CRONICA - SWEET SMOKE | Just A Poke (1970)

Quantos rolaram uma bombinha na capa desse Just A Poke ? Quantos quilômetros de teush marroquinos foram fumados em uma névoa espessa enquanto tropeçavam na rocha louca de Sweet Smoke?

Nascido em 1967 no Brooklyn, um dos cinco distritos de Nova York, Sweet Smoke oferece música psicodélica e se apresenta em pequenos clubes. Mas o nome muito sugestivo impede que os músicos se imponham. Composto pelo baixista Andy Dershin, o baterista Jay Dorfman, o guitarrista/cantor Marvin Kaminowitz, o saxofonista Michael Paris e o guitarrista Steve Rosenstein, o quinteto decidiu em 1969 se instalar na Alemanha para gravar seu primeiro álbum no ano seguinte, Just A Poke .

Este Just A Poke vai encontrar um grande sucesso ainda hoje perceptível e tornar-se cult ao longo dos anos e isto por várias razões.

A primeira é essa capa emblemática com cores e grafismos psicodélicos à vontade, onde vemos um freak em uma nuvem (ou melhor, um branco e fumado suave) segurando em suas mãos grandes um baseado enrolado no emblema americano (que não vai sem colocar alguns problemas para a América Puritana). Rapidamente entendemos que os músicos não fumavam apenas ciganos e bebiam apenas água.

Depois, há a presença do engenheiro de som, o alemão Conny Plank, o apóstolo do krautrock, ou seja, do rock progressivo e cósmico germânico. Obviamente, obteremos um LP completamente barrado.

Finalmente, é claro, há a música. O álbum é dividido em duas partes de mais de 16 minutos cada: "Baby Night" e "Silly Sally". Mais conhecido por suas apresentações ao vivo e suas longas peças improvisadas, é com esse espírito que Sweet Smoke compôs esses dois títulos.

Começando de forma sinfônica com uma bela flauta, "Baby Night" é famosa por seu cover no meio de "Soft Parade" do The Doors. O resto será uma mistura furiosa de jazz, funk e acid soul, tal como o resto.

"Silly Sally" é mais conhecido pelo longo solo de bateria (5 minutos ao todo) com seus efeitos estéreo e flange de fita. Este último é um efeito obtido pela adição de um som original com o mesmo som, mas ligeiramente deslocado, o que causa uma atmosfera atmosférica. A guitarra com seu wah-wah e seu reverb mantém a mesma atmosfera, assim como o magnífico solo de saxofone, ao mesmo tempo jazzístico e etéreo. Aqui é a estratosfera. Claro que estamos altos. Mostrando também inventividade e mestria técnica, os cinco músicos mergulham-nos num delírio tribal quase afro-cubano mas também num transe hipnótico.

Depois disso, Sweet Smoke produzirá um segundo álbum menos inspirado em 1973, seguido por um álbum ao vivo. Então chegará o tempo das separações.

Títulos:
1. Baby Night
2. Silly Sally

Músicos:
Andy Dershin: Baixo
Jay Dorfman: Bateria
Marvin Kaminowitz: Guitarra, Vocais
Michael Paris: Saxofone
Steve Rosenstein: Guitarra

Produção: Rosie Schmitz, Winfried Ebert

Review: Journey – Greatest Hits 2 (2011)

Para uma pessoa que, assim como eu, tem o seu conhecimento do Journey resumido aos hits planetários “Don’t Stop Believin’” e “Separate Ways (Worlds Apart)”, a compilação Greatest Hits 2 é uma ótima expansão musical. O título dá sequência ao primeiro volume com os maiores sucessos da banda norte-americana, Greatest Hits (1988), e foi lançada 23 anos após o best of inicial do quinteto.

Greatest Hits 2 chegou às lojas em 1 de novembro de 2011 e é composto, por sua maioria, por canções que estão entre as favoritas dos fãs mas não entraram no primeiro volume da compilação. Assim, temos músicas como “Feeling That Way” de Infinity (1978),  “Stone in Love” do multiplatinado Escape (1981) e “After the All” de Frontiers (1983), e apenas uma faixa proveniente da fase moderna da banda, “When I Think of You” de Trial by Fire (1996), além da gravação ao vivo de “Mother, Father” registrada em Live in Houston 1981: The Escape Tour (2006).

