Q é para…Queens Of The Stone Age! ‘Songs For The Deaf’

 

Palm Desert, Califórnia, EUA, no Coachella Valley, uma cidade cercada pelo deserto e antigo lar de uma comunidade nativa americana conhecida como Agua Caliente, que se traduz do espanhol como 'água quente'. Era a pátria ancestral de Cahuilla, uma divisão do bando Morongo de índios missionários, cujos cantos de pássaros e cantos fúnebres compartilham a tradição oral de como estiveram presentes nessas terras por mais de 10.000 anos. 

Pode ser que essa rica tradição e localização evocativa tenham tido uma forte influência sobre o que se tornaria uma banda de rock chamada Queens Of The Stone Age, cuja música evoluiu de uma cena jovem envolvendo festas geradoras no deserto. Grupos de adolescentes dirigiam-se para algum local isolado na bela e austera paisagem, não muito longe do famoso Parque Nacional Joshua Tree, instalavam amplificadores e luzes alimentadas por geradores a diesel, ingeriam quantidades de várias substâncias químicas que alteram a mente e festejavam tudo. noite, ao som de bandas locais com nomes como 'Across The River', 'Yawning Man' e Kyuss, que contou com um guitarrista chamado Josh Homme…

No deserto, 121 milhas a nordeste da cidade de San Diego e 122 milhas a leste da metrópole de Los Angeles, a influência hispano-americana é óbvia nesses nomes, mas também enraizada na paisagem, o sangue dos antepassados ​​há muito se infiltrou no solo seco, e os gritos daqueles que pereceram em um oeste selvagem implacável encerrando suas reverberações pelos desfiladeiros. Lá fora, coisas estranhas podem acontecer. Como Jim Morrison, poeta xamânico, disse uma vez “Aqui no perímetro não há estrelas, aqui estamos chapados, imaculados...” [3.]

'Califórnia Über Alles'? Os angeleanos vêm a esta área agora para este retiro com o lema 'sinta o calor', fugindo da 'Cidade dos Anjos' e de Hollywood, desde o curta de 17 minutos de DW Griffith 'In Old California' um lugar que se tornou sinônimo do mundo do cinema glitz, onde as patentes cinematográficas de Thomas Edison queimam junto com os sonhos de criativos e aspirantes. Os 'pássaros da neve' humanos migratórios procuram os climas mais tolerantes da área quando a temperatura em suas próprias zonas de origem cai…

'Todo mundo deve ficar chapado...'[4.] Stoner rock, outro subgênero criado, não um que faça justiça ao Queens Of The Stone Age, mas eles fazem mais do que insinuar isso em seu nome, o que tem mais a ver com isso do que Barney e Fred, certamente ? A banda Katzenjammer, com um nome que lembrava 'Krautrock', tornou-se Sons Of Kyuss e depois Kyuss, todo sangue quimicamente aprimorado fluindo pela veia do stoner rock, vocais principais fornecidos por John Garcia. Após a separação da banda, o guitarrista Homme passou a criar QOTSA, como seu nome foi abreviado, com o baterista do Kyuss Alfredo Hernández, Homme tocando a maioria dos instrumentos em seu primeiro álbum, além da bateria, que era o domínio deste último. Uma das principais diferenças no som da nova banda foi a assunção de funções vocais por Homme, e seu estilo único se tornaria uma marca registrada da QOTSA.

'Regular John', a primeira faixa do álbum de estreia, sinaliza um novo despertar, ainda que aparentemente do salubre confinamento de um cubículo de banheiro com pichações na parede:

“Abra seus olhos
Abra seu quarto
Abra seus braços” [5.]

A vibração legal, peculiar, ousada, inquieta e maconheira do primeiro álbum continuou a ser desenvolvida no lançamento do segundo ano, 'Rated R', que gerou algumas canções de 'sucesso' cativantes, o hino autobiográfico de drogas 'Feel Good Hit Of The Summer' e 'A arte perdida de manter um segredo'. O primeiro tem um gancho listando um coquetel supostamente ingerido pelos membros da banda em uma ocasião 'experimental' – “nicotina, valium, vicodin, maconha, ecstasy e álcool….c, c, c, c, cocaína” – o último pedindo “Tanto faz você faz-ooh-ooh-ooh, não conte a ninguém”. [5] Um vocalista adicional talvez improvável em 'Feel Good' foi Rob Halford, vocalista da banda de metal clássico Judas Priest. Como Josh Homme lembra, Halford foi convidado pelo produtor Chris Goss para contribuir com a faixa:

“Estávamos no Studio B no Soundcity e ele no Studio A. O corredor fora dos estúdios é muito pequeno. Não importa se você está em A ou B, você vai acabar saindo com a outra banda. Então ele estava saindo e Chris Goss, nosso produtor, perguntou se ele cantaria e ele disse, 'Claro!' Ele leu a letra e riu, e cantou de volta nela.” [2.]

Nick Oliveri continua:
“Eu vi o Priest quando criança em 83 e nunca teria pensado que em toda a minha vida Rob Halford estaria cantando na minha música, nunca. Na verdade, foi um prazer, estávamos todos na sala de controle vendo-o cantar na cabine de voz com fones de ouvido e todos estávamos loucos, 'Oh merda! Rob Halford! Foi tão legal. [2.]

'Rated R' também contou com Mark Lanegan, cantor da banda 'grunge' Screaming Trees do estado de Washington e um artista solo que escreveu seu próprio material sombrio e introspectivo. Lanegan cantou em 'In The Fade' e contribuiu com backing vocals para três outras faixas do álbum, 'Autopilot', 'Leg Of Lamb' e 'I Think I Lost My Headache' - Ele seria um membro chave do próximo QOTSA projeto.

So, 'un gran comienzo' ¿Verdad? O terceiro álbum 'Songs For The Deaf' o levaria a um novo nível…¡Vámonos allí!



