CRONICA - NEKTAR | Journey To The Centre Of The Eye (1971)

 

Nektar mãe!!! Bem, agora que girei minha válvula estragada, poderemos começar a trabalhar.

Este quarteto está na origem de uma grande amálgama. Na verdade, não é um grupo alemão, como tem sido dito da esquerda para a direita há anos, mas sim uma formação inglesa.

Na verdade, esse combo foi formado em Hamburgo em 1969 por quatro ingleses exilados na Alemanha. Formado pelo guitarrista Roye Albrighton, o organista Allan Freeman, o baixista Derek "Mo" Moore e o baterista Ron Howden, o quarteto optou pelo nome Nektar e publicou seu primeiro LP em 1971 pelo selo Bacillius em 1971 Journey to the Center of the Eye . Distribuído na Alemanha, este trabalho é rapidamente relacionado ao krautrock. 

Compostos maioritariamente por faixas curtas (13 peças para ser mais preciso) que se sucedem sem interrupções, os títulos (maioritariamente instrumentais) evocam os primórdios do Floyd, não escondendo a óbvia influência do quarteto. Além disso, Nektar será batizado de Pink Floyd dos pobres.

Devemos culpar esta banda por seguir um gigante do rock espacial nas sombras? Ou admirar músicos que, na intimidade, seguem os passos dos mais velhos?

Seja qual for a jornada para o centro do olho , o álbum conceitual alucinatório e caleidoscópico é uma verdadeira pérola psicodélica. Ouvimos guitarras ácidas, órgãos cavernosos que lembram More e Meddle , belas camadas de mellotron cósmico. Mas também aparecem riffs ameaçadores e pesados ​​para fazer o Black Sabbath tremer. Entre lirismo e climas perturbadores, este LP revela belas melodias e belas passagens flutuantes.

Neste delírio épico por lugar interestelar, revela-se no final as orientações dos próximos álbuns de Nektar. E ouvimos outra influência, a dos Beatles. Em suma, um Lp estranho, sublime, vagamente perturbador, vaporoso, pesado, celestial, desencantado. Para ouvir sem moderação.

Títulos:
1. Prelude
2. Astronauts Nightmare
3. Countenance
4. The Nine Lifeless Daughters Of The Sun
5. Warp Oversight
6. The Dream Nebula
7. The Dream Nebula Part II
8. It’s All In The Mind
9. Burn Out My Eyes
10. Void Of Vision
11. Pupil Of The Eye
12. Look Inside Yourself

13. Death Of The Mind

Músicos:
Roye Albrighton: Vocais, Guitarras
Ron Howden: Bateria, Percussão, Backing Vocals
Derek Mo Moore: Baixo, Backing Vocals
Alan Taff Freeman: Teclados, Backing Vocals

Produção  : Dieter Dierks, Peter Hauke ​​e Nektar

CRONICA - THE BEATLES | 1962-1966 (1973)

 

Os Beatles acabaram e, para os fãs enlutados, resta apenas seguir a carreira solo dos quatro músicos ou ouvir novamente seus discos antigos. Dito isso, a maioria de seus singles (e, portanto, seus maiores sucessos) nunca apareceu em álbuns, mas apenas em 45s. A ideia de ter uma compilação contendo esses além dos títulos mais populares dos álbuns era, portanto, muito tentadora. Então saíram duas compilações duplas. A primeira, apelidada de Double Rouge , trata do período desde o início até o final dos passeios. Encurta-se, portanto, o período do Pop/Rock ingênuo e do início da experimentação. Aquele para o qual os detratores parecem querer, contra todas as probabilidades, resumir o grupo.

