Paul Simon é um dos compositores mais bem-sucedidos e respeitados da era do rock. Alcançando a fama em meados dos anos 60, as canções de Simon eram maduras e letradas, mas também melodicamente envolventes, e falavam das preocupações e incertezas de uma geração. À medida que os anos 1960 davam lugar aos anos 70 e 80, o trabalho de Simon tendia a se concentrar no mundo pessoal e não no mundo mais amplo, mas ele também expandiu sua paleta musical e ajudou a apresentar a world music a muitos fãs de rock e pop. Paul Frederic Simon nasceu em Newark, Nova Jersey, em 13 de outubro de 1941. Seu pai, Louis Simon, era um educador que também liderava um pequeno combo de jazz, enquanto sua mãe, Belle Simon, ensinava inglês; quando Paul tinha alguns meses, eles se mudaram de Newark para Queens, Nova York. Paul cresceu com uma paixão por beisebol e música, particularmente jazz e folk, e quando entrou na adolescência, desenvolveu um gosto pelos sons doo wop e R&B que eram um grampo das transmissões de rádio de Alan Freed, bem como da primeira geração rockabillies como Elvis Presley, Jerry Lee Lewis e Carl Perkins. Quando Simon tinha 11 anos, ele conheceu Art Garfunkel, e os dois se tornaram amigos rapidamente, descobrindo que compartilhavam o interesse pela música. Paul e Art formaram uma dupla de harmonia no estilo de seus heróis, os Everly Brothers,
Samplado por nomes como Jay-Z e Dr. Dre, a banda italiana Calibro 35 acaba de lançar o novo álbum “NOUVELLES AVENTURES”. O álbum está disponível em todas as plataformas digitais e também estará disponível internacionalmente numa edição limitada em vinil transparente no dia 30 de junho através da Record Kicks.
Depois de “Scacco Al Maestro” em 2022, os dois álbuns de tributo dedicados ao “il maestro”Ennio Morricone, os Calibro 35 estão de volta com “NOUVELLES AVENTURES”, um novo álbum de estúdio com material original.
“NOUVELLES AVENTURES” foi gravado em Nápoles no Auditorium Novecento, a antiga Phonotype Records, um dos mais lendários e fascinantes estúdios de gravação italianos. O novo LP apresenta novamente o grupo a fazer pleno uso do seu conhecimento e recursos musicais refinados e enriquecidos ao longo dos últimos anos, voltando a fazer “a música de Calibro”: uma mistura única de funk, rock progressivo, jazz alternativo e música cinematográfica de amplo espectro pelo qual o público os conhece ao longo de quinze anos de carreira.
Com passagens asseguradas pelo Primavera Sound Festival Barcelona dia 29 de maio e pelo Primavera Sound Festival Madrid a 6 de junho, a banda italiana apresenta-se ao vivo no Vodafone Paredes de Coura no dia 16 de agosto.
Se algo caracterizava a NWOBHM e todas as suas peculiaridades, era por suas fortes raízes underground e independentes. O que lhe permitiu adotar vários estilos dentro de uma mesma corrente. É assim que os movimentos surgem por geração espontânea. Se fosse uma montagem de uma ou mais empresas, ele garante que o som predominante seria todo igual e passado pelo mesmo liquidificador. Não foi o caso. Muitas dessas bandas se perderam para sempre no maremoto da euforia inicial. Com níveis de qualidade que você ouve hoje, eles coram.
Esta é a história dos muito ativos Dawnwatchers, vindos do Nordeste da Inglaterra. Nem em estudos inteligentes sobre NWOBHM de publicações respeitáveis, como Record Collector ou Kerrang! Eles até apareceram em seus dias. Formados em 1977, gravaram duas demos em 1978 e 1979 sem que nenhuma delas fosse disponibilizada ao público. Billy Barton (vocal), Craig Richardson (guitarra), John Bootle (baixo), Pete Kaberry (bateria) e Peter Darley (teclados) finalmente conseguiram gravar seu primeiro single autofinanciado em 1980. A compilação "New Electric Warriors" ( 1980 / LOGO) incluiu-os com um tema. E em 1982 apareceu seu segundo single, também pago do próprio bolso e gravado dois anos antes. Eu me gabo de ter bastante conhecimento em coisas inúteis, mas Dawnwatcher inexplicavelmente escapou da minha mente ... até agora.