'Songs For The Deaf' é um passeio fictício pelo deserto da Califórnia de Los Angeles a Joshua Tree, retratado como se a trilha sonora fosse o rádio do carro, com várias mudanças de estação e DJs imaginados fornecendo introduções e continuações entre as músicas. Completando a formação do 'supergrupo' dos personagens principais deste álbum, a banda recrutou Dave Grohl na bateria, o grande sucesso de vendas do Nirvana 'Nevermind' e cantor/guitarrista/frontman do Foo Fighters, a banda que ele formou das cinzas da banda grunge de Seattle após a morte de Kurt Cobain. Inquestionavelmente, a bateria de Grohl é um componente importante do sucesso de 'Songs For The Deaf'.

'Fake' DJ Blag Dahlia apresenta o álbum:
“ KLON Los Angeles, KLON Radio Tocamos
as músicas que soam mais como todo mundo do que qualquer outra pessoa
KLON
Ei, tudo bem, é Kip Kasper
KLON Radio, repetição infinita de LA
Como nos sentimos lá fora ?

Como está o seu tempo de viagem?
Eu preciso de uma saga
Qual é a saga?
São músicas para surdos
que você nem consegue ouvir”

'Você acha que não vale um dólar, mas me sinto como um milionário' é uma escolha corajosa para uma música de abertura, apresentando os vocais gritantes de Nick Oliveri, e é um começo tão bom, a letra com sabor hispânico dificilmente discernível, mas muito poderosa:

“Touro morto com a vida de baixo
Eu serei um grande conquistador
Dê-me alma e mostre-me a porta
Metal pesado, suave ao núcleo
Me dê toro, me dê um pouco mais
Me dê toro, me dê um pouco mais”

A batida peculiar de 'No One Knows' segue, uma faixa brilhante conduzida pelos vocais distintos de Homme e sua guitarra. O primeiro single do álbum, continua a 'jornada do motorista pelo deserto da mente sem esperança'…Apesar do rock ser rotulado por muitos fundamentalistas como 'música do diabo', não é incomum que bandas do gênero se inspirem na Bíblia, e a QOTSA fez isso para a excelente 'First It Giveth', usando uma frase muitas vezes mal citada de The Book Of Job como o gancho principal da música. Mark Lanegan traz verdadeira coragem e presença sombria para 'Song For The Dead', que flui direto para 'The Sky Is Fallin', uma parte relativamente relaxante da viagem antes de Oliveri gritar de volta aos procedimentos no curta 'Six Shooter', seguindo para 'Hangin' Tree', que traz Lanegan de volta aos vocais. Não há trégua nesta emocionante jornada do rock. 'Go With The Flow' também foi lançada como single, e é uma música irresistivelmente cativante, o refrão é um refrão forte e a insistente nota de piano no fundo lembrando The Stooges. uma técnica que eles obviamente roubaram dos primeiros discos de rock'n'roll. A alta qualidade é mantida até o fim, com mais riffs matadores e melodias vocais cativantes nos mantendo em uma estrada deserta muito legal com 'Do It Again', 'God Is In The Radio', 'Another Love Song' e 'Song For The Deaf', que 'oficialmente' fecha o álbum, Dave Catching como DJ final informando que“Você está ouvindo WANT, a estação de rádio favorita do vale das maravilhas do deserto. Foi uma boa noite. Dave Catching aqui, não dizendo 'boa noite', apenas dizendo…” Vinte segundos de silêncio depois e ficamos 'surpresos' com uma reprise de comédia de 'Feel Good Hit Of The Summer', então outros trinta segundos de silêncio antes 'hidden track' 'The Mosquito Song', uma das minhas favoritas do álbum. É uma obra-prima sinistra, inicialmente apenas Josh Homme e violão, depois acrescentando piano e cordas melancólicos e, posteriormente, progredindo para um arranjo orquestral e de metais completo, beirando uma bizarra banda de metais movida a jazz liderando músicos de orquestra e roqueiros chapados em alguma barranca no deserto. …Agora, essa é uma estrada fenomenal no deserto que você vai querer repetir várias vezes…

“Eu sei, eu sei que o sol está quente
Mosquitos vêm sugar seu sangue
E te deixam lá sozinho
Só pele e osso
Quando você caminha entre as árvores
Ouvindo as folhas
Quanto mais longe eu vou, menos eu sei
Menos eu sei”

The refrão apresenta o que seria o título do próximo álbum, uma sutil sinalização nesta estrada escura e deserta:
“Para onde você vai correr?
Onde você vai se esconder?
Canções de ninar para paralisar”

O cover de "Everybody's Gonna Be Happy" do The Kinks (nem mesmo um dos melhores do grupo beat inglês), anunciado como uma "faixa bônus internacional" é um final muito incongruente para o processo e honestamente teria sido melhor deixado de lado e incluído no algum outro lançamento de compilação. Fale sobre estragar o ambiente! Imagine que você está dirigindo pelo deserto, conforme imaginado pelo conceito do disco, inspirado pela jornada através de algumas das melhores músicas do rock'n'roll introduzidas por uma seleção de DJs fantasiosos independentes, depois embalados em uma bela paisagem seca por os sons exuberantes de 'The Mosquito Song' quando em rajadas este número alegre de meados dos anos sessenta, exaltando a alegria. Infeliz,