No entanto, em seu estilo, esta compilação está repleta de clássicos e excelentes títulos, a ponto de deixar cair covers populares como "Twist And Shout". Mais lamentável é a ausência de "Taxman" de George Harrison, um dos destaques de Revolver. Mas como dito acima, a importância é acima de tudo encontrar os singles fora dos álbuns, principalmente anos depois, obviamente estes não estando no mercado há muito tempo. Assim, há o trio mágico de "From Me To You", "I Want To Hold Your Hand" e sobretudo "She Loves You", arquétipos do Rock ingênuo e um toque de flor azul do início da carreira e ainda claramente no acima o que estava sendo feito na época. Três títulos que colocaram o grupo em órbita. Recorde-se que a mais metálica (para a época) “I Feel Fine” apresentou um dos primeiros exemplos de feedback em disco, antecipando-se a Jeff Beck e Jimi Hendrix que obviamente foram mais longe.

O álbum é também uma oportunidade para redescobrir a cativante e melódica "We Can Work It Out", algo esquecida apesar do sucesso (mas quando se tem uma sequência de sucessos como esta, é inevitável que alguns se encontrem afastados dos outros, um luxo que poucos artistas podem se orgulhar de ter). Por outro lado, o riff de "Day Tripper" foi trabalhado por qualquer aprendiz de guitarrista que se preze. Finalmente, talvez o melhor desses singles fora do álbum, "Paperback Writer" atesta o aparecimento de pedais fuzz em bandas de rock e um tom endurecido.

Quanto aos títulos dos álbuns, a escolha é bastante óbvia. "Love Me Do", o primeiro single e primeiro hit, "Can't Buy Me Love", "Help!" ou ainda o essencial “Yellow Submarine”. É claro que todos lamentarão suas ausências e, pessoalmente, eu teria preferido a cativante "Another Girl" do que a dylanesca "You've Got To Hide Your Love Away" como um trecho dos singles do álbum Help ! .

Enfim, se as compilações geralmente não são muito interessantes no caso de bandas de rock, exceto para o ocasional amador que quer fazer sucesso sem investir na discografia ou o curioso que quer descobrir o todo de uma obra por um custo menor , é bem diferente com este Double Rouge 1962-1966 pela inclusão de títulos – e não menos importante – ausentes dos discos. Mas o volume seguinte, o Double Bleu , se mostraria ainda mais indispensável.

Títulos:
CD1
1. Love Me Do
2. Please Please Me
3. From Me to You
4. She Loves You
5. I Want to Hold Your Hand
6. All My Loving
7. Can’t Buy Me Love
7. A Hard Day’s Night
8. And I Love Her
9. Eight Days a Week
10. I Feel Fine
11. Ticket to Ride
12. Yesterday

CD2
1. Help!
2. You’ve Got to Hide Your Love Away
3. We Can Work It Out
4. Day Tripper
5. Drive My Car
6. Norwegian Wood (This Bird Has Flown)
7. Nowhere Man
8. Michelle
9. In My Life
10. Girl
11. Paperback Writer
12. Eleanor Rigby
13. Yellow Submarine

Músicos:
John Lennon: Vocal, guitarra, teclado, gaita
Paul McCartney: Vocal, baixo, teclado, guitarra
George Harrison: Guitarra, sitar, vocal
Ringo Starr: Bateria, vocal

Produção: George Martin

Susanne Sundfør - Blómi (2023)

Blómi (2023)

Susanne Sundfør

A cantora e compositora norueguesa Susanne Sundfør lançou 'blómi', um álbum que contém elementos e fusões de folk, cantor e compositor e jazz. Inicialmente, chamou minha atenção o single "alyosha", uma faixa simples, mas calmante, com letras emocionais adoráveis, com Susanne tocando em seu amor por essa pessoa chamada Alyosha. Com base na beleza que "alyosha" continha, eu tinha grandes expectativas para o álbum, com minhas expectativas muito atendidas.

