Classificação de todos os álbuns de estúdio de Chicago

 

Quando se trata de longevidade, Chicago tem a maioria das bandas batidas. O grupo foi formado em 1967 e, apesar das várias mudanças na formação desde então, eles ainda estão gravando, lotando estádios e mantendo seus fãs felizes. Até o momento, eles gravaram 24 álbuns de estúdio e venderam mais de 100 milhões de discos em todo o mundo, tornando-os um dos grupos mais vendidos de todos os tempos. Aqui, mergulhamos profundamente em sua discografia enquanto classificamos todos os 24 álbuns de Chicago.

24. Twenty 1

 

Em 1991, o grunge estava acontecendo e bandas como Chicago estavam rapidamente perdendo seu controle nas paradas. Vinte e um não ajudou nem um pouco. A insistência da gravadora em que a banda usasse material da compositora Diane Warren criou dificuldades internas, assim como as decisões relacionadas à mixagem final. O coração deles não soa e, francamente, não podemos culpá-los.

23. Chicago XIV

 

No papel, Chicago XIV deveria ter funcionado. Afinal, tinha o lendário produtor Tom Dowd a bordo. Mas isso não aconteceu. É confuso, inconsistente e ainda é classificado como um dos álbuns mais vendidos da banda até hoje. Compreensivelmente, a Colômbia decidiu que já era o suficiente e deu à banda $ 2 milhões para ir embora e se tornar o problema de outra pessoa. A banda riu por último, porém, usando o dinheiro para financiar seu grande retorno, o disco de platina Chicago 16.

22. Chicago XXX

 

Após o decepcionante Twenty 1, Chicago levou 15 anos para começar a gravar outro álbum de material original. Infelizmente, o resultado nos fez desejar que eles não tivessem se incomodado. Chicago XXX é um álbum desdentado e bagunçado que alterna entre grandes falhas de ignição (Feel) e canções que soam como versões refeitas de sucessos anteriores (Caroline, a poor man's Look Away). Lançado em 21 de março de 2006, alcançou a 41ª posição na Billboard 200.

21. Chicago 13

Chicago 13 tem alguns bons momentos. A jazzy Life Is What It Is é adorável, assim como Aloha Mama. O problema é que esses momentos se perdem em um mar de disco que parecia datado de 1979 e soa positivamente arcaico agora. Os críticos odiaram, o público não achou muito melhor e se tornou o primeiro álbum de Chicago a não entrar no Top 20.

20. Chicago XXXV: The Nashville Sessions

 

Chicago XXXV: The Nashville Sessions foi gravado no The Sound Kitchen em Nashville em vários intervalos entre os shows. Consiste em uma série de novas versões de sucessos antigos. E é isso, basicamente. Não é uma farsa, mas é tudo um pouco inútil. Se você quiser comparar como Chicago soa agora com como eles soavam quando gravaram as músicas pela primeira vez, vale a pena ouvir. Se você não está tão interessado em fazer comparações, apenas ouça os originais – você se divertirá mais.

19. Hot Streets

 

O décimo álbum de estúdio da banda marcou uma partida em mais de uma maneira para Chicago. Para começar, o título do álbum rompeu com o negócio usual de algarismos romanos. Mais significativamente, os viu abraçar o disco - e não de forma pequena também. A certa altura, há até uma aparição dos Bee Gees . Você realmente não pode culpá-los por tentar algo novo, mas isso não torna o resultado mais audível. Existem algumas joias (Alive Again e No Tell Lover ambos chegaram ao Top 20), mas não o suficiente para salvá-lo. Lançado em outubro de 1978, tornou-se o primeiro álbum de Chicago desde sua estreia a não alcançar o Top 10 dos Estados Unidos.

18. Chicago 19

Depois de romper relações com o produtor David Foster (um dos principais contribuintes para o renascimento da banda no início e meados dos anos 80 e co-autor de sucessos como Hard to Say I'm Sorry, Stay the Night e You're the Inspiration), o banda fracassou. Eles começaram a depender cada vez mais de escritores externos, perderam seu senso de identidade e começaram a soar como uma banda completamente diferente. Chicago 19 teve os sucessos (I Don't Wanna Live Without Your Love e Look Away), mas não o conteúdo para sustentar um álbum inteiro.

