Rolling Stones - Still Life (1982) + Still Life Revamped EXS-1981-03 (1982)

 

Uma das grandes turnês da primeira metade da década de 1980 foi sem dúvida aquela que os Rolling Stones realizaram na divulgação de seu mais recente trabalho de estúdio: "Tattoo You", lançado em 24 de agosto. 1981 O lançamento do álbum foi precedido pelo single "Start Me Up / No Use In Crying" em 14 de agosto. Single que rapidamente subiu nas paradas alcançando o número 2 nos Estados Unidos e Canadá.

Entre 30 de junho e 2 de julho de 1981: Os Rolling Stones gravam videoclipes de performance de estúdio direto na cidade de Nova York para "Start Me Up", "Hang Fire" e "Worried About You". "Neighbours" no Taft Hotel em Nova York e. "Waiting on a Friend" nas ruas de Greenwich

Depois que o promotor Bill Graham e Keith Richards convenceram Mick Jagger da necessidade de embarcar em uma nova turnê mundial, a banda se reuniu em Long View Farm, North Brookfield, Massachusetts, de 14 de agosto a 25 de setembro para ensaiar. Mas antes de começar os ensaios, Mick e Keith marcam uma reunião para discutir a turnê e dizer a Ron Wood que ele terá que controlar seu vício em cocaína se quiser se juntar a eles.

26 de agosto de 1981: Mick Jagger dá uma entrevista coletiva no JFK Stadium, na Filadélfia, anunciando a turnê Tattoo You US de 1981 dos Rolling Stones. Worcester em 14 de setembro diante de 11.000 fãs, a turnê começou na Filadélfia em 25 de setembro no JFK Stadium, com todos os ingressos esgotados, com 181.564 espectadores. A turnê arrecadou $ 50 milhões em vendas de ingressos, quando o preço médio dos ingressos era de $ 16. Estima-se que os Stones tenham arrecadado cerca de US $ 22 milhões após as despesas. Cerca de três milhões compareceram aos shows, mas, infelizmente, esta foi a última turnê dos Stones nos Estados Unidos até 1989.

15 de outubro de 1981: um fã morre em um show dos Stones em Seattle depois de cair de uma grade de 15 metros. Os shows em Nova Jersey são filmados pelo diretor Hal Ashby para a parte interna do filme Let's Spend the Night Together. 13 de dezembro se apresentam no Sun Devil Stadium em Tempe (Pheonix), Arizona, onde a parte externa do filme Let's Spend the Night Together é filmada. No dia seguinte, em Kansas City, Ick Taylor junta-se à primeira noite e fica durante todo o set. Os Rolling Stones encerraram a turnê Tattoo You US de 1981 com dois shows em Hampton, Virgínia, com o primeiro show (no aniversário de 38 anos de Keith Richards) transmitido para todo o país na TV pay-per-view. Durante o show, Keith balança sua guitarra para um fã correndo pelo palco durante Satisfaction.

Fevereiro de 1982: Mick Jagger e Keith Richards se juntam ao diretor Hal Ashby em Los Angeles para começar a trabalhar no filme-concerto "Let's Spend the Night Together" e na trilha sonora do filme na Power Station em Nova York: um LP duplo. Ordenou que Bob Clearmountain e David Hewitt mixassem um álbum ao vivo. Misturas que foram feitas nos estúdios da Record Plant em Nova York, com a ideia de que o álbum coincidisse com o início da turnê europeia em 2 de junho de 1982 em Rotterdam.

O projeto original era para ser um álbum duplo, onde três de seus lados foram gravados ao vivo durante esta bem-sucedida turnê americana e o último contaria com algumas faixas do Checkerboard Lounge de Chicago com Muddy Waters, na noite de 22 de novembro de 1981. [trecho de álbuns esquecidos reconstruídos ]

Natureza Morta - O Álbum

O equivalente auditivo de uma camiseta dos Stones? Talvez, mas este curto disco único ao vivo, gravado durante a turnê americana da banda em 1981, foi lançado a tempo para a perna europeia, quando os Stones estavam desfrutando de uma segunda vida em popularidade, em turnê com o agora canonizado 'Tattoo You'.

Still Life caminha exuberantemente ao longo das décadas, abrindo com uma cintilante 'Under My Thumb', depois passando para clássicos dos Stones como 'Let's Spend the Night Together' e uma empolgante 'Shattered', onde as guitarras entrelaçadas de Ron e Keith estão em seu melhor momento. , já que Charlie mantém tudo junto sem esforço, e Bill Wyman pré-partida está impecável como sempre no baixo - embora Bobby Keys, ainda do lado de fora com Mick, esteja tristemente ausente.

A seção rítmica e a interação da banda são exemplares. Um filme do show também foi lançado para acompanhar o álbum e as brincadeiras de Mick após a abertura são inestimáveis:

“Bem-vindos a todos que estão assistindo na TV, esperando que todos estejam se divertindo, bebendo algumas cervejas, fumando alguns baseados... tudo bem!”

Eles não os fazem mais assim. O álbum é cheio de covers: 'Twenty Flight Rock' e 'Going to a Go-Go', ambos clássicos do blues, são todos maneirismos berrantes de Mick enquanto ele corre de um lado do palco para o outro em seu spray na meia-calça como Ron e Keith sorriem e acenam um para o outro com seus cigarros perenes.