Curiosamente, o álbum começa com a faixa falada "orð vǫlu", um corte de quase quatro minutos com tantos efeitos sonoros e maneirismos que prendem você e fazem você ouvir. "ashera's song" segue e é tão estranhamente bonita, com uma introdução sinistra de efeitos brilhantes e sintetizadores, entrando em um lindo e misterioso piano que simplesmente dança ao redor, acompanhado por sintetizadores mais sombrios; sem mencionar que os vocais de Susanne aqui também eram sólidos; apenas a cereja no topo. "blómi" também contém vocais impressionantes e mais ricos; quase como Yebba. A trompa adiciona uma sensação aconchegante e jazzística à faixa que eu amo, especialmente em combinação com a bateria suave. Susanne apresenta uma impressionante exibição vocal no final, juntamente com uma balada de piano minimalista.

"rūnā" oferece um estilo de produção muito folclórico em comparação com as três faixas anteriores, com um belo refrão e um fluxo lírico sem esforço. Esta faixa soa como correr por um campo de flores. "fare thee well" contém mais uma exibição vocal rica e, embora não seja tão instrumentalmente impressionante quanto as faixas anteriores, ainda é uma audição maravilhosa e, de fato, tem um instrumental jazzístico sólido no outro. "leikara ljóð" começa devagar, mas lindamente com os aveludados murmúrios de Susanne. Pode ser liricamente despojado, mas é tão denso em termos de produção e vocais.

O álbum se transforma em outra sensação jazzística em "ṣānnu yārru lī", uma faixa mais abstrata, porém, ainda assim uma audição intrigante. A palavra falada e os sussurros de Susanne na pista fazem você prestar atenção. "náttsǫngr" traz de volta seus vocais impressionantes, com Susanne exibindo excelentes riffs ao longo da faixa. O vocal que entra naquele toque agudo no final é um toque insanamente desconfortável, mas chocantemente bonito. Liricamente, é de partir o coração, com Susanne falando sobre as dificuldades de um relacionamento.

"orð hjartans" fecha o álbum, uma audição realmente intrigante e estranha em termos de produção com seus sons misteriosos, sons de crianças conversando e o que soa como algum tipo de criatura assustadora caminhando pela faixa. Susanne tem sua declaração final no final da faixa, perguntando "Se o coração tivesse uma palavra, qual seria?", Em seguida, dizendo que a palavra é "sim, sim para tudo". É uma maneira poderosa e inesperada de terminar um álbum.

Eu sabia que iria gostar desse álbum, já que sou um grande fã de cantores e compositores em geral e, como mencionei antes, meu amor pela música "alyosha", mas não esperava que o álbum fosse assim impressionante e às vezes até um tanto experimental. Susanne é uma artista para ficar de olho.

Janelle Monáe - The ArchAndroid (2010)

 

The ArchAndroid (2010)

Janelle Monáe

Se há um clichê sobre a música que tem sido usado em demasia nas últimas duas décadas, é o “esta é a trilha sonora de um filme que ainda não foi feito”. Isso geralmente se traduz em uma tentativa incompleta de emular Vangelis ou Jean Michel Jarre em Garage Band. Algumas delas podem ser levemente divertidas, mas mesmo na melhor das hipóteses, provavelmente não há muito que prenda sua atenção, e é apenas um ruído de fundo enquanto você passa o dia, então é mais precisamente uma “trilha sonora para fazer o trabalho doméstico”, ou “trilha sonora de mais um relatório inútil que seu chefe vai ignorar”.

E depois há a suíte Metropolis de Janelle Monae, um conceito de lançamento múltiplo que abrange um EP e dois álbuns completos até o momento, e misturas de RnB, pop progressivo e funk psicodélico. Ah, sim, agora é assim que você faz um álbum contemporâneo com escopo cinematográfico. Inscreva-me por favor!

ArchAndroid consiste na segunda e terceira partes do conceito de suíte Metropolis em andamento e é uma continuação direta de Metropolis, Suite I: The Chase . Um álbum girando a cabeça e nunca menos do que envolvente, é uma mistura maravilhosamente trabalhada de RnB contemporâneo e arte pop. É como se Monae tivesse ouvido nomes como Kate Bush e David Bowie do final dos anos 70, e em vez de apenas tentar imitá-los, ela apenas se inspirou no escopo de sua invenção e construiu sua própria versão desde o início, usando elementos cuidadosamente selecionados de RnB, pop, neo-soul e funk como sua construção blocos, e segurando tudo junto com seu carisma e coragem de desempenho. Ah, e aquela voz que aparentemente pode fazer qualquer coisa que ela quiser. Uau.

