Essencial Willie Nelson

 Willie Nelson pode ser um dos indivíduos mais conhecidos da América, seja por sua música, suas tranças, seus filmes, seus livros, seu violão surrado, seu ativismo ou seus problemas com o IRS. Seu som único combina uma variedade de estilos musicais: country, rock, blues, jazz e folk. Não há nada mais marcante do que sua voz aguda de tenor e a inconfundível sonoridade melódica daquele violão . Ele é um símbolo da música country e um verdadeiro ícone americano. Estes são os dez melhores álbuns de Willie Nelson que lhe darão a amostra mais completa de seu som.

01

de 10

Red Headed Stranger (1975)

Imagens do Google/youtube.com

Red Headed Stranger  foi o primeiro lançamento de Nelson com a Columbia Records , uma gravadora que lhe deu total controle criativo. É um álbum conceitual sobre um fugitivo que está fugindo depois de matar sua esposa e o amante dela. Ao ouvir o produto acabado, que tem um som notavelmente esparso, a Columbia pensou que era na verdade uma demo. Mesmo assim, o álbum teve um sucesso incrível, e os dois singles "Blue Eyes Crying in the Rain" e "Remember Me" se tornaram grandes sucessos. A reedição de 2000 contém canções inéditas.

02

de 10

Stardust (1978)

Imagens do Google/rarerecords.net

Depois de se destacar como uma figura da música country fora da lei, a premissa de  Stardust  foi polêmica entre os executivos da Columbia: o álbum consiste em interpretações dos padrões pop favoritos de Nelson, muito longe do que ele vinha aprimorando nos anos anteriores. Produzido por R&B e ícone do soul Booker T. Jones, Stardust  provou que os céticos estavam errados ao alcançar o primeiro lugar nas  paradas de álbuns country da Billboard  , e os singles "Blue Skies" e "All of Me" alcançaram os números um e três na  Billboard .  parada de singles do país, respectivamente. Desde então, o álbum se tornou multi-platina.

03

de 10

Pancho & Lefty (1983)

Imagens do Google/genius.com

Pancho & Lefty  foi um sucesso desde o início. Quando você combina artistas tão talentosos quanto Willie Nelson e Merle Haggard , o que você espera? O álbum é música country sólida: agradável sem desculpas, sem tendências e sem restrições. Ouvindo o álbum, é como se você pudesse sentir a colaboração. Pancho & Lefty supera as expectativas e mostra esses dois talentos prolíficos no seu melhor.

04

de 10

Waylon & Willie (1978)

Imagens do Google/stillisstillmoving.com

Waylon & Willie  é um dos álbuns mais vendidos de ambos os artistas, mesmo anos após seu lançamento. O álbum desfrutou do status de número 1 nas paradas country por dez semanas e, no total, passou impressionantes 126 semanas nas paradas. Waylon & Willie inclui a música "Mammas Don't Let Your Babies Grow Up to Be Cowboys", que passou quatro semanas no primeiro lugar e rendeu à dupla um Grammy.

05

de 10

Always on My Mind (1982)

Imagens do Google/etsy.com

Nelson agita as coisas repetidamente, e  Always on My Mind, de 1982  , não é diferente. Embora seja essencialmente um álbum pop com padrões como "Do Right Woman, Do Right Man" e "Bridge Over Troubled Water",  Always on My Mind  foi um grande sucesso. Ele manteve o primeiro lugar na  parada de álbuns country da Billboard  por impressionantes 22 semanas e foi o álbum country número um de 1982.

06

de 10

The Great Divide (2002)

Imagens do Google/itunes.apple.com

Se uma coisa é certa, é que Nelson é um artista que grava o que quer, quando quer. The Great Divide  não soa como um álbum típico de Willie Nelson, e foi criticado pela crítica por ser excessivamente produzido, mas mostra um outro lado do cantor. Nelson colabora com Rob Thomas do Matchbox Twenty, Lee Ann Womack, Kid Rock, Sheryl Crow, Brian McKnight e Bonnie Raitt.