Algum anjo da guarda da boa música teve a brilhante ideia (e bom senso) de compilar os dois singles, a música compilada e algumas das melhores demos. Como resultado, um "álbum virtual" (38'25 mts) intitulado "Studio Recordings 1977 - 1983" circula na net, como um surfista prateado pelo multiverso. E abençoado seja este anjo. Porque o que encontramos aqui é valioso demais para ser ignorado novamente. Exuberante Pomp - quando não Prog - Hard Rock com um sabor distinto de NWOBHM.
O inicial "Hall of Mirrors" (7'20) do primeiro single, preenche tudo com teclados com um furacão melotrônico e um sentimento não muito longe do primeiro Diamond Head ou Def Leppard. A primeira vez que ouvi, não acreditei que não sabia disso. Imagine um pouco de Angel / Giuffria britânico com John Sykes na guitarra. Não posso com essas injustiças, sério. Este é o prog metal feito quando o Dream Theater ainda estava estudando. Uma porra de música maravilhosa. "Atitudes" (7'15) pertence à demo '79. Ela entra calmamente com base em belos teclados e pratos etéreos, adornados pela elegante voz de Billy Barton. Com um ritmo muito apressado e próximo de Nightwing ou Magnum (primeiro período). Quando tudo explodir, não inveje os mencionados, os próprios Limelight ou Iron Maiden mais o Prog. Também do primeiro single está "
Do segundo single vem "Salvador's Dream" (5'02), com o baixo de John Bootle tocando entre Steve Harris e Geddy Lee. O majestoso Mellotron ao fundo, e a bateria feita em Peart apoiando os solos de sintetizador de Peter Darley com uma furiosa carga de Pomp Hard. A melodia nas seis cordas é digna do melhor e mais inspirado Michael Schenker. Elegância no atacado. O seguinte é inédito, ou pelo menos não o localizei. "Children of the Night" (5'33) é outra que levada para os EUA soaria algures entre Angel, American Tears/Touch, Balance ou Silver Condor. Eu não vou dizer mais nada. Por fim, o lado A do segundo single, "Backlash", entra com a fúria de teclado de Argent ou Atomic Rooster, para desenvolver um Hard Pomp que faria Zon ou Rose empalidecer, se formos para território canadense.A exclusão de harmonias vocais pode ser o único "mas", o que as faz soar deliciosamente junky. E claro, isso não é um blockbuster, o material vem de fontes tão humildes. É assustador pensar em um resultado final com todos os meios à sua disposição. Porque Dawnwatcher inspira respeito por quão bons eles eram.
Nunca como nesta ocasião estamos diante de um OURO NA SUCATA mais desavergonhado e desconhecido.
Na lista de reviravoltas impressionantes que ocorreram durante os anos 80, a de Tina Turner certamente obtém um lugar de destaque. Um verdadeiro sucesso, Private Dancer impulsionou a cantora a alturas que ela nunca havia alcançado, mesmo na época de maiores sucessos com Ike. É necessária uma continuação, claro, mas felizmente sem pressa, o tempo para dar a ele a oportunidade de aparecer no terceiro Mad Max(e obtenha um novo single de sucesso). Terry Britten e Graham Lyle, a dupla por detrás do sucesso do mega-hit "What's Love Got To Do With It" ganham aqui mais espaço, afirmando-se como os principais compositores de Tina, enquanto são chamados artistas famosos por lhe oferecerem novos títulos . Assim, Mark Knopfler, que já havia composto um dos sucessos de Private Dancer , reitera aqui, David Bowie, de quem ela assumiu “1984”, oferece a ela um original, a dupla de mão de ouro de Bryan Adams e Jim Vallance fará o mesmo . Deve-se notar a anedota de que David Coverdale do Whitesnake também havia sido contatado, mas sua gravadora preferiu que ele guardasse "Is This Love" para si mesmo, composta com seu guitarrista na época, John Sykes, que se tornaria um dos maiores sucessos do grupo.