Há vocais ocasionais de Keith, onde soa como “Return of the Living Dead the Musical”, antes de lançarem uma versão ska veloz de 'Let Me Go' do Emotional Rescue. É entregue em uma velocidade alucinante, antes de Keith liberar os tons trippy de seu MXR Phase 100, um som característico para esta época, para a maravilhosa 'Time Is On My Side'. Os tratamentos de guitarra de Keith são sutis e, como sempre, sublimes, e seu riff melancólico ecoando pela multidão é ainda mais agridoce.

Temos espaço para outro cover, Just My Imagination (Running Away With Me), de Some Girls, um show stopper com Mick, Keith e Ronnie cantando juntos no microfone – um belo momento dos Stones na meia-idade. Em seguida, a alta octanagem 'Start Me Up' e uma super rápida 'Satisfaction' são cansativas só de ouvi-los enquanto fecham o álbum muito cedo.

Ele termina abruptamente. Eu estava me divertindo muito, mas foi encerrado repentinamente e o outro 'Star Spangled Banner' (a gravação de Jimi Hendrix) soa quando os Stones saem do palco à esquerda.

Apesar do álbum aparentemente truncado, super-ultra-breve e provavelmente lançado como uma grana como uma promoção de turnê, é uma explosão curta incrivelmente agradável de frivolidade ao vivo dos Stones trazendo de volta algumas ótimas memórias de verão.

Embora não documente o desempenho geral dos shows de 81, representa quem eram os Rolling Stones na época: uma grande banda de rock 'n roll ao vivo. A capa do álbum, uma pintura do artista japonês Kazuhide Yamazaki, cujo trabalho inspirou o design extravagante do palco da turnê, é muito de seu tempo [extraído de thepressmusicreviews.wordpress.com ].

Rolling Stones - Estádio JFK 1981

Bônus - Natureza morta renovada EXS-1981-03 (1982)

O álbum ao vivo "Still Life" dos Rolling Stones destaca canções ecléticas de sua turnê de 1981 pela América. As faixas restantes foram reunidas como shows de rádio oficiais para o "King Biscuit Flower Hour" e "Super Groups In Concert". "

Still Life Revamped" entrelaça todas as músicas transmitidas pelo rádio no álbum "Still Life" ou as inclui como faixas bônus com entrevistas oficiais (ver Stonesworldcollection.blogspot )

As entrevistas do disco 2 foram aparentemente feitas em 1982, pois incluíam o álbum Still Life e o filme Let's Spend the Night Together. Parte do que foi dito por Keith e outros coloca as entrevistas em 1982.

Aparentemente, as entrevistas no disco 2 foram feitas para uma transmissão de rádio enviada para estações de rádio em LPs (veja as imagens abaixo) e posteriormente usadas em "A história completa do Rolling Stones" especiais de rádio.

As entrevistas no CD 1 vieram das transmissões de rádio "Supergroups in Concert" da turnê de 1981 (veja acima). Muitas das mesmas apresentações musicais foram incluídas nas transmissões do King Biscuit Flower Hour, mas KBFH não incluiu as entrevistas do disco 1.

Este post consiste em 2 RIPS, todos em formato FLAC. O primeiro, o lançamento oficial de Still Life, foi retirado do meu vinil que comprei em 1982. Como de costume, estou incluindo a capa completa do álbum para os lançamentos em LP e CD, junto com as digitalizações do rótulo. Embora eu goste desse show ao vivo, foi muito curto na minha opinião e minha preferência sempre foi tocar o álbum duplo Love You Live quando estou com vontade de ouvir alguns Stones ao vivo.

Como este álbum ao vivo não tem separação real de faixas e a maioria das faixas simplesmente se encaixam, estou oferecendo um rip alternativo para seu prazer que não possui quebras de faixa (ou seja, apenas os lados 1 e 2).

O segundo rip é um bootleg estendido de Still Life que foi obtido do fórum dos Stones "It's Only Rock 'n' Roll" graças a 'Exilestones'. Este conjunto de CD duplo inclui faixas adicionais e entrevistas provenientes de vários programas de rádio, também extraídas do vinil. Arte completa do CD (incluindo livreto) e digitalizações de etiquetas de vinil também estão incluídas.

Still Life Track Listing

01 - Intro (Take the A Train)

02 - Under My Thumb

03 - Let’s Spend the Night Together

04 - Shattered

05 - Twenty Flight Rock

06 - Going to a Go-Go

07 - Let Me Go

08 - Time is On My Side

09 - Just My Imagination (Running Away With Me)

10 - Start Me Up

11 - Satisfaction

12 - Outro (Star Spangled Banner)

MUSICA&SOM

MUSICA&SOM

Still Life Revamped Track Listing

101 - Take The A Train (Intro)

102 - Under My Thumb

103 - Let's Spendf The Night Together

104 - Shattered

105 - Twenty Flight Rock

106 - Going To A Go Go

107 - Let me In

108 - Time Is On My Side

109 - Beast Of Burden

110 - Waiting For Friend

111 - Let It Bleed

112 - Just My Imagination

113 - Miss You

114 - Start Me Up

115 - Satisfaction

116 - Star Spangled Banner (Outro)

117 - Jumping Jack Flash

118 - Interviews Part 01

201 - Still Life Interview

202 - Under My Thumb

203 - Let's Spend The Night Together

204 - Shattered

205 - Black Limousine

206 - Twenty Flight Rock

207 - Going To A Go Go

208 - Time Is On My Side

209 - You Can't Always Get What You Want

210 - She's So Cold

211 - Hang Fire

212 - Brown Sugar

213 - Start Me Up

214 - Satisfaction

MUSICA&SOM

John Waters - Looking Through A Glass Onion 'John Lennon In Words And Music' (1993)

John Waters é um ator, cantor, guitarrista, compositor e músico australiano de cinema, teatro e televisão, mais conhecido na Austrália, para onde se mudou em 1968. Waters nasceu em Londres, Inglaterra. Ele primeiro enfrentou uma platéia ao vivo como cantor e baixista da banda de blues dos anos 1960, The Riots, antes de viajar para a Austrália, inicialmente para umas férias prolongadas de trabalho e, eventualmente, se estabelecendo lá permanentemente. Waters é um músico talentoso e, desde 1992, fez várias turnês com seu show solo, Looking Through a Glass Onion.