Musicalmente, o Journey é a essência do AOR. Suas músicas, onde os vocais melodiosos de Steve Perry são amparados pelos riffs de Neal Schon e pelos teclados de Jonathan Cain, vêm inevitavelmente turbinadas por refrãos pegajosos e feitos sob medida tanto para figurar nas programações das rádios como para serem cantados a plenos pulmões nos shows. E essa receita se mantém mesmo em composições que não alcançaram a repercussão eterna de “Don’t Stop Believin’”. Além disso, as baladas sempre foram uma constante no repertório da banda, ainda que em certos momentos com doses excessivas de glicose.

O tracklist traz grandes momentos como “Stone in Love”, “Chain Reaction”, os baldes de melodia de “Escape”, o bom gosto de “Stay Awhile”, a grudenta “Suzanne”, os tempos menos grandiosos e mais inocentes de “Feeling That Way”, “Anytime”, a deliciosa “Walks Like a Lady” e ótima versão ao vivo para “Mother, Father”, música presente originalmente em Escape.

Ainda que não tenha chegado perto das mais de vinte milhões de cópias comercializadas de Greatest Hits, esse segundo volume é bastante indicado por complementar e deixar ainda mais completo o retrato de uma das bandas mais populares que o rock já conheceu. A edição mais recente em catálogo foi lançada pela Sony/Legacy e traz encarte de dezesseis páginas, e pode ser encontrada também em uma versão que une os dois volumes em uma espécie de box.

 

Review: Metallica – Metallica Remastered Expanded Edition (2021)

 

Há pouco a falar sobre o quinto disco do Metallica - que ficou conhecido como Black Album apesar de seu título oficial ser apenas o nome da banda - que ainda não tenha sido dito. A qualidade das composições, o afastamento do thrash metal, o quarteto encontrando a sua verdadeira sonoridade, a produção magnífica de Bob Rock: são muitos os predicados que tornaram o álbum o mais vendido da carreira da banda norte-americana e também o disco de heavy metal mais popular de todos os tempos, com mais de 30 milhões de cópias comercializadas em todo o mundo.

Dito isso, vamos falar então da edição expandida, que foi lançada em diversos formatos em comemoração aos trinta anos do álbum. A que tenho em mãos é a versão em CD triplo, com o primeiro CD trazendo o álbum remasterizado, o segundo com as demos e versões iniciais das músicas, e o terceiro com faixas gravadas durante a turnê de lançamento.

A remasterização, que ao meu ver soa meio desnecessária devido à qualidade excepcional da gravação original, parece realçar mais os graves e dar mais profundidade aos timbres, deixando-os mais espessos e resultando em um som ainda mais encorpado, pesado e cristalino. Tudo isso faz canções como “Sad But True”, “The Unforgiven” e “My Friend of Misery”, além de todas as outras que estão no imaginário dos fãs há mais de três décadas, soarem fresquinhas como se tivessem acabado de sair do forno. 

O CD 2, que traz o título Riffs, Demos, Rough Mixes & Easy Listening Music, apresenta quatorze faixas e é direcionado, pelo seu conteúdo, em grande parte aos fãs e aos curiosos em saber como nasceram e eram as versões iniciais de hinos como “Enter Sandman” (cujo riff inicial criado e apresentado por Kirk Hammett para a banda abre o segundo disco dessa edição especial), “Holier Than Thou” e “Wherever I May Roam”. Muitas dessas gravações contam apenas com as linhas vocais cantadas por James Hetfield, sem as suas letras. Os mixes iniciais deixam claras as mudanças que a banda fez em relação às versões finais, evoluindo e refinando as músicas até se dar por satisfeita. Um trabalho de artesão conduzido por Bob Rock e que transformou a carreira do Metallica de maneira definitiva.