17. Chicago XXXII: Stone of Sisyphus

 

O próximo é o infame álbum 'perdido'. Chicago XXXII: Stone of Sisyphus foi originalmente gravado em 1993 com a intenção de se tornar o décimo oitavo álbum de estúdio da banda. Mas, por algum motivo, a gravadora arquivou o projeto, uma decisão que acabou levando a banda a se separar de sua empresa. Quatorze anos e dez álbuns depois, o álbum finalmente viu a luz do dia. Dizer que teria sido melhor se tivesse ficado enterrado seria cruel e não totalmente justo. Algumas pessoas adoraram. A Glide Magazine elogiou sua “riqueza de ideias”, alegando que “qualquer pessoa que se lembra do som revigorante do Chicago original achará a Pedra de Sísifo totalmente comparável, se talvez não seja completamente igual”. Deseret Newschamou de "vale a pena esperar". Outras pessoas foram menos lisonjeiras em suas críticas.

16. Chicago 18

Chicago 18 não é um álbum ruim. O toque mágico de David Foster faz muita falta, mas em faixas como Niagara Falls e Over and Over, Chicago mostrou que eles ainda podem tirar uma música soberbamente bem trabalhada da bolsa. O problema está em uma música, mas essa música (um remake de 25 ou 6 a 4 de Terry Kath) é tão absolutamente horrível que não poderíamos, em sã consciência, colocar o álbum acima do número 16 em nossa lista.

15. Chicago XXXVI: Now

 

Depois de anos no deserto criativo, Chicago voltou à forma em Chicago XXXVI: Now de 2014. Não é o que muitas pessoas descreveriam como um retorno dramático à forma, mas há algumas coisas boas aqui, não menos importante, o descontraído Watching All the Colors e o durão Naked in the Garden of Allah. Pode não estar no mesmo nível de seus trabalhos anteriores, mas tem atitude suficiente para levá-lo adiante.

14. Chicago XI

Depois do Chicago XI, tudo mudou para Chicago. Terry Kath acidentalmente deu um tiro em si mesmo e seu produtor de longa data, James William Guercio, partiu. Mas mesmo que Kath e Guercio estejam presentes no álbum, já parece que as coisas estão chegando ao fim, com a maioria das músicas soando mais como projetos solo do que esforços em grupo. Ainda assim, as músicas em si são sólidas, com Baby de Peter Cetera , What a Big Surprise e Little One de Danny Seraphine se destacando como destaques.

13. Chicago VIII

Chicago VIII soa como o trabalho de uma banda que corre o risco de perder sua identidade. As músicas são decentes, mas não há nada para conectá-las, resultando em um álbum desconexo que visa alto, mas fica um pouco aquém do alvo. Ainda assim foi um grande sucesso, alcançando o primeiro lugar na Billboard 200 em seu lançamento em março de 1975.

12. Chicago 16

 

Dizer que Chicago 16 foi um sucesso comercial seria um eufemismo. Lançado em 7 de junho de 1982, foi o primeiro álbum de Chicago desde Hot Street de 1978 a ganhar disco de platina. Ele alcançou a 9ª posição na Billboard 200 dos EUA, a 44ª posição no Reino Unido, gerou um single indicado ao Grammy (Difícil de dizer que sinto muito) e foi geralmente considerado seu grande retorno. É um bom álbum, mas a diminuição do papel de Robert Lamm é palpável, e assim permaneceria nos próximos álbuns.

11. Chicago 17

 

Álbuns não ficam muito maiores do que Chicago 17. Lançado em 14 de maio de 1984. alcançou a quarta posição na Billboard 200, gerou quatro sucessos no Top 20, ganhou três prêmios Grammy e é amplamente creditado como um dos melhores contemporâneos adultos discos dos anos 80. O toque de David Foster está por toda parte, resultando em um álbum de canções elegantes e bem afinadas que tocou no gosto de uma nova geração de fãs sem perder a identidade da banda no processo.

10. Chicago XXXIII: O Christmas Three

A terceira coleção de canções natalinas de Chicago – intitulada criativamente O Christmas Three – é um esforço surpreendentemente imaginativo. Todos os sucessos clássicos de Natal estão lá - Rockin' Around the Christmas Tree, I'll Be Home for Christmas, Jingle Bells e O Christmas Tree - mas eles foram tratados com engenhosidade e entusiasmo suficientes para soar novos. Também há uma safra decente de originais, sem mencionar algumas participações adoráveis ​​de artistas como Dolly Parton, America e Steve Cropper.