Criado e interpretado por Waters e pelo estimado cantor/pianista Stewart D'Arrietta; Lennon – Through a Glass Onion é parte concerto e parte biografia, revelando a essência da vida e o talento surpreendente de um dos ícones mais admirados do século passado. Esta história envolvente apresenta 31 sucessos icônicos de Lennon e suas colaborações com McCartney, incluindo Imagine, Strawberry Fields Forever, Revolution, Woman, Lucy in the Sky with Diamonds, Working Class Hero e Jealous Guy.

Já se passaram 30 anos desde que John Waters e Stewart D'Arrietta apresentaram Lennon – Looking Through a Glass Onion pela primeira vez no pequeno palco do Tilbury Hotel em Sydney. Mal sabiam eles que, ao longo de uma jornada inspiradora de 25 anos, eles apresentariam o show em Nova York e Londres, deixando sua marca no público de todo o mundo.

Em 1992, o ator e músico John Waters se transformou em John Lennon quando tocou pela primeira vez 'Looking Through a Glass Onion', uma homenagem à música, mistério e memória de John Lennon, com a ajuda de Stewart D'Arrietta.

A música 'Glass Onion' foi o pós-escrito de John Lennon sobre a era dos Beatles. Ele tinha uma forte imagem de uma bola de cristal olhando e descascando as camadas da vida que inspirou John a criar um show de palco - uma colagem caleidoscópica de música, palavra, emoção e imagem explorando a essência de John Lennon, e o que o tornou mais do que uma estrela do rock do século 20.

Junto com Stewart, eles escolheram canções dos Beatles que para eles eram essencialmente Lennonesque. Stewart organizou essas canções como um mapa para levar o público pela vida musical de Lennon. John escreveu o monólogo para ligar as músicas.

Em vez de personificar, John queria evocar a honestidade, o humor agridoce, a autocrítica e o desdém de Lennon pela pretensão e prolixidade. O resultado foi este show de palco - 'Looking Through A Glass Onion', que John e Stewart apresentaram ao público nos últimos 30 anos.

Críticas de espetáculos de palco

Revisão 1:   Em 1992, um belo e moreno John Waters veio a Adelaide para apresentar seu então novo show, Lennon Through A Glass Onion. Vinte e sete anos depois, ele retorna, com o cabelo agora grisalho, mas a voz ainda tão rica quanto naquela época. Perdi uma passagem tantos anos atrás e depois dos elogios que ele recebia, sempre me arrependia. Graças ao Adelaide Fringe, este ano tive outra chance e valeu a pena esperar.

Este show certamente foi ao redor do quarteirão e retorna após seu sucesso off-Broadway, com Waters liderando na guitarra e na voz, acompanhado por Stewart D'Arrietta no piano. Esta é uma produção teatral íntima e muito comovente, parte música, parte palavra falada, que celebra a genialidade e o talento de um dos compositores mais famosos do mundo, John Lennon.

Waters é uma estrela do palco e da tela há mais de quatro décadas. Sua passagem mais longa foi como apresentador do programa educacional de televisão para crianças pequenas, Playschool, que fez por vinte anos. Ao pesquisar o início de sua carreira musical, descobri que o primeiro show de Waters foi como cantor e baixista em uma banda de rock de Londres, The Riots, e assim, desde esse treinamento inicial e tendo anos realizando esse show atrás dele, ele foi mais do que confortável para ficar sob os holofotes e apresentar-se musicalmente no seu melhor.

Waters se destaca neste show, retratando Lennon tão autenticamente por meio da fala e da música. Sua imitação do sotaque Scouser de Lennon completou seu visual de couro preto e, quando os tiros soaram antes mesmo de ele pisar no palco, alguém se lembrou do assassinato de Lennon e de como o mundo perdeu não apenas um cantor e compositor incrível naquele dia, mas um verdadeiro artista e professor de paz.

Daquela noite fatídica, Waters nos leva de volta para onde tudo começou com os Beatles, dando-nos trechos do início da vida de Lennon e levando o público, em história e música, ao seu relacionamento com Yoko Ono e ao nascimento de Sean.

Em apenas 90 minutos, Waters consegue apresentar cerca de 31 sucessos de Lennon e Lennon/McCartney, incluindo Imagine, Strawberry Fields Forever, Lucy In The Sky With Diamonds, Revolution, Woman, Working Class Hero e Jealous Guy. Um guitarrista talentoso, é o canto e a caracterização de Waters que realmente dão vida a esta peça. Ele canalizou não apenas o sotaque e a voz de Lennon, mas sua própria alma, não mais do que quando cantou Mother e Imagine.