07

de 10

To Lefty from Willie (1977)

Imagens do Google/play.wimpmusic.com

As lendas da música country estão se tornando uma raça rara, e Nelson, que está na casa dos 80 anos, é uma dessas raças raras. To Lefty from Willie é uma saudação ao ícone country Lefty Frizzell, no qual Nelson interpreta alguns dos sucessos mais famosos da lenda: "Always Late (With Your Kisses)", "That's the Way Love Goes" e "She's Gone, Gone, ido", para citar alguns.

08

de 10

Crazy: The Demo Sessions (2003) 

Imagens do Google/amazon.com

Crazy: The Demo Sessions  foi lançado em 2003, embora suas músicas já existissem há décadas. É um álbum de demos gravado entre 1960 e 1966, enquanto Nelson trabalhava como compositor para uma editora musical em Nashville. Muitas das faixas do álbum apresentam ele e sua guitarra e mostram que ele estava preparado para seguir seu próprio caminho, mesmo enquanto lutava fortemente contra o desejo de Nashville de poli-lo em um diamante quando ele era um tipo diferente de joia.

09

de 10

Willie and Family Live (1978)

Imagens do Google/youtube.com

Nelson sempre foi uma lenda genuína e única, e esta gravação ao vivo gravada no Harrah's em Lake Tahoe, Nevada, mostra a estrela no topo de seu jogo. Emmylou Harris e Johnny Paycheck oferecem backing vocals em sucessos country como "Will the Circle Be Unbroken" e "Amazing Grace".

10

de 10

Willie Nelson & Friends - Stars & Guitars (2002)

Imagens do Google/coverlib.com

Só alguém como Nelson é capaz de reunir uma mistura tão eclética de artistas para outro álbum de sucesso de Willie Nelson & Friends  . Stars & Guitars  é um disco que certamente fará qualquer fã de música feliz. O álbum não foi um grande sucesso de crítica ou comercial, mas faz um trabalho fantástico ao misturar lendas da música, incluindo Waylon Jennings, Mick Jagger e Keith Richards com nomes inesperados como Jon Bon Jovi , Richie Sambora, Ryan Adams e Norah Jones.

Disco Imortal: Aerosmith – Get a Grip (1993)

 

Geffen, 1993

Os Aerosmith são clássicos, gigantes do rock. No entanto, muitos os identificam como uma banda de sucesso dos anos 80, sem considerar que começaram sua carreira no rock clássico dos anos 70, mais carregados de barulho e mais desrespeitosos nas letras. E esta visão de um grande número de pessoas deve-se sobretudo ao sucesso do álbum “Get a Grip”, que lhes permitiu descobrir uma veia mais melódica e também mais mediatização. Não faltaram, naqueles anos, as vozes dos fãs chocados ao ver sua banda na mídia e fazendo os adolescentes sonharem com letras açucaradas e excessivamente amorosas, mas é inegável que este álbum permitiu que eles recuperassem o controle, o que eles tinham vindo a alcançar desde finais dos anos 80 e que assentava em deixar para trás os vícios, esquecer os problemas pessoais e lançar-se na gravação de trabalhos que durassem.

O sucessor, “Get a Grip” (1993) foi a consolidação absoluta porque foi tratado como best-seller e se tornou o principal cartão de visitas para expandir a safra, fora do rock, como negócio. Visto pela perspectiva de hoje, mais de vinte anos após sua publicação, o álbum pode ter uma aura negativa porque se afasta do rock mais pesado em detrimento de baladas mid-tempo e superproduzidas. Mas, embora muitos o odeiem, simplesmente "Get a Grip" está entre os dez melhores álbuns lançados nos anos 90.

