LA BOCCA DELLA VERITÀ • Avenoth • 2016 • Italy [Rock Progressivo Italiano]

Fundado em Roma, em 2001, o LA BOCCA DELLA VERITÀ (o nome da banda é emprestado de uma máscara de pedra antiga que representa o rosto do Deus do mar Oceanus na mitologia grega), surgiu com o propósito de reviver o Rock Progressivo dos anos setenta (especialmente o de suas influências PINK FLOYD, PREMIATA FORNERIA MARCONI, GENESIS, BANCO DEL MUTUO SOCCORSO, Emerson, Lake and Palmer e LE ORME) por meio de apresentações, o que inicialmente fizeram com muito bom efeito. Durante este período a banda teve muita exposição pública, incluindo concertos, eventos culturais e seminários sobre Rock Progressivo. Desde 2004 o grupo deixou de realizar covers para se dedicar inteiramente à criação de seu primeiro álbum de composições originais, "Avenoth", um álbum conceitual que consiste em uma longa suíte de quase 78 minutos de duração influenciada sem surpresa pelos artistas acima mencionados. 

O teclado dominante em "Avenoth" apresenta uma invejável riqueza vocal de grupo que é perfeitamente equilibrada com passagens instrumentais longas e constantes de vários humores e mudanças de atmosferas. Junto com a grandiosidade orquestral dos NEW TROLLS e um toque moderno talvez no estilo de LOGOS, sua música contém todos os ingredientes certos para quem aprecia o Progressivo dos anos 70 atualizado, e "Avenoth" é um dos lançamentos italianos de destaque em 2016!

ALTAMENTE RECOMENDADO!!!

                                     

Tracks:
1. Intro 2161 (2:06)
2. Ouverture (2:03)
3. Contro Luna e Luce (4:11)
4. La Suite dei Tre Pianeti (17:43):   ◇
    a) Il Pianeta Vuoto
    b) Due Gambe Come Noi
    c) Il Pianeta Ostile
    d) Voyager 1977
5. Avenoth (8:12)   ◇
6. La Festa (3:59)   ◇
7. Antico (2:29)
8. La Deportazione degli Avenothiani (9:55)
9. La Rivolta - Il Massacro dei Terrestri (12:55)
10. Perduto Avenoth (5:48)    ◇
11. Reprise (Speranze Distorte) (10:23)
Time: 77:39

Musicians:
- Fabrizio Marziani / lead vocals, rhythm & 12-string guitars, flute
- Roberto Bucci / lead guitar, backing vocals
- Jimmy Bax / Hammond organ, Mellotron, ARP Prosoloist, digital synth, piano, backing vocals
- Massimo Di Paola / piano, keyboards, synths, backing vocals
- Guglielmo Mariotti / Rickenbacker bass, Moog Taurus, 6- & 12-string guitars, backing vocals
- Ivan Marziani / drums, percussion

 

CARAVELA ESCARLATE • Rascunho • 2016 • Brazil [Eclectic Prog]

CARAVELA ESCARLATE é um projeto que envolve três excelentes músicos brasileiros. A história começa quando o multi-instrumentista David Caravelle decidi trabalhar com o tecladista Ronaldo Rodrigues da banda ARCPELAGO, e ao procurarem uma baterista encontraram Elcio Cáfaro. Esse primeiro álbum do trio (aqui apenas com David e Ronaldo), é principalmente eletro-acústico, e contém algumas grandes melodias que servirão de inspiração para um estilo mais elétrico adotado no  excelente álbum seguinte. A música aqui bebe na fonte dos grandes nomes do Prog-Rock brasileiro dos anos 70. Vale conferir!