Eu me sinto muito feliz por ter visto o QOTSA em sua turnê 'Songs For The Deaf', em 19 de junho de 2003 no icônico Barrowland Ballroom em Glasgow. Foi um setlist matador, como você pode ver abaixo. Não é uma banda para ficar parada, eles mudaram de equipe novamente após este álbum. Seu próximo lançamento seria 'Lullabies To Paralyze', outra potência cheia de ótimas canções. Um cover compacto e rock de 'Precious And Grace' do ZZ Top, com Mark Lanegan nos vocais principais e uma participação especial do vocalista do 'Top, Billy Gibbons, é um destaque. Esse álbum para mim encerrou o primeiro período da música da banda, e os lançamentos subsequentes explorariam novos territórios musicais. Não que os primeiros quatro álbuns não ultrapassassem os limites criativos – eles certamente o faziam, mas a música tinha uma pátina muito reconhecível naquele ponto. Tendo feito três álbuns em quatro anos até 'Songs For The Deaf', a banda seria muito menos produtiva nos anos futuros, lançando apenas quatro jogadores longos entre 2002 e 2017 - 'Lullabies To Paralyze' (2005), 'Era Vulgaris' (2007), '…Like Clockwork' (2013) e 'Villains' em 2017, seu último álbum de estúdio até o momento. Houve outros projetos paralelos, notavelmente uma série chamada 'The Desert Sessions' e inevitavelmente uma série de mudanças na formação, com Homme ainda mantendo o nome QOTSA vivo e rumores de um oitavo disco de estúdio flutuando no oceano…

Pessoal de 'Músicas para Surdos':

Josh Homme: vocal, guitarra
Nick Oliveri: baixo, vocal
Dave Grohl: bateria
Mark Lanegan: vocal


Pessoal adicional:
Alain Johannes – guitarra lap steel, e-bow, órgão, piano, guitarra flamenca, theremin (Faixas 3, 6, 7 e 12)
Natasha Shneider – e-bow, órgão, piano, theremin (Faixas 4, 6, 12 e 14)
Gene Trautmann – bateria (Faixa 1)
Dean Ween – guitarra (Faixas 6, 9 e 14)
Brendon McNichol – guitarra ( Faixa 8)
Chris Goss – guitarra, teclado, backing vocals (faixas 5 e 10)
Paz Lenchantin – cordas (faixas 2 e 14)
Ana Lenchantin – cordas (faixas 2 e 14)
Molly McGuire – acordeão (faixa 14)
John Gove – trompas (Faixa 14)
Kevin Porter – chifres (Faixa 14)
Brad Kintscher – trompas (faixa 14)

'DJs de Rádio'
Em ordem de aparição:

Blag Dahlia como DJ “Kip Kasper” de KLON – Rádio KLONE de Los Angeles
Alain Johannes como DJ “Héctor Bonifacio Echeverría Cervantes de la Cruz Arroyo Rojas”
Chris Goss como DJ “Elastic Ass” de KRDL – Kurdle 109 de Chino Hills
C-Minus como DJ do KOOL
Casey Chaos como anúncio de estação promovendo “All Death Metal, o tempo todo”.
Jeordie White como DJ Tom Sherman da Banning College Radio
Lux Interior como DJ para AM580
Jesse Hughes como Preacher
Natasha Shneider como DJ para WOMB – The Womb
Dave Catching como DJ para WANT of Wonder Valley

'Songs For The Deaf'
Originalmente lançado: 27 de agosto de 2002 Gravadora: Interscope Gravado em: The Site, San Rafael, Califórnia; Conway Recording Studios e Barefoot Studios, Hollywood, Califórnia Produzido por: Josh Homme, Adam Kasper e Eric Valentine

Lista de músicas de 'Songs For The Deaf': 01. Você acha que não valho um dólar, mas me sinto como um milionário 02. Ninguém sabe 03. First It Giveth 04. Song For The Dead 05. O céu está caindo 06 Six Shooter 07. Hangin' Tree 08. Go With The Flow 09. Vou te deixar 10. Do It Again 11. God Is In The Radio 12. Another Love Song 13. Song For The Deaf 'faixa escondida' 14. Mosquito Song

Faixa bônus internacional'
15. Todo mundo vai ser feliz (capa do The Kinks)

Referências e fotografias:
1. CD 'Songs For The Deaf' (coleção do próprio autor)
2. McIver, J. (2005). 'Ninguém sabe - as rainhas da história da Idade da Pedra'. Londres: Omnibus Press.
3. 'Texas Radio and The Big Beat', letra de Jim Morrison 
4. 'Rainy Day Women Nos. 12 and 35', letra de Bob Dylan
5. Letra da música QOTSA
6.https://en.wikipedia.org/wiki/Songs_for_the_Deaf

Turnê 'Songs For The Deaf' em
Glasgow Barrowland 19 de junho de 2003 – setlist

Música de introdução: Spiders and Vinegroons
First It Giveth
Do It Again
You Think I Ain’t Worth a Dollar, but I Feel Like a Millionaire
If Only
The Sky Is Fallin’
Quick and to the Pointless
Gonna Leave You
Hangin’ Tree
In the Fade
A Song for the Dead
Ode to Clarissa
Go With the Flow
How to Handle a Rope
Better Living Through Chemistry
Wake Up Screaming (Subhumans cover)
Leg of Lamb
Auto Pilot
Another Love Song
A Song for the Deaf
No One Knows

Encore:
Acho que perdi minha dor de cabeça
, tensão, cabeça

Encore 2:

Feel Good Sucesso do verão
A arte perdida de guardar um segredo

R é para…Rage Against The Machine! 'Raiva contra a máquina'

A dramática arte da capa é um recorte da fotografia icônica de Malcolm Wilde Browne da autoimolação de Thích Quảng Đức, um monge budista vietnamita, em Saigon em 1963. Đức queimou-se até a morte em um cruzamento movimentado da cidade em protesto contra o governo sul-vietnamita por sua perseguição aos budistas no país. Embora a foto seja de uma cena completamente diferente, ela tem uma sensação semelhante a outras capas de álbuns de rock do período anterior ao álbum Rage, como 'Bleach' do Nirvana (1989) e, em menor grau, 'Superfuzz Bigmuff' do Mudhoney (1988 ), sendo todas fotos de ação tiradas em preto e branco. A imagem combina bem com a agenda de protestos do Rage e sua visão internacional. O próprio Browne foi, sem dúvida, uma inspiração para os membros da banda, reconhecido por suas reportagens internacionais, e ele mesmo influenciado por sua mãe, um Quaker com opiniões fervorosamente anti-guerra. Os membros da banda estavam com o coração na manga em termos de perspectivas.