O terceiro CD, gravado durante a Wherever We May Roam Tour, captura o Metallica em um momento de transformação. As performances mostram o quarteto em plena transição entre uma excelente banda de nicho – o heavy metal – para uma espetacular banda com um som mais amplo e de alcance planetário. Com treze canções ao vivo gravadas entre 1991 e 1993, privilegia as primeiras execuções das músicas do álbum para os fãs e traz ainda “Creeping Death”, “For Whom the Bell Tolls”, “One”, “Whiplash” e “So What”, cover da banda hardcore inglesa Anti-Nowhere League que o quarteto toca desde 1992 e que se tornou, inclusive, o título de sua revista oficial. A versão de “Enter Sandman” vem direto do lendário Monsters of Rock que aconteceu em Moscou, em 1991, e foi um dos primeiros mega shows em solo russo. As gravações ao vivo apresentam qualidade de áudio variada mas possuem um valor histórico gigantesco, como é o caso de “Sad But True”, registrada durante o Day at the Green de 1991 e com harmonias de guitarra que a banda deixou de executar com o passar dos anos. Essas gravações ao vivo transparecem um Metallica mais espontâneo, com versões que transbordam energia e não soam tão milimetricamente perfeitas como nos acostumamos a ver nas turnês mais recentes do quarteto. A banda refinou o seu espetáculo ao vivo, notadamente na última década, em uma espécie de “thrash de arena” como costumo chamar, mas aqui fica evidente o período de transformação que o quarteto vivia na época.

A edição, importada pelo Brasil pela loja oficial da Universal Music, vem em uma embalagem digipack “gorda” que se assemelha a um box e conta com quatro faces, além de encarte com 28 páginas com a arte original, todas as letras e diversas fotos.

Black Album é um dos maiores discos de todos os tempos, seja em vendas, em impacto ou em influência. É o momento de transformação do Metallica em um gigante da música e do entretenimento. E as faixas reunidas nessa edição tripla contam como foi todo esse processo.

Se o álbum original já era obrigatório, essa edição expandida é essencial e histórica em todos os sentidos.

DISCOGRAFIA - ACCENT Symphonic Prog • Romania

 

ACCENT

Symphonic Prog • Romania

Biografia com sotaque
Fundada em Tulcea, Romênia em 1979 - Situação desconhecida em 2019

O ACCENT foi formado em 1979 em Tulcea, Romênia pelos músicos folk Nicolae SAVA e o guitarrista/cantor Paul PRISADA, que enfatizou a poesia de grandes escritores romenos como Ion Barbu, Miron Radu Paraschivescu e Mircea Dinescu. ACCENT também contou com as teclas de Carol Nucu POPA, flautista Ionut STEFANESCU e bateristas Florin LEFTER & Mihai MORARU. As composições são soberbas e sinceras, embora relativamente discretas no estilo sinfônico de CAMEL, com influências de JETHRO TULL e do início do GENESIS. Tocando ao vivo com frequência, eles gravaram um álbum conjunto com os compatriotas PRO MUSICA em 1986, 'Formatii rock 9', e seu próprio 'Coincidente Premeditate' em 2007, disponível em CD duplo.

Refinado e contemplativo, o ACCENT tornou-se uma banda relegada aos recessos mais sombrios da história do prog, mas sua música eloquente merece toda a luz que pode obter e é firmemente recomendada a todos os trainspotters do Prog.

ACCENT Videos (YouTube and more)

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• ACCENT - Cainele enot (live) - video.acasa.ro
  (4 min 0 sec )

  Added by harmonium.ro

• ACCENT - Ceasul - video.acasa.ro
  (7 min 48 sec )

  Added by harmonium.ro

ACCENT discografia

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ACCENT top albums (CD, LP, MC, )

3.50 | 4 ratings Coincidente Premeditate 2007

5.00 | 1 ratings Paul Prisada - Porto Franco 2017

ACCENT Live Albums (CD, LP)

ACCENT Videos (DVD, Blu-ray, VHS etc)

ACCENT Boxset & Compilations (CD, LP, MC, )

ACCENT Official Singles, EPs, Fan Club & Promo (CD, EP/LP,)