9. Chicago XXV: The Christmas Album

Um álbum de canções de Natal raramente é moderno, e The Christmas Album certamente não é isso. Mas é festivo, com uma grande seleção de favoritos sazonais para desfrutar. A produção do pianista da E Street Band, Roy Bittan, é impecável, assim como a performance da banda. Pode não ser inovador, mas se você estiver com vontade de se divertir festivamente, é perfeito.

8. Chicago XXXVII: Chicago Christmas

 

Em 2019, Chicago lançou sua coleção mais recente de clássicos de Natal. Apenas três membros originais aparecem, mas o som clássico de Chicago ainda está intacto. As canções, compostas principalmente por material original, são bem escolhidas e produzidas de forma impecável. Um álbum alegre e altamente agradável.

7. Chicago X

 

O oitavo álbum da banda os encontrou indo em direção a um som mais pop. A mudança de ritmo foi uma tempestade, resultando em seu primeiro single nº 1 (If You Leave Me Now), uma posição de número três na Billboard 200 e seu primeiro Grammy. Também se tornou o primeiro álbum de Chicago a alcançar o status de platina, uma conquista que a gravadora comemorou presenteando a banda com uma barra de 25 libras de platina pura.

6. Chicago III

 

O que quer que você pense sobre Chicago, você não pode culpar sua ética de trabalho, especialmente em seus primeiros anos. Em 1971, eles lançaram Chicago III, seu terceiro álbum duplo consecutivo em menos de dois anos. Não é perfeito, com muita experimentação e pouco foco para sustentá-lo por toda a duração. Mas ainda há muito o que gostar, principalmente o single Top 20 de Terry Kath, Free.

5. Chicago VII

 

Para seu sexto álbum de estúdio, Chicago fez uma escolha ousada, mudando de seu som característico para um foco mais orientado para o jazz. Foi uma surpresa, mas um sucesso. Lançado em 11 de março de 1974, Chicago VII alcançou o primeiro lugar na Billboard 200 e acabou sendo certificado como platina. O apoio de três Beach Boys em Wishing You Were Here, de Peter Cetera, também não diminuiu seu apelo.

4. Chicago VI

 

Em Chicago VI, Chicago estava começando a se mover em direção a um som mais suave, mas como observa o Ultimate Classic Rock , ainda há rock mais do que suficiente para manter as coisas interessantes. As faixas de destaque incluem Darlin 'Dear, de Robert Lamm, e o hit nº 10, Feelin' Stronger Every Day.

3. Chicago V

 

Chicago V foi um caso de Robert Lamm, com Peter Cetera mal dando uma olhada. Poderia ter sido um problema, mas Lamm está em uma forma muito boa para que isso importe. As canções são consistentemente excelentes, com A Hit de Varese, Dialogue e o hit nº 3, Saturday in the Park, merecendo menção especial. Lançado em 10 de julho de 1972, tornou-se um grande sucesso, alcançando o primeiro lugar na Billboard 200 (seu primeiro álbum a fazê-lo) e alcançando o 24º lugar no Reino Unido.

2. Chicago Transit Authority

 

O álbum de estreia autointitulado de Chicago (que naquela época era conhecido pelo nome de Chicago Transit Authority) foi uma excelente introdução à banda. Aventureiro, ambicioso e salpicado com canções estelares suficientes para fazer veteranos ficarem verdes de inveja, ganhou uma indicação ao Grammy de Melhor Novo Artista do Ano, passou 171 semanas na Billboard 200, alcançou a certificação de platina dupla e, em 2014 , foi introduzido no Grammy Hall of Fame. Para um álbum de estreia, você realmente não poderia pedir mais.

1. Chicago II

 

Se o álbum de estreia do Chicago foi excelente, o segundo álbum foi pura perfeição. Make Me Smile, Color My World e 25 or 6 to 4 se tornaram os 10 maiores sucessos, mas, na verdade, todas as músicas são de material único. Não há um único momento fraco em todo o álbum – raro para qualquer registro, mas particularmente para o segundo álbum notoriamente difícil. Um triunfo e, sem dúvida, o melhor momento de Chigaco.