Em 2001, Zach De La Rocha entrevistou alguém que ele realmente respeitava, Avram Noam Chomsky, o famoso linguista, filósofo, cientista cognitivo, ensaísta histórico, crítico social e ativista político americano. O noivado entre esses dois homens de origens muito diferentes, mas com muita coincidência em seus interesses e pontos de vista, foi um momento mágico, felizmente capturado em vídeo. De La Rocha aparece como um entrevistador muito eloquente e paciente, começando com uma pergunta sobre o Acordo de Livre Comércio da América do Norte, que prendeu o México a um 'tratado', enquadrado como benéfico para ambos os países, mas na verdade revelado como uma anulação de democracia. Com suas fortes ligações com o México, todo esse cenário está próximo do coração do cantor, Chomsky relatando o efeito negativo na população, particularmente os agricultores indígenas pobres e seu direito à terra – Colonialismo sem guerra. A globalização é outro tópico discutido, o impulso para agradar a grandes corporações e colocar o lucro antes dos direitos humanos, as 'pessoas comuns' pagando os custos.

Indo um pouco além da declaração do Queen 'sem sintetizadores' que eles exibiam nas capas de seus álbuns dos anos 70, o Rage Against The Machine orgulhosamente declarou em seus discos "sem samples, teclados ou sintetizadores usados ​​na produção deste álbum", estabelecendo-se assim como uma banda de rock puro e simples - guitarra, baixo e bateria - embora certamente fossem rotulados em subgêneros 'rap-metal' e influenciados por artistas de hip-hop em seu estilo musical. Seu álbum de covers 'Renegades', lançado em 2000, inclui versões de canções de proeminentes artistas multirraciais de r'n'b/hip-hop/funk/rap Eric B. e Rakim, Afrika Bambaataa e Cypress Hill, contrastando com punk, garage e mais rock/cantores e compositores mainstream, todos unificados em um sentido musical pela inconfundível Rage Against The Machine.

A 'fórmula' do Rage Against The Machine para composição, performance e gravação produz resultados muito poderosos, a seção rítmica de Commerford e Wilk uma das mais fortes no cânone do rock. Isso, juntamente com os riffs superapertados de Morello, a abordagem inventiva dos efeitos e seus 'solos' únicos criados usando técnicas que ele imaginou, fez com que a música da banda se destacasse por conta própria, uma oportunidade aproveitada pelo ex-vocalista do Soundgarden, Chris Cornell, que formou o 'supergrupo' Audioslave em 2001 com o trio, após a dissolução do Rage. O gênio da garrafa para Rage é, claro, Zack De La Rocha, frontman, ativista, letrista e rapper/vocalista extraordinário, sem o qual a banda não poderia existir, uma força insubstituível da natureza, sua entrega de metralhadoraerfeitamente adequada ao estrondoso paisagem sonora de rock por baixo.

A faixa de abertura 'Bombtrack' começa com uma figura de guitarra abafada de Tom Morello na afinação padrão até Zack De La Rocha nos dizer que "É apenas outra faixa bombástica" e a música ganha vida, o cantor fazendo rap sobre um groove de banda apertado que muda através do acompanhar. O gancho vocal repetido é "Burn, Burn, sim, você vai queimar!" , apto para uma faixa feita por uma banda em chamas, tocando seu protesto musical para gente como Thích Quảng Đức, um defensor da paz envolvido em chamas para chamar a atenção do mundo para a situação dos oprimidos… 

'Killing In The Name' está em afinação drop D, “uma afinação frequentemente preferida pelo guitarrista Tom Morello, já que aparece em nada menos que oito músicas nos dois primeiros álbuns”. [3.] - Isso envolve afinar a corda mais baixa de E (a afinação usual na afinação padrão) um tom inteiro até Ré. Morello disse desde então que o riff era um de seus arquivos, algo que ele usou anos antes ao ensinar violão aluno como tocar na afinação 'drop D'. A faixa se tornou a assinatura da banda e a misteriosa introdução agora é muito familiar. O primeiro 'verso' expõe sua parada, com repetição múltipla da letra “ Alguns dos que trabalham forças são os mesmos que queimam cruzes..”, uma referência à Klu Klux Klan ou KKK, a sinistra organização supremacista branca nos EUA que se escondia atrás da decência na vida pública, vestindo suas vestes para disfarçar seus verdadeiros personagens – racistas, violentos e implacáveis. Em uma entrevista em 2000, Tom Morello se refere à sua experiência com 'The Klan' quando criança:

“Fui criado no subúrbio branco de Libertyville, que fica perto de Chicago. Havia apenas um negro, eu, em uma cidade de 14.000 habitantes. Ser negro na América é uma experiência instantaneamente politizadora. Libertyville não era o lugar mais tolerante para se viver. Minha mãe encontrava material da Ku Klux Klan deixado em seu escritório, e uma vez uma corda foi pendurada por algum racista em sua garagem.” [4.]