D'Arrietta foi o acompanhante perfeito que é um talento por si só. Suas ricas harmonias, personagens especiais, teclado e habilidades de percussão completaram este show para dar a ele um apelo raro. O showroom do Grand Central estava lotado e, no final da noite, todos saíram com apreço não só por Waters (que por sinal já tem 70 anos), mas por Lennon e tudo o que ele tinha a oferecer ao mundo. (Revisado por Fiona Talbot-Leigh, domingo, 17 de fevereiro de 2019)

Revisão 2.   Foi doze anos após a morte de Lennon em 1992 que Waters concebeu o show com o músico Stewart D'Arrietta. O nome, uma letra de uma música do influente Álbum Branco, é uma “espécie de retrospectiva de toda a era dos Beatles. Já fui repreendido por alguns promotores pelo título ser um tanto obscuro, mas não pensei que fosse”, ele ri. “Você não conhece o Álbum Branco duplo, pelo amor de Deus?”

Desde a sua criação, a produção de um homem só (e banda) fez uma turnê no 20º aniversário da morte de Lennon e agora está lotando os cinemas novamente com shows esgotados em Adelaide e Canberra e outros seguindo em uma direção semelhante. “Nosso primeiro público são obviamente os baby boomers em geral, porque são as pessoas que viveram o tempo real, mas a música em si continua e se espalha para todas as gerações subseqüentes.

É apenas um concerto de músicas com um pouco de extra que talvez ajude você a entender o contexto das músicas, porque as próprias músicas são um texto da vida de Lennon.”

O “extra” vem como um monólogo “que é meio que entrelaçado nas músicas”. O que levanta a questão - quão autêntico é o monólogo? Consiste nas palavras reais de Lennon? "Na verdade. Eu tomo uma sugestão de algumas das coisas que John Lennon realmente disse. Talvez como uma linha ou algo como uma citação dele e eu a expando como se fosse ele falando.

O monólogo é apresentado com um brilhante sotaque de Liverpool, o que não deve ser muito difícil para Waters, já que ele passou seus anos de formação em Londres, onde tocou baixo em uma banda de rock 'n' roll chamada The Riots. Então, por que não um show sobre o colega baixista Paul McCartney? “Eu acho que Paul McCartney é um músico e compositor fantástico e é uma parte igualmente importante daquela era da música como Lennon, mas quando você pensa sobre o MAN, ele [Lennon] é mais interessante. É um acéfalo.

“Lennon tinha muita garra em sua voz, o que eu gostei. Os caras brancos às vezes se esforçam demais para parecer negros, mas os brancos têm alma própria de qualquer maneira. Quando eles fazem isso naturalmente, sai como John Lennon.”

Ao contrário dos velhotes mencionados, Waters não precisa se valer da fama de John Lennon para ter um falso senso de auto-estima. Nós já conhecemos e amamos o cara - desde sua performance de Melhor Ator AFI em 1988 em Boulevard of Broken Dreams até seus papéis mais recentes em All Saints e Offspring da TV.

“Eu simplesmente amo o fato de ter conseguido criar algo que me permitiu voltar às minhas raízes como cantor com bandas e adicionar a isso algo que aprendi ao longo dos anos sobre ser ator, estar em um palco e se comunicar com o público. Então eu meio que coloquei todos esses elementos juntos em um show.”

Depois de me encontrar com Waters, acho que é seguro dizer que Lennon não está se revirando em seu túmulo de 30 anos. (revisão de Kanye & Jay-Z em Beat.com.au)

Entrevista com John Waters

Como surgiu a ideia de Lennon: Through A Glass Onion?

Foi através das lembranças de John Lennon e do meu amor por sua música que decidi personalizar um show sobre ele, canalizando-o de uma forma que significasse que eu não teria que me vestir como ele, mas poderia apresentar sua música para outras pessoas.

Conte-nos um pouco sobre o show Lennon: Through A Glass Onion?

O show faz uma jornada dentro da cabeça de John e deixa você mais perto de saber que tipo de homem ele era e esse era meu objetivo com isso.

Como surgiu o nome do show porque há tantas músicas ótimas de John Lennon?

Glass Onion é o nome de uma música de Lennon que apareceu no "Álbum Branco" e descreve a retrospectiva irônica de Lennon da era dos Beatles e achei que era uma boa analogia para lembrar as coisas, mas não totalmente claro - um pouco distorcido ... quem sabe o que é a cebola de vidro, não importa.

Yoko Ono viu Lennon: Through A Glass Onion, se sim, quais foram as reações dela?

Yoko Ono conhece o show muito bem de DVDs e roteiros e gravações de CD etc, mas tem algumas imagens muito chocantes da morte de Lennon e eu não a convidaria para assistir, para ser honesto, pois acho que isso a faria passar pelo pior. memória de sua vida. Ela sabe o que fazemos e quão fortes são as imagens de John Lennon e sente que estamos fazendo a história da maneira certa e é por isso que ela está nos apoiando.

Quantas músicas são tocadas em Lennon: Through A Glass Onion?

31 músicas, no todo ou em parte.

Você tem uma música favorita de Lennon: Through A Glass Onion?

Sim, Strawberry Fields Forever – é uma música definitiva de John Lennon para mim.

À medida que você envelheceu, sua visão de John Lennon mudou?

Eu diria que aprendi um pouco mais sobre John Lennon através das reações de outras pessoas e das reações de pessoas que o conheceram pessoalmente e que viram o show no Reino Unido e especialmente na cidade de Nova York – suas histórias e anedotas realmente aumentaram meu conhecimento sobre o cara.

O show evocou fortes emoções de alguns membros do público. Que tipo de reações você tem visto?

Eu vi pessoas chorando depois de um show, literalmente em lágrimas, e me senti profundamente comovido com o show.