Não tenha dúvidas, ArchAndroid é um álbum ambicioso, mas ao contrário da maioria dos álbuns ambiciosos, não soa como um monte de ideias de qualidade variada foram jogadas contra a parede para ver o que iria pegar. Este é um álbum que foi cuidadosamente elaborado com cuidado e consideração, tanto que mesmo perto dos 70 minutos, não se arrasta. Você sabe, como os melhores filmes não. Apesar de seu conjunto agradável,ArchAndroid é bastante diverso também, com uma série de faixas que funcionam igualmente bem fora do contexto do conceito com “Tightrope”, “Cold War”, “Come Alive (The war of the Roses)”, cada uma funcionando tão bem singles, e com "Wondaland" e o de Montreal apresentando "Make the Bus", ambos tendo atingido o potencial de single também.

Mesmo sendo o fã tingido de lã de meninos brancos com guitarras que eu sou, está se tornando cada vez mais óbvio para mim que a música mais interessante da última década foi criada por artistas femininas do RnB, e talvez ninguém mais do que Janelle Monae, com sua abordagem multifacetada para sua carreira pagando dividendos, e ela lançando uma série de álbuns envolventes e totalmente divertidos. Inferno, ela até ressuscitou o álbum conceitual e o tornou legal novamente. Não há nada que essa mulher não possa fazer?

Krallice - Porous Resonance Abyss (2023)

 

Porous Resonance Abyss (2023)

Krallice

A banda de black metal de vanguarda de Nova York, Krallice, ilustra a vasta escuridão do espaço em 'Porous Resonance Abyss'. O estilo de black metal monolítico da banda de trabalhos anteriores é transportado para este álbum completamente instrumental e incorpora elementos de metal progressivo. Os sintetizadores desempenham um papel importante, adicionando um tom proeminente de ficção científica à música. A musicalidade aqui é excelente. A banda é capaz de tocar música técnica extrema, mas evita excessos excessivos e mantém o foco principal da música na atmosfera e no tom. Assim, o som geral mantém um bom equilíbrio de black metal instrumental/progressivo e sintetizadores etéreos que transmitem com sucesso os temas de espaço profundo e sobrenatural imbuídos ao longo do álbum. A produção também é ótima. Um dos melhores lançamentos de 2023.

Cattle Decapitation - Terrasite (2023)

 

Terrasite (2023)

Cattle Decapitation

Cattle Decapitation está de volta com seu 8º LP de estúdio, Terrasite. As faixas apresentadas seguem o truque típico da banda em termos de temas e composição. Misantropia e mensagens ambientalistas são temas comuns nas letras, para surpresa de ninguém. É tematicamente tão cafona quanto a banda sempre foi (basta olhar para a capa do álbum), que também se manifesta em alguns momentos em várias faixas, mas de forma alguma isso atrapalha minha apreciação do álbum. Afinal, é mais um grampo da banda neste momento.

Os principais riffs de Josh Elmore são principalmente o que ouvimos antes, mas é claro que existem alguns truques aqui e ali que conseguem manter as coisas interessantes. A performance vocal de Travis Ryan é insanamente impressionante, como sempre. Acho que ele conseguiu um equilíbrio melhor entre os vocais ásperos e seu estilo de canto "limpo" rosnado do que ouvimos em seu último álbum, Death Atlas. David McGraw segue junto com as guitarras fielmente, entregando um ataque de bateria que dá a cada música o poder necessário para impactar o ouvinte. Finalmente, a performance do baixo de Olivier Pinard é competente, e ele ocasionalmente consegue alguns momentos de sua autoria.