3.08 | 5 ratings Formatii Rock 9 1986

Críticas de Música Krautrock

3

Korb Krautrock

É sempre uma boa ideia aventurar-se em outras fontes confiáveis ​​para encontrar novas músicas progressivas que possam formigar os sentidos, e tenho a sorte de contar com algumas (Lazland.org, ProgArchives e Prog Critique sendo a troika principal). Recentemente, me apeguei a um prog mais eletrônico, como Detlev Schmidtchen (da fama de Eloy), os australianos All India Radio / Kilbey-Kennedy e o artista solo americano Liquefy, adorei tudo o que ouvi, saindo e obtendo todas as suas discografias de uma só vez! Eu tinha lido no site prog francês PROG CRITIQUE, uma crítica de uma banda britânica de prog eletrônico KORB e fiquei entusiasmado o suficiente para comprar todos os três álbuns de estúdio. A dupla de Alec Wood e Jonathan Parkes optou por criar uma forma mais densa de música eletrônica, com momentos ocasionais de ambiente (não em música de fundo monótona! ) e os resultados são realmente muito atraentes. Há dicas óbvias e abertas na Escola de Berlim e na Kosmische Musik, mas adicionar baixo, guitarra, bateria vintage e percussão aparentemente estabelece suas credenciais de forma bastante sucinta. Esta terceira gravação é outra fatia incrível de eletrônica muscular com muitas frases de guitarra abrasadoras.

'Remote Viewer' é uma entrada suave, mas breve, em sua iminente viagem interestelar com sintetizadores arejados traçando o curso. Em alguns momentos, a intensidade aumenta com 'Korb's Third Android' enquanto a guitarra psicodélica assume o palco, estabelecendo corajosamente algumas frases corajosas, com sintetizadores agitados e percussão como co-conspiradores. Tem uma sensação orgânica e mecânica, música eletrônica com melodia, alma e alguma espinha dorsal atmosférica. O som mais ameaçador 'The Hunter' ganha força rapidamente, enquanto pulsa com bravura determinada, as várias camadas sintetizadas se fundindo em um turbilhão de sons cada vez maior, fortemente dependente da propulsão percussiva. O outro soa como uma trilha sonora para uma captura de presa bem-sucedida. O humor muda para um plano superior, sugerindo uma visita ao imponente planalto peruano, que ficou famoso por seus geoglifos gravados nas areias do deserto e visíveis de uma altitude muito maior (também conhecida como aerotransportada). 'Lords of Nazca' transmite o majestoso enigma com ousadas linhas sintetizadas, esculpindo a base musical com nítidas dimensões eletrônicas que enfatizam a grandeza, o poder e o mistério. Um seguimento perfeito em uma veia semelhante, e pico de grandes civilizações, 'Templos de Marte' pode se referir ao de Roma construído no século II aC. Este companheiro para a faixa anterior apenas destaca as qualidades criativas desta dupla. Uma faixa de destaque é o pesado mastodonte 'Rituals for the Gods', que talvez resuma perfeitamente a devoção que os incas e os romanos tinham por seus múltiplos deuses, coincidentemente, ambos acabaram sucumbindo a uma forma menos desumana de divindade (existe uma teoria recente de que Teotihuacan, o enorme e enigmático complexo no México, foi abandonado por causa da erupção de uma guerra civil lutando para abolir o sacrifício humano). Independentemente disso, os 6 minutos + são uma alegria musical pura de se ver, já garantindo que este álbum terá suas justas recompensas. O empolgante e cru 'Infrared' oferece um breve despertar sônico, com um som que pode reacender imagens da era Astounding Sounds e Amazing Music Hawkwind, uma ressonância mais corajosa para manter os sucos fluindo e o interesse sempre ávido e faminto. O mais linear, mas igualmente atraente 'Robots of The Ancient World' mantém essa mentalidade de ficção científica rolando, misturando uma visão do futuro com dicas do passado. Embora não sejam um clone de ninguém semelhante especificamente, eles, no entanto, mantêm o zoom da nave em uma velocidade de dobra adequada para manter os ouvidos aventureiros equilibrados, contentes e até mesmo entusiasmados. Eles também dominaram a capacidade de misturar as coisas em termos de ritmo, como a entonação reflexiva relativa de 'A Rare Bird', uma fatia sensual de atmosfera eufórica, muito cinematográfica e trilha sonora, uma melodia inspiradora deslizando suavemente para o cósmico horizon, definitivamente uma faixa mestra que merece aplausos celestes.

Claro, que melhor título para um final do que 'Cosmic Dawn', um adeus eletrônico, certamente outro futuro álbum futurista desta banda emergente que fiquei tão feliz em descobrir graças a Gabriel of Prog Critique! Merci! Seus dois álbuns anteriores, arrogantemente intitulados I e II, são igualmente cativantes e eu me tornei um grande fã. Você deveria também.