Em um estágio você tinha uma banda de cinco integrantes, por que você decidiu para esta turnê ter você e Stewart no palco?

O show começou neste formato comigo e Stewart. Eu acredito que é mais íntimo e poderoso em transmitir a mensagem nesta performance despojada.

Você fez o show em Londres e Nova York. Você pode me contar sobre essa experiência?

É sempre fantástico alcançar um grande público nas duas principais cidades teatrais do mundo, então acho que foi uma sorte incrível podermos tocar nessas duas cidades e espero que possamos voltar.(Entrevista por Belinda Nolan-Price for Weekend Notes)

Este post consiste em FLACs extraídos do CD. Embora este show nunca tenha sido lançado em vinil, ele foi lançado em fita cassete (e, portanto, ainda está em conformidade com a carta do meu blog) 

Sempre fui um grande fã da carreira de ator de John, tendo sido apresentado a seus talentos de atuação quando ele interpretou o sargento Robert McKellar na série de televisão Rush de 1974-76 (ambientado durante os dias da corrida do ouro da Austrália colonial). 

Foi só quando me deparei com este CD por acaso em uma venda de garagem que percebi que Waters tinha outros talentos escondidos sob seu exterior taciturno. Devo dizer que fiquei agradavelmente surpreso quando ouvi este show pela primeira vez, sua opinião sobre John Lennon é simplesmente deslumbrante e brilhante.  

Esteja você familiarizado com John Waters através de sua carreira de ator ou não - você realmente precisa ouvir este álbum 

Lista de músicas

1 Liverpool Lullaby 1:05

2 A Day In The Life 1:09

3 Pretty Mild Day Isolation 3:20

4 Glass Onion 1:45

5 Someone Once Said 0:28

6 Lucy In The Sky 1:01

7 And Then You Get This Great … 1:29

8 Working Class Hero 2:16

9 Everybody Meets Someone 1:22

10 How Do You Sleep 2:20

11 I Loved The Fame 2:42

12 All You Need Is Love 1:39

13 People Always…. 0:42

14 I’m So Tired 1:21

15 I Have To Admit … 1:20

16 Revolution 2:07

17 I Think It Was Ringo … 1:02

18 Sexy Sadie 2:05

19 Don’t Know What To Say 1:20

20 Come Together 1:02

21 Only Thing Nobody Can Touch … 0:14

22 Strawberry Fields Forever 2:24

23 Steel And Glass 3:00

24 Suppose I Just Graduated … 1:07

25 Nowhere Man 0:47

26 I Don’t Suppose 0:29

27 Julia 1:43

28 Mother 1:34

29 Yoko Had This … 0:48

30 Woman 1:59

31 Yoko Thinks I’m a Fag  0:05

32 The Ballad Of John & Yoko 1:47

33 Everybody Falls Back 1:47

34 Crippled Inside 1:51

35 ISMS … 1:11

36 How 2:45

37 God 1:53

38 I Really Thought … 0:50

39 Jealous Guy 2:09

40 I Sent Her A Postcard … 1:28

41 Watching The Wheels 2:13

42 Doctors Told Us … 0:37

43 Beautiful Boy 2:35

44 Done It All Wrong… 1:59

45 Isolation 1:16

46 Oh, I See … 1:28

47 Imagine 3:13

A Banda:

John Waters - guitarra e vocais

Stewart D'Arrioetta - teclados e vocais

Hamish Stuart - bateria, percussão e vocais

Sam McFerran - baixo

Klaus Bussmann - guitarra e vocais

Paul Berton - Guitarras

Jan Young - Guitarra em "Ballad of John & Yoko" e "Crippled Inside"

David Café - Vocais

MUSICA&SOM

David Crosby - Oh Yes I Can (1989)

Oh sim eu posso .... e ele fez!

"David Crosby está de volta aos holofotes internacionais com o lançamento de seu novo álbum solo. Ele retorna com um LP cheio de proezas líricas e melódicas que aprendemos a respeitar neste artista tão talentoso. Crosby é uma das figuras mais inovadoras ter estado envolvido com a música rock nas últimas duas décadas. Como membro fundador do The Byrds, Crosby foi um pioneiro de pelo menos três gêneros musicais, basta refazer seu trabalho com Crosby, Stills, Nash e (mais tarde) Young. Que maravilhoso voz agridoce soa tão fresca hoje como quando apareceu pela primeira vez no disco. O guitarrista Michael Hedges, o pianista Kenny Kirkland, os cantores James Taylor, Bonnie Raitt, Jackson Browne e JD Souther fazem participações especiais ao longo deste LP." [extraído da capa do encarte]

O álbum 'Oh Yes I Can' foi lançado durante a semana de 11 de fevereiro de 1989. Foi o primeiro álbum solo de Crosby em 18 anos.

Este foi o primeiro esforço solo de David depois de finalmente ter curado sua gripe libanesa. O clima do álbum era muito otimista. David estava deixando nós e sua esposa Jan sabermos que “Ah, sim, ainda posso fazer música” e “Ah, sim, ainda posso ser o homem por quem você se apaixonou”. E David convidou muitos amigos para comemorar seu retorno. Toda a cena da Costa Oeste pegou um trem e foi para o estúdio. Você reconhecerá Graham Nash, James Taylor, Jackson Browne, Bonnie Raitt, Steve Lukather e muitos outros. E a banda de David inclui Russ Kunkel e Joe Vitale na bateria, Craig Doerge nos teclados (que também co-escreveu muitas das faixas do álbum), Joe Lala, Danny Kortchmar e Larry Carlton nas guitarras, George Perry no baixo e Mike Finnegan em Órgão. E, finalmente, a voz de David está de volta em toda a sua glória.