                                

Tracks:

1 De Sol A Sol (4:06)  ◇

2 Hipocampo (4:17)  ◇

3 Metamorfose (3:38)

4 Circo Imaginário (3:46)  ◇

5 Cavalo De Fogo (3:15)  ◇

6 Maino (4:57)

7 Pedra Do Sal (3:09)

8 Século XIV (5:27)  ◇

Time: 31:15

Musicians:

- Elcio Cáfaro: Drums

- David Paiva (Caravelle): Guitar, Acoustic Guitar, Bass, Vocals

- Ronaldo Rodrigues: Keyboards

CRONOLOGIA

》Caravela Escarlate  (2017)

Mu - Psychedelic Rock (Netherlands)

Mu, uma banda com Peter Mensing, Koos Ver A, Peter Graute, Bob Knegt, Martin vd Leer, Wim Ver A, Linda Smits, Steve Keen e Sylvia Koch. Gravado nos selos Backlash Studio entre 1979 e 1981. Música rock, com ares estranhos, talvez um pouco como Suspect... Realmente era uma banda especial criando infinitas sessões mágicas que eram gravadas ao vivo e tocadas ao vivo que a banda tocava e improvisava para talvez 8 horas com pessoas entrando e saindo com vocais e Martin mixando e introduzindo efeitos e mixando na sala uma banda ao vivo verdadeiramente orgânica. 

1981 - Motion in Tune

Don Blackman - Funk Disco (USA)

Don Blackman (1 de setembro de 1953 - 11 de abril de 2013) foi um pianista, cantor e compositor americano de jazz-funk. Ele se apresentou com Louis Hayes, Earth, Wind and Fire e Nicolas Dietz. Blackman nasceu e foi criado na Jamaica, Queens, NY. Um vizinho de infância era Charles McPherson e, ainda adolescente, tocou no conjunto de McPherson com Sam Jones e Louis Hayes. No início da década de 1970, tocou com Parliament/Funkadelic, Earth, Wind and Fire e Roy Ayers, antes de se tornar membro do grupo Twennynine de Lenny White, para quem escreveu canções como "Peanut Butter" e "Morning Sunrise". . Ele lançou seu primeiro álbum solo autointitulado em 1982 pela Arista Records, incluindo as canções "Holding You, Loving You",

Blackman também trabalhou como músico de sessão, aparecendo em álbuns de Kurtis Blow (Kingdom Blow), Bernard Wright, Najee, David Sanborn, Lenny White, Roy Ayers, Sting (Brand New Day), World Saxophone Quartet, Janet Jackson's "That's the Way Love Goes" (Remix) e Wayman Tisdale. Ele escreveu a composição "Haboglabotribin", que apareceu no álbum Nard de Bernard Wright e foi amostrada por Snoop Dogg na música "G'z and Hustlaz", do álbum RU Still Down? (Remember Me), e é uma música apresentada no videogame Grand Theft Auto V. Outras composições incluem "Dear Summer", que apareceu no álbum 534 de Memphis Bleek com Jay-Z, e ​​"Holding You, Loving You", que apareceu no álbum de Master P., I Got The Hook Up.

Na televisão, ele marcou e escreveu músicas para comerciais, programas de TV e filmes, aparecendo no New York Undercover da Fox Network, produzindo e escrevendo a música tema do programa da Nickelodeon "Gullah Gullah Island", bem como produzindo músicas para o filme da MTV Network. Apartamento de Joe.

1982 - Don Blackman

MUSICA&SOM

Brad Shepik - Jazz (USA)

 

Apresentando Gary Versace (órgão) e Mark Ferber (bateria), o conforto e o fácil relacionamento são aparentes enquanto eles abrem caminho através da improvisação total, funk, blues, swing, ritmos sul-americanos e balcânicos nesta atualização do honrado trio de órgãos. .

A estrutura harmônica/rítmica da melodia deixa muito espaço para a invenção melódica e sugere uma conversa nos refrões comerciais. Hall é dedicado a Jim Hall, o gigante da guitarra cuja influência é sentida em todas as gerações de guitarristas que surgiram desde o final dos anos 1950. Algo nos amplos intervalos melódicos e no ritmo fluido sugeria sua arte. Top in the Middle é uma forma AABC de blues, porém os acordes se desviam e sugerem uma subida um tanto difícil até o gol. O título se refere à inevitável mistura de doce e amargo à medida que a vida se desenrola. Major Major tem sido uma música favorita de "Tales of Another" de Gary Peacock por muitos anos, tive o privilégio de tocar uma sessão com ele quando tinha 19 anos. Aeolia é uma música circular com um ritmo 7/8 Balkan que me lembra de um amigo que mora em uma ilha ventosa. Eu estava brincando com cores harmônicas e frases no Stumma Cake. O título da música poderia ser uma sobremesa, mas os dois acordes finais refletem um leve desconforto experimentado ocasionalmente pelos muito jovens."