BIOGRAFIA DOS Terreno Baldio

Terreno Baldio

Em 1973, João Kurk (vocais e flauta), Roberto Lazzarini (teclado) e Joaquim Correia (bateria) - ex companheiros de Islanders (cover de bandas de sucesso - 1966/1971), convidam Mozart Mello (guitarra) e João Ascenção (baixo) para formarem o Terreno Baldio, grupo de progressivo com forte inspiração na banda inglesa Gentle Giant.
Sua primeira apresentação notável ocorreu na noite de 28 de agosto de 1974, numa estrutura geodésica montada no Parque do Ibirapuera, especialmente para o evento "Festival do Cometa", que reuniu várias bandas de rock, entre elas a Jazzco.
Em 1975, gravam o primeiro LP - Terreno Baldio, lançado pelo selo Pirata no ano seguinte, com prensagem de apenas 3.000 cópias.
Nesse mesmo ano, participam do festival Banana Progressiva, ocorrido no Teatro da GV, em São Paulo. O evento procurou apresentaro o que havia de progressivo na música brasileira como os grupos Vímana, Os Bolhas, O Terço, O Som Nosso de Cada Dia e Apocalypsis entremeados de outros grupos instrumentais e de vanguarda; tais como Hermeto Paschoal e grupo, Jazzco, A Barca do Sol - incluisive conta com a presença de Erasmo Carlos & Cia Paulista de Rock.
Por essa época, a fitas-master de registro do primeiro álbum extraviam-se, inviabilizando novas tiragens.
O ecletismo sonoro da banda funde elementos eruditos aos jazzísticos e a ritmos e harmonias extraído da música popular e regional brasileira; tais como xacado, baião, incluindo instrumentos de percussão típicos do nosso folclore. Os elementos poético remetem-se a temas daquele período e citam a liberdade, em oposição ao regime militar, a solidão e a poluição em alusão à vida em grandes cidades, como São Paulo.
No próximo registro, Além das Lendas Brasileiras - 1978, o tema conceitual do álbum foi encomendado pela gravadora (Continental/Warner) ao fechar contrato com o grupo. Naquele momento, Ascenção já havia sido substituído po Rodolfo Braga (ex-Joelho de Porco) no contrabaixo (início de 76). O novo repertório incluiu, além de temas do folclore nacional, a canção Passaredo, de Francis Hime e Chico Buarque, num arranjo original - tema vinculado à preservação da natureza.
Ao final de 1979, o grupo dissolve-se em função do declínio do progressivo junto às mídias e em função de um novo panorâma que se delineava junto ao universo pop.
Em 1993, o grupo reuniria-se parcialmente (Kurk, Lazzarini, Mello) - incluindo Renato Muniz no baixo e Ricardo Brasa na bateria - para um novo registro do álbum de 76, versão em inglês junto ao selo Progressive Rock Worldwide, visando o mercado europeu. O CD inclui faixas extras e constutiu-se, portanto, no terceiro trabalho a ser gravado.
Logo em seguida, a gravadora Rock Synphony, sediada em Niteroi, após longa pesquisa e sofisticada produção, relança o primeiro trabalho em versão CD, remasterizado na Itália pelo seu produtor original - Cesare Benvenuti.
No corrente ano (2008) , o grupo reuniu-se novamente para participar da VIrada Cultural, em São Paulo. Apresentou-se na Praça da República com a seguinte formação: Mozart Mello (guitarra), Lazzarini (teclados), Kurk (vocal), Cassio Poleto (violino) Renato Muniz (baixo) e Edson Guilard (bateria) - basicacemente, executou o repertório do primeiro LP - destacando-se "Este é o Lugar" e "Grite".
Com novas apresentações marcadas, ao que tudo indica, essa nova formação seguirá carreira lastreada nos trabalhos da década de 70, de forma esporádica e sazonal.

MUSICA&SOM

Crítica ao disco dos Kansas - 'The Absence of Presence' (2020)

 Kansas - 'The Absence of Presence'

(17 de julho de 2020, InsideOut Music)

Nesta ocasião temos o imenso prazer de apresentar o novo trabalho da veterana e robusta banda americana KANSAS, intitulado "A ausência de presença". O grupo continua com o impulso criativo alcançado no álbum anterior "The Prelude Implicit", de 4 anos atrás, mas desta vez com um vigor mais pronunciado na abordagem geral do som. A formação do agora septeto é quase a mesma que deu origem ao referido álbum com a permanência de Phil Ehart [bateria e percussão], Rich Williams [guitarras elétricas e acústicas], Billy Greer [baixo e voz], Ronnie Platt [ vocais], David Ragsdale [violinos e backing vocals] e Zak Rizvi [guitarras elétricas], mas agora o tecladista Tom Brislin substitui David Manion. Conhecemo-lo como membro ocasional do RENAISSANCE, YES e CAMEL, co-fundador do projeto THE SEA WITHIN, entre outras coisas. Brislin não apenas traz seu virtuosismo e visão sofisticada do rock para esta lendária banda, mas também compõe sozinho quatro das nove canções incluídas neste álbum, e como se não bastasse, chega a assumir o papel de vocalista principal numa delas (além de fazer coros noutras canções). Com um repertório que ocupa um espaço total de pouco menos de 47 minutos e meio, "The Absence Of Presence" foi lançado em meados de julho pelo selo alemão Inside Out Music em parceria com a Sony Music, tanto em CD quanto em edições especiais em vinil. (azul, verde ou lilás), além de CD com Blu-ray e formato que inclui entrevistas com os integrantes da banda. Assim como no álbum anterior, Rizvi assumiu a produção principal da banda junto com funções adicionais de co-produção assumidas pelos eternos Ehart e Williams. Agora vamos ver os detalhes especificamente musicais do álbum.