Então, tudo e todos estão prontos para fazer um grande disco. Infelizmente, isso não aconteceu por dois motivos. Em primeiro lugar, as canções, em sua maioria escritas por David sozinho ou em associação com Craig Doerge, são muito populares e carecem da magia de seus dias de Byrds/CSN. Em segundo lugar, a produção é muito genérica. Artistas como Toto e Jackson Browne vêm à minha mente quando ouço Melody e In the Wide Ruin.

Existem algumas exceções à regra, é claro. Há qualidade em canções como Monkey and the Underdog e Tracks in the Dust. A primeira música é a história de David (The Underdog) em sua batalha contra as drogas (The Monkey). E na segunda música damos as boas-vindas aos vocais de harmonia de Graham Nash. Isso provavelmente explica porque considero essa música a melhor do álbum.

Então, sim, David estava de volta e isso é ótimo. Mas ele errou o alvo? Talvez.

Crosby, Stills e Nash

Revisão do álbum

Em 1989, Crosby era o azarão em uma luta contra o vício em drogas que quase o matou e o levou à prisão. As drogas minaram a criatividade e deixaram Crosby questionando suas decisões. 'Oh Yes I Can!', finalmente lançado em 1989, levou uma década inteira para ser feito e finalmente foi lançado dezoito anos após o último álbum solo 'If I Could Only Remember My Name'. Escrito no verso da poderosa autobiografia de Crosby 'Long Time Gone' (que também é cheia de desculpas e erros), é um álbum único no cânone de Crosby, sem a certeza excêntrica do predecessor ou o grande coração aberto dos discos do CPR para vir.

Apesar da certeza do título, 'Can' é o único álbum de Crosby em que Crosby teme não conseguir e onde nada é seguro, onde as coisas deram tão errado que ele não consegue se livrar de problemas. 'Drive My Car' tem o narrador dando uma volta no motor, simplesmente porque é a única coisa na vida sobre a qual ele ainda tem controle. 'Tracks In The Dust' tenta ter uma conversa a quatro sobre como colocar o mundo em ordem e não dá certo, ou pelo menos termina empatado. 'The Monkey and The Underdog' é uma luta que ainda está em andamento no final da música, as probabilidades ainda fortemente a favor do mais duro Macaco das drogas, que matou tantos, embora o azarão esteja fazendo o possível para colocar um inferno de uma luta. Em 'Distances' até a eloquência de Crosby pode'

A faixa-título é o mais próximo que tivemos de um pedido de desculpas em mais de cinquenta anos de produção musical, parte ficcional, mas também parte autobiográfica. Mesmo as décadas de luta de Crosby contra o estabelecimento americano são derrubadas com 'Lady Of The Harbour' elogiando a constituição (se não as formas como ela é mantida), enquanto o álbum termina com o hino não oficial dos EUA 'My Country 'Tis Of Thee'.

Crosby, ao que parecia, finalmente cortou o cabelo. É preciso uma música externa, da esposa do amigo de Crosby, Craig Doerge, Judy Henske, para proclamar que, no fundo, nada muda dentro de nós mesmos, mesmo quando tudo muda.

Estranhamente, talvez, dado o quanto Crosby sempre usou seu coração na manga, você não tem muita noção daquele período verdadeiramente terrível em sua vida pela música em 'Oh Yes I Can!', que é um tanto otimista e esperançoso. álbum. Há apenas uma música sobre drogas, nada sobre prisão e muito pouco sobre 'liberdade' (o mais próximo que chegamos é a estátua da liberdade aparecendo para os primeiros imigrantes da América). Talvez seja porque cinco dessas onze são canções antigas (quatro datam daquele disco de 1979 e 'Drop Down Mama' ainda mais longe), uma delas é um cover e uma é uma música folclórica tradicional/hino nacional, que deixa apenas a faixa-título, 'The Monkey and The Underdog' 'Tracks In The Dust' e 'Lady Of The Harbour' como novas composições genuínas.

 

Crosby soa mais preocupado com o mundo exterior do que nunca em uma música antes, talvez porque se sentiu tão isolado de qualquer coisa fora de sua cela durante seu tempo na prisão - daí a inclusão de canções que são respectivamente sobre sua namorada Jan, companheiros de drogas , o estado do mundo e um orgulho nacionalista pela América de alguém que acabou de perceber o quanto sente falta disso. O último desses três métodos de composição é aquele ao qual Crosby nunca mais voltará, sem nenhuma música futura sendo tão flagrante sobre drogas, conversas fictícias em jantares a quatro ou preocupações chauvinistas, embora todas sejam sinceras depois de tanto tempo na solitária. O que é constante é o verdadeiro começo de uma série de canções de amor para a namorada Jan Dance, a única constante amorosa no que certamente deve ser Crosby '

Jan também teve problemas, lutando com a falta de renda de Crosby e sobrevivendo de biscates enquanto também lutava contra problemas com drogas. Felizmente, há um final feliz, com o casal se casando logo após o lançamento de Crosby (e eles ainda estão até hoje, com este atualmente o relacionamento mais antigo em todo o domínio da CSN). Apesar de Crosby ter sobrevivido ao inferno e muitos fãs esperarem um disco cheio de exorcismo de demônios, é aquela sensação de felicidade que vem mais em 'Oh Yes I Can' - esse amor está lá em algum lugar se você olhar bem o suficiente (mesmo que seja apenas em um 'melodia' ou um simples passeio de carro, duas velhas canções pré-prisão que devem ter adquirido novos significados depois de terem sido negadas a Crosby por tanto tempo). A outra mensagem do álbum é que às vezes, apenas às vezes, os azarões podem vencer as lutas mais difíceis.