                                                                                           Top Down [2016]

                                                                                                MUSICA&SOM

Review: Visions Of Atlantis - Delta

 

Quatro anos após Trinity (2007), os austríacos do Visions Of Atlantis voltam a dar as caras com seu quarto álbum de estúdio, Delta, lançado pela Napalm Records. Com várias trocas de membros desde o último lançamento, Delta também marca a estréia da vocalista grega Maxi Nil e do baixista Mario Lochert.

Com o Symphonic Metal tornando-se cada vez mais um gênero saturado de tantas bandas, poucas conseguem se sobressair das demais ou expandir seus limites criativos dentro do estilo. Infelizmente, isto não é o que acontece em Delta.
Delta possui tudo para agradar os mais fanáticos pelo Metal Sinfônico, e, ao mesmo tempo que isso pode tornar o álbum pouco relevante para o estilo como um todo, também não chega a comprometer demais o resultado final, pois é feito com competência.

O grande destaque em Delta fica por conta das orquestrações, que não estão presentes apenas para enchimento e sim para desempenharem um papel fundamental na criação de atmosferas épicas e dramáticas, tendo também, em certos momentos, um destaque maior que o das guitarras, que não vão muito além de riffs básicos. As linhas vocais funcionam em torno da combinação dos vocais femininos de Maxi Nil com os masculinos de Mario Plank, que alterna sua função entre harmonizar suas linhas com as de Maxi, quando cantadas de maneira limpa, e gerar contraste, quando cantadas de maneira rasgada. Ambos trabalham bem dentro dos que lhes é proposto e tudo funciona corretamente, porém a ausência de refrões realmente marcantes acaba atuando de maneira negativa.

A mudança de vocalistas não causou enorme mudança na sonoridade do Visions Of Atlantis. Apesar de alguns poréns, Delta se mostra um álbum sólido. Talvez falte apenas um pouco mais de confiança na banda para tentarem ir mais além e deslancharem de vez na cena metálica, pois potêncial não é o que falta.



Tracklist:
1. Black River Delta
2. Memento
3. New Dawn
4. Where Daylight Fails
5. Conquest of Others
6. Twist of Fate
7. Elegecy of Existence
8. Reflection
9. Sonar
10. Gravitate Towards Fatality

Review: Moonsorrow - Varjoina Kuljemme Kuolleiden Maassa

Quatro anos após Viides Luku - Hävitetty, que é pouco inspirado em relação aos outros grandiosos discos da banda, os finlandeses do Moonsorrow (sim, mais finlandeses na parada) voltam com Varjoina Kuljemme Kuolleiden Maassa, um álbum que é tão bom quanto difícil de pronunciar o nome. Apesar de o disco anterior ser um pouco menos inspirado, ele é criativo e inovador e não perde sua essência nórdica devastadora e o clima místico do folk, assim como todos da banda, e não é diferente com esse. Neste álbum a banda traz novamente a mistura do clima soturno e agressivo do black metal com todo o brilhantismo e magia do folk metal, mistura essa que ainda não foi tão explorada pelas bandas desse gênero do metal tão cheio de possibilidades, e o Moonsorrow se destaca por fazê-la com originalidade e maestria.

A estrutura do disco é aquela já conhecida da banda, poucas músicas, porém longas. Este tem quatro músicas que ultrapassam os 10 minutos e 3 interlúdios. Os interlúdios soam como alguém caminhando na neve, até que esse alguém morre. Fica um pouco difícil dizer qualquer coisa porque a tradução das letras é um pouco inacessível, mas as canções fluem de uma maneira para que haja uma sensação de viagem, e o interlúdio Kuolleille e a última música, Kuolleiden Maa (A Terra Dos Mortos) sugerem esse fim para o "personagem".