DISCOGRAFIA - ACAUSAL INTRUSION Tech/Extreme Prog Metal • United States

 

ACAUSAL INTRUSION

Tech/Extreme Prog Metal • United States

Biografia do Acausal Intrusion
Uma dupla americana de death metal técnico, o Acausal Intrusion é a visão do guitarrista/baixista Nicholas Turner (também conhecido como Nythroth) e do baterista/vocalista Jared Moran (também conhecido como Cave Ritual), formado em 2020. Os músicos prolíficos (que tocam em vários de projetos paralelos, bem como juntos em bandas de blackened metal Feral Lord e Burial Curse) executam um idiossincrático e desorientador death metal avant-garde informado por jazz, rock progressivo e doom, caindo em algum lugar entre Gorguts, Portal, Ad Nauseam, Howls of Ebb e Hora do Sofrimento. Assinado com a I, Voidhanger Records, o Acausal Intrusion lançou seu primeiro álbum, Nulitas, em 2021, com seu sucessor, Seeping Evocation, chegando em 2022.

Ouvintes aventureiros devem tomar cuidado, pois tudo, desde os títulos das faixas até o nome da banda, faz referência à mitologia da Ordem dos Nove Ângulos, baseada na Grã-Bretanha, um grupo satanista neonazista que busca o colapso da sociedade por meio do "aceleracionismo" misantrópico.

ACAUSAL INTRUSION discografia

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ACAUSAL INTRUSION top albums (CD, LP, MC, SACD, )

4.00 | 1 ratings Nulitas 2021

3.00 | 1 ratings Seeping Evocation 2022

BIOGRAFIA DE Steve Howe

Steve Howe

Stephen James Willian John Howe (Londres, 8 de abril de 1947) é um músico inglês de rock progressivo, internacionalmente conhecido por seu trabalho como guitarrista da banda Yes. Considerado um dos melhores e mais influentes guitarristas de todos os tempos. Ele também já participou das bandas The Syndicats, Bodast, Tomorrow, Asia e GTR, além de já ter lançado 14 álbuns solo.

Biografia

As influências

Howe ganhou sua primeira guitarra aos doze anos tendo sido fortemente influenciado pela música clássica e por vários artistas como Wes Montgomery, Bill Haley, Les Paul e Jimmy Byant; mas sua maior influência foi Chet Atkins por sua técnica chamada chiken´picken, misturada ao estilo country de tocar, o qual Howe aprendeu sozinho e o incorporou em seus primeiros shows nos bares londrinos. Começou a tocar com sua primeira banda, The Syndicats, em 1964. Howe deixou o grupo após este ter lançado vários singles. Em seguida, juntou-se ao grupo The In Crowd, que mudou o nome para Tomorrow. Com esse nome lançaram dois singles e um álbum. O Tomorrow se separou em 1968 e Howe passou a integrar a banda Bodast, onde conseguiu sucesso considerável, mas a gravadora faliu antes que pudessem lançar o primeiro álbum. Após a experiência no Bodast. Chegou a fazer audições com o The Nice e com o Jethro Tull, mas sem o sucesso que esperava.

A década no Yes

Por volta de 1970, os membros do Yes já tinham ouvido falar de Howe e decidiram convidá-lo para a banda, pois estavam insatisfeitos com o trabalho de Peter Banks. O primeiro álbum de Howe no Yes foi o The Yes Album, onde ele mostra todo sua técnica e feeling incomuns em faixas como "Your Is No Disgrace" e "Starship Trooper" . O álbum Fragile, lançado em 1971, foi um grande sucesso comercial e definiu aquele estilo de som pelo qual Howe e o Yes seriam internacionalmente conhecidos. Mesclando seu incrível virtuosismo à habilidade de integrar vários instrumentos de corda em seus trabalhos complexos e intrincados. Dominando guitarras acústicas, elétricas, lap-steel guitars, banjos e bandolins, Howe soube se encaixar de modo único entre os hábeis bateristas Bill Bruford e Alan White, o baixo vigoroso de Chris Squire, os vocais líricos de Jon Anderson e o tecladistas Rick Wakeman e Patrick Moraz entre outros. Howe também dividia os vocais do Yes, com Anderson e Squire, fazendo camadas sonoras de variações tonais e trazendo para o rock a o caráter sinfônico. Steve Howe utiliza muitas guitarras diferentes em seus trabalhos, mas durante sua estada no Yes, as Gibson ES-175 e ES-335 têm sido suas companheiras inseparáveis, assim como o sua guitarra acústica Martin. Durante o áureo período dos anos 70, o Yes produziu músicas riquíssimas e de sonoridade ímpar. Entre as performances mais memoráveis de Howe, estão "Roundabout", "Siberian Khatru", "Close To The Edge", "The Clap", "Mood For A Day", "Awaken" e "Gates Of Delirium". Ao vivo, Howe crescia ainda mais, com solos estratosféricos capazes de hipnotizar até mesmo aos virtuosos membros da banda. Jon Anderson às vezes se referia a ele como "maestro". Para a maioria dos fãs do Yes, Steve Howe é um dos maiores guitarristas de todos os tempos, mais por sua musicalidade do que pelo seu virtuosismo.

