Classificação dos 10 melhores álbuns de Alice Cooper

 

Originalmente nascido como Vincent Damon Furner em 4 de fevereiro de 1948, em Detroit, Michigan é o icônico cantor e compositor americano agora conhecido como Alice Cooper . Sua voz rouca, combinada com teatralidade exagerada por meio de suas apresentações ao vivo e videoclipes, tornou-se um dos músicos de rock mais lendários do mundo de todos os tempos. No total, ele lançou 28 álbuns de estúdio, 11 álbuns ao vivo, 21 álbuns de compilação, 12 álbuns de vídeo e 48 singles. Seu álbum mais recente (Detroit Stories) foi lançado em 26 de fevereiro de 2021 e teve sucesso em todo o mundo. Mesmo com 73 anos de idade, Alice Cooper mostra que ainda pode arrasar tão bem quanto aspirantes a músicos com pelo menos metade de sua idade.

10. Paranormal (as a soloist)

Em 28 de julho de 2017, Alice Cooper lança o álbum (Paranormal) e alcança sucesso nas paradas mundiais, além da admiração dos fãs que acompanham sua carreira desde o início, bem como da geração mais jovem que talvez nunca tenha ouvido falar dele. antes. Com as paradas, Paranormal alcançou a posição # 3 no Swiss Album Chart, # 4 no Australia's Album Chart e Germany's Gfk Entertainment Chart, e # 6 no UK's Official Albums Chart e no Swedish Album Charts. Ele também ficou entre os dez primeiros com muitas outras paradas de álbuns de música oficiais em muitos países europeus. Com os 200 melhores álbuns da Billboard dos EUA, Paranormal atinge o pico em # 32, enquanto no Canadá, em # 17.

9. Muscle of Love 

 

O álbum final (Muscle of Love) de Alice Cooper como banda foi lançado em 20 de novembro de 1973. Desde então, ganhou a Certificação Gold da Recording Industry Association of America. Este álbum também alcançou a posição # 4 na parada de álbuns da Billboard Canada e na parada de álbuns da Suécia, # 10 na Billboard Top 200 Albums Chart dos EUA, # 34 na parada oficial de álbuns do Reino Unido e # 36 na parada de álbuns da Austrália.

8. Love It to Death 

 

Lançado em março de 1971, o terceiro álbum de estúdio (Love It to Death) de Alice Cooper como uma banda, alcançou a 28ª posição na UK Official Albums Chart, a 35ª posição na Billboard Top 200 Albums Chart dos EUA e a 39ª posição na Tabela de álbuns da Billboard Canadá. Ele também ganhou US Platinum com a RIAA.

7. Killer 

 

Novembro de 1971 vê o lançamento do quarto álbum de estúdio de Alice Cooper (Killer) como um grupo. Com a parada de álbuns do Canadá, chega ao 11º lugar. Com a Billboard 200 Albums Chart dos EUA em 21º, e com a Official Albums Chart do Reino Unido, em 27º. Também nos Estados Unidos, Killer obteve a certificação Platinum da RIAA.

6. School's Out 

O quinto álbum de estúdio (School's Out) foi lançado como um grupo em junho de 1972. Desde seu lançamento, ganhou a certificação Platinum da RIAA dos EUA. Nas paradas, o álbum alcançou a posição # 1 no Canadá, # 2 na Billboard 200 dos EUA, # 3 na Alemanha, # 4 no Reino Unido, # 5 na Austrália e # 8 na Áustria, Noruega e Suécia.

5. Billion Dollar Babies 

Em 25 de fevereiro de 1973, a banda conhecida como Alice Cooper lança seu sexto álbum de estúdio, (Billion Dollar Babies). Como um grupo, foi o álbum de maior sucesso comercial de sua discografia, pois ganhou a certificação Platinum com a RIAA dos EUA e a certificação Gold da CRIA do Canadá. Nas paradas de álbuns, alcançou a posição # 1 na Billboard 200 dos EUA, na Holanda e no Reino Unido. No Canadá e na Suécia, Billion Dollar Babies alcançou a posição # 2. Tanto a Austrália quanto a Áustria viram a parada de álbuns em # 4, enquanto na Noruega em # 6 e na Alemanha em # 9.