Kansas 2019 (Foto: Emily Butler Photography)

Com pouco mais de 8 ¼ minutos de duração, a peça homônima abre o álbum com uma demonstração de vitalismo expressionista que se move confortavelmente no caminho do paradigma prog-sinfônico. Em si, o groove da música é mais solene do que intrépido, mas exibe uma garra rock convincente através da conexão de várias passagens que transitam entre rápido e lento, por vezes usando alguns tempos complexos, e também abrindo campo para um interlúdio eficaz em um disco rígido chave -rock (quase URIAH HEEP) com variantes Emersonianas. Com alguns floreios de teclado orquestral e intervenções de violino estrategicamente colocadas, o esquema do grupo parece rico em nuances ao longo do caminho com consistência impecável, o que tem um efeito muito positivo na construção de um belo clímax epílogo. Um ótimo começo de álbum, sem dúvida. um clímax de entrada. 'Throwing Mountains' continua então com a missão de jogar com um intervalo enquanto desenvolve um foco temático marcado por um gancho imponente e cerimonioso; desta forma, o soco dominante da canção assume uma majestade serena que ajuda o nervo sonoro a desenvolver-se com clareza melódica. A pomposidade orquestral que abre a porta para o interlúdio instrumental é algo típico do paradigma KANSAS, enquanto os dois solos de guitarra sucessivos carregam esse impulso enquanto guiam o caminho de volta ao motivo central. O grande choque inicial ainda está em vigor neste momento. 'Jets Overhead' é uma semi-balada permeada por um calor luminoso que, de seu próprio halo de constrição, permite que as ondas das guitarras se instalem graciosamente enquanto o violino assume um papel particularmente importante. Os teclados, de fundo, se encarregam de montar um fundo orquestral oportunamente discreto. Com a dupla da instrumental 'Propulsion' e a balada 'Memories Down The Line', a banda nos dá um espaço de quase 7 minutos para expansões sonoras que apontam para algo razoavelmente bombástico dentro da essência mais puramente histórica do sinfonismo KANSAS. O primeiro desses temas é vibrante, exibindo com orgulho seus magníficos brilhos SIM-com-ELP, e é assim que a última nota sustentada do órgão, ao desaparecer, anuncia a chegada da primeira nota de piano com a qual haverá o início da próxima tema. Como dissemos antes, é uma balada, sendo assim que é marcado por um halo reflexivo que tem alguma vulnerabilidade. Num primeiro momento, o violino é o instrumento principal no quadro instrumental geral, mas depois são as guitarras que centralizam o aumento expressivo com que termina a canção.