O início é uma breve introdução que pouco acrescenta e é mais uma declaração de intenções, como dizer "aqui vamos nós para o rock como antes". Em seguida, parte de "Eat the Rich", um dos clássicos dos anos noventa do Aerosmith. Cumpre muito bem sua função, te deixa no clima com guitarras interessantes. O ritmo não diminui com “Get a Grip”, mais hard rock exagerado e Steve Tyler uivando como deveria; Perry traz fogo para a guitarra com base em riffs e dedilhadas clássicas. O rock continua com “Fever”, Tyler pega a gaita e consegue notas muito boas, enquanto Whitford surpreende com um ótimo solo, demonstrando sua habilidade. Segue "Livin' on the Edge", um rock mais tranquilo e uma das melhores músicas da banda, destacando seu tom épico e muita influência setentista.

“Flesh” aumenta o ritmo mas não soa tão inspirada, o mesmo para “Walk on Down”, interpretada por Perry e em que o espírito de dedilhar da guitarra se destaca acima de tudo. Um riff pretensioso inspirado em seus sucessos dos anos 70 abre “Shut Up and Dance”, outra referência ao hard rock com as seis cordas como protagonistas, e Steven Tyler em alto nível na interpretação. Até aqui, o disco nos presenteou com força e atitude.

Até chegarmos a “Cryin”. Senhoras e senhores, apresentamos a vocês o Aerosmith que a grande maioria das pessoas conhece, a banda que se enquadra na categoria dos baladeiros, com músicas lentas absolutamente criadas como fórmulas de rádio e que rapidamente se espalharam pelo mundo. Esse é outro lado do álbum, é outra linhagem, mas não sejamos preconceituosos; esta mistura de baladas, que já se ouviram vezes sem conta e que remetem para composições bastante medíocres, poderia levar os mais roqueiros a avaliar este álbum como insuficiente; É uma tentação, mas é claro que esse sucesso não foi aleatório. “Cryin” tem uma parte rock e uma parte mais doce que não nos incomoda. Ele baseia toda a sua força no refrão, mas deve-se dizer que é um pouco grande demais para as habilidades vocais de Tyler. “Gotta Love It” é a pior composição do álbum, não há muito o que dizer. Mais movimento é "Louco". Eu entendo que as pessoas se cansam dela porque não é uma grande música, mas foi muito popular, lançou as duas modelos que estrelaram o vídeo ao estrelato e permitiu que a banda se propusesse como compositores para o cinema. A conquista não é pequena. "Line Up" pode ser levada em conta por estar próxima do nível das encontradas na primeira metade do álbum, com muito mais power rock. “Amazing” tem produção demais. Os arranjos de cordas soam muito dramáticos, mas o refrão é memorável, e cuidado, Don Henley está nos coros. O instrumental de encerramento, “Boogie Man”, não contribui significativamente e teria sido melhor visto como algo incluído em uma música. lançou as duas modelos que estrelaram o videoclipe e permitiu que a banda se propusesse como autora de temas para o cinema. A conquista não é pequena. "Line Up" pode ser levada em conta por estar próxima do nível das encontradas na primeira metade do álbum, com muito mais power rock. “Amazing” tem produção demais. Os arranjos de cordas soam muito dramáticos, mas o refrão é memorável, e cuidado, Don Henley está nos coros. O instrumental de encerramento, “Boogie Man”, não contribui significativamente e teria sido melhor visto como algo incluído em uma música. lançou as duas modelos que estrelaram o videoclipe e permitiu que a banda se propusesse como autora de temas para o cinema. A conquista não é pequena. "Line Up" pode ser levada em conta por estar próxima do nível das encontradas na primeira metade do álbum, com muito mais power rock. “Amazing” tem produção demais. Os arranjos de cordas soam muito dramáticos, mas o refrão é memorável, e cuidado, Don Henley está nos coros. O instrumental de encerramento, “Boogie Man”, não contribui significativamente e teria sido melhor visto como algo incluído em uma música. Os arranjos de cordas soam muito dramáticos, mas o refrão é memorável, e cuidado, Don Henley está nos coros. O instrumental de encerramento, “Boogie Man”, não contribui significativamente e teria sido melhor visto como algo incluído em uma música. Os arranjos de cordas soam muito dramáticos, mas o refrão é memorável, e cuidado, Don Henley está nos coros. O instrumental de encerramento, “Boogie Man”, não contribui significativamente e teria sido melhor visto como algo incluído em uma música.