4. Alice Cooper Goes to Hell

O segundo álbum solo (Alice Cooper Goes to Hell) foi lançado em 25 de junho de 1976. Desde seu lançamento, ganhou a certificação Platinum do Canadá e a certificação Gold dos Estados Unidos. Nas paradas de álbuns, alcançou a posição # 4 na Austrália, # 23 no Canadá e no Reino Unido, # 27 no US Billboard Top 200 e # 47 na Suécia. Este álbum serviu como uma continuação do álbum de estreia de Alice Cooper como solista (Welcome to My Nightmare), lançado em 1975. A turnê que estava programada para promover este álbum foi totalmente cancelada devido a Alice Cooper sofrer de uma condição anêmica no tempo. No entanto, várias das canções escritas para este álbum foram apresentadas no show ao vivo de Cooper

3. Hey Stoopid 

 

Desde seu lançamento em 2 de julho de 1991, no Reino Unido, o álbum de Alice Cooper (Hey Stoopid) alcançou o 4º lugar no ranking de recordes, 5º na Áustria, 6º na Noruega, 7º na França e Alemanha, 9º na Suécia, # 15 na Austrália, # 22 na Nova Zelândia, # 23 no Canadá, # 47 na parada dos 200 melhores álbuns da Billboard dos EUA e # 54 na Holanda. Hey Stoopid também recebeu Certificação Platinum com CRIA do Canadá, Certificação Gold com RIAA dos EUA, bem como Certificação Silver do BPI do Reino Unido.

2. Welcome to My Nightmare (as a soloist)

O primeiro álbum (Welcome to My Nightmare) de Alice Cooper como artista solo foi lançado em 11 de março de 1975. É também o único álbum lançado pelo selo Atlantic Records. Foi concebido como um álbum conceitual, tocando em sequência através do personagem conhecido como Steven. A maioria da banda de Lou Reed trabalhou com Alice Cooper para gravar e lançar seu primeiro álbum solo. Welcome to My Nightmare inspirou o especial de TV Alice Cooper: The Nightmare , que foi uma turnê mundial em 1975. Em 1976, foi seu filme Welcome to My Nightmare . A turnê que se seguiu foi considerada uma das mais exageradas de sua época. Com a Billboard Canada, o álbum original de Alice Cooper, Welcome to My Nightmare, alcançou a posição # 2. A parada ARIA da Austrália e a parada de álbuns da Billboard 200 dos EUA classificaram o álbum em 5º lugar. No Reino Unido, Bem-vindo ao pico de My Nightmare em # 23 e na Nova Zelândia em # 24. Além de ter sucesso como álbum, Welcome to My Nightmare também ganhou 2x Certificação de Platina com CRIA do Canadá, Certificação de Platina de single com RIAA dos EUA e Certificação de Prata com o BPI do Reino Unido.

1. Trash 

 

Lançado em 25 de julho de 1989, pela Epic Records, é o álbum de Alice Cooper (Trash). De todos os discos já produzidos, este é o de maior sucesso comercial de todo o portfólio discográfico de Cooper. As muitas participações especiais dentro do álbum incluem Bon Jovi, Stiv Bators, Steven Tyler e o ex-membro da banda Kane Roberts. Dos críticos, Trash recebeu críticas favoráveis. Entre os fãs, eles certamente adoraram o suficiente para alcançar a Certificação Platinum nos EUA, Austrália, Canadá e Finlândia. Também recebeu Certificação de Ouro na Áustria, Alemanha e Suíça. No que diz respeito às posições nas paradas, Trash alcançou a posição # 2 no Reino Unido, # 4 na Áustria e Noruega, # 5 na Austrália, # 6 na Nova Zelândia e Suécia, # 10 na Suíça, # 16 na Alemanha, # 19 no Canadá, # 20 com a parada de álbuns da Billboard 200 dos EUA e # 53 com os holandeses. De acordo com a revista Rolling Stone , o Trash de Alice Cooper foi classificado em 36º lugar em sua lista dos 50 melhores álbuns de Hair Metal de todos os tempos. Também do Trash estão três singles no topo das paradas, a saber, Poison, Bed of Nails e House of Fire.

RECORDAR Lança-Chamas playlists - Emissão de 23.02.1985

- Lança-Chamas playlists -

Emissão nº 70
23 de fevereiro de 1985

Alinhamento:

Keel - The Right to Rock, Back to the City

WASP - I Wanna be Somebody, Love Machine, The Flame

Dio - The Last in Line

Lita Ford - Gotta Let Go

TNT - Seven Seas

Queensryche - Warning, En Force

Marillion - Forgotten Sons

Bengal Tigers - Break and Bend

 

FADOS do FADO...letras de fado...