No geral, então, 'Oh Yes I Can' não era o álbum que esperávamos e às vezes cheira à velocidade e necessidade com que foi feito, pois Crosby descobriu que sua necessidade de uma renda rápida era mais rápida do que sua inspiração ainda um pouco lenta. poderia fluir. Nunca houve um álbum relacionado a Crosby com tanto preenchimento (o caso especial do projeto de covers 'A Thousand Roads' à parte) e a produção do final dos anos 1980 costuma estar em desacordo com as canções atemporais que desafiam a era que devem equilibrar ( ainda mais do que a versão de 1979 do álbum, na verdade). No entanto, há muito trabalho duro nesse álbum, tanto na fase de composição quanto na gravação, e muita verdade e coração foram colocados nas letras e nas melodias também.

 

As gravações de 1979 são, 'Drive My Car' à parte, boas demais para guardar em uma gaveta em algum lugar (parece estranho que Stills e Nash não tenham captado as excelentes 'Distances', especialmente, ao mesmo tempo em que 'pegaram emprestado' 'Delta' e 'Might As Well Have A Good Time'). As melhores das novas canções, como a faixa-título e 'Tracks In The Dust', estão ao lado das melhores de Crosby também, comoventes e sofisticadas. Os muito debatidos agitadores de bandeira 'Lady Of The Harbour' e 'My Country 'Tis Of Thee' não são as traições da liberalidade que os fãs pensaram que fossem na época, mas uma compreensão mais ampla do idealismo na natureza de Crosby e sua frustração quando a América raramente tenta viver de acordo com esse fato. 'Na Ampla Ruína'

Como Crosby, 'Oh Yes I Can' está longe de ser perfeito, muitas vezes é opinativo (mesmo que a maioria das opiniões esteja certa) e um pouco vaidoso às vezes ao longo do álbum. Mas, realmente, os fãs teriam feito de outra maneira? Apesar da produção, apesar das capas, apesar da mistura de material antigo e novo e um senso de comercialismo que nunca mais estará presente em seus trabalhos solo, há muito do 'real' Crosby aqui e depois de quase quinze anos fora do olho público (duas músicas em 'Daylight Again' da CSN e 'American Dream' da CSNY à parte) para Crosbyphiles de longa data, isso é uma bênção o suficiente. Ah, sim, Crosby ainda podia, na maioria das vezes pelo menos - e isso é tudo sobre esse álbum que você realmente precisa saber. [Extratos de  alansalbumarchives.blogspot.com ]

Este post consiste em FLACS copiados do meu vinil 'quase perfeito' e contém a capa completa do álbum para os formatos de vinil e CD, juntamente com digitalizações de rótulos e fotos.

Sempre foi minha intenção fazer uma postagem de homenagem a Crosby devido ao seu falecimento recente (19 de janeiro de 2023), mas queria ver o que outros blogueiros postaram primeiro, antes de produzir o meu. Eu acho que este álbum é um dos que não foram lançados recentemente, e é uma adição digna de sua ampla discografia.

Descanse em paz David Crosby - 81 anos

Lista de músicas

01 Drive My Car 3:34
02 Melody 4:07
03 Monkey And The Underdog 4:15
04 In The Wide Ruin 4:47
05 Tracks In The Dust 4:47
06 Drop Down Mama 3:06
07 Lady Of The Harbor 3: 19
08 Distances 3:35
09 Flying Man 3:24
10 Oh Yes I Can 5:08
11 My Country 'Tis Of Thee 1:58

Artistas:

Vocais - David Crosby, Graham Nash, Michael Hedges, Bonnie Raitt, James Taylor, JD Souther
Bass - Leland Sklar, George Perry, Tim Drummond
Drums - Joe Vitale, Russ Kunkal, Kim Keltner
Guitarra - David Crosby, Danny Kortchmar, Joe Lala, Steve Lukather, Jackson Browne, Michael Hedges, Mike Landau, Larry Carlton
Slide Guitar – David Lindley, Dan Dugmore
Teclados – Craig Doerge, Mike Finnegan, Kim Bullard

MUSICA&SOM

Glenn Cardier - An Everyday Maniac [The Festival File Vol.20] (1989) with Bonus Tracks

Embora sua produção musical tenha sido principalmente gentil, reflexiva e sensível, o irônico e imprevisível Glenn Cardier é um roqueiro trashy de coração. Ele começou sua carreira tocando guitarra solo em uma banda de acid rock de Brisbane Hendrix/Cream chamada The Revolution (veja a foto abaixo tirada no Hoadley's Battle Of The Bands no final dos anos 60) e ainda acende uma vela na janela para Eddie, Gene, Carl, Buddy , Jerry e Elvis. "Eu cresci com o rock 'n' roll", ele se entusiasma, "e meus heróis são Pete Townsend, os Beatles e afins".

Depois de dois anos como professor de escola, Glenn encontrou seu caminho para o jogo de gravação quando seu "Every Wounded Bird" foi a entrada vencedora de Queensland no National Songwriting Awards do Bandstand.

Assinado com a Festival Records em 1972, ele se mudou para Sydney e gravou seu primeiro álbum, 'Days Of Wilderness';, que lhe rendeu o prêmio de Melhor Novo Talento das estações de rádio comerciais da Austrália (que ironicamente raramente tocavam seus discos). Era uma época em que Carole, James, Joni e seus semelhantes murmuravam significativamente sobre seus violões, e Glenn mergulhou de cabeça nas estacas da angústia.