Resumindo, quebre todas as regrasfoi lançado sob bons auspícios no final do verão de 1986, algo que "Typical Man" confirma desde o início. Uma faixa de Dance Soul que cheira à brilhante sensualidade dos clubes dos anos 80, conduzida pela bateria de Phil Collins. E logo um novo hit carimbou Britten e Lyle para a cantora. A dupla também teve sorte ao pular "What You Get Is What You See", um título entre Pop e Heartland Rock que também terá seu pequeno efeito nas paradas. Normalmente, o solo de guitarra deveria ser gravado por Eric Clapton (com quem ela havia feito um dueto que seria lançado alguns meses depois), mas problemas técnicos obrigaram Britten a regravá-lo para ele. acalmando as coisas, "Two People" pretende ser o sucessor de "What's Love Got To Do With It" e "We Don't Need Another Hero" no slot título Soft pop, quase uma balada. Apesar de muito eficaz no seu estilo, não será um sucesso tão grande como os títulos acima referidos, provavelmente porque faltou algo para ser tão imediatamente identificado e memorável.
Se o Pop dos anos 80 "Till The Right Man Comes" acaba por ser bastante banal num estilo então ouvido nos álbuns de todos os artistas do estilo da década, "Afterglow", um título tranquilo e elegante que irá aumentar gradualmente em intensidade é bastante conclusivo e teria merecido melhores resultados como single (é verdade que já foi o oitavo single do álbum a ser lançado neste formato). Aqui, o convidado de luxo é Steve Winwood, realizando o solo de sintetizador. "Girls", composta por Bowie (e encontramos Collins na bateria) apresenta o tom pop atmosférico e melancólico da própria cantora. Algo para mudar um pouco o estilo do álbum. Não é um grande trabalho que disse, mas melhor do que outros títulos que Bowie estava compondo para seus álbuns. Muito mais memorável é o AOR Rock "Back Were You Started" composto por Adams e Vallance. O canadense retribuiu aqui a cortesia ao cantor que o acompanhou noReckless , e o fato de a música ser interpretada por seu grupo torna possível encontrar seu estilo tão identificável. Infelizmente, será o único título decididamente Rock daquela que foi apelidada de Rainha do Rock (mas que nos anos 80 era mais pop e dance). Talvez seja por isso que não fará muito sucesso nas paradas (no palco, porém…). No entanto, ela ganhou um Grammy de Melhor Performance Vocal de Rock Feminino.
Os compositores de "I Might Have Been A Queen" (Rupert Hine e Jeanette Obstoj) do álbum anterior retornam com "Break Every Rule" que dará nome ao álbum. Um mid-tempo Pop/Rock dos anos 80 que funciona sem que possamos chorar de gênio. Se Mark Knopfler compôs um dos sucessos de Private Dancer com seu título homônimo, ele teve uma mão menos afortunada aqui com “Overnight Sensation”. Não que seja mau (o estilo do guitarrista é mais reconhecível do que em "Private Dancer", nem que seja pela sua presença na guitarra), até permite ter um Dance Rock que não é desagradável, mas porque 'não vai conseguir mesmo firmar-se no repertório da cantora e menos ainda como single. Uma pena porque não estamos longe dos títulos mais 'ritmados' deIrmãos de armas . "Paradise Is Here" é o título pop lânguido do álbum. Todos os truques do gênero são explorados, mas funciona o suficiente, senão transcendente. Terminamos com outra composição de Hine e Obstoj, "I'll Be Thunder", uma balada que, sob o seu doce exterior nos versos, torna-se bastante épica nos refrões.
Apesar de não repetir o sucesso fenomenal de Private Dancer , Break Every Rule foi outro grande sucesso de Tina Turner. Se o efeito surpresa havia passado, a qualidade permaneceu e o impôs ainda mais como um dos maiores headliners da música pop. Esta é a segunda parte de uma trilogia de álbuns de alta classe que lhe daria um lugar de eleição na música dos anos 80 para sempre.