O que mais impressiona na banda é que o seu som é incrivelmente atmosférico, é como se o som te hipnotizasse. Os vocais limpos foram deixados um pouco de lado nesse disco, ficando mais para as partes faladas, que ligam as diferentes passagens das canções. Na maior parte do tempo, as músicas pendem para o black metal, com guturais e drives bem agressivos num clima sombrio e depressivo, mas também tem belas melodias com um clima folk mais comedido, onde os músicos utilizam os tais intrumentos "diferentes", como viola, flauta, gaita, e a harpa de boca, que é a responsável pelo efeito mola tão usado pela banda, dando um frescor no clima denso e não deixando as canções soarem cansativas, tudo isso numa grandiosa estrutura instrumental, cativante e envolvente, tudo soando muito épico.

Todas essas características se resumem na 5ª faixa, Huuto, o destaque do disco. Ela começa num clima acústico, mas logo explode em agressividade, e também tem muitas outras linhagens e lindas melodias. Nela a banda também mostra um pouco da sua tendência progressiva, pelo fato de ela se repetir um pouco. Todos os sons se misturam, mas cada um fica distinto, todos soando muito bem, é a música que mais exige dos integrantes e a que mais mostra a técnica da banda. É fácil se perder nela.

Este álbum é infalível para agradar aos já adeptos ao gênero, mas também é uma grande recomendação para os que ainda não conhecem a proposta. Poucas bandas conseguem nos transportar para o mundo dos antigos vikings tão bem quanto o Moonsorrow, e este disco é a passagem mais segura e barata para este mundo fascinante.

Tracklist:

1. Tähdetön ( Starless) - 12:44

2. Hävitetty (Ravaged) - 01:34

3. Muinaiset (The Ancient Ones) - 11:43

4. Nälkä, Väsymys Ja Epätoivo (Hunger, Weariness and Despair) - 01:12

5. Huuto (The Scream) - 15:58

6. Kuolleille (To The Dead) - 01:35

7. Kuolleiden Maa (The Land of the Dead) - 16:23

A quintaesencia de Vangelis : Theme from Antarctica (1983)

Outro tema incontornável nas compilações de Vangelis é a abertura de Antarctica , um filme japonês local de enorme sucesso sobre um grupo de cães de trenó que sobrevivem após serem abandonados por circunstâncias adversas no continente congelado. É engraçado como o grego consegue misturar uma abordagem melódica bastante romântica com uma atmosfera levemente gelada.

Como sempre, foi posteriormente usado em documentários e programas de televisão. Na época, o álbum foi lançado apenas no Japão, mas é claro que sua estupenda música-tema encorajou a empresa a lançar internacionalmente. Ainda não revi a Antarctica no blog, e não porque não me interesse, mas porque ainda não vi o filme.

JETHRO TULL - BENEFIT (1970)

 

JETHRO TULL
''BENEFIT''
MAY 1 1970
42:33      MUSICA&SOM
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01 - With You There To Help Me 06:22
02 - Nothing To Say 05:14
03 - Alive And Well And Living In 02:48
04 - Son 02:54
05 - For Michael Collins, Jeffrey And Me 03:53
06 - To Cry You A Song 06:14
07 - A Time For Everything 02:46
08 - Inside 03:48
09 - Play In Time 03:49
10 - Sossity; You're A Woman 04:41
All Tracks By Ian Anderson
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Ian Anderson - vocals, guitar, flute, balalaika, keyboards, producer
Glenn Cornick - bass guitar, Hammond organ (uncredited)
Clive Bunker - drums
Martin Barre - electric guitar
Additional musicians:
David Palmer - orchestral arrangements
John Evan - piano and organ