 

Ai pobre dela

Letra e música de Luís Santos Silva

Rpertório de Valdemar Vigário

Aquela, aquela mulher que passa
Ai pobre dela, já não tem a mesma graça
Aquela que foi minha e eu fui seu
O nosso amor traíu, não é minha nem sou dela

Aqui vem ela
Como uma rosa enjeitada
Aqui vem toda emproada
Como que eu pretenda vê-la
Vai-te embora mulher
Não quero ver-te de perto
Irei viver pró deserto p’ra não te ver

O fado que ela anda a correr
Será o fado de quanto me fez sofrer
Agora já não pode haver reparo
Terá que pagar quem caro
Tudo o que me fez outrora

Coentros e rabanetes

Letra e música de Jorge Atayde
Repertório de Rodrigo

Coentros e rabenetes 

Não vão à mesa do rei
Alpercatas e coletes

São coisas reles, eu sei
Mas ele gostava de ter
Tralhas velhas a valer 

E outras coisas que eu usei

Se os ricos vivem à toa / Não precisando de nós
A vida não é tão boa / Quando é vivida a sós

O mundo precisa de ter / Homens grandes a sofrer
Que apesar de terem tudo / No fundo hão-de morrer

Se tudo o que eu quisesse / Eu conseguisse alcançar
Não dava tanto valor / À vontade de lutar

O mesmo acontece aos outros / Que por vezes queriam ter
Momentos de vida, soltos / P’ra saberem o que é viver

A Rosa da madrugada

Letra de Henrique Rego
Desconheço se esta letra foi gravada
Publico-a na esperança de obter informação credivel

Letra transcrita do livro editado pela Academia da Guitarra e do Fado

A Rosa que há muito andava
Fazendo da noite dia
Numa vida desolada
No bairro onde morava
Toda a gente a conhecia
P’la Rosa da Madrugada

Uma noite em que as estrelas
No céu, a pátria da luz / Lembravam gotas de mel
A rosa, pelas vielas
Arrastava a sua cruz / Feita de pranto e de fel

Já exausta, então, parou
Junto ao portal, muito velho / Duma taberna qualquer
E, embevecida, escutou
O mais salutar conselho / P’ra vida duma mulher

Revestida de amargura
Com a sua carne viva / Presa à sorte que a abastarda
Seguiu p’la viela escura
Cabisbaixa, pensativa / Direita à sua mansarda

E ao surgir a luz da aurora
Jurou, por alma dos pais / Tornar-se mulher honrada
Saiu do bairro p’ra fora
E nem sombra se viu mais / Da Rosa da Madrugada

Letra publicada no jornal Alma de Marialvas
(órgão de Os Marialvas de S. Cristóvão), número único, Julho de 1957

Crítica ao disco de Russian Circles - 'Gnosis' (2022)

 Russian Circles - 'Gnosis' (2022)

(19 de agosto de 2022, Sargent House)

Hoje viajamos até a cidade americana de Chicago para conhecer o trio RUSSIAN CIRCLES e seu novo trabalho de estúdio “Gnosis”, o mesmo que foi lançado em 19 de agosto. Os formatos da publicação foram em CD e em vinil pela gravadora Sargent Records. O trio formado pelo guitarrista Mike Sullivan , o baixista Brian Cook e o baterista Dave Turncrantzretorna ao mercado fonográfico três anos depois de "Blood Year", um álbum que ofereceu um frescor renovador do qual extraiu a essência histórica da banda. Este novo álbum segue, em certa medida, esse caminho, mas também tenta reforçar mais uma vez a vitalidade arquetípica com que tem feito os seus discos mais celebrados: “Station” (2008) e “Empross” (2011) são e serão sempre Restam registros significativos do que os CÍRCULOS RUSSOS significam para a vanguarda do rock do novo milênio. “Gnosis” não confronta essas pistas estilísticas, mas dá-lhes, na sua maioria, um dinamismo mais majestoso dentro de uma elaboração recorrente de poderosos esquemas sonoros e ambientes musculados tão típicos do chamado pós-metal (rótulo genérico que por vezes as pessoas do RUSSIAN CIRCLE não gostam dele, mas hey...).