O black metal é muito mais influente aqui do que nos álbuns anteriores, mas o deathgrind/death metal técnico ainda é a espinha dorsal deste lançamento. Mesmo que as composições sejam bastante características de seus trabalhos anteriores, a banda parece espalhar alguns truques inesperados ou pouco ortodoxos que conseguem mantê-los envolventes. No entanto, admito que perto do ponto médio ele começa a se arrastar um pouco, mas volta a subir quando se aproxima da conclusão.

Olhando para o tempo de execução da faixa final de dez minutos, fiquei cético, especialmente porque a faixa-título de Death Atlas tinha uma duração semelhante e era uma das minhas menos favoritas daquele álbum. No entanto, acabou sendo bastante bem executado, equilibrando os altos e baixos de uma faixa longa de forma eficaz. Alguns outros destaques para mim foram "We Eat Our Young", "A Photic Doom" e "Solastalgia".

Para alguns, o Terrasite será inexpressivo porque adere muito próximo ao seu som estabelecido. Eu diria que, como seus últimos álbuns, ele faz um ótimo trabalho de experimentação cuidadosa ao mesmo tempo em que satisfaz as expectativas dos fãs. Consequentemente, é uma excelente edição de seu catálogo até o momento.

Lunar Chamber - Shambhallic Vibrations (2023)

 

Shambhallic Vibrations (2023)

Lunar Chamber

Fanáticos pela nova geração do Technical & Progressive Death Metal, temos um novo nome para adicionar em nossa wishlist: Lunar Chamber. Seu primeiro passo é um Ep de 30 minutos chamado "Shambhallic Vibrations", uma pequena joia instantânea de "Beyond DM": técnico nas evoluções instrumentais, complexo e sofisticado nas estruturas, mas também melódico, atmosférico e etéreo em alguns sintetizadores contemplativos passagens.

Os ingredientes são grunhidos cavernosos, esporadicamente alternados com vocais limpos, uma quantidade impressionante de riffs progressivos, brutais e labirínticos (intercalados com pistas de sabor oriental e solos transcendentais), um baixo fretless aventureiro e uma performance de bateria que une a criatividade à solidez cirúrgica.
As principais referências são voltadas para Blood Incantation & Voidceremony, mas alguns movimentos jazzísticos ateus antigos e atmosferas meditativas cínicas são evidentes.

Algo mais expansivo pode ser encontrado no monumental número Ambient/Death/Funeral Doom colocado no final do Ep, "III. Crystalline Blessed Light Flows": uma espécie de mistura entre tudo o que se ouviu até então, as elegias da Mournful Congregation , a guitarra/baixo virtuoso de uma versão menos neoclássica do First Fragment e até mesmo algumas obscuras "litanias" progressivas à la Opeth.
Acho que um full-lenght é absolutamente obrigatório, porque esse Ep é um ponto de partida marcante para a galera do Tomarum.

Matéria: Discografia Comentada – Trem Do Futuro

Na década de 80, o rock progressivo brasileiro fez uma guinada interessante para o mercado mundial. Enquanto os gigantes progs da Europa (Inglaterra principalmente) enveredavam para um lado mais acessível, apoiando-se na nomenclatura AOR para continuar carreira, bandas como Bacamarte, Sagrado Coração da Terra, Quintal de Clorofila e Quaterna Réquiem, entre outras, criaram uma sonoridade progressiva tipicamente brasileira, espalhando sementes por todo o país. Algumas delas germinaram em Fortaleza, onde vingaram-se para florescer na exímia e talentosa banda Trem do Futuro.

O grupo foi formado em 1981, inspirado no prog inglês mas com algo de contemporâneo que fortaleceu uma identidade exclusiva, conquistando premiações durante toda a década de 80 e levando ao reconhecimento internacional, apesar de pouco conhecido em nosso país. Sendo assim, vamos hoje apresentar a curta Discografia da banda, mas com  importância enorme para toda uma geração de amantes do rock progressivo.