'Killing In The Name' é um protesto contra a brutalidade policial nos Estados Unidos e De La Rocha não se conteve com o refrão repetido no final da música, exclamando “Foda-se, não vou fazer o que você me manda!” e então gritando "Filho da puta!". Não é um shifter de unidade compatível com o rádio, mas a música chegou às ondas de rádio mainstream por bem ou por mal, e às vezes por completa ignorância, DJs como Bruno Brookes no Reino Unido sem saber qual era o conteúdo, baixando seus fones de ouvido enquanto a música explodiu lá fora, e as reclamações inundaram - trabalho feito! Até mesmo o assustador maquiavélico Simon Cowell foi alvo da música, quando um fã iniciou uma campanha em 2009 para fazer de 'Killing In The Name' o Natal número um no Reino Unido, a fim de evitar uma capa pop de um talento que Cowell havia preparado. através de seu show viscoso. O sucesso de levar a música ao topo acabou dependendo dos fãs baixarem uma versão ao vivo que Rage gravou naquele ano depois de ouvir sobre os acontecimentos improváveis…

Na terceira faixa 'Take The Power Back', De La Rocha está no modo de entrega rápida, nos dizendo que “a ignorância está assumindo o controle, sim, temos que retomar o poder” . A falta de conhecimento da 'realidade' lá fora é um tema recorrente nas letras de Rage, assim como de outros artistas de rap e hip-hop, notavelmente 'Disposable Heroes Of Hiphoprisy' de Michael Franti, cuja música 'Television, the drug of the national' que a caixa estava “gerando ignorância e alimentando radiação” .

Muito mais lento e começando com uma figura de baixo de Tim Commerford, 'Settle For Nothing' tem uma sensação estranha, “and now I got a name” é o gatilho para as coisas ganharem vida, o grito de “suicídio” de De La Rocha! levando a dinâmica de volta para baixo. "Genocídio!"Uma bela e melódica improvisação de guitarra dá ao ouvinte algum espaço para respirar, Morello entrando em um território mais jazzístico com um tom limpo. De La Rocha retoma a raiva no final, repetindo o refrão “Se não agirmos agora, não nos contentaremos com nada depois… Não nos contentamos com nada agora e não nos contentaremos com nada depois” Inquietante com certeza.

'Bullet In The Head' é a mais 'hip hop' de todas as faixas do álbum, pelo menos em sua sensação musical na primeira parte da música. “E os filhos da puta perderam a cabeça” é o gatilho para o gancho cativante e raivoso “Apenas vítimas do drive-in-house, eles dizem pule, você diz o quão alto” – uma referência à televisão, a droga da nação? No final, a música explode de seu hip hop para um rock completo, então caindo para um interlúdio levando Zack gritando repetidamente “Você tem uma bala na porra da sua cabeça” antes que o rock final feche. .

Na introdução de 'Know Your Enemy', De la Rocha nos diz que “vamos fazer outra faixa bombástica – algum tipo de reprise da abertura? A faixa “apresenta uma participação especial de Maynard James Keenan, do Tool, cuja abordagem melódica assombrosa adiciona uma nova abordagem estilística à ponte”. [3] “Não tenho paciência” , diz Keenan. “Foda-se a norma!” diz De La Rocha. Outra quebra de guitarra cheia da magia técnica de Morello nos leva ao outro. “Ignorância, hipocrisia, brutalidade… Todos os quais são sonhos americanos” canta De La Rocha, a última frase repetida a cappella para encerrar a música de maneira poderosa.

'Wake Up' foi usada na cena final do filme cult de sucesso 'The Matrix, lançado em 1999, e a música fecha o álbum da trilha sonora do filme, após uma playlist eclética fornecida por artistas tão diversos quanto Marilyn Manson, Propellerheads, The Prodigy e Ímã Monstro. A letra critica o racismo dentro do governo dos Estados Unidos, particularmente organizações como o Federal Bureau of Investigation (FBI), com referências ao ex-diretor do FBI J. Edgar Hoover, bem como heróis negros americanos como Cassius Clay (mais tarde renomeado como Muhammad Ali). ), Malcolm X e Martin Luther King, parte do discurso deste último proferido no final da famosa marcha de Selma para Montgomery, Alabama, que por sua vez tirou de uma frase em 6:7 da Epístola aos Gálatas, o nono livro do Novo Testamento na Bíblia:“tudo o que o homem semear, isso também ceifará” . Paráfrases disso aparecem em muitas canções populares, além de serem comumente usadas em conversas. 

É outra entrega de metralhadora de De La Rocha sobre um contagiante funky groove, com wah wag, enquanto Zach dá “um punho no ar na terra da hipocrisia”.

“Acho que ouvi um tiro” nos leva de volta ao riff de introdução, um outro onde Zack grita para acordarmos e então relembra as palavras do Doutor King para terminar em “Quanto tempo, não muito, porque o que você colhe é o que planta .”

'Fistfull Of Steel' "oferece outra visão dos sentimentos expressos na quinta faixa intitulada mais diretamente 'Bullet In The Head'." [3.] “Silêncio, algo sobre o silêncio me deixa doente” , diz Zack – O único silêncio neste álbum está nos intervalos entre as faixas! A inevitável frase repetida nesta música é “com um punho cheio de aço” , enquanto na penúltima e otimista 'Township Rebellion', alimentada por um baixo insistente no início, é o final indelével.“Por que ficar em uma plataforma silenciosa? Lute na guerra, foda-se a norma”. Comentário sobre a cultura do gueto com uma perspectiva mundial, da África do Sul a Los Angeles, 'Johannesburg or South Central', a música tem alguns versos brilhantes, como 'cape of no hope', 'our freedom or your life' e a inesquecível frase repetida “ Shackle suas mentes quando eles estão dobrados na cruz , Quando a ignorância reina, a vida é perdida…”

A faixa de encerramento 'Freedom' tem seus momentos, cheios de riffs cativantes e mudanças na dinâmica, com algumas ótimas letras entregues por De La Rocha:

“ Brotha, você esqueceu seu nome?
Você perdeu na parede
Jogando jogo da velha?

Ei, verifique a diagonal
Três irmãos se foram
Vamos,
isso não é três seguidos?

A fala mansa “Anger is a gift” introduz um pouco de rock pesado, que fica ainda mais pesado no final da música, De La Rocha rosnando/gritando (greaming/scrowling?) “Freedom” antes do registro terminar em uma colagem de Tom Efeitos de guitarra Morello…

A ascensão do Rage à fama foi rápida - a banda fez seu primeiro show público em 1991, assinou contrato com a Epic um ano depois, lançou seu primeiro álbum naquele ano (1992) e obteve aprovação instantânea da indústria, seguido por grandes vendas e seguidores de fãs.