Do Asia até hoje

Howe permaneceu no Yes até 1980, quando formou a banda Asia junto a Geoff Downes, John Wetton e Carl Palmer. Deixou o Asia em 1983 e montou a banda GTR, em 1986, com o ex-guitarrista do Genesis, Steve Hackett. Após um rápido retorno ao Yes (entre 1989 e 1991), Howe se dedicou intensamente à sua carreira solo. Em 1991, participou das gravações do álbum Innuendo do Queen, tocando guitarra flamenca na faixa título.^[1] Em 1995 reuniu-se mais uma vez ao Yes. Até hoje (Julho de 2021) Howe faz parte do Yes e mesmo após tantos anos de trabalho em várias bandas, não pensa em parar de tocar. O trabalho musical de Steve Howe, elevou a sonoridade da guitarra elétrica a um nível jamais pensado e ele dedica boa parte de seu tempo ao instrumento. Howe tem uma coleção com mais de mil guitarras: Gibson archtops, semi-acústicas, double-necks, Fenders, Rickenbackers e muitos violões Martin raros, adquiridos ao longo dos anos e mantidos impecáveis até hoje. Howe publicou o livro "Guitar Quantum" com fotos e especificações técnicas de sua coleção. A Gibson, fabricante norte-americana de instrumentos, relançou o modelo ES-175 como a "Steve Howe Signature Model". Howe já revelou o desejo de construir um museu da guitarra. A sua técnica e criatividade são referências obrigatórias para os aficionados do instrumento.

Discografia

Álbuns solo

• Beginnings (1975)
• The Steve Howe Album (1979)
• Turbulence (1991)
• The Grand Scheme of Things (1993)
• Not Necessarily Acoustic (1994)
• Homebrew (1996)
• Quantum Guitar (1998)
• Pulling Strings (1999)
• Portraits of Bob Dylan (1999)
• Homebrew 2 (2000)
• Natural Timbre (2001)
• Skyline (2002)
• Masterpiece Guitars (com Martin Taylor) (2002)
• Elements (2003)
• Spectrum (2005)
• Remedy Live (2005)
• Homebrew 3 (2005)
• The Haunted Melody (2008)
• Motif (2008)
• Traveling (2010)
• Homebrew 4 (2010)
• Time (2011)

MUSICA&SOM

Resenha Signals Álbum de Rush 1982

 

Resenha

Signals

Álbum de Rush

1982

CD/LP

Depois do grandioso sucesso que foi "Moving Pictures" e o lançamento do ao vivo "Exit... Stage Left (Live)", Rush se preparava para iniciar uma nova fase, a fase dos sintetizadores, que vai do "Signals" até "Hold Your Fire".  Essa fase é de longe a mais criticada, pois o som da banda fica mais eletrônico.



"Subdivisions" é a faixa que abre o disco e se inicia com um sintetizador pulsante. Logo depois vem a bateria e a guitarra, enquanto a voz de Geddy Lee narra as desigualdades do mundo. Perto do refrão, Geddy troca o sintetizador para o baixo Rickenbacker dele. Depois da repetição do refrão, enta o solo arrepiante de Alex Lifeson .A musica termina com sintetizador, a bateria e a guitarra tocando em uma espécie de harmonia. "The Analog Kid" é um mais animada, o inicio lembra muito a parte de hard rock de "Bohemian Rhapsody" do Queen. O solo dessa faixa também é de arrepiar, ainda juntando com o sintetizador, deixa tudo ainda mais incrível.