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Trem do Futuro [1995]

O primeiro álbum da banda tem na formação Gilmar Moura (teclados), Marcelo Macêdo (guitarras), Marcos Bye Bye (bateria), Paulo Rossglow (vocais), Jomar Sérgio (baixo) e Ulisses Germano (flautas e efeitos sonoros). O som traz grandes influências do rock progressivo e da música clássica, destacando principalmente as passagens de flauta e teclados, além de uma base sólida entre bateria, baixo e guitarra. O progressivo inglês está presente em “Bivar”, A parte clássica surge com força durante a arranjo de flauta e violão em “O Anjo”, na delicada sutileza do violão de “A Louca” e na dupla “Vagão / Requiem da Louca”, que apresenta o Trem do Futuro com letras épicas cantadas em português, mais um diferencial da banda. Essa faixa também conta com a participação vocal de Rita de Cássia, co-autora do poema “Requiém da Louca”. Para absorver as letras “Rushianas” do Trem, ouçam a linda “Revolução das Flores”, com violões e flautas comandando uma belíssima faixa, ao lado da épica “Sila”, ambas candidatas a melhores letras do grupo. Além dessas faixas com belas poesias, também temos as instrumentais “Mental Física”, onde a flauta e a guitarra fazem um belo trabalho solando em parceria, a vinheta “Entreé”, os teclados predominando a dupla “Labirinto/Dança dos Lírios” e o exímio trabalho de “Moksha”, para mim a melhor do álbum, que recebeu muitos elogios mundo a fora, destacando as revistas Arlequim (Itália), Harmone Magazine (França) e entrando ainda na lista dos 10 melhores álbuns de Rock Progressivo do Japão. Demorariam-se mais 13 anos até o lançamento do segundo álbum, mas o nome do Trem do Futuro já estava marcado na cena musical progressiva do Brasil, e principalmente, como o maior expoente dessa cena no nordeste. Destaque também para a linda capa, com inspirações Roger Denianas, criada por Jó Nunes. Trem do Futuro hoje alcança valores altíssimos nos Mercado Livres e Ebays da vida, o que mostra quão valiosa é essa obra.

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O Tempo [2008]

Com uma mudança na formação, tendo a entrada de Alan Kardec Filho no lugar de Jomar, João Victor para o lugar de Gilmar, Marcelo adotando agora o nome Marcelo Leitão, e a adição do violinista Sidarta Guimarães, O Tempo chegou aos fãs em meados de 2008, apresentando uma banda mais madura, criando peças ainda mais memoráveis do que aquelas registradas em seu primeiro álbum, apesar de haver um revezamento nos teclados e no baixo, já que algumas canções contaram com baixistas e tecladistas alternados, sendo o baixo empunhado em algumas faixas por Marcos Pessoa, e os teclados de Julinho Silva, outras faixas com George Frizzo no baixo e Edson Filho nos teclados, e variações entre esses dois, além de Marcos e Gilmar Moura (teclados) fazerem-se presentes no rock oitentista “O Homem Antigo”, que lembra bastante a fase inicial do RPM, sendo certamente a faixa mais fraca de O Tempo. Com George e Edson, foram registradas a faixa que dá nome a banda, um rockzão com pegada blues que em nada se assemelha ao que já ouvimos nas outras faixas do grupo, mas que é muito boa, blues esse presente também em “Na Trilha do Diabo”, com a participação da harmônica de Diogo Araujo, vocais de Carlo Macedo, Marcos e Gilmar, e um fantástico solo de flauta. Ainda com George e Edson, temos “O Som do Silêncio / A Porta”, destacando a linda introdução com violão e flautas, a delicada “Búfalos Audazes”, repleta de variações de andamento, tendo a participação de Álvaro Luis na steel guitar e Paulo Rossglow no tamborim, além de uma melodia grudenta. Com Marcos e Julinho, temos “Seres Imaginários”, faixa muito bem trabalhada, que foi dedicada à Odete Macêdo, é uma delas, e nela, Ulisses está tocando bandolim, o que abrilhantou muito essa magnífica peça ao lado de um emotivo piano. Outra faixa com Julinho e Marcos é a sensacional “Saga”, com o violino de Sidarta sendo um dos principais instrumentos, e que irá arrancar sorrisos dos fãs de progressivo. A dupla “Lamento das Horas / O Tempo”, com as vocalizações “Great Gigianas” de Claudy Guedes, além de Marcos e Julinho, é forte candidata a melhor de O Tempo, principalmente pelas inúmeras mudanças de andamento e empregos de diversos instrumentos e timbres, que levam a emblemática “Ainda Que Tarde”, com riffs pesados de guitarra e uma insana flauta nos dando uma sensação de que Ian Anderson uniu-se aos cearenses, além de uma frase importante para o país nos dias de hoje: “Eu luto até o fim”. Outra faixa grandiosa, tendo Julinho e George, é a tríade “Olho do Tempo/Onda Brava/Tempo Nú”, com a guitarra de Marcelo chamando a atenção na primeira parte, assim como uma narração por Marcelo que me lembra “The Necromancer” (Rush.) O álbum foi lançado em uma embalagem luxuosa com encantadora beleza gráfica, totalmente auto-produzida, bem como um encarte também luxuoso e inspirado no surrealismo, e é perfeito para quem quiser algo além da mesmice.