Títulos: 1. Typical Male 2. What You Get Is What You See 3. Two People 4. Till the Right Man Comes Along 5. Afterglow 6. Girls 7. Back Where You Started 8. Break Every Rule 9. Overnight Sensation 10. Paradise Is Here 11. I’ll Be Thunder
Músicos: Tina Turner: Vocais Nick Glennie-Smith: Teclados (1–6) Billy Livsey: Teclados (3) Steve Winwoo: Sintetizador (5) Bryan Adam: Piano, guitarra (7) Tommy Mandel: Órgão (7) Rupert Hine: Todos os instrumentos (8, 11) Guy Fletcher: Teclados (9, 10) Albert Boekholt: Programação (9, 10) Terry Britten: Guitarra (1–6), Baixo (1–6), Programação (2, 4, 5 ) Graham Lyle: Bandolim (2) Keith Scott: Guitarra (7) Jamie West-Oram: Guitarra (8, 11) Mark Knopfler: Guitarra (9, 10) Dave Taylor: Baixo (7) Micky Feat: Baixo (9) Phil Collins : Bateria (1, 6) Jack Bruno: Bateria (3, 5) Mickey Curry: Bateria (7) Jamie Lane: Bateria (9) Garry Katell: Percussão (6) Jim Vallance: Percussão (7) Frank Ricotti: Percussão (9, 10) Timmy Cappello: Saxofone (1) Branford Marsalis: Saxofone (10)
Private Dancer é o quinto álbum solo da icônica Tina Turner. É também o álbum considerado pela maioria como seu álbum de retorno após o divórcio do marido Ike Turner e uma pausa na indústria musical. Ele gerou sucessos como a faixa homônima e "What's Got to Do With It". Tina sempre mereceu voltar como artista depois de seu tempo incrivelmente difícil com seu marido abusivo Ike. Este álbum foi uma ótima maneira para ela fazer exatamente isso.
Obviamente, o grande ponto de venda de Private Dancersão os vocais de Turner. Ela é lembrada como uma das maiores vocalistas do século 20 por um bom motivo. A referida razão é mostrada aqui. Ela tem um grande alcance vocal. Sua versão de "Let's Stay Together" de Al Green é um bom exemplo disso. Ela vai entre vocais suaves e vocais apaixonados e explosivos com facilidade. Ela também soa incrível em músicas como "Better Be Good to Me", "Private Dancer" e, claro, "What's Love Got to Do With It".
Quase todos os cortes de Private Dancer ficam com o ouvinte depois. Claro, os sucessos "What's Love Got to Do With It" e "Private Dancer" são canções clássicas e inesquecíveis. No entanto, músicas extremamente subestimadas como "Steel Claw" e "I Can't Stand the Rain"
Uma coisa que eu gostaria de destacar é a produção do álbum. No geral, é muito anos 80. Tudo, desde o trabalho do baixo até os sintetizadores, apenas gritam a década de que são. Está bem desatualizado. No entanto, acredito que atingiu um nível encantador de desatualização. Faixas como "I Can't Stand the Rain" e "Private Dancer" podem soar antigas em termos de produção, mas ainda carregam essa diversão retrô com elas. Existem, no entanto, alguns cortes que soam muito desatualizados, como "Steel Claw". No entanto, essas faixas de som desatualizadas ainda são divertidas e o álbum ainda consegue manter um som fresco em seu próprio jeito retrô.
Os músicos de estúdio neste álbum também são muito bons. Tomemos, por exemplo, o excelente trabalho de baixo de Rupert Hine e John Illsey (da fama de DIre Straits). Surpreendentemente, muito do álbum é construído no instrumento. "1984", "Better Be Good to Me" e "Private Dancer" são todos cortes que apresentam linhas de baixo incrivelmente proeminentes. Os dois músicos tocam em faixas diferentes ao longo do álbum, mas ambos fazem um ótimo trabalho.
Há também alguns trabalhos de bateria e guitarra de alto nível encontrados em Private Dancer que são feitos por uma lista de músicos muito longa para listar aqui na íntegra. "Steel Claw" tem um ótimo riff de guitarra e uma bateria igualmente notável, por exemplo. Enquanto a própria Tina é realmente o que faz o álbum,certamente contribui para a grandeza do álbum.
Em conclusão, Private Dancer é um lançamento que viu um retorno espetacular para um ícone musical. Não há uma faixa ruim aqui, e cada corte individual permite que o ouvinte absorva os vocais excepcionais e a capacidade de exibição de Turner. No total, Private Dancer é um lançamento imperdível.