Muitas vezes criticado por 'se vender' e 'trabalhar para o homem' contra o qual eles se uniram, Rage se viu em uma situação sem vitória repetidas vezes. Entrevistado em 2000, o guitarrista Tom Morello, que defendeu tenazmente sua postura e tomada de decisão ao longo dos anos, resumiu a situação da banda:

“ Sempre houve bandas tentando fazer música política. Mas o que não tem precedentes é que o Rage Against the Machine, uma banda abertamente política, vendeu 15 milhões de discos.

Muito disso tem a ver com a natureza cativante da nossa música, que combina punk, hip-hop e hard rock. Vemos nossa música como parte de um campo de batalha cultural. Queremos acabar com as besteiras que o sistema enfia na garganta dos jovens.

Estamos tentando apresentar uma visão alternativa do mundo. Rage Against the Machine quer construir uma ponte entre a música e o movimento. Além de fazer uma série de shows beneficentes, a banda também doa uma parte de cada ingresso vendido para instituições de caridade sem-teto, a campanha Mumia ou o sindicato dos trabalhadores do vestuário.

Fui preso por desobediência civil. Zack, o cantor da banda, passa quase todo o seu tempo livre no México apoiando a luta dos zapatistas pela liberdade. A chave para provocar mudanças não é a música – é ser politicamente ativo.” [4.]

Às vezes, havia um aspecto de 'jornalismo gonzo' na vida da banda, fazendo as coisas acontecerem para filmar e escrever sobre eles, ativismo no estilo dissidente Hunter S. Thompson? Este trecho de uma entrevista com Tom Morello em 2000 atesta isso:

“ Dois dias antes de chegarmos à Grã-Bretanha, gravamos um vídeo para nosso novo single, 'Sleep Now in the Fire'. O cineasta radical Michael Moore dirigiu o vídeo. Rodamos o filme nos degraus do Federal Building, que fica do outro lado da rua da bolsa de valores de Nova York.

Convidamos os fãs do Rage Against the Machine para se juntarem a nós em nosso vídeo. Cerca de 300 compareceram. De repente, a polícia chegou e prendeu Michael. Eles o arrastaram para a cadeia. O resto de nós invadiu a bolsa de valores. Cerca de 200 de nós passamos pelo primeiro conjunto de portas, mas nosso ataque foi interrompido quando as portas de titânio da bolsa de valores desabaram.

Nosso protesto parou de negociar na bolsa de valores nas últimas duas horas do dia. Acho que paramos de reduzir o tamanho por pelo menos algumas horas. Foi um bom dia no escritório. O que é incrível é que tudo isso estará no novo vídeo.” [4.]

Rage Against The Machine gravou mais três álbuns de estúdio, 'Evil Empire' (lançado em 1996), 'The Battle Of Los Angeles' (lançado em 1999) e a coleção de covers 'Renegades' (lançada em 2000). Todos esses são ótimos, mas meu favorito ainda é o primeiro álbum, e esse parece ser o consenso geral. Dois álbuns oficiais ao vivo também foram lançados: 'Live & Rare' e 'Live At The Grand Olympic Auditorium'. A banda tem feito turnês intermitentes desde que encerrou o dia pela primeira vez em 2001, pegando a estrada novamente neste ano de 2022, mas infelizmente tendo que cancelar as datas da turnê europeia, para grande desgosto da base de fãs, depois de Zack De La Rocha machucou gravemente a perna durante um show nos Estados Unidos, sendo então aconselhado pelo médico a voltar para casa e descansar. Nunca houve um momento melhor para voltar a 1992 e reviver essas canções de protesto,

'Rage Against The Machine' – 'Culpados':

Zack De La Rocha: vocal
Timmy C.: baixo 
Brad Wilk: bateria
Tom Morello: guitarra

'Rage Against The Machine''
Originalmente lançado: 1992 Gravadora: Sony/Epic Gravado em: Sound City, Van Nuys, Califórnia, EUA Produzido por: Rage Against The Machine e Gggarth Mixado por: Andy Wallace

Lista de faixas de 'Rage Against The Machine':
01. Bombtrack
02. Killing In The Name
03. Take The Power Back
04. Settle For Nothing
05. Bullet In The Head
06. Know Your Enemy
07. Wake Up
08. Fistful Of Steel
09. Township Rebellion
10. Liberdade

Referências e fotografias:
1. CD 'Rage Against The Machine' (acervo do próprio autor)
2. McIver, J. (2014). 'Conheça seu inimigo – raiva contra a máquina'. Londres: Omnibus Press.
3. Stetina, T. (2000). 'Best Of Rage Against The Machine' - Uma análise passo a passo dos estilos e técnicas de guitarra de Tom Morello'. Milwaukee: Hal Leonard.
4. Entrevista com Tom Morello, publicada online por 'Socialist Worker':: https://socialistworker.co.uk/reviews-and-culture/rage-against-the-machine-interview-from-2000/
5. Zach De La Rocha entrevista Noam Chomsky:

BOB SEGER - 'SEVEN' (1974)