Os primeiros 6 minutos e meio do álbum são ocupados por 'Tupilak', uma peça imponente e devastadora que incendeia tudo em seu caminho como uma tragédia florestal, uma tragédia revestida de uma dose oportuna de sofisticação. O groove é contundente, embora com intercalações calculadas entre os momentos de maior e menor frenesi; por sua vez, os riffs de guitarra e os fundamentos do baixo fluem suavemente sob a ideia orientadora de um cruzamento entre o metal experimental e a psicodelia heavy stoner. Um início estupendo para o álbum que agora nos preocupa, mas, sim, a peça que se segue é mais insistente e visceral, intitulada 'Conduit'. Sua grosseria explícita está bem envolta em mantos de vigor elegante e ruído primoroso. A espiritualidade belicosa do estilhaço siamês quebrado de baixo e guitarra é bem complementada pela elevação incendiária dos riffs sobre os quais repousa o desenvolvimento temático (muito MOGWAI através do filtro de algo semelhante ao black metal). A peça homônima é a que segue, sendo a mais longa do álbum com seus 7 ¾ minutos.de duração. 'Gnosis' é um verdadeiro zénite do álbum com as suas impressionantes exibições de diversidade sonora que começam com um enclave minimalista muito alinhado com o paradigma pós-rock, forjando assim um motivo sereno cuja simplicidade estrutural permite potenciar nuances evocativas num atmosfera situada a meio caminho entre o crepúsculo e o introspectivo. Já quando as coisas se voltam para uma intensidade ardente e envolvente, a banda constrói pontes estilísticas com seus lendários compatriotas do RED SPAROWES. O clímax que marca o último minuto dessa música se concentra em mais do que apenas um aumento de uma energia que está ali; é a incorporação de ornamentos progressivos oportunos que marcam um índice pródigo. 'Vlastimil' pega muito do domínio vibrante da peça anterior e a leva a uma dimensão mais cerimoniosa, começando com um prólogo parcimonioso e, depois de um tempo, derivando para um corpo central furiosamente assertivo. Na verdade, essa fúria absorve e remodela parte da parcimônia inicial como recurso para estruturar uma ressonância diferente para o brilho impetuoso que ocorre em meio à tempestade sônica em curso.