Dos inúmeros momentos decisivos na carreira de Billy Woods, que durou uma década, o álbum colaborativo do rapper em 2019 com o produtor Kenny Segal ainda é o mais impactante em relação à sua popularidade geral (tal como é). Woods vinha aumentando sua fama (e de sua gravadora, Backwoodz Studioz) há anos, mas Hiding Placesfoi o primeiro gosto que um público totalmente novo (e plausivelmente, toda uma nova geração) de ouvintes recebeu do estilo de marca registrada de Woods: evasivo, deliberado e frustrantemente elaborado. Uma sequência tem sido sugerida há muito tempo e ainda mais desejada pelos fãs, mas tanto Woods quanto Segal foram inflexíveis ao dizer que chamar isso de sequência direta seria redutor; de fato, os resultados (embora familiares em parte) criam seu próprio nicho em uma discografia já repleta de engenhosidade. Como a arte da capa alude, Maps deve muito de seus motivos e anedotas à vida cansativa, muitas vezes pouco lucrativa, de um músico em turnê, com as observações hábeis de Woods esboçando uma linha internacional de voos, passeios de carro e corridas de última hora para o próximo local. (Em passos de bebê: “Na verdade, peguei um Uber de $ 300 para um show / Dormindo na parte de trás como o Future, pode muito bem ser um Maybach / Apareci com nada além de um computador, vamos lá”). De longe, isso pode parecer básico no que diz respeito aos conceitos de billy woods, mas o ouvinte atento reconhecerá, ao ouvir mais de perto, não apenas o tipo inimitável de humor do rapper, mas um foco nos conflitos interpessoais provocados pelos estressores da separação e da indulgência, levando a alguns de seus versos mais intimamente reveladores já gravados.
A eletrônica opaca que compôs grande parte de seu último álbum está surpreendentemente ausente em Maps ; salve para uma rápida descida em turbulência glitchy no abridor Kenwood Speakers, as composições adjacentes ao jazz de Kenny Segal parecem mais acessíveis do que muito do catálogo anterior de Woods, embora ouvidos treinados reconheçam que Segal não está cedendo nada em termos de arte. Dos loops inquietos de Rapper Weed à marca única de fanfarronice de Woods em The Layover (“Grande jarro quando você doa meu cérebro”), misturas de trompas, cordas e teclas definem a paleta instrumental desta vez, trocando os agudos reconhecíveis e baixos de Hiding Places para uma experiência auditiva mais consistente por toda parte. No entanto, os destaques são abundantes: Blue Smoketensões na periferia daquelas paisagens sonoras nostálgicas, um free jazz frenético além de apostas crescentes (“Fumaça grossa, tirei o favo de mel da colméia / Sem desrespeito aos seus homens e a eles, mas vou fazer isso ao vivo”) espelhado em a ponta oposta do registro da Agricultura , seu gêmeo moderado (mas não menos pensativo): "Copo amargo no fundo, tive que aprender a jogar a borra". Ainda mais impressionante é o ambiente inicialmente Babylon by Bus, com Segal mergulhando amplamente na extremidade inferior sob um verso de vaivém da dupla de rap ShrapKnel antes de desaparecer perfeitamente em cordas altas climáticas enquanto Woods termina as coisas com seu conjunto de linhas mais citável em todo o projeto: “Caught 'em missing on 11/09/Deito-me como VI Lênin/As pessoas não querem a verdade, querem que eu diga a elas que a vovó foi para o céu”.
Entre colegas de gravadora que pensam da mesma forma e alguns momentos de 'colisão de mundos' que sem dúvida deixaram os fãs salivando antes do lançamento deste álbum, os recursos no Maps exigem mais atenção do que em um projeto comum de billy woods (especialmente em comparação com seu antecessor), até mesmo if woods dificilmente está disposto a se deixar ser liricamente superado sem lutar. O esparso e sinistro Ano Zerodeixa amplo espaço para o convidado mais esperado do álbum, e Danny Brown enche seu verso com frases absurdas e hilárias mais do que suficientes para satisfazer a todos que esperaram anos para que tal cruzamento se materializasse. Woods, novamente, não deve ser superado, deslizando alguns compassos particularmente cortantes em sua salva de abertura (“Meus impostos pagam acordos de brutalidade policial”) e depois seguindo um verso adepto do Aesop Rock em Waiting Around com uma enxurrada de imagens evocativas : “ Fumamos lá fora na escuridão da noite/Lua com icterícia, ela tinha dentes perfeitos/Névoa roxa deixou seu filho tipo 'Venha para casa comigo'/Ela beijou minha bochecha, diplomacia”. The billy woods on tour que ouvimos em grande parte do Mapsnão é tão cínico ou misantrópico quanto no esforço anterior dele e de Segal, embora a confortável reclusão de Hiding Places ainda se reflita na determinação de Woods de evitar a sala verde “se estiver muito iluminada” ( Soundcheck ) e sua capacidade de pintar um imagem notavelmente serena de “fumar sozinho em um cardigã” enquanto uma fúria pós-Playboi Carti se desenrola no andar de baixo ( FaceTime ). Um verso capaz de Quelle Chris desliza perfeitamente em sincronia com a produção habilidosa do corte anterior, o baixo ainda forte o suficiente para atender à obstinação astuta de Woods: “Não estarei na passagem de som/Mas posso fazer o check-in para mantê-los honestos/ Eu reservo o direito/É rap beef, ou é à vista?/Falando os dentes, nem sei como eu sou”.