BOB SEGER
'''SEVEN'''
MARCH 1974
30:49     MUSICA&SOM
**********
01 - Get Out Of Denver 02:42
02 - Long Song Comin' 04:29
03 - Need Ya 03:21
04 - School Teacher 02:44
05 - Cross Of Gold 02:22
06 - U.M.C. (Upper Middle Class) 03:14
07 - Seen A Lot Of Floors 02:59
08 - 20 Years From Now 04:29
09 - All Your Love 04:27
All Tracks By Bob Seger
**********
Silver Bullet Band:
Drew Abbott - Lead Guitar On 05, 06, 09
Chris Campbell - Bass Guitar On 05, 06, 09
Rick Manasa - Organ On 05, 06, 09, Piano On 05, 06, 09
Charlie Martin - Drums On 05, 06, 09
Nashville Musicians:
David Briggs - Piano On 01, 02, 03, 07, 08
Tom Cogbill - Bass Guitar On 01, 02, 03, 07, 08
Ken Buttrey - Drums On 01, 02, 03, 07, 08
School Teacher:
Bill Mueller - Lead Guitar On 04
Randy Meyers - Drums On 04
Special Thanks To Friends:
Charlie McCoy - Rhythm Guitar On 01, 03
Jimmy McCarty - Lead Guitar On 01, 07, Slide Guitar On 03
Bobby Woods - Piano On 08
John Harris - Organ On 08
Dave Doran - Lead Guitar On 02
Tom Cartmell (Alto Reed) - Saxophone On 02, 07
Robin Robbins - Melotron On 09

Com seu sétimo álbum, apropriadamente intitulado Seven, Bob Seger entregou um de seus discos de rock mais fortes e de maior impacto - o mais difícil desde os dias do Bob Seger System. Para não dizer que ele abandonou o rock & roll, já que Back in '72 estava repleto de roqueiros fantásticos, mas foi temperado com material reflexivo de cantores/compositores. Aqui não. Mesmo a música mais lenta, "20 Years from Now", é uma balada de ritmo constante que mostra a banda. Ainda assim, esse é um raro momento de reflexão em um álbum que abre com "Get out of Denver", a maior imitação de Chuck Berry já escrita, e nunca perde o ímpeto. Grandes roqueiros estridentes se acumulam um após o outro enquanto Seger toca hinos de bar ("Seen a Lot of Floors"), tiradas anti-sistema ("Long Song Comin'", "Cross of Gold"), piadas ("UMC [Upper Middle Class]"), blues rock ("All Your Love") e simples roqueiros de garagem ("Need Ya", "School Teacher"). Apenas nove músicas, durando pouco mais de meia hora, mas é um dos sets mais contagiantes que Seger já gravou, provando que ele não era apenas um roqueiro dinamite, mas tinha músicas para combinar. E, novamente, não teve nenhum sucesso - nem chegou às paradas, na verdade. Isso não muda o fato de que este é um de seus melhores álbuns. mas ele tinha as músicas para combinar. E, novamente, não teve nenhum sucesso - nem chegou às paradas, na verdade. Isso não muda o fato de que este é um de seus melhores álbuns. mas ele tinha as músicas para combinar. E, novamente, não teve nenhum sucesso - nem chegou às paradas, na verdade. Isso não muda o fato de que este é um de seus melhores álbuns.

BOB SEGER - BEAUTIFUL LOSER (1975)

BOB SEGER
''BEAUTIFUL LOSER''
APRIL 1975
32:58     MUSICA&SOM
**********
01 - Beautiful Loser 03:28
02 - Black Night 03:24
03 - Katmandu 06:09
04 - Jody Girl 03:38
05 - Travelin' Man 02:40
06 - Momma 03:22
07 - Nutbush City Limits 03:57 (Anna Mae Bullock a.k.a. Tina Turner)
08 - Sailing Nights 03:18
09 - Fine Memory 02:56
Tracks By Bob Seger, Except 07
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* Muscle Shoals Rhythm Section On 01, 02, 03, 05, 06, 08, 09:
Barry Beckett - grand piano, organ, synthesizer, electric piano
Pete Carr - lead guitar, acoustic guitar
Roger Hawkins - drums, percussion
David Hood - bass guitar
Jimmy Johnson - rhythm guitar
Spooner Oldham - organ, electric piano
* Muscle Shoals Horn Section On 03:
Harrison Calloway - trumpet
Ron Eades - baritone saxophone
Charles Rose - trombone
Harvey Thompson - tenor saxophone
* Silver Bullet Band On 07:
Drew Abbott - guitar
Chris Campbell - bass guitar
Charlie Martin - drums
Robin Robbins - organ
* Additional musicians:
Drew Abbott - guitar On 02, 03
Kenny Bell - guitar On 03
Pete Carr - guitar solo On 06
Tom Cartmell (Alto Reed) - saxophone On 07
Paul Kingery - guitar solo On 07
Robyn Robbins - mellotron On 04
Bob Seger - guitar On 04, 05, 09, slide guitar On 03, harmonica On 03, piano On 04
Stoney & Rocky - background vocals On 03

Beautiful Loser acaba soando mais como Back in '72 do que seu antecessor imediato, Seven, em grande parte porque Bob Seger enfiou baladas reflexivas e lamentos mid-tempo de volta em seu rock pesado. Ele também não se esquiva disso, abrindo com a adorável faixa-título. E por que não deveria? Essas baladas faziam parte de seu sucesso tanto quanto seus roqueiros tempestuosos, já que sua veia sentimental parecia ainda mais genuína quando contrastada com os roqueiros. No mínimo, Beautiful Loser pode errar um pouco em favor da reflexão, com grande parte do álbum devotado a cortes introspectivos e confessionais de tempo médio. Há algumas exceções à regra, é claro - "Katmandu" ruge com humor, e seu cover de "Nutbush City Limits" envergonha Tina Turner' s original - mas eles são os únicos roqueiros a todo vapor aqui, com "Black Night" chegando como um primo descolado e arrogante. É exatamente o oposto de Seven, em outras palavras, e à sua maneira, é igualmente satisfatório. Ocasionalmente, pode ser um pouco sentimental demais para alguns gostos, mas é tudo sincero e ele escreveu algumas canções incríveis aqui, principalmente o coração do álbum de "Jody Girl" e "Travelin' Man". Seger começou a se voltar para dentro, procurando sua alma de uma maneira que não fazia desde o renegado Brand New Morning e, ao fazê-lo, estava preparando o cenário para seu primeiro sucesso de bilheteria genuíno. Ocasionalmente, pode ser um pouco sentimental demais para alguns gostos, mas é tudo sincero e ele escreveu algumas canções incríveis aqui, principalmente o coração do álbum de "Jody Girl" e "Travelin' Man". Seger começou a se voltar para dentro, procurando sua alma de uma maneira que não fazia desde o renegado Brand New Morning e, ao fazê-lo, estava preparando o cenário para seu primeiro sucesso de bilheteria genuíno. Ocasionalmente, pode ser um pouco sentimental demais para alguns gostos, mas é tudo sincero e ele escreveu algumas canções incríveis aqui, principalmente o coração do álbum de "Jody Girl" e "Travelin' Man". Seger começou a se voltar para dentro, procurando sua alma de uma maneira que não fazia desde o renegado Brand New Morning e, ao fazê-lo, estava preparando o cenário para seu primeiro sucesso de bilheteria genuíno.