'Circus Of Illusion' mostra-nos o septeto a regressar plenamente à exploração do seu lado mais extrovertido: um esquema rítmico marchante, um desenvolvimento melódico amigável, um uso engenhoso das várias harmonias e riffs das duas guitarras, e, claro, pode faltar, uma irrupção estratégica do violino que traz um magnetismo majestoso ao elegante nervo roqueiro em andamento. Também não pode haver uma mudança de tonalidades no intervalo que reforce a essência progressiva da engenharia de grupo. 'Animals On The Roof' estabelece, em ritmo constante, uma continuação dos ares extrovertidos e preciosos que já gostávamos na canção anterior (assim como nas duas primeiras do repertório), embora sua peculiaridade agora resida no fato de aquele groove armado pela dupla rítmica, tem uma desenvoltura mais perceptível e uma agilidade mais fresca. Isso é possível porque o motivo principal é mais vivo do que em 'Circus Of Ilusion'. Claro, atentemos para um grande detalhe que nos surpreende: por volta do segundo minuto e meio, o grupo recorre a um recurso de cor esplêndida ao montar um interlúdio envolvente em estilo de cruzamento entre SIM e GENTLE GIANT, e embora não demore muito para o grupo voltar ao corpo central, esse interlúdio deixou uma pista a seguir para os últimos segundos da seção do epílogo. A sequência dessas duas músicas bombásticas tem dado uma importante dose de frescor para a espiritualidade que emana dessa série de novas ideias musicais criadas pela banda. 'Never' é a única composição do álbum em que Platt intervém na letra. É a outra balada do álbum, e como 'Memories Down The Line', ele se expande totalmente através de uma atmosfera de suave vulnerabilidade. Abre-se espaço para solos individuais de violino e guitarra (um dos mais belos solos de guitarra do álbum) para que o desenvolvimento temático adquira uma dose sólida de esplendor e corpulência dentro do panache afetado que a ocasião impõe. 'The Song The River Sang' – a música em que Brislin faz os vocais principais – fecha o álbum e o torna o que é, o zênite conclusivo e apodítico dele. A combinação de músculo, vitalidade e sofisticação influencia positivamente a maneira como o esquema melódico, sustentado por compassos animados e incomuns, entrelaça todos os seus componentes individuais. As estratégias de articulação entre o violino e os teclados no intervalo acolhem graciosamente os ecos de tudo o que aconteceu antes, e o espírito sentencioso que marca o epílogo é tratado com uma verve retumbante e contundente. O final abrupto acentua efetivamente a majestade inerente a este esplêndido final de estrada.

Tudo isso foi o que nos foi oferecido em "The Absence Of Presence" desta comunidade do KANSAS que dá muitos indícios de boa saúde criativa nesta nova etapa de sua longa carreira, carreira felizmente válida dentro da atual cena do rock.artístico. Como salientámos no primeiro parágrafo desta análise, este álbum mostra-nos uma nova e acrescida garra nos tempos atuais do KANSAS, razão pela qual acaba por ser, afinal, um álbum muito digno da tradição que o antecede. desde aquela distante década de 70. Todo este sangue novo que entrou impetuosamente nas veias do corpo deste grupo desde 2015 serviu para dar um impulso de nova colheita a uma paisagem que preserva a sua essência artística de forma coerente e perseverante.

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- Samples de 'The Absence of Presence':

The Absence Of Presence:

The Absence Of Presence:

Jets Overhead:

The Song The River Sang:

Crítica ao disco de The Flying Caravan - 'I Just Wanna Break Even' (2021)

 The Flying Caravan - 'I Just Wanna Break Even'

(11 de janeiro de 2021, Paella Records)

CD1

1. Get Real 07:43
2. Flying Caravan 06:49
3. Upstream To Manonash 07:20
4. Love´s Labour Mislaid 06:39
5. The Bumpy Road To Knowledge 16:47

CD2

1. A Fairy Tale For Grown-Ups 36:03
I) Northern Lights
II) Change Of Revue
III) S.A.D. (Solitude Affective Disorder)
IV) The World Had Turn Over (And I Couldn´t Hold On)
V) Moonlight Labyrinth
VI) Second Thoughts
VII) The Sum Of Your Fears
2. The Bumpy Road To Knowledge (Alt. Version) 16:57

- Músicos:
Izaga Plata: Voz e backing vocals
Pedro Pablo Molina: Baixo
Antonio Valiente: Guitarras, baixo em "Moonlight Labyrinth"
Juan José Sánchez: Teclados
Lluís Mas: Bateria e percussão

- Colaboradores:
Manuel Salido: saxofone
Juan Carlos Aracil: flautas
Jorge Aniorte: voz e backing vocals

- Ficha técnica:
Gravado por Daniel Montiel na Faculdade de Belas Artes, UMH (Altea) entre maio e agosto de 2017
Mixado e masterizado por Lluís Mas no Oriental Desert Studio Audio (Alicante)
Co-produzido por Antonio Valiente e The Flying Caravan

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Álbum de estreia colossal cheio de referências musicais clássicas que desenvolve um rock progressivo vital, optimista por defeito, execução virtuosa e pensamento com o coração. Antonio Valiente , ex-membro e fundador do Numen de Alicante e alma mater deste projeto chamado The Flying Caravan , mostra seu enorme potencial como compositor nesta dupla obra cheia de autênticos hinos progressivos com um resultado redondo do começo ao fim.