Benefit foi o álbum em que o som Jethro Tull se solidificou em torno da música folk, abandonando totalmente o blues. Começando com o número de abertura, "With You There to Help Me", Anderson adota sua personalidade de cantor folk / sábio agora familiar e ligeiramente triste, com uma visão bastante sardônica da vida e do mundo; seu violão carrega a melodia, acompanhado pelo instrumento elétrico de Martin Barre para os crescendos. Este seria o modelo para grande parte do material em Aqualung e especialmente Thick as a Brick, embora o emparelhamento acústico/elétrico fosse executado de forma mais eficaz nesses álbuns. Aqui, os instrumentos acústicos e elétricos são mesclados um pouco melhor do que em Stand Up (no qual às vezes parecia que os solos de Barre estavam sendo tocados em um local totalmente diferente) e, conforme necessário, as guitarras elétricas carregam as melodias melhor do que nos álbuns anteriores. A maioria das canções de Benefit exibe melodias agradáveis ​​e deliciosamente folclóricas ligadas a letras pesadas, ligeiramente sombrias, mas deslumbrantemente complexas, com a guitarra de Barre adicionando potência suficiente para manter os ouvintes de hard rock muito interessados. "To Cry You a Song", "Son" e "For Michael Collins, Jeffrey and Me" definiram o futuro som de Tull: o amplificador de Barre aumentou para dez (especialmente em "Son"), vindo acima do dedilhado acústico de Anderson, um algumas mudanças inesperadas no andamento, e Anderson jorrando letras cheias de imagens e declarações densas e aparentemente profundas. Assim como em Stand Up, o grupo ainda era oficialmente um quarteto, com o futuro membro John Evan (cuja John Evan Band havia se tornado o núcleo do Jethro Tull dois anos antes) aparecendo como convidado nos teclados; sua formação clássica se mostrou essencial para a expansão do som do grupo nos três álbuns seguintes. Benefit foi relançado em uma edição remasterizada com faixas bônus no final de 2001, o que melhorou muito a clareza da execução e a riqueza do som; as quatro faixas adicionais são "Singing All Day", "Witch's Promise", a elegante "Just Trying to Be" e a mistura original do Reino Unido de "Teacher". Escritas e gravadas antes de Benefit, elas são todas mais leves do que o material do álbum original, adicionando uma variedade maior, mas se encaixando perfeitamente em um nível estilístico.

JETHRO TULL - AQUALUNG (1971)

 

JETHRO TULL
''AQUALUNG''
MARCH 19 1971
43:21      MUSICA&SOM
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01 - Aqualung 06:34 (Ian Anderson, Jennie Anderson)
02 - Cross Eyed Mary 04:08
03 - Cheap Day Return 01:22
04 - Mother Goose 03:53
05 - Wond'ring Aloud 01:53
06 - Up To Me 03:14
07 - My God 07:10
08 - Hymn 43 03:18
09 - Slipstream 01:11
10 - Locomotive Breath 04:26
11 - Wind Up 06:07
Tracks By Ian Anderson, Except 01
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Ian Anderson - vocals, acoustic guitar, flute, producer
Clive Bunker - drums, percussion
Martin Barre - electric guitar, descant recorder
John Evan - piano, organ, mellotron
Jeffrey Hammond (as "Jeffrey Hammond-Hammond") - bass guitar, alto recorder and odd voices (and backing vocals on "Mother Goose")
Glenn Cornick - bass guitar (played with the band at rehearsals for the album in June 1970, some of which may also have been recording sessions - especially in the early
versions of "My God" and "Wondring Again/Wondring Aloud" - although he is not credited on the album)
Additional personnel:
David Palmer - orchestral arrangements and conduction

O salto do Benefit de 1970 para o Aqualung do ano seguinte é uma das progressões mais surpreendentes da história do rock. No espaço de um álbum, Tull passou de um folk-rock eletrificado relativamente despretensioso para um rock conceitual maior do que a vida, cheio de composições sofisticadas e construções líricas complexas e intelectuais. Embora o salto para o rock progressivo completo não fosse dado até um ano depois em Thick as a Brick, o grau em que Tull aumentou a aposta aqui é notável.

O conceito lírico - a hipocrisia do cristianismo na Inglaterra - é mais forte do que na maioria dos outros esforços conceituais dos anos 70, mas é a música que o torna digno de elogios. O jeito vitorioso de Tull com um riff nunca foi tão cativante como em "Locomotive Breath" ou nos estudos de personagem "Cross Eyed Mary" e "Aqualung", que retratam participantes crivelmente decadentes na história de Ian Anderson. As imagens da fábula de "Mother Goose" e os sentimentos anti-autoritários vitriólicos de "Wind Up" servem de alerta para a iconoclastia obstinada de Anderson e sua desilusão com as tradições espirituais nas quais ele nasceu. Variado, mas coeso, Aqualung é amplamente considerado como o melhor momento de Tull.