A miniatura de 95 segundos 'O Braonáin' estabelece um jogo minimalista onde as poucas notas usadas brincam graciosamente com os espaços silenciosos. Desta forma, abre-se a porta à chegada de 'Betrayal', uma música que sintetiza a pegada sofisticada dos itens #3 e #4 ao longo de um intervalo que, como em outras ocasiões anteriores, permite ao grupo mergulhar meticulosamente em a atmosfera criada pelo conjunto para a ocasião. A rocha de lava exala sofisticação sutil ao liberar seu vigor inerente, um vigor furioso que nunca chega a ser vulgar ou brutal. Possivelmente temos aqui o trabalho mais sofisticado do baterista junto com o exibido na primeira e quarta músicas. Com quase 7 minutos de duração e ligando-se à nota final da peça anterior, 'Bloom' encerra o repertório. O seu esquema de trabalho está claramente focado no paradigma pós-rock, acrescentando alguns recursos sonoros psicodélicos pesados ​​(algo que se traduz em confluências com bandas como PAPIR e CAUSA SUI) que permitem o foco de um brilhantismo sonhador e apelativo. Um final apropriado para o álbum. Tudo isso nos foi oferecido da sede do RUSSIAN CIRCLES com os pouco menos de 40 minutos que o repertório de “Gnosis” ocupa: é um álbum que proporciona, em partes iguais, um novo olhar sobre o legado vivo da banda. e um reforço das facetas mais estilizadas dos seus discos anteriores (sobretudo dos três anteriores). Mais um triunfo artístico no currículo deste trio que, de Chicago, há muitos anos é uma referência importantíssima para a vanguarda do metal no seu país e no mundo. adicionando alguns recursos sonoros psicodélicos pesados ​​(algo que se traduz em confluências com bandas como PAPIR e CAUSA SUI) que permitem o foco de um brilho sonhador e atraente. Um final apropriado para o álbum. Tudo isso nos foi oferecido da sede do RUSSIAN CIRCLES com os pouco menos de 40 minutos que o repertório de “Gnosis” ocupa: é um álbum que proporciona, em partes iguais, um novo olhar sobre o legado vivo da banda. e um reforço das facetas mais estilizadas dos seus discos anteriores (sobretudo dos três anteriores). Mais um triunfo artístico no currículo deste trio que, de Chicago, há muitos anos é uma referência importantíssima para a vanguarda do metal no seu país e no mundo. adicionando alguns recursos sonoros psicodélicos pesados ​​(algo que se traduz em confluências com bandas como PAPIR e CAUSA SUI) que permitem o foco de um brilho sonhador e atraente. Um final apropriado para o álbum. Tudo isso nos foi oferecido da sede do RUSSIAN CIRCLES com os pouco menos de 40 minutos que o repertório de “Gnosis” ocupa: é um álbum que proporciona, em partes iguais, um novo olhar sobre o legado vivo da banda. e um reforço das facetas mais estilizadas dos seus discos anteriores (sobretudo dos três anteriores). Mais um triunfo artístico no currículo deste trio que, de Chicago, há muitos anos é uma referência importantíssima para a vanguarda do metal no seu país e no mundo. Tudo isso nos foi oferecido da sede do RUSSIAN CIRCLES com os pouco menos de 40 minutos que o repertório de “Gnosis” ocupa: é um álbum que proporciona, em partes iguais, um novo olhar sobre o legado vivo da banda. e um reforço das facetas mais estilizadas dos seus discos anteriores (sobretudo dos três anteriores). Mais um triunfo artístico no currículo deste trio que, de Chicago, há muitos anos é uma referência importantíssima para a vanguarda do metal no seu país e no mundo. Tudo isso nos foi oferecido da sede do RUSSIAN CIRCLES com os pouco menos de 40 minutos que o repertório de “Gnosis” ocupa: é um álbum que proporciona, em partes iguais, um novo olhar sobre o legado vivo da banda. e um reforço das facetas mais estilizadas dos seus discos anteriores (sobretudo dos três anteriores). Mais um triunfo artístico no currículo deste trio que, de Chicago, há muitos anos é uma referência importantíssima para a vanguarda do metal no seu país e no mundo.

- Amostras de 'Gnose':

Crítica ao disco de Zahorí - 'El doctor don Worry y los don Worry doctors' (2022)

 

Zahorí - 'Doutor Don Worry e os médicos Don Worry'

(11 de março de 2022 - autoproduzido)

Segundo esforço dos sevilhanos onde mostram a sua maturidade e serenidade composicional para resultar numa obra complexa, fluida e de altíssima qualidade.

Com um claro sotaque andaluz em sua proposta musical, Zahorí apresenta uma obra progressiva em que as referências a propostas antigas estão mais do que presentes: de Triana a Tabletom , a música de Zahorí é uma tela cheia de nuances progressivas e desenvolvimentos sinfônicos crivados de viagens pelos teclados de bela qualidade.

O grupo domina perfeitamente os andamentos da obra, dirigido com excelência por seu líder e tecladista, que também faz os vocais e é o baterista, Jarri, dono do projeto, que recompôs o combo para dar efetividade às suas preocupações musicais.

O resultado é um exercício de rock progressivo clássico com aromas andaluzes como há muito não acontecia, em que as músicas fluem, se juntam e fluem como um rio requintado cheio de essências que refletem um estado melódico cheio de passeios instrumentais tocados pela graça de quem ama o que faz.

Uma obra essencial que merece tornar-se, sem dúvida, um clássico do futuro. Qualidade e aconchego, não faltam. Não deixe passar, é uma obra-prima eterna.

Contato e aquisição do CD: zahori.banda@gmail.com

- Lista de tópicos e outros dados:

1. Doutor don Worry e don Worry doctor 03:31
2. Dawn 06:49
3. The idle mind (interlude) 01:16
4. The abstractorrestre 04:20
5. Prayer 05:04
6. Nightfall 07:35

Músicos:

Adrián Simón: voz
Jarri García: órgão, piano, piano elétrico, sintetizadores, bateria e voz
Alfonso Caro: guitarra elétrica e baixo
Memphis Jiménez: voz e arranjos vocais na faixa 5
Emmanuel von Barragán: backing vocals na faixa 5
Jesús Parrita: guitarra flamenca no tema 6