Facetime, porém, merece seu próprio escalão de elogios; raramente os álbuns de billy woods recebem singles de pré-lançamento, e a presença de um aqui alude tanto a uma crença inabalável no sucesso inevitável de Mapse um sinal de que Woods sabia que tinha algo especial em mãos com essa faixa. Sobre uma batida perfeitamente abstrata de teclas cintilantes e trompas macias (Kenny Segal novamente ganhando suas flores e mais algumas), Woods entrelaça dois de seus melhores versos em torno do tema da distância: um grande entre ele e seu parceiro durante a turnê, um mais curto uma entre negação (“FaceTime recusou, estou tentando viver o momento como no corredor da morte”) e aceitação final (“Algo parecia errado antes mesmo de eu sair/Então, quando vi as ligações perdidas, eu sabia o que viria a seguir/Não não precisa abrir o texto”). Uma linguagem igualmente evocativa é usada para pintar tanto um pôr do sol mexicano vermelho quanto uma pós-festa nebulosa de um show, ambos sobrecarregados por poéticas de confissão e arrependimento: “Realmente, estou apenas esperando meu telefone enviar um ping/estou pensando em você quando eu deveria estar pensando ' sobre outras coisas/não vou dormir, vou na água até afundar”. Quase tão exposto estáSoft Landing , uma segunda faixa de pré-lançamento que abre em outro dístico de madeira de todos os tempos (“É 2:1:1 no daiquiris/Isso arruína o dia inteiro quando minha mãezinha está com raiva de mim”) com guitarras melancólicas dedilhando todas as enquanto por baixo. Flutuando por um gancho despreocupado e uma reminiscência mais agridoce, os bares da floresta ainda se voltam para guerras, prisões e um inverno nuclear; apesar de ter menos espaço aéreo neste álbum do que o normal, suas percepções políticas permanecem muito amargas, e não há alturas a que se possa voar que realmente escape das lutas abaixo.
Depois de atravessar o globo (e voltar para casa no sedado Tapwater de Nova York ), Billy Woods deixa a maior parte de seu epílogo nas mãos de seu parceiro no crime ELUCID, cujo extenso verso em As the Crow Fliestraz para casa todos os temas do disco ao lado da bagagem da dupla: “Tô viajando por coordenadas, só tem meu hot sem fio/Um uísque sour, ice, o que é, o que não é”. Tudo o que resta depois disso é a curta coda de Woods, oferecendo um raro vislumbre desobstruído de seus pensamentos sobre a paternidade (“Eu o vejo crescer, me perguntando quanto tempo ainda tenho de vida”) enquanto as melodias melancolicamente construídas de Kenny Segal desaparecem ao lado de suas palavras. Apesar de não ter a exigente convolução de seus projetos mais recentes, Mapsé, em muitos aspectos, uma conquista singular no cânone expansivo de billy woods, em grande parte devido a Segal elevar sua última colaboração e combinar a visão lírica de woods com um conjunto impecável de instrumentais que provam quanto potencial a dupla deixou para manifesto. Poucos dos outros artistas que aparecem podem consistentemente segurar uma vela para a sinergia entre Woods e Segal, e no final do álbum torna-se mais do que evidente por que esse era o par que precisava de um segundo lançamento completo; não há necessidade de mexer com uma coisa boa, a menos que seja para dar um passo adiante.
1991 - Concert In The Park
1993 - The Paul Simon Anthology
2007 - The Essential Paul Simon
2011 - Songwriter
-demo-198x(demo)%20(1).jpg)
.jpg){kind=spacer}