Bandas Raras de um só Disco

 

                                              Czar (1970)

Essa raridade aqui é o único álbum de uma banda inglesa do final dos anos 60 cujo som - acompanhado de Mellotrons e algumas riffs de guitarra que lembravam blues - variava entre o heavy e o ecletic prog, muito embora a gravadora deles jurasse que eles eram uma banda pop.

A banda foi formada em 1967 originalmente com o nome Tuesdays Children, mais tarde passou a se chamar Czar. Eles chegaram a tocar em vários clubes renomados da época na Inglaterra e chegaram a fazer turnê com bandas como o Moody Blues, Pink Floyd, King Crimson, The Who, The Kinks e várias outras.

Após o lançamento do primeiro álbum, a banda se desfez e caiu no esquecimento. Apesar disso, a versão original em vinil deste álbum é tão rara que está sendo cotada a cerca de 500 libras entre os colecionadores se estiver em condições perfeitas. 

Integrantes. 

Del Gough (Bateria)
Bob Hodges (Teclados, Órgão, Mellotron, Vocais)
Paul Kendrick (Baixo, Vocais)
Mick Ware (Guitarra, Vocais)

 

MUSICA&SOM - senha muro

01. Tread Softly On My Dreams

02. Cecelia
03. Follow Me
04. Dawning Of A New Day
05. Beyond The Moon
06. Today
07. A Day In September

Bonus Tracks.

08. Ritual Fire Dance (LP Out-Take) 
09. Oh Lord I'm Getting Heavy (45 A-Side)

ESQUINA PROGRESSIVA

 

This Winter Machine - The Man Who Never Was (2017)

The Winter Machine é uma banda que ainda está dando os seus primeiros passos. Formada por cinco músicos, cada um com influências diferentes, se reuniram em uma sala onde conseguiram se encontrarem também em muitas coisas em comum. Apesar de já terem divido palcos com uma infinidade de bandas e artistas que vão desde Uriah Heep até Marillion e de Tim 'Ripper' Owens à Uli Jon Roth, essa foi a primeira vez que que ao menos a maioria deles tiveram a ideia de formar de fato uma banda de rock progressivo. 

A gama de influência encontrada em seu disco de estreia também é bastante grande, Marillion (ambas as eras), Porcupine Tree, passando por Rush, Opeth, Genesis, injeções de rock clássico e música clássica, mas acima de tudo, buscando obter sempre o seu próprio som.

O disco tem início com, “The Man Who Never Was”, faixa título, não me lembro do ultimo álbum de estreia que tivesse uma abertura tão grandiosa quanto essa, seja de rock progressivo ou não. Um glorioso convite para mergulhar sob a superfície sinfônica ondulante da cançõo que brilha e dança na alegre luz solar melódica, experimentando toda a força sedutora das músicas que o hipnotizam, provocando sensações que nos estão fora do alcance comum. A faixa é brilhante, vívida, com um forte sentido de urgência e imediatismo. As letras condenam a situação de alguém que está perdido, incapaz de se conectar a uma imagem em uma fotografia antiga, convencido de que não é quem o que as pessoas acreditam que ele seja. É uma declaração fascinante e desafiadora de intenção que brilhantemente define o tom para o resto do álbum.

“The Wheel” é outro grande momento do disco, um lamento doloroso para todas as coisas que poderiam ter acontecido, as chances e oportunidades que ou passaram por nós ou foram deliberadamente ignorados e repetidamente retornam como cantados no refrão de maneira amarga, "tarde demais". Melódica, sentimental até um redirecionamento que a deixa mais enérgica e que permanece ate o seu fim. 

The Man Who Never Was carrega uma intensidade lírica e o espírito penetrante de incerteza, por vezes, formam um forte contraste com o trabalho instrumental que é delicado, alegre e elegante. A obscuridade do mundo é atravessada com esperança melódica, o desejo de acreditar, a necessidade de coragem. Em outras ocasiões, as letras e a música misturam-se e fundem-se como uma só, conduzindo sentimentos penetrantes, emoções perturbadas e pensamentos desamparados. Camadas sonoras cuidadosamente elaborada se entrelaçam com letras inquietantes e perspicazes para formar uma paisagem complexa criada a partir de sugestões de ideias, trechos de puro vislumbre de humor musical, flashes emotivos, elogiando ou jogando uns contra os outros para formar uma narrativa vigorosa e muito bem dirigida. 

Uma conquista notável em se tratando de um álbum de estreia. Criatividade, cuidado e inventividade incorporada na música de maneira que a faz fluir com elegância natural, sofisticação e sutileza lírica, dando ao ouvinte uma grande liberdade imaginativa. Que essa estreia não seja apenas uma tacada de sorte ou que a banda não se torne uma promessa não cumprida, mas que através desse impressionante primeiro capítulo, escrevam um belo livro recheado de discos tão grandiosos quanto esse. 

Track Listing

1.The Man Who Never Was - 16:05
2.The Wheel - 9:28
3.Lullaby (Interrupted) - 4:53
4.After Tomorrow Comes - 7:58
5.Fractured - 10:26