Crítica ao disco de The Tangent - 'Songs From the Hard Shoulder' (2022)

The Tangent - 'Songs From the Hard Shoulder' (2022)
(10 de junho de 2022, InsideOut Music)

Hoje é a oportunidade de apresentar o mais recente trabalho fonográfico do veterano grupo multinacional THE TANGENT, que se intitula “Songs From The Hard Shoulder” e foi lançado por uma coprodução da Inside Out Music e da Sony Music na primeira quinzena de junho de 2022, ambos em CD e em vinil duplo (cores preto e azul, respectivamente). THE TANGENT opera como um quinteto, sempre liderado por Andy Tillison [vocal e teclado], e atualmente completado por Luke Machin [guitarras elétricas, acústicas e backing vocals], Jonas Reingold [baixo, pedais de baixo e backing vocals], Theo Travis [ saxofones e flautas] e Steve Roberts [bateria e percussão]. É o álbum #12 que marca um marco importante: o vigésimo aniversário de seu primeiro álbum, aquele que foi concebido como uma colaboração casual entre músicos do PARALLEL OR 90 DEGREES e THE FLOWER KINGS após uma conversa frutífera entre Tillison e Roine Stolt após o nos bastidores de um festival de rock progressivo. Muita água passou por baixo da ponte do THE TANGENT e muitos músicos entraram, saíram e voltaram às suas fileiras desde aquele longínquo ano de 2002... e é gratificante constatar que este grupo ainda tem coisas interessantes a dizer no seio europeu elite progressiva dos nossos dias, apenas dois anos se passaram desde “Auto Reconnaissance”, o álbum anterior. “Songs From The Hard Shoulder” é uma nova exibição bombástica daquele híbrido peculiar de prog sinfônico retrô e prog jazz que o grupo fez em seu DNA. O material nele contido, composto por Tillison durante a pandemia ao longo dos anos de 2020 e 2021, na MBL Productions em North Yorkshire, Soulshine Studios em Trowbridge e na Raingold Music em Viena, Áustria. Na verdade, este é um registro conceitual sobre o desmoronamento de nossas percepções da vida moderna, nossos projetos de vida e nossa condição humana devido ao distanciamento social sistemático. O próprio Tillison assumiu a produção e a engenharia de som com a ajuda de Machin. As ilustrações da capa e do encarte interno foram fornecidas por Sara Mirabbasi, enquanto as manipulações das fotos foram feitas por Tillison. Bem, agora vamos ver os detalhes do set list de “Songs From The Hard Shoulder”, certo?

A dupla inicial do álbum é composta por duas peças que duram 17 minutos ímpares e 17 minutos exatos, respectivamente: a primeira é intitulada 'The Changes', a segunda, 'The GPS Vultures'. Rompendo com um prólogo marcadamente cerimonioso, 'The Changes' (testemunho do que significava para a banda existir como tal à distância) rapidamente estabelece a atmosfera geral da peça, que transita entre o parcimonioso e o pródigo numa base esquema rítmico marcado principalmente por vibrações contidas. Na verdade, estes, ao se inclinarem para o lento, permitem que o violão exiba seus vários fraseados de solo e o groove receba diversos ornamentos a fim de dar um ar sofisticado ao som do grupo. Por outro lado, quando o sulco acelera, a banda mergulha em ambientes quentes de jazz progressivo que ficam em algum lugar entre a exuberância estereotipada do YES e o distinto vitalismo de Canterbury (a la CARAVAN e a la NATIONAL HEALTH). Você pode dizer que Tillison se sente mais confortável implantando solos de teclado e harmonias em tais circunstâncias. Pouco antes de passar da fronteira do décimo minuto, uma sequência rítmica entra em ação para adicionar nuances modernistas à matéria, algo para o qual o solo de Hammond fornece um contrapeso sóbrio com seu tenor patentemente retrô. Já nos últimos minutos, consuma-se uma aliança certeira entre lirismo e agilidade. Início efetivo do álbum. A enorme instrumental 'The GPS Vultures' surge a seguir para seguir fielmente o caminho traçado pela peça de abertura, numa estratégia de potenciar o factor jazz-rocker no enquadramento sonoro e na engenharia rítmica criada para a ocasião. De facto, parece-nos que, em termos gerais, esta peça apresenta uma majestade mais pronunciada e melhor activada do que a de 'The Changes', e todas as voltas e reviravoltas temáticas que vão ocorrendo ao longo dos primeiros minutos parecem anunciar esta com traição lúdica. . Há semelhanças com as linhas de trabalho de bandas como ZOPP (com quem Tillison colaborou, diga-se de passagem) e ACCORDO DEI CONTRARI. A partir daí, os vários motivos são encadeados e interligados, que incluem alusões ao discurso do jazz-fusion com ares flamenco e árabe em alguns lugares estratégicos, bem como recursos nostálgicos para paradigmas tão díspares como os de EMERSON, LAKE & PALMER e CAMELO.