Com tudo isso, quero dizer que gosto tanto das grandes canções de rock do Aerosmith quanto daquelas que pertencem à sua faceta balada e por isso mesmo, “Get a Grip” merece uma classificação mais alta do que tem sido dada há anos. Primeiro, porque permitiu ao Aerosmith ser uma das poucas bandas dos anos 70 que souberam se reinventar e fizeram grande sucesso nas décadas de 80 e 90 (a desvalorizada “Nine Lives” ainda não havia sido lançada). E segundo, porque conseguiram algo não menos importante: conquistar uma nova base de fãs, mais jovem, com quem puderam expandir e renovar a sua corte para o futuro (e que estará presente em grande número no dia do seu concerto). Não íamos mais ouvir o Aerosmith do poderoso "Toys in the Attic" (1975), mas este período 1987-1997 é igualmente agradável.

"Get a Grip" nasceu no meio de uma explosão grunge e conseguiu sair por cima com a fórmula da balada rock, da qual os antigos Aerosmith se tornaram quase mestres e cujos hits fazem parte da trilha sonora de uma multidão de jovens.

Disco Imortal: Faith No More – Album of the Year (1997)

 

Slash Records/Reprise Records, 1997

Foi o 'quase' adeus ao Faith No More, o último disco dos anos noventa e onde iam passar muito tempo sem editar nada. Para nossa sorte, seus fãs, a banda voltou em 2015 com "Sol Invictus", descartando a ideia de um cessar-fogo definitivo do rock, mas um fogo que foi guardado por muito tempo, já que muitos de nós pensávamos que o FNM havia feito seu grande final de registro com esta placa.

Foi um álbum de canções mais simples, não tão contundentes, mas o que sempre marca a veia FNM é a variedade musical e estilística, aqui houve uma certa elegância nas composições, mas sem deixar de lado o fator experimental e a agressividade animal do quinteto desta vez com Jon Hudson fazendo sua estreia na guitarra, que ocuparia o lugar deixado por Dean Menta (que estava apenas na turnê do superlativo antecessor 'King for a Day... Fool for a Lifetime') até hoje.

A entrada com 'Collision' é certa. Hudson entrou totalmente na composição e esta é a primeira música de sua colheita no álbum, forte e direta. A sua marca pesou no álbum, que foi gravado no home studio do baixista Billy Gould e onde temos várias peças que já são clássicos do FNM: 'Last Cup of Sorrow' mantém aquela decadência cinematográfica, sob alguns riffs devastadores e a voz de Patton sob distorção, uma das faixas mais brilhantes do álbum, sem dúvida.

O álbum soube encontrar o seu contraste, por um lado tínhamos aquela loucura insana de 'Got That Feeling' ou 'Mouth to Mouth', que nos lembravam os sítios do Sr. Bunglescos, mas por outro tínhamos a beleza do bom uso de eletrônicos e atmosferas em 'StripSearch', um som que a banda não tem explorado muito, surpreendente, volátil, enorme.

Se falamos de cinema, há “Caminhos da Glória” com uma densidade abismal que recria aquele grande filme de Stanley Kubrick do final dos anos 50, falando sobre o que realmente é bravura e covardia na guerra e tudo o que isso implica; 'Helpless' é outra preciosidade que se move furtivamente e com sons enormes em crescendos e que encontra Patton, Bordin e Gould num nível subtil e sublime de composição.

A impecável 'Pristina' foi escolhida para o encerramento, ecoando a turbulência na Iugoslávia como pano de fundo para a história de uma dolorosa separação de amantes durante a guerra. 'Home Sick Home' tem um groove impressionante, e novamente essa coisa meio Spaghetti Western e muito cinéfila se insinua no som da banda, tudo encorajado, sem dúvida, por um especialista na área como Patton.

