês.
A carreira de Koray continuou nas décadas de 1980 e 1990 com o lançamento de novos discos, alguns influenciados pela música indiana. Nos anos 2000 apareceu em diversas compilações, e em 2005 gravou sua parábola artístico-existencial ao participar de " Crossing The Bridge: The Sound Of Istanbul ", documentário dirigido por Fatih Akin, diretor e roteirista alemão. O documentário foi apresentado no 58º Festival de Cinema de Cannes fora de competição.
 
Mas ei, o que nos atrai agora é este disco que vos convido a descobrir, ouvir e depois contar!


Lista de faixas:
01. Karli Daglar
02. Disi Kedi
03. Hele Yar
04. Rüya
05. Yalnizlar Rihtimi
06. Cemalim
07. Inat
08. Türkü
 
Formação :
- Erkin Koray / guitarra, bağlama, piano, órgão, pandeiro, vocais; bongo em "Inat"
- Sedat Avcı / bateria, bongos e outras percussões
- Ahmet Güvenç / baixo

Músicos convidados:
Ahmet Tekbilek / zurna (um instrumento de palheta tradicional turco) em "Türkü"
Faruk Tekbilek / bağlama (um instrumento de cordas tradicional turco, muito parecido com o violão) em "Türkü"
Eyüp Duran / bongo em "Türkü"
Ayzer Danga / bateria em "Cemalim"
Sedat (Avcı) e Meftun / vocais em "Hele Yar" e "Cemalim"
Doruk Onatkut / gravação de som
Cüneyt Sarvazlar / gravação de som em "Cemalim" e "Inat"

Destaque

Bernd Kistenmacher & Harald Grosskopf - Stadtgarten Live (1995)

  Nightsounds Part I 45:43   Different Feelings 18:26    Nightsounds Part II (Excerb) 15:12