Em 2013 a banda completou 30 anos de carreira, e com uma nova formação, tendo os originais Paulo e Marcelo, além de Felipe Valentim Ribeiro (bateria), Julinho Silva (teclados, baixo), Sidarta Guimarães (violino) e Dudu Freire (baixo, backing vocals), voltam a excursionar, e consequentemente, gravam seu terceiro registro, lançado em 2015.

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Tr3s [2015]

Este é o mais progressivo álbum da carreira dos cearenses. As letras com clima de surrealismo e fantasia, forte presença dos dois discos anteriores, surgem aqui principalmente em “Ismália”, com a presença de Bye Bye na bateria e grande predomínio de sintetizadores de Gilmar Moura, músico que se destaca também na pesada “Lã de Sol”, e também “Noite Senil”, com um majestoso solo de flauta por Cleilton Gomes. Logo de cara, o saxofone de Afrânio Pinto em “Viajantes do Tempos” nos remete a “Us and Them”, cujo andamento é puramente Floydiano, misturado com diversos elementos intrincados, onde a guitarra de Marcelo brilha, tendo a participação dos vocais de Vitória Bayma e os teclados de Gilmar. As bases instrumentais de “Soníferos Falham”, também com Gilmar e Bye Bye, lembra um pouco faixas do Sagrado Coração da Terra, mas com uma diferença central nos teclados, onde o órgão faz uma bela participação. A complexidade da instrumental “Folhas Secas Sobre A Tarde” traz a soberania da flauta de Cleilton, e também Gilmar nos teclados, sendo esta a grande faixa do álbum ao lado da fantástica “A Busca”, um tour de force com mais de oito minutos, que sai de um complexo dedilhado de violão acompanhando o violino para uma pesada faixa, no melhor modelo Rush, tudo recheado com o tempero que só o Trem tem. Essa faixa também conta com os vocais de Vitória Bayma, aqui ao lado de Marcelo, que também mostra sua voz na delicada “Além Sonho”, revezando-se com Paulo sobre um lindo dedilhado de violão e piano, além de um emotivo violino. Um disco de virtuosismo e feeling na medida certa, e que para mim, é o melhor trabalho da banda.

Todos os três discos aqui apresentados foram relançados recentemente, e podem ser conseguidos através do Bandcamp oficial do grupo. O Trem continua na ativa, agora novamente com Paulo Mezzo no baixo, mostrando que além de ser muito bom, ainda faz muita fumaça!