Impossível também não citar talvez o 'hit' mais reconhecido como 'Ashes to Ashes', uma música enorme, uma das primeiras compostas pela banda, que mandou a música para Patton que estava na Itália naqueles anos e que era o ídolo do microfone conseguiu encaixar de forma simples e perfeita e em pouquíssimo tempo. Outro clássico instantâneo.

Um álbum que nos deu tempo suficiente para provar o que era para ser o fim da banda como a conhecemos, e claro, com o tempo tornou-se mais um álbum que soa cada vez mais clássico e imortal.

Disco Imortal: Black Sabbath (1970)

Vertigo Records, 1970

Quando os anos 60 morriam, já pairava no ar uma ruptura musical que seria fundamental para os movimentos que viriam a surgir em meados dos anos 70 e, com muita força, nos anos 80: o Garage e o Heavy Metal. Essa ruptura seria plotada em um brainstorm, ainda confuso para aqueles anos, mas que estava pronto para se concretizar assim que o mágico certo aparecesse para realizá-los. Led Zeppelin, Cream, Hendrix e Deep Purple já haviam rompido com os sons amigáveis ​​da psicodelia, dando os primeiros golpes de algo que viria como um furacão pelas próximas gerações.

Em 1968, seriam 4 rapazes de Birmingham a apoderar-se deste espaço virgem e começariam a dar forma à sua lenda, que viria a ganhar forma, já na primeira tentativa, em 1970, lançando um disco que resumia, sem necessidade de produção artificial, o caminho que haviam tomado, ele teria que seguir o ramo mais pesado da música popular. Naquele ano de 1970, o Black Sabbath gravou, em poucas horas e sem tempo para pensar na estrutura da obra, um álbum no qual estabeleceram os pilares básicos de seu som: letras sinistras com referência ao oculto, a velocidade vagarosa mas avassaladora da base rítmica e afinação grave da guitarra de Iommi. Três elementos que hoje parecem não ser disruptivos, mas em 1970 foram um choque total.

Este primeiro trabalho recebe-nos com a atmosfera tempestuosa e os sinos fúnebres da música "Black Sabbath", um dos clássicos da banda e que serviu de base a este conto do "grupo satânico". As notas lentas e alongadas de Iommi, acompanhadas por bateria apocalíptica e baixo sinistro, combinavam perfeitamente com a recitação assombrosa de uma voz alienada, como a de Ozzy Osbourne. Iommi introduz um riff que marcaria gerações e que daria lugar ao tremendo final da música. O próximo é “O Mágico”. A letra foi inspirada em "Gandalf" (romance de Tolkien) ilustrando a atração do proibido; musicalmente, a gaita de Ozzy é gloriosa e dá aquele tom meio rock'n'roll que percorre toda a música.

Segue-se “Behind the Wall of Sleep”, onde continuam a prestar homenagem a escritores com temática de terror, neste caso, HP Lovecraft. Viciado em um solo de baixo, Osbourne canta uma canção de amor sincera dedicada ao diabo. A inclusão da palavra Lúcifer estigmatizou o Black Sabbath por duas décadas, mas as letras são na verdade mais ambíguas do que parecem. A próxima música é "NIB". A letra nos fala de tentações demoníacas, embora também possa ser interpretada como uma canção de amor, em outro jogo de duplo sentido. O solo de baixo que introduz a música é insano e, sem dúvidas, é uma das músicas mais enigmáticas de toda a sua discografia e é o melhor corte desse álbum. A afirmação que pode ser vista no meio da faixa é poderosa e te apresenta algo dark, que explode com guitarras e bateria, aqueles que te acompanham até o fim com força. Impossível não sentir a influência de “Sunshine of your Love” do Cream na estrutura.