Após um longo processo de amadurecimento do projeto, e após passagens por diferentes grupos desde o ano 2000, Antonio decide começar a dar forma a um projeto progressivo, influenciado por seus gostos por bandas dos anos setenta, mas também de outras contemporâneas, além de um estilo eclético gosto pessoal que expande suas fronteiras pessoais, e em 2004, após a incorporação de outro elemento chave no que será The Flying Caravan, o extraordinário tecladista Juanjo Sánchez , a semente do grupo será plantada. Após diversas vicissitudes, entre as quais podemos citar o retorno de Juanjo, que havia se afastado do projeto original, os temas vão surgindo aos poucos até sua consolidação final em 2014 com a contribuição do vocalista Izaga Plata , do baixista Pedro Pablo Molinae o baterista Lluís Mas .

O resultado é um artefacto de música progressiva, cheio de estruturas complexas onde se desenvolvem enquadramentos musicais complexos e eficazes, com um som caprichado e uma imaginação composicional fora do lugar. Estamos perante um dos discos mais interessantes das últimas décadas em que a faturação de cada uma das suas canções, primorosamente compostas e interpretadas, nos capta nota a nota.

As interpretações de cada um dos músicos envolvidos nesta maravilha que se publica em formato duplo, são esplêndidas. Desde a execução calorosa e virtuosa dos teclados que dão alma às composições, às guitarras, que dirigem as suas melodias nas sombras para se afirmarem como protagonistas de sonoridades soberbas nos seus solos, ora lânguidos, ora imprimindo músculos, viciando-se no audição desta obra. E o que dizer dessa base rítmica sublime repleta de percussão e bateria imaginativas e eficazes, além de um baixo primoroso e extremamente elegante. Todo este esqueleto sonoro, que vagueia livremente nas variadas e frequentes digressões instrumentais, é perfeitamente recoberto por uma voz delicada e intensa, cultivada no requinte e na delicadeza formal,

Quanto aos temas, seria tolice destacar um sobre o outro, pois cada um deles forma um capítulo no conjunto de um romance musical que não apresenta fragilidades em nenhuma de suas páginas. Aqui o conjunto funciona maravilhosamente com composições diretas, limpas e imaginativas que crescem, sim, pouco a pouco e deliberadamente, até desembocarem nas duas enormes suítes que encerram a obra de Flying Caravan. Constituem o toque final de uma obra de arte que aumenta a sua qualidade em crescendo até atingir um clímax final em que se fecha o círculo perfeito de melodias, harmonias e imaginação deste povo alicantino.

Assistimos assim a temas claramente positivos, claros e radiantes na execução, para passarmos a elaborações mais complexas em que os ritmos vão marcando cada uma das partes estruturais que dividem cada um dos temas. As bem-sucedidas incursões aos ventos, imbuem de essências cada uma destas composições e por isso quero destacar as colaborações esporádicas de instrumentistas como Manuel Salido , saxofone, e Juan Carlos Aracil , flautas, que exaltam um resultado musical repleto de luminosas referências mediterrânicas .

Camel e Pink Floyd , detalhes de Canterbury e jazz rock, Karmakanic, Flower Kings ou Be Bop Deluxe se agarram a diferentes ambientes neste 'I Just Wanna Break Even' (aliás, frase que Richard Manuel pronuncia em 'The Last Waltz' de Scorsese ), para dar pequenas pinceladas a este resultado monumental de rock progressivo que olha para um futuro mais que promissor pela sinceridade nas abordagens musicais, pelo frescor na execução, pela imaginação na composição e pelo cuidado e dedicação ao tempo para lhe dar sua forma definitiva. Faça um favor a si mesmo e compre sua passagem para embarcar na caravana voadora e desfrutar de sua tripulação apaixonada e destemida.

Disco Imortal: Ramones – Road to Ruin (1978)

Sire Records, 1978

Ramones com efervescência pop como nunca antes. Com um olhar nostálgico para as canções dos anos sessenta, com um sentido melódico encantador, mas com uma atitude intocável. "Road to Ruin" tornou-se o primeiro álbum dos Ramones realmente bem cuidado, com uma preocupação nas composições para que ficassem mais esmeradas do que nunca e com o claro precedente de uma mudança radical no plano de trabalho. O resultado ? Sem dúvida um dos discos mais reverenciados de sua discografia.

Pouco antes da gravação do disco, Tommy Ramone deixou a bateria para enfrentar essa nova fase como criador: produtor dos discos, numa relação de trabalho que duraria muitos anos mais, mas quem foi o escolhido para ocupar a bateria ? Nada menos que o único Ramone atual sobrevivente: Marc Bell (Marky Ramone), sugerido pelo próprio Dee Dee em seu nariz que não saiu do mítico e lendário CBGB, mas que sempre propôs coisas importantes para a banda. Mark já havia sido baterista do Richard Hell & The Voidoids, e quando perguntado se ele estava interessado em se juntar ao som dos Ramones, a resposta foi um alto e claro sim.