Relutantemente em ser escalado como um folkie mole, Glenn corajosamente saiu para a estrada com nomes como La De Das, Sherbet, Daddy Cool e Country Radio, e se viu na lista de Sunbury '72 e Sunbury '73 [da qual a faixa bônus foi obtida]. Ele também abriu para Frank Zappa (com Kevin Borich no violão) e a banda Earth de Manfred Mann em Sydney, e empreendeu uma turnê pelo campus chamada Woodsmoke & Oranges, na companhia de Richard Clapton, Mike McClellan e Paul Pulati. "Aqueles eram os dias em que o público, independentemente de quem viesse ver, estava preparado para sentar e ouvir você", lembra Glenn. “A música em si parecia mais importante naquela época”.

Tirada em Sunbury 73' 

O álbum de tragicomédia verdadeiramente soberbo 'Only When I Laugh' em 1974 exibiu a força e a humanidade das canções carregadas de pathos altamente individuais de Glenn, com "The Darlings Of Market Street" e "Lovers Alias ​​Fools" recebendo elogios consideráveis. Armado com uma série de ótimas críticas e uma das 'bolsas de Gough', ele partiu para Londres naquele ano, para gravar um terceiro álbum (Glenn Cardier) sob o produtor Labi Siffre, com assistência musical de Chas & Dave e The Shadow's Brian Bennett.

O airplay moderado da BBC estava próximo, assim como as turnês com a Fairport Convention e o homem. Olivia Newton-John gravou a comovente "New Born Babe", enquanto na Austrália, OL'55 incluiu "Iridescent Pink Sock Blues" em seu álbum de platina triplo 'Take It Greasy'.

A estada de Glenn na Inglaterra terminou em 1978 e ele se mudou de volta para Sydney. Desde então sua atividade musical tem sido espasmódica, mas sempre interessante. Ele era o pseudônimo 'Sydney Hill' cantando "Establishment Blues" no verso do single de ouro duplo "C'mon Aussie C'Mon" em 1979 [também adicionado aqui como uma faixa bônus].

A foto acima mostra Sydney Hills (também conhecido como Glenn Cardier) aceitando seu disco de ouro de Peter Hebbes, à direita. Adivinha quem está escondido embaixo do saco de papel!

No ano seguinte, Glenn escreveu e gravou 'Socka', o tema do Campeonato Mundial de Futebol Juvenil, que foi ouvido por 300 milhões de pessoas. Ele então empreendeu uma turnê australiana e asiática com Spike Milligan, que provou ser uma saída perfeita para seu senso de humor excêntrico [eu vi esse show quando tocou em Melbourne - foi hilário]

Em tempos mais recentes, ele foi responsável pela deliciosa faixa de Natal "Reindeers on the Rooftop", cantando sob o pseudônimo de Riff Raff, e começou a trabalhar em um novo álbum 'Rust in The Tailfin' [mas nunca aconteceu. A faixa-título acabou aparecendo em seu álbum de 2002 'Rattle The Cage']. Ao longo dos anos, suas canções foram gravadas por Jeff St. John, Broderick Smith, Margaret RoadKnight, Julie Anthony e outros. Ele liderou as bandas de estrada The Cardinals e The Bel-aires.

Este álbum apresenta o melhor dos três álbuns de Glenn, bem como várias faixas - Tin Minstrel, Christopher Columbus, The Same Old Story, Ulysses (primeira versão) e I Saved Annette From Drowning - que não apareceram anteriormente em um LP. "Dance Numbers", gravado na Inglaterra, é apresentado em disco pela primeira vez, assim como "Spaghetti Western" (de uma data em Perth na turnê Milligan de 1980). [Notas do encarte de Glenn A. Baker - 1989]

Esta postagem consiste em FLACs extraídos do CD (fornecidos pela Deutros com agradecimentos) e inclui arte completa e digitalizações de etiquetas. Todas as fotos apresentadas no post foram provenientes do site de Glenn. Resolvi postar este 'melhor da compilação' em resposta a um pedido de um seguidor do blog. Sempre foi minha intenção postar algo de Glenn, já que ele sempre foi o empreendedor quieto no mundo musical australiano, mas ele é um escritor tão forte de música e letras e merece muito mais reconhecimento. Eu também decidi incluir seu single de sucesso B-Side "Establishment Blues" e sua versão icônica de "Australia" de seus dias em Sunbury, como Bonus Tracks.

Lista de músicas

01 Lovers Alias Fools 2:31

02 The Darlings Of Market Street 2:00

03 Anniversary 1:54

04 New Born Babe 1:49

05 Ulysses 2:35

06 Tin Minstrel 2:44

07 Every Wounded Bird 3:23

08 I Am The Day 3:18

09 Cars 2:19

10 Dance Numbers 3:13

11 Butterfly Net 2:56

12 The Iridescent Pink Sock Blues 1:53

13 Oh, Dear Saint Peter 2:01

14 Christopher Columbus 2:31

15 Love At First Sight 1:13

16 Please Don't Eat The Flowers, Dear 2:10

17 The Same Old Story 3:33

18 I Saved Annette From Drowning 3:35

19 I See A Comedy 2:34

20 Spaghetti Western (live) 3:34

21  Australia (Bonus Live Sunbury 73')   2:29

22  Establishment Blues (Bonus B-Side Single)    1:55

MUSICA&SOM