Em seguida, segue "Evil Woman", que é guiada por bateria e guitarras simples para este cover de Crow. Seguimos con “Sleeping Village”, la que tiene ese inicio terrorífico, lento, de esos que después abundaron en muchas bandas, formando una estructura interesante de presentar una canción pues no sabías cómo iba a continuar o en qué momento iban a explotar las guitarras y a bateria. Como exercício musical, o tema é muito bom, a guitarra faz um riff fantástico, há dedilhadas e a bateria, ora só acompanha, ora é protagonista. Insistimos que em 1970 isso era novo e, portanto, sua relevância. “Warning” é um cover de The Aynsley Dunbar Retaliation, onde amor e tentação adornam as letras; musicalmente, são vários minutos de exercícios de Iommi, apoiados em bases rítmicas de blues.

Algumas linhas para a capa do disco, aquela que mostra uma mulher vestida de preto com um gato nos braços, rodeada de árvores e com um velho moinho ao fundo. A fábrica existe, não é uma invenção de algum local mal-assombrado e está localizada no condado de Berkshire. O maior mistério recaiu sobre a mulher porque, segundo o fotógrafo responsável e em entrevista que Butler concedeu à Metal Hammer em 2005, ela não estava presente no momento da tomada, mas apareceu na revelação. No entanto, outras testemunhas falaram de uma modelo contratada para a foto e outras apontaram que a imagem foi adicionada posteriormente, afetando a revelação. Qual teoria é mais sabática? Você vai decidir. O certo é que a arte do álbum é muito valorizada.

O álbum "Black Sabbath" traz um estilo que a banda praticou durante seus primeiros dez anos de existência e no qual estabeleceu pontos chaves entre o blues e o metal atual (com suas mil variações). Por outro lado, há os riffs ameaçadores de Tony Iommi, a voz mortificada de Ozzy Osbourne e a contundência de Geezer Butler e Bill Ward, elementos que eram uma luz estranha e indecifrável no alvorecer dos anos 70. Curiosamente, toda essa proposta artística e sonora foi destruída pela crítica musical, em um dos buracos mais retumbantes e fracassados ​​de toda a história da crítica musical. No entanto, meros mortais receberam o álbum com elogios: alcançou o número 8 na Inglaterra, chegou ao número 23 nas paradas norte-americanas, onde estaria presente por um ano e atingiria vendas de 6 milhões.

Disco trouxe ao mundo em 6 horas, sem enfeites, com total liberdade, captando o frescor daquele momento mágico que toda banda vive quando ninguém a conhece. Com toda a discografia posterior, fica difícil colocar este álbum como o melhor da inestimável carreira do Sabbath, mas o que é certo é que sem "Black Sabbath", a consagrada estreia de 1970, não haveria "Os Quatro Cavaleiros". ", " O Soldado", "South of Heaven" ou "Boca para a Guerra".

Revisão: "The Final Flight: Live At L'Olympia" dos Transatlanctic (2023)

 

Após o lançamento de seu ambicioso álbum de estúdio de 2021, “The Absolute Universe”, o supergrupo de rock progressivo Transatlantic apresentou “The Final Flight: Live At L'Olympia!” em 17 de fevereiro. Um documento do show triunfante da banda em Paris, a última noite de sua turnê de divulgação de seu último álbum de estúdio, mostra Neal Morse, Mike Portnoy, Roine Stolt e Pete Trewavas (junto com Ted Leonard) apresentando a totalidade de “The Absolute Universe”. (The Ultimate Version)”, antes de voltar ao palco para apresentar parte do seu extenso catálogo. Uma noite tão especial quanto as outras, este documento audiovisual apresenta a banda em sua forma mais majestosa.

No suposto fim de carreira, Transantlantic voltou a explodir em um show cheio de nuances. 

No final de sua breve turnê européia, o supergrupo prog tocou para uma multidão com ingressos esgotados no L'Olympia em Paris e aproveitou a oportunidade para deixar as câmeras e fitas rolarem. Porque, apesar de nunca se dizer nunca, os membros da banda continuaram a referir que poderia ter sido o último concerto do Transantlantic, tendo em conta a idade avançada dos músicos e os longos ciclos entre álbuns (e concertos). Em geral, ninguém esperava que o Transantlantic fosse para cinco álbuns de estúdio.

Então, quando não podemos mais ver Neal Morse, Mike Portnoy, Pete Trewavas e Roine Stolt juntos no estúdio ou no palco, “The Final Flight: Live At L'Olympia” é um fantástico presente de despedida.

A Transantlantic sempre gostou de fazer coisas maiores. Com o mais recente álbum de estúdio “The Absolute Universe”, o quarteto deu tudo de si em 2021 e entregou não uma, nem duas, mas três versões do álbum. “The Final Flight: Live At L'Olympia” é basicamente a quarta versão. Porque mesmo que os shows sejam baseados em "The Ultimate Version", foram tantos ajustes ao vivo que Neal Morse considerou a gravação uma versão autônoma. Na breve introdução ao CD 2, Mike Portnoy também fala sobre querer criar uma quarta versão com o público de Paris.

A forma como Neal Morse, Mike Portnoy, Pete Trewavas, Roine Stolt e o músico/vocalista convidado Spock's Beard Ted Leonard complementam e alternam ao longo de três horas e a certeza encantadora com que celebram o seu Rock Progressivo altamente melódico e comovente é simplesmente maravilhoso.

A primeira metade do show, digamos, é dedicada a “The Absolute Universe”, que é o último álbum da banda. Transatlantic reproduz a edição expandida desse disco na íntegra aqui. Além do fato de que a banda toca isso com convicção e com um claro sentimento ao vivo, há outro elemento que é importante. O Transatlantic é abençoado com uma mixagem que garante que o som realmente chegue aos seus ouvidos. Dado o gênero, isso dá uma experiência extra. Portanto, todas as nuances podem ser experimentadas com muita precisão.

A banda e seu “quinto Beatle” (de acordo com Portnoy) Ted Leonard estão animados e apresentam com confiança seu show gigantesco. Já “Overture” é um bom começo para esta longa noite de concertos. A interação harmoniosa dos músicos, cada um mestre em seu instrumento. A melodia é o que realmente se destaca nesta música. Uau! Mas a bateria também tem seus momentos em que todo o resto fica em segundo plano. Uma e outra vez você pode ouvir os aplausos do público no local parisiense. Musicalmente, há batidas de bateria progressivas, os vocais emocionantes (reforçados repetidamente pelo canto de fundo dos outros membros da banda) dão às respectivas canções uma nota apropriada (por exemplo, em “Higher Than the Morning”). Com músicas como “Darkness in the light” fica um pouco funky.

Com “Bully” os fãs se rendem completamente. “Looking for the Light” realmente tem um groove e com uns bons 4 minutos é uma das faixas mais curtas do show. No decorrer do show, recebemos as diferentes versões das músicas, assim como nos lançamentos de estúdio. É uma loucura quanto esforço já foi feito nas composições. Agora podemos curtir ouvir essa diversidade tocada ao vivo. Não quero enfatizar tanto as faixas individuais. O conjunto funciona melhor como um todo.

Como exemplo temos "Owl Howl" (do disco 2). Quase 7 minutos de filmagem ao vivo para uma boa impressão. Mike Portnoy, que, como de costume no Transatlantic, colocou seu baterista (à direita) na lateral do palco e assim tem seus companheiros de armas musicais diretamente e com um olhar de soslaio também o público em seus olhos. Roine Stolt faz os vocais aqui e também toca sua guitarra com maestria. Pete Trewavas forma um refúgio de paz, enquanto Neal Morse gira os dedos muito rápido nas teclas.