Um mês após esse encontro e proposta, Bell foi convidado por Danny Fields e Monte Melnick para fazer um teste para a banda. Não foi uma tarefa fácil. Cerca de vinte mais fizeram o teste para ser o baterista de uma banda que já era uma lenda naqueles anos (1978). Finalmente, com Tommy supervisionando a opção final. Bell tocou "I Don't Care" e "Sheena Is a Punk Rocker" e cada membro concordou em deixá-lo entrar na banda.

O local escolhido, Midtown Manhattan no Media Sound Studios, nas instalações de uma antiga Igreja Episcopal. O engenheiro de gravação Ed Stasium explicou o processo de gravação: "Depois que Tommy deixou a banda, fomos direto trabalhar no álbum Road to Ruin com Marky, ensaiamos muito com Marky, verificamos e adaptamos ao som que queríamos e então foi para o estúdio. Gastamos muito dinheiro e durante todo o verão em Road to Ruin", lembram eles.

As baladas, os refrões, os solos de guitarra, as melodias a torto e a direito (algo que sempre caiu muito bem nos Ramones) marcaram a nova trajetória da grande banda nova-iorquina. Do divertido e envolvente hino 'I Wanna Be Sedated', uma música que nasceu do estresse para se tornar seu completo oposto. Segundo a história contada pela banda, após um show em Londres, Joey disse à empresária Linda Stein: "Coloque-me em uma cadeira de rodas e me coloque em um avião antes que eu enlouqueça." (“Coloque-me em uma cadeira de rodas e me coloque em um avião antes que eu enlouqueça.”) Essa citação seria o refrão de "I Wanna Be Sedated", cuja letra invoca aquele estresse que a banda estava sofrendo durante a turnê "Rocket to Russia", mas que paradoxalmente soa como um clássico da animosidade e das festas cheias de boemia urbana (como não pensar naquele magnífico vídeo onde tudo se passa enquanto os Ramones parecem imunes ao ambiente selvagem). Um hino de vida.

Cada música brilha com sua própria cor, a entrada com 'I Just Want to Have Something to Do' se transforma em outra de suas peças clássicas. Soa como rock clássico, embora o desencanto de tudo e a ironia lírica apática estejam por toda parte. Com 'Needles & Pins' a banda mostrou-se capaz de fazer um cover de uma música do antigo beat britânico The Searchers com aquele romantismo dos Beatles muito evidente em Joey Ramone. Que grande sucesso e como o fizeram bem na sua construção harmoniosa. Com 'I Against It' o punk rock dos seus primórdios dizia apresentar, como que para não ficar completamente deslocado, uma faixa com muita velocidade e conversa rebelde, como era habitual mas com estes novos moldes. Com 'Bad Brain' também temos esse street punk tão impregnado da banda, mas aqui obviamente há um som mais limpo: testes, sons de chocalhos, experimentos atmosféricos que a banda havia feito mal antes. Tommy Ramone queria deixar sua assinatura neste álbum e isso mostra.

A precisa e dolorosa 'I Don't Want You' quase contrastou com a apaixonada e cativante 'She's The One', que também deixou um trabalho polido na bateria de Marky. Aqui podíamos ouvir cada instrumento alto e claro, com uma delicadeza nas máquinas de gravação mas com uma força enorme ao mesmo tempo. O álbum não desiludiu porque lá estavam os Ramones de sempre, a soar melhor e a fazer o que mais gostavam, com paixão e atitude. 'Go Mental', repleta de melodias amigáveis, mas com uma fuga de rock estridente no final, mais do que interessante pelo que estavam fazendo.

A coisa do som não é pessoal. O próprio Tommy Ramone deixou mais do que claro na época: "Road to Ruin refletia não apenas o amor duradouro de Ramone pelo pop dos anos 1960, mas um desejo persistente de expandir além dos limites de 120 segundos em busca de um novo vocabulário de ganchos harmônicos, embora amarrados aos sons de guitarra estabelecidos em seus três primeiros álbuns . "

Um álbum clássico e que hoje talvez soe como um dos mais claros do ponto de vista de como recolher todo aquele lixo punk de rua e transformá-lo em um álbum de rock muito bem construído.