"Chemistry" começa com os pratos da bateria, o sintetizador e aguitarra tocando em harmonia, crescendo progressivamente. O baixo chega assim que Geddy Lee começa a cantar. A musica lembra muito o pop rock do inicio dos anos 1980. "Digital Man" é a minha favorita desse disco. A faixa começa com uma virada sensacional do saudoso Neil Peart, logo depois, começa uma mistura de reggae e rock. No refrão, vem o sintetizador, depois, vem um incrível solo de baixo e um arrepiante solo de guitarra acompanhado de um teclado.

"The Weapon" começa com a bateria, a guitarra e o sintetizador tocam juntos, com o tempo, vão ficando mais eletrônico, até mesmo o solo. Menos a espécie de solo de baixo no final da musica. "New World Man" começa com sintetizador, aparentemente, imitando a bateria, mas depois aparece a guitarra, o baixo e a bateria, o refrão pode ser um pouco chiclete na cabeça.

"Losing It" é algo mais para o new wave e o pop dos anos 1980, tem até saxofone e violino. Para finalizar, "Countdown" parece uma musica feita para algum filme de ação dos anos 1980. A bateria parece muito uma marcha militar, a guitarra algo mais puxado para o hard rock. Uma faixa dignissima faixa para encerrar um álbum excelente.

"Signals" é um dos melhores álbuns do Rush, infelizmente, pessoas o culpam de começar uma fase que poucos curtem. Eu peço uma coisa, ouça esse álbum e me fale nos comentários a sua experiência. Até uma próxima resenha.

Resenha Feel Euphoria Álbum de Spock's Beard 2003

Resenha

Feel Euphoria

Álbum de Spock's Beard

2003

CD/LP

A Spock’s Beard mostrou que poderia continuar sendo uma grande banda mesmo após a saída de Neal Morse? Com certeza, mas isso demorou um pouco. Em Feel Euphoria, primeiro disco dessa nova fase do grupo e lançado logo um ano após Snow, eles entregaram um trabalho que mostrava tudo ainda meio sem direção - ou melhor, em um foco muito distante do que os fãs estavam acostumados. Em um tipo de manobra dentro de uma banda e que o caso mais conhecido havia acontecido em 1976, quando Phil Collins saiu de trás da bateria para se tornar o novo vocalista do Genesis, o baterista Nick D'Virgilio aproximou do microfone para se tornar o novo vocalista da banda.  

Logo quando escutamos a primeira faixa é possível perceber que houve uma mudança de direção, com a banda soando muito mais direta e bem menos progressiva, além de carente de composições sólidas e de melodias que crescem no ouvinte a cada escuta. Infelizmente, aqui tudo parece ter um curto prazo de validade e, com isso, não vai atiçar o ouvinte novamente para que ele regresse ao álbum e o escute de novo, pois pouca coisa empolgou.  

Mas claro que não se trata de um disco do tipo que é um desperdício total ou que nada mereça ser ouvido mais do que uma vez, é possível ver a banda revisitando em alguns momentos o estilo da era Neal Morse, porém, o que acaba sendo primordial na questão, é que infelizmente na maior parte o que a banda vai entregar será apenas frenesi instrumentais selvagens – afinal, eles não deixaram de ser exímios instrumentistas -, paradas abruptas e mudanças de andamento - só que sem a coerência habitual. Com isso, o que eu quero dizer, é que a musicalidade muitas vezes pode até ser ótima, mas mesmo assim, na maioria das vezes não é o suficiente para que as peças funcionem como um todo. 

Mas em suma, o que esperar de Feel Euphoria? É um disco ruim? Não mesmo. Mediano? Também não, acho que mesmo com todos os seus problemas, com o tempo ele pode se tornar uma boa oferta - porém, há o fato que comentei lá no início, talvez a música nunca cresça em você e seja algo com o prazo de validade vencido. De longe, o maior destaque no álbum é o trabalho de Okumoto, o uso variado de teclados entrega algumas belas melodias de piano e solos selvagens de sintetizadores e até mesmo de órgão hammond e mellotron no melhor estilo anos 70. Vale destacar também, que aqui é onde de fato Nick se mostrou um vocalista promissor. Por outro lado, baixo e guitarra admito que foram mais decepcionantes do que satisfatórios. Bom disco, mas às vezes, uma experiência um pouco confusa, que embora se esforce, tem dificuldades de entregar algo realmente interessante.