O entusiasmado público mantém sua atenção e ainda está totalmente envolvido enquanto a banda finalmente volta no tempo. Primeiro, o álbum de 2009 “The Whirlwind” será apresentado em uma suíte de mais de meia hora. E finalmente você volta ao começo. Depois de uma versão acústica de “We All Need Some Light”, que faz sua pele arrepiar ao ouvir o canto do público, várias faixas dos dois primeiros álbuns são tocadas em outro medley de quase meia hora.

Se a Transatlantic realmente decolou em seu último voo, eles oferecem outra impressionante experiência progressiva com “The Final Flight: Live At L'Olympia”. Uma coisa é certa: não será o último lançamento da Transantlantic. Já foi anunciada a revisão ao vivo das apresentações do Morsefest do ano passado, na qual o quarteto interpretou a obra-prima completa de “The Whirlwind” pela primeira vez desde 2010.

CD 1 (48:13)

1. The Absolute Universe Intro (1:52)

2. Overture (7:21)

3. Reaching for the Sky (5:39)

4. Higher Than the Morning (5:10)

5. The Darkness in the Light (5:25)

6. Take Now My Soul (3:53)

7. Bully (2:11)

8. Rainbow Sky (3:06)

9. Looking for the Light (4:15)

10. The World We Used to Know (9:21)

CD 2 (49:27)

11. MP Intro (3:21)

12. The Sun Comes Up Today (5:22)

13. Love Made a Way (Prelude) (2:23)

14. Owl Howl (6:41)

15. Solitude (5:37)

16. Belong (3:18)

17. Lonesome Rebel (2:47)

18. Can You Feel It? (3:09)

19. Looking for the Light (reprise) (4:59)

20. The Greatest Story Never Ends (3:55)

21. Love Made a Way (7:55)

CD 3 (72:12)

22. The Whirlwind Suite (34:56)

23. NM & RS Intro (2:39)

24. We All Need Some Light (6:18)

25. The Final Medley (28:19)

Músicos:

Neal Morse – Teclados, Guitarra Acústica, Vocais.

Mike Portnoy – Bateria, Vocais.

Roine Stolt – Guitarra, Vocais.

Pete Trewavas – Baixo, Vocais.

Com:

Ted Leonard – guitarra, teclados, percussão, vocais.

POEMAS CANTADOS DE CAETANO VELOSO

A Rota do Indíviduo

Caetano Veloso

Mera luz que invade
A tarde cinzenta
E algumas folhas
Deitam sobre a estrada
O frio é o agasalho
Que esquenta
O coração gelado
Quando venta
Movendo
A água abandonada

Restos de sonhos
Sobre um novo dia
Amores nos vagões
Vagões nos trilhos
Parece que quem parte
É a ferrovia
Que mesmo não te vendo
Te vigia

Como mãe, como mãe
Que dorme
Olhando os filhos
Com os olhos na estrada
E no mistério solitário
Da penugem
Vê-se a vida correndo
Parada

Como se não
Existisse chegada
na tarde distante
Ferrugem ou nada

A Terceira Margem do Rio

Caetano Veloso

Oco de pau que diz:
Eu sou madeira, beira
Boa, dá vau, triztriz
Risca certeira
Meio a meio o rio ri
Silencioso, sério
Nosso pai não diz, diz:
Risca terceira

Água da palavra
Água calada, pura
Água da palavra
Água de rosa dura
Proa da palavra
Duro silêncio, nosso pai

Margem da palavra
Entre as escuras duas
Margens da palavra
Clareira, luz madura
Rosa da palavra
Puro silêncio, nosso pai

Meio a meio o rio ri
Por entre as árvores da vida
O rio riu, ri
Por sob a risca da canoa
O rio viu, vi
O que ninguém jamais olvida
Ouvi, ouvi, ouvi
A voz das águas

Asa da palavra
Asa parada agora
Casa da palavra
Onde o silêncio mora
Brasa da palavra
A hora clara, nosso pai

Hora da palavra
Quando não se diz nada
Fora da palavra
Quando mais dentro aflora
Tora da palavra
Rio, pau enorme, nosso pai