A impressionante maratona 'The Lady Tied To The Lamp Post' dura mais de 20 ¾ minutos. 'His Way Home', 'The Hardest Shoulder', 'Origins Movie', 'The City Slumbers', 'The Avatars Of Our Accounts', 'Halflifecycle', 'Lovely Sunny Bournemouth' e 'His Way Home (Parte Dois)' são os respectivos títulos de cada seção contida nesta suíte. Tudo começa com um halo crepuscular de fortes arestas meditativas, que se deixa envolver por um manto de desapego acinzentado que se estende como se fosse um estranho sonho. Em todo o caso, o grupo irá afirmar em breve a sua capacidade de gerar cor, dinamismo e musculatura com as secções seguintes da suite, manuseando vários esquemas rítmicos e explorando de forma fiável a potência das guitarras, das bases do órgão e da base rítmica, enquanto o sax traz cromatismos inteligentes para a matéria. Há também uma raiva genuína no canto de Tillison. Quando o grupo volta a uma batida lenta, as coisas são diferentes: a magnificência tipicamente prog-sinfônica que foi expandindo os espaços ao longo do caminho deixou ummarca de brilho imponente para o que se segue, uma sucessão de solos em meio a uma intensa paisagem musical que ressoa como um híbrido de YES de 1974 e GENESIS de 1972-73 (com a adição de alguns efeitos cósmicos bizarros que parecem mais típicos de TANGERINE DREAM). Há também alguns flertes leves com o prog-metal em certas passagens agressivas, mas a banda nunca se aventura totalmente nesse território. No momento em que o canto retorna, as vibrações crepusculares da abertura são refeitas, mas com a aparência graciosa de floreios graciosos de flauta antes do quinteto retornar totalmente à extroversão básica. Vários dos motivos centrais desenvolvidos anteriormente são retomados com novo vigor até chegar a hora do epílogo cerimonioso, que cumpre a função de fechar o círculo traçado pela suíte. 'Wasted Soul' traz o fechamento oficial do repertório com ares R'n'B suaves que são manuseados com uma presença preciosa que podemos reconhecer em algumas referências antigas do chamado proto-prog, mas que também ocasionalmente notamos em registros ECHOLYN. O fraseado pretensioso do Hammond e o ocasional solo de guitarra flutuante nos lembram que esta é uma banda progressiva fazendo isso.

O extra do disco é uma versão do clássico britânico 'In The Dead Of Night', aquela suíte emblemática que abriu o primeiro álbum do então quarteto de Eddie Jobson, Bill Bruford, Allan Holdsworth e John Wetton; a esta versão, o quinteto acrescenta a secção 'Aura Tangencial'. O primeiro terço desta versão extensa (dura mais de 16 minutos) segue o esquema original com relativa fidelidade, mas assim que o motivo principal é finalizado, a banda faz algumas excursões de space-rock com elementos de krautrock eletrônico, do Floydian psicodelia do palco .69-71 e nu-jazz. Tais excursões se encarregam de dar uma nova dimensão às bases harmônicas da segunda parte da suíte original, expandindo-se por diversas passagens até retomar o refrão para a coda. Em fim, tudo isso foi o que o pessoal do THE TANGENT nos deu com "Songs From The Hard Shoulder", um álbum que reafirma pela enésima vez o paradigma progressivo da banda ao mesmo tempo em que reforça certos mecanismos de expressão que já vinham desenvolvendo em algumas edições anteriores álbuns. Um trabalho totalmente recomendável que muito dignifica o já extenso legado vivo desta banda anglo-sueca.

- Amostras de 'Songs From the Hard Shoulder':

The GPS Vultures:

The Lady Tied To The Lamp Post: